Je découvris donc ce festival dans mon coin de pays. Compte tenu de la distance à parcourir pour ma part, 1h30 (aller), je pris à nouveau mon auto pour couvrir uniquement cette soirée punk rock.

BIG MUFF

La soirée a commencé festivement avec ce band hommage au meilleur des années 90 et 2000. Du punk, un peu de grunge et ben du rock! Pour les nostalgiques de cette époque, vous ne serez pas déçus. Le vocal rend justice à ces succès et le tout est bien ficelé dans la progression musicale. Mon cerveau était en constante recherche des premières notes jouées, tunes après tunes pour me dire, ha oui celle-là, oh yeah celle-là, il me semble qu’elle me dit de quoi celle-là.

Depuis 10 ans, Big Muff, composé entre autres de musiciens de Bob Bissonnette, parcourt les scènes du Québec pour festoyer. En hommage à ce dernier, ils ont joué Chris Chelios et Toune de bière (la toute dernière de leur set) au bonheur des fans dans la place. C’était beau d’entendre la foule chanter à tue-tête durant ces moments.

EXTERIO

Ça fait déjà un bon moment que j’espérais la venue d’Exterio dans mon coin. J’ai été très contente de les voir pour la toute première fois en prestation. Le chanteur, ayant une blessure à l’épaule, a vite mis de côté sa guitare pour continuer seulement vocalement. Ce qui permettait d’habiter davantage l’espace sur scène avec ces déplacements autant vers ses musiciens que vers la foule.

Existant depuis 1992, ils ont été parmi les pionniers de la scène québécoise rock alternatif punk dans les année 2000. Leur premier album paru en 2003, Vous êtes ici. Pour rendre honneur à leur grand succès Whippet, une spectatrice a apporté au band des boites de ces populaires biscuits. Ils ont été distribué dans la foule au grand plaisir des enfants présents en avant-scène.

Quand je suis photographe dans un show/festival, je tombe en mode hypervigilance. Pour capter des scènes hors du commun, l’ambiance, être au bon endroit et au bon moment, avoir les yeux tout le tour de la tête pour ne pas recevoir un coup si je suis dans la foule, etc. Ce qui fait qu’en réalité je ne savoure pas ces moments, car je suis focus la majorité du temps. Cette fois-ci, je leur ai demandé leur set list, afin de planifier mon shooting et vivre davantage le moment. La foule s’est plutôt mise à slamer davantage vers le 3/4 du show et ce, sans arrêt par la suite. J’ai donc décidé d’embarquer dans le mouvement pour les deux dernières, Bonhomme 7h et Campanile. C’était malade !!

REDNECK PARTY BAND

J’ai vu l’an dernier à Rimouski, ce trio électro-acoustique qui livre des performances festives et entraînantes. Un répertoire varié, avec des chansons connues de tous, du québécois au country, en passant par la pop, le hip-hop et le rock. Une formation à découvrir de Chaudière-Appalaches pour une ambiance dynamique et faire lever le party! Je n’ai pas pu rester plus longtemps, car la route m’attendait !

Le vendredi avait lieu en prestation P’tit Gros Bison, le band RSVP, l’hommage High Voltage – AC/DC Forever et le DJ OLX. Le dimanche une soirée plutôt en humour avec Alphé Gagné et le F2Country Band pour clôturer les festivités.

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photos : Cynthia Côté

Correction et révision : Marie-Eve Landry

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Compte tenu la distance de 1 h 30 à parcourir, je me suis permis d’assister uniquement à la soirée du samedi pour revoir les chums de PasMort. C’est donc au Studio Michel que la soirée se déroula avec une capacité maximale de 35 personnes. C’est l’un des aspects de la scène locale qui me fait le plus triper, de vivre des expériences inédites, dans des lieux hors du commun. Ce lieu de résidence musicale versatile située dans la région du Kamouraska nous a charmés en tant que spectateurs. Le son était superbe et l’espace bien aménagé dans une ambiance très conviviale.

TEMPLETON

Un retour sur scène après 11 ans, un trip d’une soirée : c’est ce qui attendait les gars de Templeton. Connaissant bien les membres de PasMort, ils ont tout simplement accepté l’invitation. Je n’ai pas souvenir de les avoir déjà vus en show par le passé. J’ai donc découvert ce band de rock alternatif avec une courte prestation d’une trentaine de minutes, finissant leur set avec une tune en français. Je leur ai demandé quels seront leurs projets à venir et ils m’ont répondu ne pas avoir de plan précis, peut-être d’enregistrer de nouvelles vieilles tunes… à suivre.

PASMORT

J’ai adoré leur dernier EP, Lutter contre l’intelligence (article que j’ai rédigé pour Le Bad Crew ici). J’ai dû patienter davantage pour les revoir en prestation, car leur show prévu au printemps dernier dans mon coin avait été annulé. Un set de PasMort, ça passe trop vite… on en voudrait davantage !

Pour me consoler, j’ai acheté leur vinyle d’un vert fluo (j’adore !), intitulé Les quatre premières années, regroupant leur discographie complète, ce qui représente 23 titres de punk rock moderne. Au moment où vous lirez ces lignes, ils seront en tournée en sol européen du 17 au 25 juillet avec Guerilla Poubelle. On leur souhaite une bonne tournée !

