Les rois du downtempo deathcore gatinois de Beyond Deviation fracassent nos tympans une deuxième fois en moins d’un an avec leur EP Entities. Environ 11 mois après la sortie de Kanashimi, leur précédent EP se basant sur le thème de l’horreur japonais, celui-ci est un retour aux sources portant sur de l’horreur plus traditionnel et la dépression.

Histoire d’une musique infernale

En 2013, après une succession d’autres groupes, le guitariste dénommé Kris Chayer a créé Beyond Deviation avec une bande de chums, notamment avec le chanteur à la voix aussi stridente que d’outre-tombe, Guillaume Villeneuve. Leur renommée débuta dès leur premier EP de 2015 avec la chanson éponyme titrée White Noise. Guillaume quitta le groupe par la suite, mais il y revint en 2020.

Entre temps, quelques changements de line-up se produiront et Beyond Deviation sortira un EP, The Plague King, un album, Dark Passenger, et un split avec Martyrs intitulé Bridge of Extinction. Son retour est annoncé avec le titre Identity Crisis alors que Fred Nylist était encore à la voix. Ils ont donc formé un duo de vocalistes pour ce single et pour le record du monde du plus grand nombre de solos de chanteurs sur une seule chanson avec 400 (et tout autant de screamers). Emmanuel Jean les rejoignit à la batterie pour cette dernière réalisation.

Suivant le départ de Nylist qui ne se consacra qu’à son propre projet solo du même nom, Beyond Deviation sortit la peur des fonds marins, Thalassophobia, avant de prendre une pause de septembre 2023 à mai 2024. Kanashimi voit ensuite le jour. Il s’agit, en réalité, de la réécriture du EP qui devait sortir avec Nylist et Guillaume au cri.

(Si vous désirez en apprendre d’avantage sur l’histoire de Beyond Deviation, j’ai écrit un fanzine nommé Viande Liquide qui inclut ce super groupe de chez moi. Vous pouvez me contacter via ma page Instagram ou Facebook pour vous procurer une copie digitale gratuitement.)

Les créateurs de monstres

Le 27 avril dernier, deux autres membres se sont officiellement greffés au groupe pour le compléter : Martin Knight à la seconde guitare et Vince Campeau à la basse. Le premier single d’Entities, Extinct, émergea le 12 juin sur les plateformes d’écoute en ligne et le second, le titre éponyme, le 26 juin.

Kris s’est entièrement occupé de la composition et de l’écriture des paroles. Il a aussi fait la pochette du single d’Extinct sous le nom de Skincarve Artworks. Celle du EP est de Andik Godfinger et il porte bien son surnom puisque son art est magnifiquement monstrueux. Enfin, la production, le mixage et le mastering sont de Matt Schmidt.

Critique apocalytpique

1. L’EP accueille les auditeurs avec violence avec Melancholy. Les 18 premières secondes sont réservées à des cris viscéraux qui nous transportent tout de go dans un univers horrifique. Beyond Deviation défonce ensuite le standard des chants aigus avec le whistle scream reconnaissable de Guillaume, qui est souvent comparé au son d’une bouilloire ou d’un ptérodactyle, suivi par celui plus acéré de Travis Gunnels de I’ Shapeshifter. La musique qui les accompagne est apocalyptique entre les rythmes saccadés, les mélodies inconventionnelles et le bruit grave des instruments à cordes.

2. L’intro d’Extinct est semblable à celle de Alles für die Kinder de Till Lindemann ; elle produit un sentiment étrange et dérangeant. En revanche, la musique qui la suit est vachement plus lourde et violente de la part de Beyond Deviation. Extinct peut aussi rappeler leur titre White Noise avec le côté anxiogène que procure cette mixture de sonorités où se rencontrent la brutalité et la répétition de la mélodie sombre du début. La conclusion est un breakdown sans pareil avec encore l’intro et le son strident de la voix de Guillaume.

3. La batterie d’Emmanuel martèle nos tympans dès les premiers instants de Cold. Il réussit très bien à augmenter la tension durant le titre en fracassant ces baguettes sur ces tambours et cymbales, il y arrive particulièrement bien à partir de 54 secondes. Au même moment, les guitares et la basse jouent des notes à très basses fréquences alors que Guillaume rugit. Ce n’est qu’un peu moins d’une minute plus tard que Bryce Schedlbauer de Divine Destruction se joint à lui.

4. Si vous vous demandiez comment sonne l’enfer, Lucifer vous ferait écouter Entities. Ce titre est du chaos à l’état pur malgré un début très similaire à celui de Be Quiet and Drive (Far Away) de Deftones. Elle est heavy en tabarnak et prouve le talent du quintet pour la création de musique extrême, particulièrement celui de Kris qui a réussi à reproduire cette apocalypse en bruit écoutable. Il faut aussi souligner la performance vocale puisque Guillaume a encore chanté une des notes les plus aiguës que j’ai entendue.

Beyond Deviation est sans équivoque l’un des groupes de deathcore qui maîtrise le mieux le secret de la musique extrême horrifique. Ils sont tous les cinq des professionnels qui méritent une plus grande renommée.

Vous pourrez retrouver ces talentueux Gatinois le 4 juillet au Heavy Fest 2 de Toronto et le 26 juillet au El Gros Fest de Cantley. N’oubliez d’aller écouter Entities dès mi-juillet pour entendre leurs toutes nouvelles pièces extraordinairement bruyantes !

Merci à Kris de m’avoir permis d’écouter cet excellent EP en avance et de m’avoir permis d’écrire cet article.

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Pour d’autres articles portant sur le death metal/deathcore, c’est ici.

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Alors que le groupe de rock inhabituel un peu fou nommé Cirrho (anciennement connu sous le nom de Cirrhose et Cendrier) est en pause, trois des cinq membres ont préparé dix titres pour nous faire ouïr la Poussière. Perdre les pétales est leur premier album et, aussi étonnant que ça puisse sembler, il est presque plus sombre et bizarre, dans le bon sens du terme, que ceux de Cirrho. Leur rock intriguant nous plonge dans un univers unique, mais fort agréable à écouter et à tenter de comprendre. (Pour vous donner une idée de la prestation scénique et musicale de Cirrho, vous pouvez lire l’article de Julie Fortin et celui de Patrice Belley qui relatent leurs deux passages au festival Le Délüge.)

Musicalité. Créativité. Fraternité.

Poussière est la création du trio fraternel de Gabriel, Philippe et Simon Le Boulaire. Le premier frère est le guitariste et le chanteur principal ainsi que le parolier et le compositeur. Le second porte une basse et s’occupe des chœurs, de la composition, de la prise de son et du mixage. Le troisième est assis derrière sa batterie tout en composant et en faisant la prise de son. Les frères ont aussi récemment accueilli un second guitariste, Danny Lavergne. Le groupe a appelé leur petite sœur Marianne Bédard pour les accompagner au tuba sur Sans toi et Gardien du fort.

Les trois frères ont commencé à travailler sur ce projet parallèle à Cirrho en 2024. Leur premier spectacle eut lieu le 6 mars 2025 au Quai des Brumes de Montréal devant une salle comble. Poussière se produira de nouveau sur scène le 20 juin 2026 au Ministère de Montréal pour le lancement de Perdre les pétales. D’ailleurs, le titre de l’album est un jeu de mots poétique avec l’expression moins naturelle de « perdre les pédales ».

Critique

1. Moins que rien est un chef d’œuvre, rien de moins ! Un seul défaut : trop court. Ça, c’est le problème de Cirrho, qu’ils ont malheureusement conservé sur cet album. Bref, la chanson commence un peu mystérieusement et on se demande qu’est-ce qui va arriver. Et c’est une musique exquise qui s’enchaîne. Entre les couplets tranquilles, les refrains accrocheurs et le pont avant le dernier refrain au son étrange, presque horrifique avec la voix légèrement saturée de Philippe, cette chanson est clairement une des meilleures de l’album.
   
2. Avec Sans toi, Poussière semble nous emmener dans un film où le personnage principal est esseulé, en plein milieu d’un désert interpersonnel où aucun oasis n’est à portée d’oreille. Ce titre est à mi-chemin entre un vieux hit rock et la bande sonore d’un western. La présence du tuba de Marianne donne vraiment l’impression qu’une légère brise vespérale effleure les pensées du personnage principal.
   
3. La folie en une chanson, c’est Last Call. L’écho, les dernières syllabes répétées comme des bombes d’une microseconde, ainsi que la voix et la guitare sous distorsion dans le refrain : tout cela crée un court mélange d’intensité mentale.
   
4. Comme l’indique son titre, Mon ombre contient une part sombre dans la musique et les paroles. Les parties de guitare où des notes très aiguës ressortent ou encore les mélodies uniques des couplets et des refrains façonnent une tune d’une grande qualité.
   
5. Gardien du fort nous plonge dans une atmosphère paisiblement aquatique. Il ne faut cependant pas se laisser berner par la tranquillité de la musique, car les paroles sont plus profondes qu’elles n’en ont l’air.

6. La manière dont Gabriel articule les paroles de Top[e] shape est fantastiquement bien pensée et originale. Le refrain avec l’harmonie vocale en arrière plan est envoûtant. Les cris et les moments plus heavy cassent le tout comme pour montrer que les paroles sont ironiques : le bien-être semble plutôt être la façade d’une réalité tourmentée.
   
7. Pour un morceau qui s’appelle Faites du bruit, ce n’est pas si bruyant. En revanche, le groupe a trouvé une tonne de synonymes pour les gens très sonores. J’ai l’impression que Poussière associe le bruit et, par extension, leur musique à une forme de catharsis.
   
8. Gun balloune (encore un jeu de mots) est la tune pour headbanger et mosher de l’album. C’est la chanson la plus courte, mais aussi la plus heavy et la plus déjantée.
   
9. Un riff très intéressant débute Trou blanc. Le son de la voix de Gabriel rajoute une touche fort originale qui transitionne très bien vers le refrain dont l’un des chants me rappelle celui de Billy Talent. Le moment un peu plus tranquille dans la seconde moitié de la chanson la fait progresser très subtilement et intelligemment vers un retour au riff du début.
   
10. Tout comme dans Cirrho, la grande force de Poussière, ce sont les mélodies vocales, mais aussi la façon dont elles sont incorporées dans la musique. Corps mort en est un bon exemple. L’originalité et la manière dont le tout a été pensé transforment le chant en un instrument qui se fond dans un ensemble de sonorités pour donner une piste audio magnifique.