Sur place, nous avions droit uniquement à la bière brassée pour l’occasion par la Microbrasserie Ras l’bock, usine située à La Pocatière et le pub à Saint-Jean-Port-Joli.

Pour terminer, le vendredi avait lieu les prestations de Mathieu Stellaire, électro expérimental/trip-hop, et de Palissade du post-punk rock de Québec.

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit Photos : Cynthia Côté

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Un lineup prometteur

La salle était quasiment pleine un soir pluvieux à la Toscadura, la dernière venue tous âges restante de l’empire de Casa del Popolo. Ça fait un peu plus d’un an qu’elle est ouverte et elle est devenue une des salles majeures pour la jeune scène underground. Située au rez-de-chaussée d’un club espagnol, on y trouve un environnement charmant et bien organisé dans son ensemble. Le seul problème est que le son n’est honnêtement pas excellent, mais j’ose dire d’expérience que ça s’améliore peu à peu.

La maison de prod Ballin’ Beaver a organisé le show du 10 avril, un lineup d’artistes émergents. Offshoot du Pouzza, elle prioritise les spectacles all-ages et donne une plateforme à des groupes plus jeunes. Avec le manque de salles accessibles, c’est une belle initiative et ça prend des promoteurs comme ça pour alimenter la scène et la garder en vie.

Wired Mother

Ça débute avec Wired Mother, jouant leur tout premier show. Initialement timides, ils se sont rapidement démarqués des autres bands. Le groupe de quatre doit avoir joué dix instruments dans leur set d’une trentaine de minutes. Du synth à la contrebasse électrique à l’harmonica, indie, rock et folk se mélangeaient. Il y avait une vibe qui me rappelait des groupes classiques folk-rock des années 70s, comme The Band. Ils ont continué avec un cover de Courtney Barnett, suivi par une reprise de Björk, mettant vraiment en valeur leurs inspirations variées. Bref, c’est toujours un plaisir de découvrir des groupes qui ne sonnent pas comme les autres. J’espère que Wired Mother continueront à jouer ensemble, ils ont vraiment du potentiel!

Fielding

« Make some noise if you’re emotional tonight »

…a déclaré le chanteur de Fielding qui ressemble à Jim Morrison – si Jim Morrison jouait du indie rock. Fielding a livré une performance dynamique remplie de breakdowns mélodiques. Le band avait une énergie hypnotisante et une cohésion exceptionnelle. Ayant récemment sorti leur premier album éponyme, ils ont terminé leur set avec la dernière track, Sunspot. Ils n’ont laissé aucun spectateur indifférent; quand les guitares se sont débranchées, la foule en voulait encore.

Honey

Honey est le genre de groupe que tu découvrirais accidentellement dans un show de dive bar; une perle rare sans prétention mais surprenante. La salle était absorbée dans un moshpit en pleine sueur dès la première chanson. Le band impressionnait déjà par ses solos de guitare remarquables. Il pourrait être décrit comme un mélange de Whirr et de Smashing Pumpkins. Des couplets plus mélodiques et shoegaze se transforment harmonieusement en refrains grunge et heavy. Ils ont sorti dernièrement un single appelé Sophia (demo), qui montre justement cela.

SOMET

En tête d’affiche du show, SOMET, un groupe shoegaze assez clair et net. Ils ont seulement deux singles de sortis, Sorry et Back to You; mais si y’a une chose que ce band prouve, c’est que la qualité vaut plus que la quantité. Leur public connaissait définitivement ces deux chansons, avec du monde qui chantaient les paroles à tue-tête. Passant de riffs résonnants et distortionnés à des chansons plus rapides et punk, tout le monde pourrait y trouver un aspect qui lui plaît. Malgré qu’ils soient assez jeunes, ils jouent avec précision et cœur, digne d’un groupe beaucoup plus ancien. Des stage dives en catapultes aux amis se faisant des câlins dans la première rangée, l’émotion et la dédication pure de SOMET transcende les personnes autour.

Rédaction : Beatrix Hooton

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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Promise to Disappear

Le groupe FAKEYOU de Montréal sortait son premier album Promise to Disappear le 3 avril 2026 avec la maison de disque 59X Records située à Atlanta, en Géorgie. J’ai eu le privilège de faire l’écoute de cet opus de 10 chansons avant sa sortie officielle. Mais avant d’en faire la revue, laissez-moi vous parler de la première fois où j’ai été introduite au groupe : c’était le 8 mars 2024 dans leur local de Pointe-Saint-Charles.

Ma première fois avec FAKEYOU

Le groupe avait organisé un show semi-secret avant la démolition de l’édifice qui allait bientôt devenir des tours à condo. Je ne les connaissais absolument pas, mais mon amie Geneviève Vignoul (que vous connaissez sans doute comme administratrice de la page Facebook Punk Rock Jusqu’à La Mort) m’avait promis que ce serait une belle soirée – et elle a eu raison. J’ai été immédiatement séduite par la voix de Guillaume Ménard, par les mélodies accrocheuses de guitare et par les petites passes de drum de Frank Kick Up. À partir de ce moment-là, je suis devenue fan. Ce n’est que plus tard que j’ai connu Jay et Joé, lors du spectacle du 26 octobre 2025 au SuperNat avec Roxanne Izzo.