Poussière commence donc en toute beauté une carrière qui est appelée à perdurer. En attendant plus de musique, des t-shirts sont présentement en préparation ainsi que d’autres shows à venir. Mais c’est au Ministère que les trois frères et leur nouveau partenaire lanceront Perdre les pétales, le 20 juin. Une soirée à ne surtout pas rater !

(Opinion très importante pour terminer : après leur avoir demandé : « Préférez-vous la poussière au-dessus des étagères ou celle au-dessous ? », Poussière a répondu : « Au-dessous, parce qu’elle défie les lois de la gravité pour rester dans l’ombre. »)

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Billet pour le spectacle de lancement au Ministère : https://lepointdevente.com/billets/mns260620001?lang=fr&fbclid=IwY2xjawSG0FdleHRuA2FlbQIxMABicmlkETFybTJPdUVQMTZobEJHRm1pc3J0YwZhcHBfaWQQMjIyMDM5MTc4ODIwMDg5MgABHhHhFtJePkBgzDPdpvo_vGyIFHAEFE_6Qh5g2e0QaMzm-71dq1NT9HACjs5e_aem_-JWcDD8_Vmi0JHmVK7UPPQ

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Bandcamp : Musique | Poussière

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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As Cryptopsy were about to take the stage in Baltimore on Saturday May 2, 2026, I had the opportunity to speak with the band’s vocalist, Matthieu McGachy, aka Matt, about his early days with the group, their legendary album None So Vile on its 30th anniversary, their current tours, as well as their upcoming show in Montreal on May 28. 

Since you joined Cryptopsy in 2007, how did you first discover the album None So Vile? What was the first song you heard?

Matt : To be completly honest, I think the first time I heard None So Vile was when I started trying to learn the songs after becoming Cryptopsy‘s vocalist. Before I joined the band, I wasn’t really the biggest Cryptopsy fan. I knew they were internationally recognized, but I wasn’t that into death metal. I was in another band before (3 Mile Scream) which was more metalcore, so we really wanted to be closer to Killswitch Engage. There were choruses where I sang and other verses where I screamed, on top of breakdowns. I remember starting to learn the songs – it was very difficult, as Lord Worm has a very particular way of screaming and making sounds with his voice. But at the same time, he’s a very strong writer. His lyrics are very poetic, dark and strange. He would write the lyrics, and then layer sounds over them, and the syllable count didn’t always line up. When I started, at least for the first year, it was really hard to figure out what he was actually saying versus what was written in the lyrics. I remember it clearly: I’d read the lyrics, listen to the songs, and then call Alex Auburn, who was playing guitar with us, and he’d say: « Ah, I think he’s saying all the words… » and it felt like I had a mountain to climb, standing right at the bottom. I knew I had a lot of work ahead of me before I’d be ready to perform live.

In that case, how did you end up crossing paths with Cryptospy? 

Matt: The Montreal music scene is actually pretty small, and everybody rehearses at Cité 2000. There a bunch of jam spaces there, and Cryptopsy practiced there too. I’d see them walking through the hallway and think to myself: « Oh wow, those guys are real musicians doing world tours. » So I knew who they were by name and by sight. 3 Mile Scream opened for Cryptopsy once or twice, always in Toronto, for some reason. 

Now that you’ve learned to love the album, what’s your favorite song from None So Vile? 

Matt: Ah, there are so many. Right now, we’re still in the middle of the None So Vile 30th anniversary tour. It started in Asia, then New Zealand and Australia, and we’ve toured all accross Europe. We’re playing a lot of songs from None So Vile so it’s hard to pick just one. But the one that gets the biggest reaction from the crowd, the one where you can literally see the light in people’s eyes when it starts, is Graves of the Fathers. There’s such a great groove in the middle section, and there’s a huge exchange of energy between the crowd and us, back and forth. Graves of the Fathers, is definitely very high on my list of favorite songs from None So Vile. The other one is Orgiastic Disembowelment. I love that one too, there’s another huge groove section where we can really connect with the crowd. Everybody’s headbanging together – I really love the verses in that song and the way it’s written. It’s rythmic, very oldschool: I love that song a lot!. 

Will you be playing the full album at your Montreal show? 

Matt: No. We decided not to play the album in full because we only have a one-hour set. Cryptopsy‘s music style is extremely intense. It’s a physical experience for everyone, both for the band and for the crowd. If we played all of None So Vile it would take around 35 to 40 minutes, with the speeches included. We also wanted to play newer material for the audience, because we just released an album last year, An Insatiable Violence. As musicians, it’s really important for us to play that material live, because it’s not only because of our first two albums that we’re a legendary band. We’re still releasing new material, even if we have the legendary status because of None So Vile and Blasphemy Made Flesh. We want to show people that we’re more than just one album, so we decided to play six of the eight songs [from None So Vile]. Our setlist has all the hits: the tracks from None So Vile, a song from Blasphemy, and a lot of newer material.

Did you make the call on the opening bands [Necrot, Fulci, Blood Monolith, Spirit Adrift] and if so, why did you pick them? 

Matt: Yes, I made a list of potential opening bands and looked at it. We have a booking agent who talks with all the promoters in every city. So I look through the roster to find artists who are with the same booking agency, and I go from there. It’s easier when it stays within the same family. Fulci was on my list, but unfortunately they didn’t get their visas in time to make the show. Luckily, Spirit Adrift joined the tour, stepping in less than a week before the tour started. They had to organize everything with their families, find transportation, jam their sets enough to be fully professional and ready to play the songs… and they did great. So thanks to them, the tour is complete and still going strong. 

Was it a deliberate choice to end the tour in Montreal? 

Matt: No, but it worked out perfectly. I think it just happened that way and it’s pretty convenient. We’ve done tours before with Aborted [2019] where we played Montreal and then had to go to Toronto afterward. With Belphegor, in 2017, we played Montreal and then played in Rouyn. It works much better for us when we can come home at the end of a tour. That way, my kids can come to the show and then we just head back home – that feels good! 

Are you planning anything special for the fans since Montreal is « home » for you? 

Matt: No, but I’d be thrilled for Lord Worm to come out and sing a song with us, even though I can’t really ask. However, we do have something new for this entire tour on the production side. We installed two LED screens with video synchronized to the music. The visual was created by an artist in Italy: it’s really captivating, intense, and it’s the first time we’ve done something like this.

Earlier you were talking about newer songs, are you currently working on more material? 

Matt: We’re actually starting on Monday [May 4, 2026], as we’re often writing while on tour and during our days off. We typically rest in the morning, and then in the afternoon we set up in a hotel room and start putting riffs together. That’s how we created An Insatiable Violence and it really helped us get a lot of work done in a short amount of time, it worked really well. It’s not always easy to stay motivated when you’re exhausted while on tour, but it’s definitely worth it. 

What are your plans after this tour? Do you already have something lined up? 

Matt: We’ve got another tour right after this one. We’re heading to Europe to play a lot of major festivals in late July and August. After that, we’ve got another really big festival in the US, that I can’t talk about just yet because it hasn’t been announced… but it’s something very cool, unique, and weird! It’s going to be an experience, as we probably shouldn’t even be on the bill.

Many thanks to Matt for the short interview and thanks to Will for helping set it up.

That said, make sure to grab your tickets for the show on May 28, 2026 at the Théâtre Fairmont in Montreal, so you don’t miss an evening of pure death metal and celebration of an album that changed the course of extreme music history!

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Credits:

Editing: Eddy H. Chavaudret

Translation: Jess Peach

L’article A few growled words on the 30th anniversary of None So Vile, with Matt from Cryptopsy est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Alors que Cryptopsy allait bientôt monter sur une scène de Baltimore ce samedi 2 mai 2026, j’ai eu l’occasion de m’entretenir avec le chanteur, Matthieu McGachy, alias Matt, pour discuter de ses débuts dans le groupe, de leur album trentenaire légendaire None So Vile, de leur tournée actuelle ainsi que de leur spectacle à Montréal qui aura lieu le 28 mai prochain. 

Puisque tu es arrivé en 2007 dans Cryptopsy, comment as-tu découvert l’album None So Vile? Quelle chanson as-tu entendue en premier? 

Matt : Pour être très honnête, je pense que la première fois que j’ai entendu None So Vile, c’était quand je commençais à essayer d’apprendre les chansons quand je suis devenu le chanteur de Cryptopsy. Avant que je sois dans le groupe, j’étais pas vraiment le plus gros fan de Cryptopsy. Je savais que c’était un groupe reconnu à l’international, mais j’étais pas le plus gros fan de death metal. J’étais dans un groupe avant (3 Mile Scream) qui était beaucoup plus metalcore faque on voulait vraiment être Killswitch Engage. Y’avait des refrains chantés puis des couplets où je criais et des breakdowns. Je me souviens que je commençais à apprendre les chansons. C’était très difficile parce que Lord Worm a une façon particulière de crier et de faire des sons avec sa voix mais, en même temps, il est un très bon écrivain. Ses paroles sont très poétiques, sombres et bizarres. Il écrivait des paroles et, après ça, il faisait des sons pis le nombre de syllabes n’était pas toujours juste. Quand j’ai commencé, c’était très difficile, du moins la première année, de découvrir ce qu’il disait pour vrai versus ce qui est écrit dans les paroles. Je me souviens très bien : je regardais les paroles, je l’écoutais, pis j’appelais Alex Auburn, qui était le guitariste avec nous, et il me disait : « Ah, je pense qu’il dit tous les mots… » C’était comme s’il fallait que je monte une montagne pis que j’étais tout en bas. Je savais que j’avais beaucoup de travail devant moi à parcourir avant de pouvoir faire un spectacle. 

Dans ce cas-là, comment est-ce que tu as rencontré Cryptospy? 

Matt : La scène musicale de Montréal est quand même petite et tout le monde pratique à la Cité 2000. Y’a plusieurs locaux où les bands pratiquent et Cryptopsy pratiquait là. Je les voyais passer dans le corridor pis j’étais toujours comme : « Oh wow, eux autres c’est des vrais musiciens qui font des tournées mondiales. » Faque je les connaissais de nom, de vue. Puis j’ai joué des spectacles avec eux, c’est plutôt là que j’ai découvert leur musique. 3 Mile Scream a fait la première partie pour Cryptopsy une ou deux fois, toujours à Toronto, je sais pas pourquoi. 

Maintenant que tu as appris à aimer l’album, c’est quoi ta chanson préférée de None So Vile? 

Matt : Ah, y’en a plein. Pour l’instant, on est encore sur la dernière tournée de célébration des 30 ans de None So Vile. Ça a commencé en Asie, puis en Nouvelle-Zélande, en Australie, et on a fait toute l’Europe. On joue beaucoup de chansons de None So Vile faque c’est difficile d’en choisir une. Mais celle qui fait réagir le plus la foule, que je peux voir la lumière dans les yeux s’allumer quand ça commence, c’est Graves of the Fathers. Y’a vraiment un bon groove dans le milieu et y’a beaucoup d’énergie qui se transfère de la foule à nous, back and forth. Graves of the Fathers, c’est vraiment haut sur ma liste de chansons préférées de None So Vile. L’autre, c’est Orgiastic Disembowelment. J’aime beaucoup, y’a encore un gros groove section où on peut, avec la foule, avoir vraiment une connexion. Pis on se brasse la toupette tous ensemble. J’aime beaucoup les couplets de cette chanson-là et comment c’est écrit. C’est très rythmique, c’est très old school, c’est une chanson que j’aime beaucoup. 

Est-ce que vous allez jouer l’album au complet lors de votre show à Montréal? 

Matt : Non. On a pris la décision de ne pas faire l’album au complet parce qu’on a un set d’une heure quand on est sur la scène. Cryptopsy c’est très intense comme style de musique. C’est une expérience physique pour tout le monde, pour le groupe et pour la foule. Faque None So Vile dure environ, si on jouait toutes les chansons, 35-40 minutes avec les discours. On voulait aussi présenter beaucoup de nouveaux morceaux à la foule aussi parce qu’on vient juste de sortir un album l’année passée, An Insatiable Violence. C’est très important pour nous, comme musiciens, de présenter ce matériel à la foule parce qu’on n’est pas seulement légendaires grâce aux deux premiers albums qu’on a sortis. On est aussi un groupe qui est très à jour musicalement, même si on a un genre de statut de groupe légendaire grâce à None So Vile et Blasphemy Made Flesh. C’est important pour nous de montrer à tout le monde qu’on est plus que juste un album. Faque on a pris la décision de jouer six des huit chansons [de None So Vile]. On joue tous les hits. On joue ceux de None So Vile, une toune de Blasphemy, et beaucoup de nouveau matériel. 

Est-ce que vous avez décidé des groupes [Necrot, Fulci, Blood Monolith, Spirit Adrift] en première partie et pourquoi vous les avez choisis, si c’est le cas? 

Matt : Oui, j’avais fait une liste. Souvent, quand je fais ça, je regarde… On a un booking agent, la personne qui parle avec tous les promoteurs dans chaque ville. Faque je regarde sur le roster, les artistes avec le même booking agent, et je fais une liste. C’est plus facile quand c’est dans la même famille. J’avais mis Fulci sur ma liste, mais malheureusement ils n’ont pas eu leur visa à temps et ils ne sont pas ici. Heureusement Spirit Adrift sont ici avec nous. Ils ont pris la relève en moins d’une semaine avant que la tournée commence. De tout planifier avec leur famille, trouver du transport, pratiquer assez les chansons pour être en mode professionnel pour les jouer… ils ont tout accompli ça! Donc, grâce à eux, la tournée est complète et on continue. 

Est-ce que vous avez choisi délibérément de finir par Montréal? Y a-t-il une raison derrière ça? 

Matt : Non, mais ça tombe bien. Je pense que la tournée a été montée comme ça pour nous. C’est vraiment pratique honnêtement. On a déjà fait une tournée avec Aborted [2019] pis on a joué à Montréal puis après ça à Toronto. Avec Belphegor, en 2017, on avait joué à Montréal puis après ça on avait fini à Rouyn. Faque ça fait plus notre affaire de revenir à la maison. Comme ça mes enfants peuvent venir au spectacle et on rentre à la maison après. Ça, ça nous fait du bien. 

Est-ce que vous réservez quelque chose de spécial pour les fans de Montréal puisque c’est votre « maison »? 

Matt : Non, mais j’aimerais ça que Lord Worm vienne faire une chanson avec nous même si je peux pas trop lui en demander. On a quelque chose de nouveau pour toute la tournée côté production. On a installé deux écrans LED avec des vidéos qui sont synchronisées avec notre musique. C’est du matériel qui a été créé par un artiste en Italie. C’est vraiment captivant, c’est intense et c’est la première fois qu’on fait ça. On monte un show, c’est nous quatre sur scène avec tous les visuels. C’est vraiment next level. On essaye de vraiment donner un criss de bon show. 

Comme tu parlais tout à l’heure de vos nouvelles chansons, est-ce qu’il y en a d’autres que vous préparez présentement? 

Matt : Ça va commencer lundi [4 mai 2026] justement parce qu’on écrit souvent quand on est en tournée et quand on a des jours de congé. Faque on se repose un petit peu le matin pis l’après-midi on s’installe dans une chambre d’hôtel pis on compose des riffs ensemble. On a fait ça sur deux tournées avant An Insatiable Violence et ça nous a vraiment aidé à faire beaucoup de travail dans une courte période de temps. Ça a bien fonctionné. C’est pas toujours facile d’être motivés quand on est fatigués en tournée, mais ça vaut vraiment la peine. 

Quels sont vos plans après la tournée ? Est-ce que vous avez quelque chose de prévu ? 

Matt : On a une autre tournée après cette tournée. On va en Europe pour faire beaucoup de gros festivals en fin juillet et en août. Pis, après ça, on a un autre très gros festival aux États-Unis dont je ne peux pas discuter parce que ce n’est pas encore annoncé, mais c’est quelque chose de très cool et unique et bizarre. Faque ça va être une expérience. On devrait pas être là. 

Merci beaucoup à Matt pour la courte interview et à Will de m’avoir aidé à l’organiser.

Sur ce, procurez-vous vos billets pour le show du 28 mai 2026 au Théatre Fairmount de Montréal pour ne surtout pas rater cette soirée de pur death metal et de célébrations d’un album qui a changé le cours de l’histoire de la musique extrême!

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Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Quelques mots growlés sur les 30 ans de None So Vile avec Matt de Cryptopsy est apparu en premier sur Le Bad Crew.

En ce 1er mai 2026, Come Back from the Dead nous déterre une agréable nausée avec son old school death metal espagnol à écouter : Ad Nauseam.

Chronologie d’une exhumation 

En 2008, le guitariste Héctor López (Nashgul, Black Panda, Asedio, etc.) et le batteur Marcos Pazo (Cenotaph, Sepulcro, Ekkaia, etc.) ont débuté un projet studio à A Coruña, en Galicia, en Espagne, pour créer du death metal sans pitié. Quelques chansons avaient alors été composées avant que les deux fassent une pause qui perdurera jusqu’en 2012. Le duo trépassé va se déterrer, à l’instar de ces quelques titres, lorsqu’il se reforme pour forger l’armature toujours intacte des deux membres fondateurs avec leurs nouveaux zombies : Paul Silva à la voix, Miguel Blanco à la seconde guitare et Iago Pardo à la basse. 

La première démo de Come Back from the Dead, sur laquelle sont inclus leurs deux premiers morceaux, vit le jour en 2013 alors qu’un certain Chinín était encore à la place de Iago. Cet opus servit de prélude à leur premier album, The Coffin Earth’s Entrails. Ce dernier est sorti sur BlackSeed Productions en CD et vinyle en 2014 avec le réenregistrement des deux démos auditives de l’année précédente ainsi que huit nouvelles pièces additionnelles. 

À la suite de quelques spectacles effectués en 2017 sur le territoire espagnol, CBFTD enchaîna avec Caro Data Vermibus, quatre chansons réalisées en vinyle 10 pouces en collaboration entre Abstract Emotions et Mono Canibal et en CD et coffret sur Transcending Obscurity Records. En 2019, ce label s’est chargé du disque suivant, The Rise of the Blind Ones, pour toute les versions : numérique, vinyle, CD et coffret.  

Ces 10 morceaux ont été les derniers à sortir de leur tombe avant la fameuse pandémie qu’on connaît tous, la COVID-19, qui les poussa initialement à un hiatus qui se poursuivit par le fait de maladies qui touchèrent certains membres. Heureusement, aucun n’a été amputé.

Ad Nauseam : nausée putride ancestrale

Ils sont par la suite retournés en studio avec un contrôle total sur leur musique puisqu’ils se sont eux-mêmes occupés de l’écriture (forcément) tout en déléguant la tâche de l’enregistrement et du mixage à Héctor au Lucifixion Studio d’A Coruña. De plus, c’est leur propre label, Coffin Entrails Sound, ainsi que celui d’un des morts-vivants du band, Taûme Records (logo ci-dessus), qui réalisent en vinyle Ad Nauseam, leur réincarnation sonore dans laquelle a muté le old school death metal suédois et américain avec des nuances death ‘n’ roll. Le groupe défini même un peu cet EP comme un mix bâtard d’Entombed et d’Autopsy. 

En ce qui a trait aux autres exhumés qui ont contribué à la création de ce disque, Magnus Lindberg de Cult of Luna a masterisé le tout à VRTKL Audio en Suède, El Yeti s’est occupé de la mise en page et du design, César Valladares de Decapited Christ a dessiné l’ensemble des illustrations et le logo est de Anustes. Sans oublier le Camigraphic Lab qui a sérigraphié, sur le côté B du vinyle, l’image suivante de César :

Pour introduire leur retour dans le monde des vivants, CBFTD a graduellement dévoilé chacune des quatre chansons du EP, à coup d’une par mois. Le groupe commença par Sick to Death le 6 février 2026, suivi par Waves of Maggots Over Oceans of Rot le 6 mars ainsi qu’Autopsy of a Genocide le 3 avril et termina par le titre éponyme, Ad Nauseam, le 1er mai. J’ai disséqué pour vous chacun de ces morceaux morbides dans la section suivante. 