10 tounes

La première piste de l’album est Wanderlost, qui est d’ailleurs sortie en single par le groupe le 19 mars 2026. Celle-ci parle d’évitement et de la perte de repères, avec une tension entre le besoin d’aide et le réflexe de fuir un monde jugé malsain. On sent pleinement la mélancolie et la détresse à travers les mélodies. La voix rauque de Guillaume traduit assez bien le mood tandis que la guit‘ hyper mélodique nous entraîne dans l’univers poignant de la toune.

La deuxième chanson, Tieluck, est aussi sortie en single le 5 septembre 2025. Beaucoup plus upbeat, elle parle de rédemption et de reconstruction de soi. Je me suis immédiatement reconnue dans les paroles qui nous invitent à quitter un mode de vie autodestructeur pour tenter, lentement, de se réparer et de retrouver un sens à la vie. C’est une sorte d’hymne à la croissance personnelle : je suis certaine que les gens chanteront le refrain à tue-tête avec le poing dans les airs. C’est la vibe que je ressens en l’écoutant.

All About You est sortie le 7 novembre 2025 et nous met immédiatement dans l’univers de la douleur liée à l’amour et des erreurs que l’on fait parfois dans nos relations, en adoptant des comportements d’auto sabotage avec l’être aimé. Le bridge de cette chanson m’a donné des frissons : il est intense, lyrique, et puissant.

S’enchaîne 100 Million Sheep qui, vous l’aurez bien deviné, parle d’insomnie créée par la tourmente. Le single paru le 19 février 2026 m’a étonnée, puisque la voix de Guillaume est plus douce, tandis que les instruments sont plus bruts, très classiques punk rock. Le drum est puissant, à un point où c’est difficile de ne pas suivre le rythme du snare en hochant de la tête.

Arrive à mi-parcours Like Helium Balloons – difficile pour moi de ne pas faire un parallèle avec The Sainte Catherines (dont Kick Up est un ancien membre) de l’époque de Fire Works. C’est une vibe un peu plus agressive, comme si tout à coup le groupe avait eu envie de se détacher de toute la douceur et la tristesse des pièces d’avant, pour traduire de la colère et un peu de dégoût envers le monde d’aujourd’hui.

Bien sûr, que serait un album complet sans une ballade ? C’est ici que Faded Scarf s’insère : on parle de rupture, de celle qui fait mal. Celle où tout nous remet constamment en plein visage ce que l’on a perdu. Si vous avez besoin de pleurer, écoutez ça. Larmes garanties !

La septième piste, Solace, m’a fait penser à du vieux Green Day. C’est simple, efficace, une bonne tune de punk rock en 4-4 comme on les aime. On en oublie presque le thème sombre d’autodestruction qui est abordé tellement le rythme est entraînant.

Ensuite vient Midnight Sun, une hymne à l’espoir et à la résilience. Dès les premières notes de guit‘, on sait que cette piste fera danser tout le monde. C’est le genre de chanson qui s’écoute bien, le volume dans le tapis, dans son char.

J’ai aimé que Spitshine, la neuvième piste, débute avec uniquement la basse. J’ai ressenti une vibe de grunge des années 90 ou de vieux Foo Fighters par moment en l’écoutant. Encore une fois, la mélodie est si entraînante qu’on pourrait passer à côté de la thématique de la mort si on ne porte pas attention aux paroles.

En clôture, c’est Following Protocol. La piste est vraiment bien choisie pour terminer l’album, parce que je pouvais justement très bien me l’imaginer en train de jouer à la fin d’un film pendant que le générique défile. Vous aurez probablement deviné par son titre que cette chanson traite de suivre les règles sans trop savoir pourquoi, et à quoi bon au final ? Ce serait aussi une belle chanson pour finir un set : les paroles sont rassembleuses, et la mélodie, elle, mémorable.

Le verdict

Pour un premier album, les gars frappent fort. Dès les premières notes, on sent une maturité étonnante dans les mélodies, les arrangements et les textes… Un niveau que beaucoup de groupes mettent des années à atteindre. Que ce soit leur âge, leur expérience passée ou leur vécu, le résultat sonne déjà pleinement maîtrisé.

Côté style, l’album ravira les amateurs de punk mélodique et fera sourire les nostalgiques des groupes qui ont marqué le genre. Chaque chanson a son identité, entre énergie brute et moments plus réfléchis, ce qui rend l’écoute à la fois cohérente et captivante. C’est un petit bijou qui a tout pour traverser le temps sans se démoder.

Rédaction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Slackin’ Idle ouvre la soirée en force

Le show de ce soir prend place à une venue que j’aime beaucoup : Le Ministère, un ancien club sur Saint-Laurent. Derrière ces piliers de pierre, une salle charmante avec une atmosphère intime, un bon système de son et d’éclairage. Après avoir regardé les stands de merch, le premier band monte sur scène – il s’agit du jeune groupe explosif Slackin’ Idle. Ayant commencé en tant que cover band, ils ont fait hommage à leurs débuts en jouant plusieurs reprises pop punk. Ils ont même glissé le refrain de No Scrubs de Destiny’s Child dans Dammit de Blink-182.

Bref, leur set était super divertissant grâce à la variété et à leur bonne présence scénique. Avec le bassiste Michel Balazic-Ortiz qui sautait partout, le drummer Nine McIntyre qui gardait le groove et chanteur/guitariste Lennon O’Donnell qui retenait l’attention de la foule, Slackin’ Idle a tout ce qu’il faut pour retenir notre attention ! Restez à l’affût de leur nouvelle musique : une chanson inédite Angel’s Anthem, et le récent single Risk Worth Taking.  

En vedette : Storm 112 !

Formé en 2023 à Chambly, Storm 112 fait la tête d’affiche au Ministère pour la sortie de son nouvel album. Le band composé de Charles Lafleur (guitare/voix), William Lafleur (batterie) et Lucas Quessy (basse) a été créé par un amour partagé pour la musique. Ce jeune trio pop punk gagne en popularité dans la scène locale dernièrement. Ce n’est pas pour rien; ils ont une énergie pure et un son parfaitement nostalgique. Lors de leur dernière présence à Montréal, en mai dernier, Marie-Lyne Jean avait d’ailleurs souligné tout leur talent dans cet article. Vous pourrez les voir le 10 avril au Bâtiment 7 avec Tayos de Colombie-Britannique.

Les lumières ont baissé et une projection est apparue sur le fond du stage : Storm 112. Entrée dramatique, le groupe a commencé en force avec la title track du nouvel album Thank you, And Goodbye. Ils ont joué un set énergétique, composé de nouvelles et d’ancienne chansons, faisant autant plaisir aux inconditionnels supporteurs ainsi qu’aux nouveaux fans. Des anecdotes drôles, suivies de solos de drums dynamiques d’une impressionnante discipline musicale, ont apporté une atmosphère légère et amusante. Le band a terminé la soirée festive avec un rappel de Loner, une chanson de leur deuxième album. (Vous pouvez regarder le clip vidéo de Loner ici).

Thank you, And Goodbye

Thank you, And Goodbye est le troisième album de Storm 112. Ironiquement sorti le 14 février, l’album aborde des faits de la vie – ruptures amoureuses et relations compliquées. Bien sûr, on y trouve aussi des sentiments anti-établissement disséminés ici et là. Bref, tout ce à quoi peut s’identifier le p’tit punk arrogant au fond de vous. Sur la couverture d’album, on voit des Converse pendus au plafond d’une chambre aux murs recouverts de vinyles et de posters. Une image bien choisie pour représenter l’album, évoquant la jeunesse pop punk des années 2000. 

Bien établi depuis quelques années, Storm 112 a pu développer son identité musicale. Son plus récent disque s’affiche plus vif et mélodique que les albums précédents Pink Promises ou No Guilt. Il reste plus fidèle au son classique pop punk à la Blink-182, Screeching Weasel ou The Offspring. Ses influences musicales ressortent clairement, mais le groupe demeure propre à lui-même par son actualité et sa jeunesse. 

Des quinze chansons de l’album, mon coup de cœur est définitivement la huitième track : Psycho. Vocaux à la Billie Joe Armstrong, le refrain est catchy et énergétique.  Avec ses riffs de guitare entrainants et ses mélodies contagieuses, Psycho a tout ce qu’il faut pour rester pogné dans ta tête toute la journée. 

Vous pouvez suivre les nouvelles et les annonces de show de Storm 112 sur Instagram .

Rédaction : Beatrix Hooton

Correction : Céline Montminy

Révision : Julie Fortin

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28 mars Shawinigan – Planet Smashers à La Microbrasserie Le Trou du Diable

Il y a des invitations qu’on ne refuse pas. Celle-ci en faisait clairement partie.

C’est lors du tournage de mon podcast Dans le blanc des Yeux, où je recevais les deux chanteurs de Seventy Minus One, que l’invitation est tombée : VIP, bar open, trois bands en feu…Disons que je n’ai pas hésité bien longtemps.

Deux heures de route plus tard, me voilà arrivée à La Microbrasserie Le Trou du diable, avec une salle déjà remplie d’une énergie électrique.

Rencontre et ambiance

À peine entrée, je suis accueillie par Christian Lamothe, pour une petite jasette sur mon podcast. Gros moment de connexion. Merci encore pour l’invitation à La Capsule de l’Underground sur nousTV, clairement un projet à suivre. (Émission disponible le 27 avril sur nousTV, et le 4 mai sur YouTube.)

https://www.youtube.com/results?search_query=la+capsule+de+l%27underground

Mais avant même que les bands ne prennent complètement le contrôle de la soirée, un élément clé donne le ton : l’animation signée Rej Laplanche.

Une vrai légende de la scène, qui sait exactement comment chauffer une foule. Présence solide, énergie contagieuse, interventions bien placées. Il a su garder la salle allumée du début à la fin, liant parfaitement chaque performance.

Pas le temps de niaiser : la musique commence déjà à cogner…

XXsmile – ouverture explosive

XXsmile embarque sur scène…et ça part solide.

Originaire du Québec, le band s’inscrit dans une vibe punk rock festive avec une touche humoristique assumée. Formation récente, mais déjà bien rodée sur scène, ils se démarquent par leur présence éclatée et leur proximité avec le public.

Première fois que je les voyais live, et WOW!

Énegie brute, crowd interaction constante…mais surtout, mention spécial à leur mascotte pizza qui se promène sur scène pendant tout le set. Oui une pizza. Et ça marche.