Critique moribonde

1. Come Back from the Dead ouvre en force avec Sick to Death. Le groupe a totalement raison de se comparer à Entombed : le son old school death metal et death ‘n’ roll est parfaitement incorporé dans cet amalgame puissant et sinistre. Le riff est digne d’une version extrême d’une musique de film d’horreur et la voix provient nettement des profondeurs d’un cimetière. Les paroles sont blasphématoires comme on l’aime généralement dans le métal extrême.

2. Waves of Maggots Over Oceans of Rot perpétue le sentiment nauséeux avec un rythme lent et une mélodie caverneuse en introduction… Jusqu’à un break à 40 secondes qui repart de plus belle le titre en rapidité avec un mini-solo. Le riff transposé une octave plus haute et les coups de cymbale additionnels amplifient un refrain apocalyptique. Un tsunami d’asticots et de notes nous envahit par la suite jusqu’à la fin du morceau. 

3. Originalement apparu le 24 juin 2025 sur Under the Blade of a Zionist Nightmare Vol IV – And We Have to Fight Back!, une compilation en soutien avec le peuple palestinien, Autopsy of a Genocide est la trame sonore de l’analyse de ce crime destructeur de peuple. Cette chanson est une attaque auditive où la batterie est une arme et où le refrain et le solo représentent un certain calme anxiogène entre chaque frappe annihilatrice musicale. 

4. En clôture du EP, le morceau éponyme, Ad Nauseam, continue l’old school death metal classique avec des riffs répétitifs qui martèlent nos tympans. Un solo ténébreux de guitare intervient après une courte pause où les instruments ont laissé place au soliste. Le disque se finit sur une section parfaite pour déchaîner sa tête, ses cheveux et son cou à coup de headbanging.

C’est probablement la meilleure nausée que j’ai vécue. Le son général du EP nous ramène vraiment au fondement du old school death metal et du death ‘n’ roll sans cependant être une copie conforme de ses prédécesseurs. Come Back from the Dead s’extirpe de sa tombe et j’espère qu’il n’y retournera pas de sitôt, du moins pas avant de faire un petit séjour au Québec afin de découvrir ces morts-vivants en personne.

(Pour d’autres articles qui traitent du death metal, c’est ici.)

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Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photos : Come Back from the Dead et Virginia De

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour le centenaire de la ville de Noranda le 11 mars 2026, Guhn Twei, le groupe québécois alliant hardcore, death metal et grindcore dans un alliage lourd tant par le son que par le sens, nous a concocté un analgésique auditif contre le vecteur de cancer nommé Glencore, sous-titré la fonderie Horne. Ce troisième album, Une ville, une mine, un cancer, explore des thèmes sombres autour du poison qui ronge la ville de Rouyn-Noranda, particulièrement dans le premier côté, Une ville, une mine…, tandis que le second, … un cancer, relate plutôt le côté humain derrière la maladie et la noirceur qui accompagne son porteur. 

C’est Simon Turcotte qui a écrit les paroles de ces chansons remplies de (dés)espoir. Il est le bassiste et chanteur du groupe. Il est entouré de David Alisich-Bérubé à la guitare, Jeanne Perrin, également à la guitare et à la voix, et Étienne Pelchat à la batterie.

Lisez ici l’entrevue faite par Claudia Bo avec Simon pour découvrir davantage l’histoire derrière l’album et d’autres sujets liés au groupe.

Crédits malades

Le paysage hivernal du cimetière Notre-Dame de Rouyn-Noranda ainsi que les autres éléments visuels ont été peints par Juliette Lemieux. Slam Disques, le label qui s’autoproclame « un échec depuis 2002 » fondé par Jessy Fuchs (Rouge Pompier, ex-Exterio), s’occupe de la promotion et de la réalisation de ce disque. De son côté, Christian Donaldson, guitariste de Cryptopsy et ingénieur du son, a masterisé l’album. L’infographie est signée Jeanne, tandis que l’enregistrement et le mix sont l’oeuvre de David. L’ensemble des chansons a été enregistré entre décembre 2024 et janvier 2026 à La Punk House à Rouyn-Noranda. 

Critique essoufflée

Côté A : Une ville, une mine…

1. Ville fantôme, l’introduction de l’album, nous plonge d’emblée dans une atmosphère sombre et froide avec une mélodie perturbante à la basse suivie d’une guitare électrique clean. Simon expose la face sombre de leur ville dès la première distorsion du disque. Comme pour mieux nous faire comprendre la déchéance de la ville polluée et mourante, la chanson se termine avec une interférence sonore avant de brutalement se lancer dans les Coquerelles. 

2. On retrouve notre Guhn Twei habituel avec Coquerelles. Le morceau frappe en pleine figure par le son grave des guitares et l’attaque des tambours de la batterie. Lors du refrain, Jeanne dit quelques mots en arrière-plan pendant que Simon gueule. Un breakdown growlé apparaît vers la fin : la lourdeur est au rendez-vous. 

3. “Une mine empoisonneuse, une ville malade”, ces premières paroles d’Une ville, une mine, un cancer résument bien la bataille du groupe. S’ensuit un petit moment électro/industriel légèrement semblable à Parasite ou encore Infanticide qui débouche une nouvelle fois sur la voix de Jeanne et Simon. L’électro revient pour terminer la chanson. 

4. Cette fois-ci, c’est Jeanne qui introduit les paroles “joyeuses” d’À bout de souffle. Du scream incompréhensible continue avec violence. Après un couplet et un interlude, le début est reproduit avant d’entendre la voix presque fantomatique de Marc-André Boucher, le chanteur invité de Barre à Clou, un autre groupe de Rouyn-Noranda, mais de stoner/sludge metal. 

5. Un riff de guitare et des coups de cymbale débutent Culture du Silence. La lenteur et le son grave (ainsi que les paroles) du morceau relatent la censure dont le band a entre autres été victime. Malgré tout, ça donne le goût de danser, ou mosher, c’est selon. (Vous pouvez lire l’article de Charles Loco pour approfondir le sujet de la censure vécue par le groupe.)

6. Malgré la brève durée de 101 avenue Portelance, on s’en prend plein la gueule à son écoute. 

7. Dans Les oiseaux vont mourir au Lac Osisko, Guhn Twei semble s’être donné le défi de faire une chanson puissante avec des riffs hypnotiques. Ils ont totalement réussi avec leurs couplets agressifs et une minute finale instrumentale envoûtante.

Côté B : … un cancer

8. Nous voilà au moment bien dépressif de l’album. Même si ce n’est pas un morceau rapide, la musique, le chant et le poème sont agressifs. La ligne “Je dormirai rendu à la morgue” donne une bonne idée du sujet avec le titre de la chanson, Neige noire, nuits blanches. 

9. Le prochain titre est simplement un interlude de basse avec toujours autant de joie de vivre dans l’histoire narrée du Patient no.1852606. 

10. Les riffs de guitare death metal et le son grave de la basse bien perceptible créent une atmosphère funeste digne de Doux souvenirs de l’abattoir. Froid comme une morgue, le chant de Jeanne rajoute une touche douce comme la faucheuse à 48 secondes. 

11. Tel un sentiment d’alerte constant, Code blanc martèle sans cesse (ou presque) l’auditeur par la puissance de sa musique. 

12. La tension monte en même temps qu’on avance dans la Phase terminale jusqu’à ce qu’on arrive au nec plus ultra, alias le breakdown de “La criss de paix”. S’ensuit la déchéance en slide de guitare distorsionnée, style doom metal, en guise de transition vers le terminus mortuaire de l’album. 

13. L’intro à la guitare classique a été enregistrée par Simon avec son phone une nuit à proximité de la fonderie Horne. C’est donc le ronronnement malsain de la fonderie qu’on peut entendre en arrière-plan. Le prélude laisse par la suite place à un bruit assourdissant répété qui restera en fond presque jusqu’à la fin de la chanson comme un son constant après un Suicide collectif. Entre-temps, les guitares de David et Jeanne, la basse de Simon, la batterie d’Étienne, les chants de Jeanne, Simon et Philip Roy (chanteur invité de Scare et Bhatt) et des sons électroniques se réunissent pour clore de manière assommante, brutale, mutilante un album lourd, dénonciateur, sombre dont seul Guhn Twei est capable. 

Après Glencorruption et Capital de l’arsenic, il est très probable que Guhn Twei soit une nouvelle fois couronné au GAMIQ pour l’Album metal de l’année pour une troisième participation consécutive. Chaque réalisation montre un rare talent francophone de la musique extrême québécoise en plus de dénoncer et militer contre un fléau cancérigène, insouciant, meurtrier et honteux.

Fuck Glencore

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Toys of Disharmony Distribution (vinyle et cassette de Capitale de l’arsenic) : https://www.toysofdisharmony.com/en/search?search=guhn%20twei&

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Métal cancéreux rouynorandien : Guhn Twei et son album lourd comme une mine d’arsenic est apparu en premier sur Le Bad Crew.

La nuit du 17 au 18 janvier a été bien mouvementée au House of Targ d’Ottawa. Pils Records y tenait la quatrième édition de ses Pils Sessions avec les groupes The Defamed, Over the Hill, Street Code, The Stress et The Scally Cap Brats ainsi que quelques marchands punks. Vous pouvez retrouver le compte rendu de Frosty Pat de l’édition précédente ici.

Marché DIY

K.I.V.A. débute la table des vendeurs invités avec ses différents articles, comme des colliers, des boucles d’oreilles, des ceintures et des vêtements faits à la main. 

Juste à côté se trouvait La Fée Rebelle, une artisane qui crée en recyclant. Ses produits sont multiples et de plusieurs utilités : savons, couvres bols, sac à collation, etc. (voir la partie droite de la photo ci-dessus).

À la droite de cette dernière, Sick & Twisted Records présentait ses vinyles, cassettes, patchs (une tonne de patchs !) et autres. Cette maison de disques punks existait avant même ce millénaire ; juste pour vous dire que sa réputation n’est plus à faire dans l’underground québécois.

Le dernier de cette grande tablée était La Caisse Noire, un ébéniste qui fabrique du mobilier pour vinyle personnalisable. Il peut adapter ses meubles de bois aux 7″, aux 10″ et aux 12″, les peinturer et autrement les personnaliser à votre guise, il suffit de communiquer avec lui.