Ils n’ont pas juste réchauffé la salle, ils l’ont littéralement incendiée.

https://www.facebook.com/xxsmilemusic

https://www.youtube.com/@xxsmilemusic

Seventy Minus One – chaos contrôlé (ou pas…)

Quand Seventy Minus One embarque, la foule explose.

Originaire de la scène punk québécoise, le band roule déjà sa bosse avec une fanbase solide. Leur son mélange punk mélodique et énergique hardcore, et ça paraît en show.

Body surfing.

Moshpit incontrôlable.

Une foule complètement déchaînée!

Mais un gros moment marquant du set : le band a surpris tout le monde en changeant de drummer le temps d’une reprise de Blink-182. Et comme si ce n’était pas assez, le drummer original est resté sur scène pour chanter avec eux.

Résultat : une foule encore plus en délire.

Tout le monde chantait.

Tout le monde sautait.

Un pur moment de communion punk comme on les aime.

Les gars sont ultra généreux, ultra présents, et clairement là pour connecter avec leur monde.

C’est le genre de show où tu ressors trempé, souriant, et un peu magané, comme ça devrait toujours être.

Une année qui commence en force pour eux, et ça promet solide.

https://www.facebook.com/70minusone

https://www.youtube.com/@SEVENTYMINUSONE

The Planet Smashers – la fête ultime

Et là…THE band.

The Planet Smashers monte sur scène.

Formé à Montréal dans les années 90, ce pillier du ska punk canadien est une référence du genre, avec une carrière internationale et des tournées à répétition. Leur son est reconnaissable entre mille : cuivre éclatés, rythmes dansants, énergie contagieuse.

Trompette. Sax. Party.

C’est simple : impossible de rester immobile.

Le genre de performance où tu veux que le set ne finisse jamais. Une célébration pure, sans pause, sans retenue.

https://www.facebook.com/ThePlanetSmashers

https://www.youtube.com/channel/UC-fVKlMX1LF2Csm3qp1hyPQ

Bière, Pitoune et perfection

Entre deux sets, j’ai découvert la fameuse Pitoune du Trou du Diable, et surtout une bière à l’érable complètement décadente (et ça, venant de quelqu’un qui ne trip pas tant bière, ça veut tout dire).

https://troududiable.com

Verdict

Salle comble.

Bands en feu.

Public en délire.

Une soirée parfaite, sans fausse note.

Shawinigan a vibré fort ce 28 mars…et moi, je repars avec juste du bon, et un peu de courbatures.

Rédaction : Marie-Lyne Jean

Correction: Camille Charlebois

Photo et vidéo : Marie-Lyne Jean et David Primeau

Révision : Marie-Eve Landry

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Salut The Carringtons,

Pouvez-vous nous parler de la composition de votre band ? Les membres, comment vous vous êtes rencontrés, etc. ?

Salut le Bad Crew !
Longue histoire courte. The Carringtons existe officiellement depuis 12-13 ans, mais comme dans toute bonne série, le casting évolue au fil du temps. Ben (ex-Dance Laury Dance) est le seul présent depuis le jour 1. Alex (ex-Hipshot) est arrivé il y a plus de dix ans comme guitariste. Moi, je suis entré peu après, comme batteur… jusqu’à la pause en 2020. Quand on a décidé de recommencer en 2022-2023, j’avais l’envie d’apprendre la guitare et qu’on essaie de faire ça différemment. Charron a pris la basse en remplacement de Karl-Max. Finalement, je crois que c’est Dave (ex-Fifth Hour Hero) qui a approché Ben pour se joindre à nous.

Une game de chaise musicale, je crois.

Comment se passe le processus musical au sein du groupe ?

La plupart du temps, Ben arrive avec des maquettes. Ensuite, on se lance dans une sorte de back-and-forth. On se renvoie des idées, je le challenge sur les mélodies, les accords, les beats… et on retravaille les chansons. Des fois, ça part de mes de riffs. Quand les autres arrivent, les morceaux sont déjà construits dans l’ensemble. On a aussi pris une décision importante : mettre l’égo de côté. Pas de solos interminables, pas de démonstrations techniques inutiles… Le concept de nos chansons, c’est qu’elles sont toutes d’une durée de deux minutes. Dans cet univers-là, il n’y a pas de 15 minutes de gloire… elle dure 15 secondes.

Sinon, outre les compositions, on essaie d’utiliser les forces de chacun pour être le plus autosuffisant. Je suis designer graphique de formation, donc je gère tout ce qui touche les visuels (artwork, merch, etc.). Alex prend en charge le booking et participe sur la portion photos/vidéos. C’est aussi lui qui s’occupe d’imprimer la merch chez sa sœur, qui possède l’équipement nécessaire de sérigraphie.

Who else can you trust to run the family business except family? – Fallon Carrington

Vous êtes plusieurs bands à partir pour l’Europe presque en même temps. C’est du hasard ou ça s’est planifié comme ça ?

Total hasard. On savait que les boys de Don’t Try et Apes partaient dans les mêmes dates que nous. Ce qui est drôle, c’est qu’on part presque tous du même local de pratique pour traverser l’Atlantique… sans vraiment se croiser. Don’t Try joue à Londres le même soir que nous, mais à plus d’une heure de route. Il n’y aura donc malheureusement pas de pub crawl cette fois. Mais la prochaine fois, on pourrait peut-être organiser une soirée de type Quebec Invasion. Qui sait ?

Est-ce la première fois que vous faites une tournée à l’étranger ?

Oui !
Avant 2020, on avançait un peu moins vite. Avant les sorties de 2024, le dernier projet remontait à 2018. On a pris le temps d’écrire, d’enregistrer, de peaufiner notre son et, soudainement, les portes ont commencé à s’ouvrir. On a joué un peu en Ontario, mais là… on traverse l’océan. Et honnêtement, on ne réalise pas encore tout à fait !

Qu’est-ce qui vous excite le plus à l’idée de tourner en Europe ?

Depuis qu’on ne peut plus fumer sur les terrasses… c’est difficile à dire (rires). Mais sérieusement, jouer ses chansons sur un autre continent avec ses amis, rencontrer de nouvelles personnes, créer des liens, vivre dans une van et jouer du rock pendant une dizaine de jours… quand même assez difficile de demander mieux.

Y a-t-il des villes ou des salles que vous avez particulièrement hâte de découvrir ?

Notre séjour ne sera pas vraiment des vacances. On joue à Paris… mais pas de visite du Louvre, de la Tour Eiffel, pas d’Arc de Triomphe, etc. On débarque, on joue, on dort et on s’en va vers la Belgique. La Normandie nous intrigue vraiment pour son histoire. Sinon, c’est surtout que les salles, les organisateurs et les bands qu’on va rencontrer ont l’air incroyablement sweet.

Comment vous êtes-vous préparés pour cette tournée (logistique, répétitions, adaptation du setlist) ?

Alex s’est chargé de la portion booking pour 95 % de la tournée. C’est lui qui est entré en contact (par l’entremise de certains amis) avec les salles, les associations, les promoteurs, les bands, etc. On s’est un peu entraidé par la suite, afin d’optimiser l’itinéraire et la logistique (instruments, hébergement, etc.). Je me suis occupé de la portion visuelle pour l’affiche de la tournée et autres besoins nécessaires.

On a quelques shows préparatoires au Québec pour se remettre dans le bain. Notre dernier remontait à novembre 2025. Alors on s’est booké : St-Jean-sur-Richelieu (7 mars), Trois-Rivières (20 mars) et Victo (21 mars).

Le gros défi : Alex habite maintenant à Montréal, donc les répétitions full band se font rares.

On connaît nos chansons, mais quand elles durent deux minutes… donc 45 minutes de set, ça fait beaucoup de chansons.

Croyez-vous qu’il y a des différences entre le public québécois et le public européen ?

Same but different?

Pour eux, on reste une épice étrange qu’ils ne peuvent pas reproduire. On est des « Franco-Ricains » (s/o SeinsSucrer). Pour certains, on sera une découverte. Pour d’autres, juste le groupe invité.

Mais, parfois, les meilleures surprises viennent du groupe que tu ne connaissais pas.

Comment croyez-vous que la scène québécoise soit perçue là-bas ?

Je crois que le Québec a déjà laissé sa trace :
Get The Shot, Don’t Try, les Vulgaires Machins, Mute, The Sainte Catherines, Fifth Hour Hero…

J’en oublie fort probablement. Ils ont traversé l’Atlantique avant nous et ils ont ouvert des portes. D’autres le font encore.

Avez-vous dû adapter votre spectacle pour le marché européen ?

Quand je vais voir un band international, je ne veux pas qu’il adapte son show pour moi. Je veux voir ce qu’il fait vraiment. Alors on va faire pareil. On va monter sur scène, jouer nos chansons et voir ce qui se passe.

Le but : laisser une bonne impression… pour que la prochaine tournée soit encore plus grande.

Merci de votre temps ! Toute l’équipe du Crew vous souhaite une belle tournée !

Rédaction : Claudia Bo et The Carringtons

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Salut Dogo Suicide,

Pouvez-vous nous parler de la composition de votre band ? Les membres, comment vous vous êtes rencontrés ? Etc.

J’ai rencontré Manu lorsque j’avais six ans lors d’une sortie de camp de jour dans notre village natal. On a commencé à jouer de la musique ensemble au secondaire. Il m’a montré comment lire des tablatures.

Dogo a commencé en 2018 avec Jesse Bédard à la batterie. Richard W.T. a pris le relais derrière les tambours en 2020 et ce, jusqu’à tout récemment. Le line-up d’aujourd’hui est composé de Manu à la basse/au chant, Nico T. à la batterie/au chant et Nico C. à la guitare/au chant. Clémence Richard (choriste) joue parfois sur scène avec nous.

Comment se passe le processus de composition musicale au sein du groupe ?

J’arrive souvent au local avec des riffs ou des chansons semi-complètes. Manu aussi arrive souvent avec des idées ou des riffs. On s’obstine ensuite pendant quelques mois avant d’aller voir Zach pour enregistrer le tout à son studio, à Berthier-sur-Mer. J’écris les paroles entretemps.

Vous êtes plusieurs bands à partir pour l’Europe presque en même temps. C’est du hasard, ou ça s’est planifié comme ça ?