Finalement, celui qui a organisé ce formidable évènement, Dizz Hupé, de Pils Records, proposait sa marchandise en forme de grands disques de la taille d’une grande pizza près de l’escalier menant à la salle de concert/arcade qu’est le House of Targ. Pils Records est un label distribuant des vinyles et des cassettes de groupes underground ou connus, incluant ses propres réalisations et celles d’autres maisons de disques.

The Defamed 

La musique commença avec le groupe montréalais The Defamed. Plusieurs échanges chantés eurent lieu lors du premier morceau entre un guitariste crêteux, un guitariste spikeux et une batteuse aux cheveux partiellement verts. Cette dernière tapa ses tambours et fit un superbe drum fill pour débuter le deuxième titre. Après avoir remercié Dizz pour le show, le band continua de plus belle après un cri qui préluda une chanson rapide, coupée par un interlude lent, avant de reprendre de la même façon qu’elle a commencé. On a ensuite eu droit à Fashion Pig, une toune de street punk « crissement » bonne. 

Le public a commencé à bouger lors des chansons suivantes. Entre deux pogos, le groupe a souhaité un joyeux anniversaire à quelqu’un dont le nom n’a pas atteint mes esgourdes. Un peu plus tard, le groupe rata l’intro d’un court morceau, mais ils dirent que c’était intentionnel… Je vais leur donner le bénéfice du doute. Pour l’avant-dernier morceau, le chanteur à crête chanta vite, malgré des problèmes avec son pied de micro et sa guitare qui ne le déstabilisa pas vraiment. 

Over the Hill 

Venant aussi de Montréal, Over the Hill s’introduisit avec ces mots (si j’ai bien compris) : « This show is brought to you by Advil®. » Un peu d’humour pour débuter, c’est toujours apprécié. C’était le premier groupe « sans poux » de la soirée, ou skinhead si vous préférez, mais le seul à avoir chanté en anglais et en français. Et, je ne sais pas pourquoi, la oi! francophone a un petit quelque chose qui la rend meilleure à l’anglophone, donc les deux ou trois titres dans la langue de Komintern Sect ont été dans mes préférés de la soirée. Peu de temps après leur première chanson en français, le chanteur nous confie qu’il vient d’Aylmer, soit juste de l’autre côté du pont. 

Par la suite, leur quatrième titre fit bouger le public avec la gradation rapide de son rythme. À gauche de la scène, quelqu’un portait la bannière à l’effigie du groupe pendant que le chanteur faisait son Skank Kid, le fameux dessin de Shawn Kerri réutilisé par Circle Jerks. Plus tard, une personne se fit porter par d’autres gens et j’ai eu peur pour lui, parce que, pour ceux qui ne connaissent pas la salle, le plafond du House of Targ est très bas. Justement, le chanteur dira un peu plus tard qu’il est connu pour faire des backflips sur scène, mais qu’il préférait ne pas essayer ici.  

Avant cela, il y a eu un petit moment de publicité pour inciter les auditeurs à acheter leur album, puisqu’il n’en restait plus qu’une vingtaine dans le monde. Ensuite, le band a chanté son hymne Young Again, qui clôt ce même album. Deux fans semblaient très bien connaître celle-ci, puisqu’ils sont allés chanter dans le micro du chanteur. Pour terminer, ils remercièrent eux aussi Dizz et reprirent Moscow de Blitz. 

Street Code 

Street Code se présenta d’abord comme étant de Toronto et remercia Dizz pour le concert. Le band a ensuite joué Clobber et je découvris de la oi! vachement lourde dans un sens presque hardcore, caractérisée par la voix grave du chanteur et la musique relativement lente. Le groupe a continué avec Dirty Town, un titre sur leur grande ville ontarienne. Petit changement de registre avec In My Flight, le titre éponyme de leur album, qui contient un refrain vocal mélodique en O. Le prochain, Let Me Go, a été pas mal mouvementé.  

On a ensuite eu droit à Go Home. Pendant une des chansons, le chanteur baissa le pouce comme un empereur romain. Avant de terminer, Street Code a fait une autre chanson dont le refrain contient de nouveau une mélodie vocale en O, ces deux-là sont probablement mes favorites de leur set. Ils ont fini, à l’instar d’Over the Hill, avec une reprise de Blitz ; cette fois-ci, Warriors.

The Stress 

« We’re coming from the U.S., unfortunately » ont été dans les premières paroles du chanteur skinhead à béret de The Stress, le groupe invité de New York. Je me souviens que l’un des premiers titres avait une bonne mélodie typique de la vieille oi! et que les lignes de basse étaient superbes. Justement, le bassiste avait étonnamment un chandail de Komintern Sect. Le groupe a aussi performé leur toute dernière réalisation, Break the Chains. 

The Stress a par la suite dédié une de leurs chansons à The Defamed puisque les deux ont écrit des morceaux sur les gatekeepers/posers. Eux aussi remercièrent Dizz entre deux compositions originales. Le band nous a annoncé qu’un nouvel album, qui se nommera Here First, Here Last, est en route et nous a présenté la nouveauté If I Don’t See You. Les musiciens reprirent après, non pas du Blitz, mais du Business, plus exactement Real Enemy. 

(Petit message à ceux qui se saoulent pendant des concerts, particulièrement à celui qui a gâché mon appréciation de la prestation de The Stress : vous faites chier les autres quand vous ne savez pas vous tenir. Je croyais qu’être punk c’était d’abord de respecter son semblable. S’il vous plaît, respectez vos calisse de limites, ou au moins celles des autres.) 

The Scally Cap Brats 

Nous sommes donc rendus au talent local avec The Scally Cap Brats, un groupe regroupant six musiciens répartis comme suit : trois guitaristes, un bassiste, un batteur et un homme à tout faire (un multi-instrumentiste). Le chanteur procéda tout d’abord au tirage de la boîte mystère que Pils Records avait préparée spécialement pour l’évènement dans laquelle se trouvait plusieurs items musicaux de plusieurs formes. Tout au long du spectacle, le multi-instrumentiste a surtout joué de la mandoline, mais il la troqua à maintes reprises. Par exemple, il la quitta pour n’être qu’avec son microphone pour chanter seul sur le troisième morceau de punk celtique bien festif. 

You Never Know et Yankee Jim de l’album Our Storied Past suivirent. Le mandoliniste échangea son instrument pour une mini-flûte qu’on n’entendit pas des masses, de même que sa mandoline quand il la reprit. Cette dernière se transforma en banjo un peu avant Halifax Way. L’avant-dernière pièce musicale contenait un extrait de We’re Coming Back de Cock Sparrer. À ce moment précis, la foule a chanté en cœur, et certains, dont Jenny Woo, sont même montés sur scène pour chanter avec le groupe. L’évènement s’est clos sur Dress Sharp, Drink Hard. Le band a aussi joué des nouvelles chansons. 

Nous retrouverons Pils Records pour un évènement qui sera, je pense, exceptionnel le 10 octobre pour ses cinq ans d’existence. 

Pour encourager les artisans et les groupes de la soirée :

K.I.V.A. : Instagram

La Fée Rebelle : La Fée Rebelle (site officiel)

Sick & Twisted Records : Linktree

La Caisse Noire : Facebook

Pils Records : Linktree

The Defamed : Linktree

Over the Hill : Instagram & Bandcamp (album) & Bandcamp (demo) & vinyle

Street Code : Instagram & Bandcamp (EP) & Bandcamp (album)

The Stress : Facebook & Bandcamp

The Scally Cap Brats : Facebook & Bandcamp

Crédits

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photos : Guylaine De Gregorio, Eddy H. Chavaudret (photos des sections Marché DIY et The Scally Cap Brats), Courtney O’Hara (dernière photo), les logos des marchands proviennent de leurs réseaux sociaux

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Pils Sessions IV : spectacle et marché punk/oi! d’Ottawa  est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Frère d’Aephanemer et cousin de Children of Bodom, Nothing New in Heaven continue la lignée melodic death metal européenne tel un don du ciel avec Crossing the Bloodred Sea. 

La Bible du nihiliste 

Le premier prophète nommé Alex Hoerner est l’auteur, compositeur et musicien derrière le projet Nothing New in Heaven qu’il créa en 2010 alors qu’il commençait à composer seul sa propre musique. Ce nom lui est venu alors qu’il lisait À l’ouest rien de nouveau d’Erich Maria Remarque. Il aimait le titre, donc il décida de le remodeler d’une manière un peu plus mystique et moins en rapport avec le sujet principal du livre, soit la guerre. À l’exception des chansons groovy, les paroles suivent donc ce côté spirituel, particulièrement une vision cynique de la religion menant même au nihilisme sur certains morceaux. 

À la fin de 2019, le deuxième prophète, Simon Cousin, rentre dans l’histoire du groupe à la suite du dernier jour des dieux du melo death sur leur sainte terre; en d’autres termes, à la suite du dernier spectacle de Children of Bodom en Finlande. Les deux Français se sont rencontrés complètement par hasard dans le bus du retour de ce concert. Alex l’a invité à prendre un verre et lui à partager son projet dont seul un chanteur manquait. Simon a accepté de prendre ce rôle malgré l’alcool qui coulait dans son sang. Le lendemain, Alex lui rappela son engagement et lui énonça ses influences, c’est-à-dire Ensiferum, Wintersun, Norther et bien sûr Children of Bodom. 

Comme pour plusieurs autres groupes, la COVID-19 a freiné toutes les opérations du band. Mais la mort d’Alexi Laiho, le chanteur et guitariste de Children of Bodom, tout juste un an après son dernier show, leur a donné un coup de pied au cul. Ils ont donc décidé qu’ils devaient faire au moins un premier EP qui se concrétisa en 2022 sous le nom de Of passion and pain. Leur élan se poursuivit en 2023 avec leur second opus Live for me, die for me. Et ils ont visiblement continué en 2025 avec Crossing the Bloodred Sea pour former une trilogie de pochettes d’Hervé Costa respectivement rouge, verte et bleue en hommage à leur défunte idole. 

Les coulisses du nouvel EP 

Cette fois-ci, Alex a eu un coup de main de la plume d’une de ses amies, Alexia Chudy, sur ce disque tiré à 200 copies. Elle récite les premières paroles du EP comme elle l’avait déjà fait pour une chanson de chacun des deux autres. NNIH a aussi eu la visite de Clément Dellis d’Embrace Your Punishment et Sun Eater, Lucie JB et Louis Dorigny au chant. L’enregistrement eu lieu dans le home studio d’Alex. En revanche, c’est Guillaume Schappacher de Gravity Sound Prod qui a mixé et masterisé les cinq titres. 

Critique

Avec Fall of the Believer, Nothing New in Heaven introduit sa dernière création avec une mélodie au piano et, tout juste avant la première minute, Alexia nous avertit que la religion pourrait n’être qu’un espoir illusoire. L’aventure melo death commence à merveille peu de temps après avec la voix singulière de Simon Cousin et les orchestrations. Je suis étonné d’entendre, vers 2 min 35 s, un chœur clean et non screamé pour le refrain puisqu’il s’agit d’une pratique peu courante pour le groupe, mais asti que ça va bien avec leur style de musique. 

S’ensuit Waves of Salvation avec un riff de guitare d’Alexandre Hoerner qui accroche particulièrement mon oreille. Une nouvelle fois, une chorale de chant clair me surprend avec un plaisir de plus en plus grand. S’enchaîne un moment tranquille avec des mots parlés. Lorsque le riff de ce calme instant reprend avec une batterie fort bien programmée, l’auditeur ne peut qu’adorer le cri de Simon avant qu’un trop court solo n’apparaisse. 

Après une douce mélodie qui a clos le titre précédent, une autre débute le suivant nommé Rise of the Nihilist. Un peu plus loin, la guitare me semble très similaire à une chanson d’Aephanemer, ce qui n’est pas du tout une mauvaise chose. Comme son nom l’indique, les paroles décrivent clairement une perte d’espoir en la vie causée par l’absence de foi vouant le non croyant à une existence mortelle sans réel but. 

Pour entamer la chanson éponyme, Crossin the Bloodred Sea, quoi de mieux qu’un son de vague en arrière-plan d’une guitare acoustique, d’orchestrations et de voix harmonisées? Des riffs aussi merveilleux les uns que les autres s’entrecroisent à la perfection tout au long du titre. Une autre section magnifique avec les mêmes chants que dans l’intro se fait entendre aux alentours de 3 min 30 s. La chanson se termine malheureusement par un fade-out qui coupe un refrain qui mériterait d’être plus long. 

Le cinquième et dernier morceau est une reprise inattendue qui a été renommée Opa Groovy Style. Une petite idée? Petit indice : c’est la neuvième vidéo la plus regardée sur YouTube avec plus de 5,75 milliards de vue depuis sa mise en ligne le 15 juillet 2012. Bon, pour ceux qui ne l’ont pas trouvée, c’est Gangnam Style de la super star sud-coréenne de K-pop Psy. La retranscription sur la guitare, la basse, la batterie et même la voix growlée embellit le hit mondialement connu. Les paroles semblent être les mêmes à l’exception du refrain Opa Gangnam Style où Simon chante plutôt Opa Groovy Style. Les Français se sont rajoutés en train de parler et de rire; ça termine donc le EP sur une note comique. 

L’épopée n’est pas terminée… Elle ne fait que commencer 

Dans un temps assez rapproché, le groupe va activement partir à la recherche de musiciens pour finalement jouer live, afin qu’il devienne enfin un vrai groupe. À part cela, maintenant que NNIH a atteint son objectif initial, soit faire trois EPs pour montrer ce dont le duo est capable de faire, il va se concentrer sur son premier album complet. Les deux amis préfèrent cependant ne donner aucun détail pour ne pas donner de faux espoirs. C’est en préparation, mais voilà, le temps nous le dira. 

Pour conclure, j’aimerais grandement remercier Alex et Simon de m’avoir accordé presque une soirée complète pour en apprendre plus sur leur groupe, pour tout simplement discuter et rire dans trois pays différents en même temps : la Finlande, la France et le Canada. En espérant qu’ils nous rendent visite un de ces jours, je vous invite grandement à les écouter et à les encourager en visitant les sites suivants :

Bandcamp : https://nothingnewinheaven.bandcamp.com/

Patreon : https://www.patreon.com/c/NothingnewinHeaven/posts

Facebook : https://www.facebook.com/NothingNewInHeavenMETAL

YouTube : https://www.youtube.com/channel/UCtJzfeWypLOCVF74bgue7uQ

Linktree : https://linktr.ee/nothingnewinheaven?utm_source=linktree_profile_share&ltsid=2347e447-8a08-4ac5-9c9f-d5dedc0d2ec0

Crédits

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photos & images : Nothing New in Heaven

Correction : Valérie Lapierre

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Le paradis du melodic death metal : le 3e EP de Nothing New in Heaven  est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Tout droit venu d’Allemagne, Lammkotze est venu clore la première édition de Oi! It’s Ottawa avec Self Control, Jenny Woo et The Infectors au Dominion Tavern d’Ottawa le 15 novembre 2025. L’évènement a été organisé par Jenny Woo, Chris Hawkeye (The Infectors) et Dizz Hupé (Pils Records) ; un grand merci à eux d’avoir préparé ce fabuleux spectacle ! 

The Infectors : 

Chris Hawkeye, le chanteur de The Infectors, commence en nous demandant si on est prêt à être infecté avant de n’avoir d’autres choix que de l’être par la chanson Get Infected. Entre le deuxième et le troisième titre, la transition s’est présentée en pause promotionnelle dans laquelle le groupe nous partagea que leurs deux premières démos sont disponibles gratuitement sur leur Bandcamp. Ils introduisirent par la suite Walk With Us, une nouvelle chanson à paraître sur leur prochain EP qui s’annonce très très bon. Ils poursuivirent avec Up To You avant de nous annoncer qu’ils seront en studio le 12 décembre pour enregistrer leur nouvel EP préalablement à un album qui ne saurait tarder l’année prochaine.  

Le band de street punk mélodique continue avec I Am Who I Am et Mad Mike, comme le surnom du bassiste qui chante cette chanson très influencée par Conflict. Hawkeye présente ensuite la formation. Bien que ça soit un nouveau groupe, chacun des membres à une bonne vingtaine d’années d’expérience dans la scène puisque trois d’entre eux firent partie de Machine Gun Dolly et le quatrième est un ancien Zero Hours. Le chanteur-guitariste dédicaça One Last Time aux autres groupes un peu avant la fin. Il y a eu un peu de mouvement durant celle-ci et un verre s’est brisé. Le chanteur de B.A.L.M. Squad est allé ramasser le dégât. Pour le remercier, le frontman de The Infectors note son geste d’un beau 10/10 à la fin de Okay, une tune au refrain super accrocheur. 

Jenny Woo :  

Pour bien débuter son set, Jenny Woo fit semblant de quitter la scène après uniquement 30 secondes de sono avec Voice of Oi! qu’elle recommença et joua finalement complètement. My Revenge et l’immense remerciement à The Infectors poursuivit le spectacle. La féministe oi! dédia One Tribe à chacun de nous, un hymne aux communautés oi! et punk dans laquelle elle se retrouve l’espace de quelques secondes seule avec sa guitare et sa voix singulière avant de nous demander de taper des mains avec elle. J’ai été étonné de constater que cette légende parle français lorsqu’elle a remercié Dizz Hupé de l’avoir aidée à organiser la première édition de Oi! It’s Ottawa.  

Après un premier pit de 3 personnes, elle continue ses remerciements en souhaitant au passage l’anniversaire de quelqu’un dont le nom m’a échappé. Pour fêter l’évènement, Jenny Woo et son groupe ont repris Chaos de The 4 Skins. Le titre qui suivit, à savoir I Refuse to Be a Victim, a facilement été un de mes préférés qu’elle ait performé ce soir-là. Plus tard, elle nous présenta le band avec lequel elle jouait pour la première fois en cette nuit de mi-novembre. Après, Jenny nous transmit un message punk/oi! qui commence à se répandre de plus en plus : « More women on stage ». Dans le même message, elle raconta qu’elle avait débuté son propre groupe parce qu’elle n’arrivait pas à trouver quiconque pour l’accompagner. Sur ce, elle continua avec Here We Stand et termina avec Should I Stay Or Should I Go des Clash. 

Self Control : 

À l’écoute de la sono, je m’attendais à un concert très fort au niveau sonore de la part de Self Control. Cela se confirma dès un début sans prévention avec une de leur dernière chanson, Burning Inside. Assez rapidement, le chanteur du quintette se moqua du guitariste lorsqu’il nous présenta son accent anglais tout droit venu de Montréal. Voici la retranscription approximative : le guitariste demande : « Can I have more guitar in the monitor? » Ce à quoi le chanteur traduisit en « He said he just want an alligator in the monitor. » avec un accent aussi pire que son collègue musicien. Tout au long du concert, le chauve au micro s’est déplacé devant le stage (dont par terre) tout en bousculant et participant au pit. Son absence capillaire nous laissa voir des veines sur son front qui démontrent à quel point il se démenait et qu’il est une bête de scène.

Le grand au micro est tombé lors d’une de ses décentes au milieu de la foule, mais il a rapidement été remis sur pied par ceux qui l’entouraient. Un gars est aussi monté sur scène pour chanter avec eux pour un instant. Dans les environs de la fin de leur set, le groupe a remercié toutes les personnes présentes. Pour les trois derniers morceaux, j’ai cédé aux supplications d’un dude qui me demandait de l’accompagner dans le pit dans lequel je me suis presque cassé la gueule dans le fil du même chanteur que j’ai bousculé pendant ces trois titres. Asti, ça bougeait ! 

Je ne parle pas vraiment de la musique ici, parce que c’était tout bonnement du hardcore de la vieille école parfaitement exécuté, autant musicalement qu’énergiquement. 

Lammkotze : 

Le clou du spectacle arrive enfin avec le trio allemand de Lammkotze. Avant de débuter, le guitariste chanteur nous demanda si on voyait ses cheveux de skinhead dans le vent propulsé par un ventilateur proche de lui. (Blague skinhead) L’intro de leur premier morceau, Wieder Da m’a bizarrement rappelé Zombie de The Cranberries. En tout cas, le combo du refrain en Woo avec des paroles allemandes, cela donna de la super oi! J’ai remarqué un peu plus tard que le chanteur, qui est aussi guitariste, jouait sans médiator et même parfois avec le pouce. À l’antipode, le bassiste utilisait pour sa part un pick. Du côté du batteur, il ne regardait quasiment jamais sa batterie, il regardait plutôt la foule en train d’essayer de comprendre le langage germanique et de s’amuser en même temps. Les trois skins ont plus tard bu et fait passer dans la taverne un flacon de Nordbrand Pfefferminz, un alcool verdâtre allemand à la menthe poivrée, qu’ils avaient ramené d’outre-mer. Le vocaliste a ensuite remercié les gens présents dans la salle en anglais et en français.