Aucunement planifié. À vrai dire, nous étions supposés y aller en novembre dernier, tout juste après la sortie de Tristesse Lucrative. Le déplacement de la tournée a finalement fait en sorte que plusieurs bands de Québec se trouveront en Europe simultanément. C’est drôle.

Est-ce la première fois que vous faites une tournée à l’étranger ?

Une tournée, oui, mais nous avons déjà joué en Belgique lors du festival Francofaune en 2024.

Qu’est-ce qui vous excite le plus à l’idée de tourner en Europe ?

Les frites et jouer dans de nouvelles villes.

Y a-t-il des villes ou des salles que vous avez particulièrement hâte de découvrir ?

On a hâte de jouer à Liège ; c’est la ville de nos amis de It It Anita.

Comment vous êtes-vous préparés pour cette tournée (logistique, répétitions, adaptation de la setlist) ?

Afin d’être parés à toute éventualité, nous nous sommes donnés comme objectif de tous devenir aussi musclés que l’ancien chanteur de Get The Shot avant le début de la tournée. Les muscles de l’un pourront servir d’oreiller pour un autre au cas où nous devrions dormir sur un plancher de crackhouse.

Merci de votre temps et toute l’équipe du crew vous souhaite une belle tournée !

Rédaction : Claudia Bo et Nico C.

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour lire l’entrevue du mois dernier : c’est ici.

General Chaos, pourquoi ce nom?

Constantin – Ça vient d’une photo d’un show des Dead Kennedys où il y avait plein de monde sur scène pis Jello Biafra a l’air de lancer quelque chose. Bref ça m’a fait penser au « chaos général ». Et d’après moi ça sonnait mieux en anglais General Chaos.

Pouvez-vous vous présenter? Vos noms, votre position dans le band et ce qui vous motive à faire de la musique?

Constantin Blondy, 16 ans, (guitare et chant) – Je veux pouvoir vivre de ça et travailler plus tard dans l’industrie puisque l’on se fait beaucoup de contacts et d’amis qui travaillent eux aussi dans le milieu.

Rémi Jacques, 16 ans, (batterie) – Je veux étudier en musique; ça fait depuis à peu près toujours que je joue de la musique et je veux continuer dans cette voie.

Aude Deniger, 16 ans, (basse) – C’est motivant de toujours évoluer dans la musique et d’apprendre de nouvelles choses. Je veux aussi étudier en musique.

D’où vous est venue l’idée de monter un band punk?

À la base c’était Rémi et moi. On jouait de la musique ensemble depuis la 5^e année et, en février 2022, Fred (le père de Rémi) nous a proposé de jouer un set au Pouzza Fest (en mai). Ça s’est bien passé et nous avons tous aimé ça, ce qui nous a incité à jouer de plus en plus.

Quelles sont vos principales influences internationales? Et locales?

Locales seraient NoBro, No Waves et Béton Armé. Internationales : Mano Negra, Gee Tee, Les Wampas, Operation Ivy, Dead Kennedys, The Interrupters.

Comment croyez-vous être perçus dans la scène?

Notre ami Milan Mudie, du groupe Somet, a dit que selon lui nous sommes perçus « comme le jeune band cool de Montréal. » Nous sommes d’accord avec cette description.

J’imagine que vous êtes tous aux études. Comment réussissez-vous à concilier la musique et les études?

On ne réussit pas super bien. Il nous est arrivé de manquer de l’école pour aller à Rimouski ou à London.

Quelles sont vos aspirations en tant que band? Avez-vous des projets à long terme?

En tant que groupe nous allons sortir un album au printemps prochain sur Stomp Records. C’est supposé être un secret mais bon. Nous voulons aussi participer au plus de festivals que possible, ainsi que d’ouvrir pour des bands que l’on admire quand ils viennent à Montréal (Social Distortion, Descendents, NoBro, Rancid, Vulgaires Machins, Suicide Machines).

Où peut-on vous voir prochainement?

Nous allons jouer à la Toscadura le 20 décembre avec plein de bons groupes pour un show de Noël. Si ça vous tente d’avoir du fun, je vous conseille de venir nous voir!

Rédaction : Claudia Bo et General Chaos

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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Tout d’abord, pouvez-vous nous expliquer à quoi fait référence le nom de votre band ?

Nous avons quelques références : The Taxi Boys (le premier band des Real Kids), si vous ne connaissez pas, c’est très dommage.

Et l’autre, c’est un porn des années 70 qui existe pour de vrai. Aussi, le premier band de Giuda était Taxi.

Vous êtes toutes des artistes ayant déjà participé (ou qui participent encore) à d’autres projets musicaux. Pourquoi vous réunir dans un nouveau band ?

Gabrielle – C’est important de jouer dans un All Girl Band. On était supposé travailler ensemble (Gab + Lynn), mais à la place, on joue de la musique ensemble.

Lynn – J’étais dans un girl band avec Jamie dans le passé et je n’avais pas terminé de vivre de beaux moments, donc on s’est reparti un band ensemble et nous voilà.

Jamie – J’avais besoin de faire quelque chose. Donc, la machine est repartie.

Vera – Donc, longue histoire courte, Vera jouait dans un projet (WASHR\DRYER) et, quand cela est tombé à l’eau durant le bon temps de la COVID, Lynn a envoyé un message à l’improviste pour voir si elle était intéressée à partir un band ensemble. Elle avait besoin de faire quelque chose, donc elle est passée nous voir et la magie s’est produite. Chose très drôle : Jamie et Vera se connaissaient depuis longue date – Montréal est très petit.