Bien que certaines chansons soient en anglais, Jenny Woo s’est donné un défi en acceptant de chanter avec le groupe dans leur langue maternelle sur Mehr als nur ein Wort ou, en anglais, More than just a Word. Le chanteur a pourtant lui-même chanté sa partie en anglais alors qu’elle est normalement en allemand. (Après recherches, j’ai trouvé que Jenny avait déjà chanté ce morceau avec eux en anglais sur une version acoustique se retrouvant sur le vinyle de Vom Kopf Bis Zu Den Boots.) C’était sa première fois dans cette langue, mais elle a étonnement très bien performé. Le quatuor était fort souriant pour la durée du titre. Pour clore en beauté, Lammkotze a repris un de leur groupe préféré, c’est-à-dire Cock Sparer. Ils ont fait un pot-pourri d’environ 4-5 hymnes incluant Take ‘Em All et Because You’re Young. Sur ce dernier, il y eu une agglutination autour du micro pour scander le refrain. Je ne sais plus pendant quelle partie du medley c’est arrivé, mais les chanteurs de B.A.L.M. Squad et de The Infectors sont montés sur scène pour participer à une fin légendaire.  

La musique oi! allemande est un créateur de souvenirs indélébiles et je suis très chanceux d’avoir pu y participer. 

Pour encourager les groupes de la soirée :

The Infectors : https://www.facebook.com/theinfectors613 & https://theinfectors613.bandcamp.com/album/contagious-frequency

Jenny Woo : https://www.facebook.com/jennywoooiproject & https://www.youtube.com/channel/UCSl3WpW4mZc9i9d4Or1_1bA

Self Control : https://www.facebook.com/hcmylife89 & https://www.youtube.com/channel/UCvajFtSRqBci127vOvTTHHA + https://pilssessions.bandcamp.com/album/self-control-session-19-5-23 (Pils Sessions)

Lammkotze : https://www.lammkotze.com/ & https://linktr.ee/lammkotze

(Pour plus d’histoires mythiques passées au Dominion Tavern ou pour en apprendre plus sur la scène de l’Outaouais, vous pouvez lire mes autres articles ici)

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photo : Eddy H. Chavaudret et Courtney O’Hara (dernière photo)

Correction : Marie-Joëlle Tremblay

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Oi! It’s Ottawa : skins ‘n’ punks canadiens et allemands est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Les grindcoreux de The Vanishing Act ont performé une seule fois en 2025 et c’était le 22 novembre dernier au Dominion Tavern d’Ottawa avec Guhn Twei et Cruel Fate. Initialement, le groupe grindcore saguenéen Chadhel devait aussi y participer. Cependant, pour une raison inconnue de la programmation du spectacle de Sewer Pool Productions, il s’est retiré.

Cruel Fate

Ce groupe old school death metal de Gatineau est celui que j’ai vu le plus de fois dans ma vie. Ayant donc un total de cinq shows à mon compteur, je peux dire que celui-ci était probablement leur meilleur.  

Après un court sample, leur set débute avec The Crucifer qui se caractérise par sa musique lente et lourde jusqu’au ding ding d’une cymbale de la batterie de Simon Bouchard qui accélère le rythme de la chanson. La suivante contenait un riff crissement bon performé par Claude Lecompte à la guitare et Martin Choquette à la basse.

Pour mon plus grand bonheur, Cruel Fate a joué Descente aux enfers, une vraie tuerie infernale provenant de l’antre de Satan. Le groupe a profité de la seule pause de sa prestation pour remercier les autres bands, la soundwoman et Zac (chanteur du groupe de death/grind Gland) de Sewer Pool Productions. Ils ont quitté la scène après le titre Abyss Inverted.  

Simon a fait plusieurs grimaces et Ben Bertrand, le chanteur de la formation, a eu une belle prestance tout au long de leur concert. La voix de ce dernier est tellement d’outre-tombe qu’on avait du mal à l’entendre par moments. Son gosier proféra deux rituels sépulcraux inédits imprégnés de crust devant surgir au courant de l’ère prochaine des troubadours gatinois. 

Guhn Twei

Alors que les membres de Guhn Twei préparaient leurs instruments, le micro de Simon Turcotte, le chanteur et bassiste, n’arrêtait pas de descendre et c’était assez drôle. L’intro de leur prestation est faite de plusieurs extraits de reportages concernant la Fonderie Horne et Glencore contre qui ils militent. Selon le groupe, ce sont des contracteurs de cancers qui mènent à des amputations semblables à celle qu’a subie Simon à sa jambe droite. Ils ont d’ailleurs débuté avec la chanson Glencorruption sur laquelle la foule bougea énormément. 

Un peu plus tard, les activistes se présentent en disant qu’ils viennent de Rouyn-Noranda, la « Capitale de l’arsenic » et ils continuent avec le titre éponyme. En essayant de prendre des photos sur la chanson Infanticide, je me suis rendu compte que le pit était pas mal dangereux. J’accuse les drum beats de malade d’Étienne Pelchat et les riffs violents de David Alisich-Bérubé et Jeanne Perrin. 

Deux morceaux plus loin, la troupe nous introduit Slam de mine, une nouvelle chanson vraiment lourde, mais restant dans le slam metal (un style extrême se rapprochant du brutal death metal). Après les remerciements, ils enchaînent avec Hymne à la guillotine, un peu plus traditionnel pour leur style hardcore metal/grindcore.  

Beaucoup de personnes attendaient avec impatience le titre Lac Terreur. Cette chanson de quatre vers, récités par Jeanne, a été dédiée aux enfants de Rouyn. La dernière toune m’a surpris avec son interlude remixé, mais Parasites reste tout de même une super bonne chanson. Pour bien terminer leur show, Guhn Twei et une partie de la salle a fait un doigt d’honneur à Glencore en leur balançant un beau Fuck you. 

(Pour en apprendre plus sur le combat mené par Guhn Twei et la censure dont le groupe est victime, vous pouvez lire ce très bon article de Charles Loco.)

The Vanishing Act

Ce groupe dont j’ai souvent vu le nom m’a grandement étonné. Surtout lorsque j’ai reconnu le visage du bassiste et chanteur, membre de They Grieve et Alaskan, deux groupes d’atmospheric sludge metal impressionnants sur scène.

The Vanishing Act joue dans un tout autre registre musical avec son grindcore émotionnel. En tout cas, après une sono qui nous fit entendre des sons bien weirds, on a eu le droit à un spectacle totalement malade entre rapidité folle, cris étonnants et nouveautés brutales. 

Les deux premiers morceaux que le band a joués étaient nouveaux et j’ai noté que le deuxième était particulièrement rapide et court. Peut-être que c’est indirectement l’annonce de l’arrivée prochaine d’une réalisation de haute qualité. Il y a eu plusieurs échanges vocaux entre l’un des guitaristes et le bassiste. Vers la moitié du spectacle, le quatuor a remercié les autres groupes. Par la suite, petit clin d’œil au vendredi qui suivait le show avec la toune Black Friday, jour de rabais massifs.

Une des intros suivantes m’a vraiment plu puisqu’elle était très simple : un, deux, Fuck you. Le chanteur-guitariste a par la suite présenté un titre subséquent de la même manière qu’il chante, c’est-à-dire en gueulant. Impossible à comprendre! À un moment donné, l’instrument de ce dernier a arrêté de fonctionner, ce qui nous a permis de mieux entendre l’autre guitariste pour quelques instants. The Vanishing Act a terminé la soirée avec Treating the Earth as a Pissing Ground, une toune trouvable sur leur split avec Agathocles. 

Pour encourager les groupes de la soirée :

Cruel Fate : https://cruelfate.bandcamp.com/album/destin-cruel & https://beacons.ai/cruelfate

Guhn Twei : https://guhntwei.bandcamp.com/album/capitale-de-larsenic & https://linktr.ee/guhntwei?utm_source=linktree_profile_share&ltsid=2ba998c3-2ede-4941-a684-9c590ae91724

The Vanishing Act : https://thevanishingactgrind.bandcamp.com/album/split-w-g-o-d & https://www.facebook.com/thevanishingactgrind

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photos : Eddy H. Chavaudret et Simon Bouchard (toutes les photos de Guhn Twei, sauf la dernière)

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Cruel Fate, Guhn Twei et The Vanishing Act : le destin cruel provoqué par Glencore en trois actes disparus est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Un nouveau groupe mystérieux, mais fort intéressant, commence à prendre de l’ampleur dans la scène punk/oï! d’Ottawa. Ce groupe, c’est BOOT. 

31 août 2025 : la découverte 

C’est en ce dernier jour d’août que j’ai découvert BOOT. Le groupe était la première partie des légendes du punk anglais The Varukers au House of Targ de la capitale du Canada. La soirée était folle; je n’aurais jamais cru voir ce mythique band du haut de mon jeune âge. Mais bref, BOOT m’a tapé dans l’oreille avec un son punk avec lequel je suis peu familier; après quelques recherches, j’ai cru comprendre que le groupe insère du cold oï! à sa musique. 

(Si vous voulez comprendre ce que j’ai vécu lors de cette soirée, lisez l’article de Julie Fortin qui couvre le passage de Varukers à Chicoutimi.)

… If the Boot Fits : une petite histoire traduite et remaniée 

Le groupe d’Ottawa a débuté en projet solo pour le guitariste et chanteur Greg en 2020. Avant que BOOT devienne BOOT, Greg a écrit et composé quatre titres dont l’enregistrement (le 28 janvier 2024) se trouve sur Bandcamp sous le pseudonyme Long Leash Boys. La même année, Will (le batteur) et Jeff (le bassiste) se joignent à lui. Puis, Molly a mentionné à Jeff qu’elle désirait trouver une place dans un band et elle a été admise au poste de chanteuse un peu plus tard. Ils ont finalement décidé qu’ils allaient se nommer BOOT puisqu’ils cherchaient un nom d’un seul mot qui correspondait à leur son punk/oï!. 

Concernant l’écriture, Greg compose à lui seul la musique et il rédige les paroles en collaboration avec Molly. Leurs textes portent sur la frustration et la colère liées à la vie et la constante lutte pour exister dans un système punitif et sans espoir. 

Pour ce qui est de leurs influences musicales, ils écoutent surtout de la oï! française comme Condor et Rixe ainsi que les Anglais de Blitz et les Italiens de Nabat. 

Depuis février dernier, ils ont performé cinq fois sur une scène. Ils ont notamment ouvert pour BIB, Béton Armé et Varukers. 

Give the BOOT : première démonstration sonore 

J’ai vu sur Instagram que le groupe avait déjà reçu des cassettes auto-réalisées de leur première démo le 11 septembre 2025. Le 25 octobre, ils ont ouvert pour Alvilda au Dominion Tavern et en ont profité pour officiellement offrir leur K7 au public. Les cinq chansons, dont certaines se retrouvent sur la demo de Long Leash Boys, sont sorties le 28 du même mois de la même année sur Bandcamp pour la maudite somme de gratis. Le tout a été enregistré, mixé et masterisé au Uppercut Studios d’Ottawa par Alex Jakimczuk. 

Une courte critique 

Malgré son titre, End of the Line débute la demo avec une bonne énergie, une guitare typique de la cold oï! et un refrain accrocheur. 

On continue avec le morceau au nom de l’ancêtre de BOOT, soit Long Leash Boys, qui contient un super bridge introduit par la guitare de Greg avant que les autres n’embarquent et que soit scandé « We are Long Leash Boys – We don’t need you ». Je dois avouer avoir ressenti des frissons à la fin du titre. 

Pour répondre à leur question, j’ai effectivement ensuite entendu Rythm of Nothing Left, comme le band le demande tant dans la chanson. Elle tient en tout cas bien son nom puisque le rythme entretenu par Will reste constant pour la totalité de sa longueur, ce qui n’empêche pas de me faire taper du pied et de la garder en tête. 

Better Off Dead, titre moult fois utilisé par de multiples artistes dont Bad Religion, est la seule chanson dont j’avais préalablement trouvé la trace sur YouTube lors de leur premier concert au Studio B d’Ottawa du 16 février 2025. Le riff de basse de Jeff me fait vraiment tripper sur celle-ci. Encore une fois, le refrain est digne d’époumoner un public en délire lors d’un show sensationnel. 

Pour clore la cassette, Molly entonne If the Boot Fits. Le riff de guitare, dans les environs de 1 minute 50, me fait un peu penser à une chanson de The Cure avec un je ne sais quoi de The Jinx de Peter & The Test Tube Babies. 

Boot on our throat : mots étouffés de la fin 

On m’a laissé entendre que de nouvelles chansons sont présentement en construction et que le band va tenter de jouer plus de shows prochainement. 

J’aimerais remercier Dizz Hupé et Will de m’avoir fait parvenir les trois photos du groupe dans cet article. J’aimerais aussi énormément remercier BOOT d’avoir pris le temps de répondre à mes questions afin de me permettre de concocter cet article qui retrace un peu l’histoire de ce groupe qui, je crois, va se faire graduellement connaître pour ce qu’il est : une étoile montante de la scène locale. 

Oyez gratuitement le son des bottes dans vos tympans

Demo 2024 de Long Leash Boys : https://longleashboys.bandcamp.com/album/demo-2024

Demo de BOOT : https://bootonourthroat.bandcamp.com/album/demo

Crédits

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photo : Bri (première photo) et Ben Pepin (les deux autres)

Correction : Céline Montminy

Révision : Julie Fortin

L’article Coup de latte dans le tympan avec la démo de BOOT est apparu en premier sur Le Bad Crew.

J’attendais avec impatience, à l’instar de plusieurs autres punks, la venue des cousins montréalais de Nekromantix : The Brains. Ils étaient accompagnés de Taco Bandits, Screamin’ Sins et Fast Food Fairies en ce 17 octobre 2025 au Dominion Tavern d’Ottawa. Une gracieuseté de CHORD Productions. 

Taco Bandits

Après un problème sonore horriblement strident avec leur synthétiseur, les voisins gatinois Tacos Bandits ont commencé la soirée avec leur touche ska qu’ils transmettent depuis 2015. Un chœur en « O » du guitariste et du claviériste pour le refrain du premier titre, Ill Repute, a été fortement apprécié, tout comme les magnifiques lignes de basses interprétées presque en l’absence totale du majeur. La deuxième chanson était littéralement interminable : on a cru entendre deux fois la fin avant que la troisième soit la bonne et que le guitariste « blâme » le batteur en disant que c’est lui qui décide de la fin des chansons. 

Postérieurement, leur section « Under the covers » est arrivée et ils ont repris une chanson durant laquelle le claviériste a fait une grosse erreur, qu’il tourna en comédie en se couchant sur son clavier. Le guitariste nous demanda ensuite si on aime les Simpsons puisque, dans un épisode, Homer rencontre Billy Corgan et les Smashing Pumpkins. Les voleurs de tacos ont donc implanté quelques notes et les paroles Believe in me de Tonight, Tonight sur Smiling Politely. À court de temps, ils proposent de jouer leur dernière tune trois fois plus vite, puisqu’ils doivent performer trois minutes en une seule. 

Screamin’ Sins 

Formé vers 2014 à Kingston, Screamin’ Sins s’est présenté en un trio d’une princesse des ténèbres à la basse, d’un Dracula à la guitare et d’un cowboy à la batterie. Pour bien s’introduire, on a eu droit à un cri extrêmement fort et aigu. Le riff de basse et le jeu de drum sur Living Dead ressemblaient beaucoup à Where Eagles Dare des Misfits. Quelques morceaux plus loin, ils interprétèrent Haunted Dreams, puis Curse On You s’ensuivit, ce que je pensais être une reprise de Sharp Dressed Man de ZZ Top mixé avec un petit quelque chose de Ghoultown. Un bruit de moteur de moto/voiture a retenti dans la salle au début de Drive Me Wild avant d’enchainer avec Six Feet Under. Le groupe de psychobilly, qui a utilisé quelques extraits sonores provenant très probablement de films (d’horreur), a réussi à faire bouger un peu plus la foule. 

Fast Food Fairies 

Tout droit venu de New York, eh je veux dire Montréal, Fast Food Fairies nous a interprété du « Ramonescore », c’est-à-dire du punk rock très (très) inspiré des mythiques Ramones. Un signe qui ne trompe pas : commencer avec « Hey ! Ho ! Fast Food Fairies ! », ce qui est tout de même très proche du « Hey ! Ho ! Let’s go ! » de Blitzkrieg Bop. Même la posture du bassiste-chanteur ainsi que le chandail d’un des guitaristes sont à l’effigie des légendes américaines. Au troisième titre, le fameux « 1, 2, 3, 4 » est crié et il est répété au début de la suivante sans faire d’arrêt entre les deux morceaux. 

Plus tard, ils ont fait une tune très simple dont les paroles sont « Less is more ». Oui, c’est juste ça. Arrive ensuite l’une de leurs seules pauses pour dire « We’re from Montréal – We play punk rock » et qu’ils allaient nous jouer une chanson exclusive pour « danser », I Wanna Be With You, dont le refrain est tout simplement une nouvelle version de I Wanna Be Sedated. Tout le monde a chanté « ’I WANNA-WANNA-WANNA-WANNA-WANNA-WANNA-WANNA-WANNA-WANNA-WANNA BE WITH YOU ». Le groupe à casquette n’a pas que fait des titres à la Ramones puisqu’ils ont aussi repris Burning Love du King, Elvis. « L.O.V.E. – I love you » a, par la suite, été les seuls mots et lettres à être chantés. L’avant-dernier morceau de leur part a été I Want You sur lequel un chevelu et un punk se sont transformés en une toupie humaine. Le band a présenté ses membres avant de terminer avec un dernier hymne « ramonesque ». 

Le temps des contrebasses est enfin arrivé avec The Brains 

Pour débuter, René D La Muerte, le chanteur-guitariste canadien d’origine chilienne, a fait un petit clin d’œil à Fast Food Fairies en grattant un riff des Ramones lors de la sono.  

Avec une guitare provenant du rock des années 50-60, une contrebasse appartenant au Londonien Bruno Malo, un chandail de Nekromantix pour le batteur espagnol Txernobilly et une coupe de cheveux typique du genre, le trio commence fort avec une chanson qui en jette. Je me souviens qu’on a eu droit à un solo d’enfer peu de temps après, tout comme une acrobatie impressionnante de la part du contrebassiste qui fit tourner en l’air son instrument. À l’arrivée d’Evil, l’intro de leur plus récent album Crazy Monster dont la tournée fait la promotion, j’ai sauté dans un pit démoniaque, mais ça en valait la peine. 

C’est toujours extrêmement plaisant de voir la joie sur des faces en sueur, comme celles de The Brains ; ils ont notamment pris un grand plaisir à jouer I’m Your Nightmare devant les corps qui se « mouvaient » les uns contre les autres. Leur sourire n’a pas du tout disparu lorsqu’est venu le temps de reprendre Lovesong de The Cure. 

Ils ont continué en augmentant la vitesse de la musique avec une nouvelle chanson qui fit bouger beaucoup la foule et fit même tomber trois fois un gars un peu « fatigué ». Tout le monde s’est ensuite bousculé et a chanté en chœur More Brains. Ils ont ultérieurement interprété Screaming et Take What I Want (Souvenir of Monte Christo). Le prélude de la fin a été de nous demander si on voulait deux autres morceaux (ou plus) avant de n’en faire que deux pour clore l’évènement vers minuit et demi le lendemain matin. 

Visiblement, des Gatinois et des Ottaviens ont dû lire mon précédent article, car la place a dû au moins tripler les entrées par rapport au 5 octobre 2025 avec Maldita, Skrout et Houston and the Dirty Rats !

Pour encourager les groupes de la soirée :

Taco Bandits : https://tacobandits.bandcamp.com/album/the-guacamole-incident

Screamin’ Sins : https://screaminsins.bandcamp.com/album/living-nightmares

Fast Food Fairies : https://fastfoodfairies.bandcamp.com/album/cant-agree-on-anything

The Brains : https://thebrainsmtl.bandcamp.com/album/crazy-monster

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photo : Syn Chounlamountry et Eddy H. Chavaudret (photos amateurs)

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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