Vous êtes trois de la grande région de Montréal alors que Gabrielle est de Québec. Comment réussissez-vous à concilier vos vies et trouver le temps de pouvoir jammer et pratiquer ensemble ?

Pas facile, celle-là. Ceux qui connaissent Gab, vous savez qu’elle a comme quatre à dix projets. Donc, au tout début, quand elle a fait le quatuor du band, nous étions hyper excitées de l’avoir dans Taxi Girls. Cela dit, on a tout fait pour se rassembler le plus souvent quand elle vient ici.

Quand on a des gros changements à faire, des nouvelles tunes ou un festival à monter, et bien on s’organise pour qu’elle vienne faire une répète si besoin. Sinon, elle pratique de son bord et nous ensemble.

Pour les démos des nouvelles tunes, on envoie tout par enregistrement et ça se fait très bien, une chance pour cette technologie et, grâce à Ryan Battistuzzi, qui travaille beaucoup avec nous à finaliser nos tunes.

Comment se passe votre processus de création musicale ? Qui compose, qui écrit ?

Jamie et Vera se rejoignent, écrivent les tunes et font les démos, ensuite on les envoie à Gab et Lynn et on les pratique. Par la suite, on fait beaucoup de « pré-prod » avec le meilleur Ryan. Des fois, la magie se fait juste durant la répète.

Vous êtes un band assez récent et, déjà, vous avez foulé de grandes scènes, notamment au FestiVoix. Comment expliquez-vous l’acquisition rapide d’une telle notoriété ?

Le fait que nous avons Gabrielle (Margaret Tracteur, Scare, etc.) et aussi le fait que Jamie et Lynn jouaient dans Pale Lips. Je dois dire que le contact est très important pour nous et que cela est un grand atout. On est fières de ce que nous jouons et on aime croire aussi que notre son est un peu différent et que ça « fit » bien n’importe où avec bien des bands.

Et on va se le dire, on aime croire que la programmation aime avoir plus de femmes sur scène.

Dans un contexte de débat entourant la présence des femmes sur la scène, comment percevez-vous votre place ?

On supporte à 110 % plus de femmes sur scène, et la diversité qui est très importante pour nous et pour avoir cette visibilité. On a tout à fait le droit d’être là et d’avoir autant de fun que tous les autres bands et ceux qui sont dans la foule. Ce sujet est très important pour nous. On espère encourager les jeunes à vouloir prendre leur place sur la scène et à foncer. Il faut qu’il y ait un changement, sinon ça devient plate très vite. On garde notre place en étant « fresh », avec des nouvelles tunes, en étant énergétiques sur scène, pour justement souhaiter que ça inspire les jeunes.

Qu’est-ce qui s’en vient pour vous dans les prochaines semaines, mois ?

Pas de shows et la finition de notre LP qui s’enligne VRAIMENT TRÈS BIEN………
Très hâte de le partager avec vous. Restez à l’écoute. 😉

Rédaction : Claudia Bo et Taxi Girls

Correction : Val Girard

Révision :

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Pièges

Le groupe Traps s’est formé en 2015 dans la ville de Québec.

À l’heure actuelle, c’est Guillaume qu’on retrouve aux drums. Spécialiste des tambours, il sait en tirer le maximum. Il constitue le point d’appui solide dont le reste de la formation a besoin.

Keven percute la basse. Présentant des riffs innovateurs, il possède une technique hors du commun. Dans ce band, le bassiste on l’entend fort pis on aime ça.

Pierre-Luc est aux commandes de la guitare. Ne s’en laissant pas imposer, il exécute des accords dynamiques et surprenants. Il nous transporte dans une autre dimension musicale.

Finalement, Matt le charmeur est au vocal avec une guitare à son cou. Sa voix mielleuse est irrésistible, au point de faire tourner les têtes, même celles des garçons. C’est l’épice manquante qui rend cette bande vraiment talentueuse, quand ses quatre rouages y mettent toutes leurs tripes.

Crédit photo: Facebook

C’est du quoi?

Le style musical de Traps est très variable, voire versatile. D’un album à l’autre et d’un morceau à l’autre, nous détectons du indie rock, punk rock, rock ‘n’ roll, garage, etc. Ayant autoproduit leurs trois albums, tout le mérite leur revient. Si je ne vous l’avais pas précisé, vous n’y auriez vu que du feu. On dénote une bonne qualité au niveau de leur enregistrement et on sent toutes les nombreuses étapes pour y arriver.

Crédit photo : Facebook

Startup

Traps s’est dégêné, en se montrant la binette au grand public lors du lancement de leur premier EP en novembre 2016. Cet album éponyme Traps possède cinq chansons. Il est disponible en format CD.

On a ici du bon rock québécois, en restant plus dans le indie. Ça tient la route en suivant les standards et les normes des grandes ligues.

Crédit photo : Facebook

Electric Plastic

Réapparition presque deux ans plus tard avec leur deuxième EP Electric Plastic. Cette fois-ci, on découvre quatre nouvelles compositions. Son écoute en ligne a été rendu possible le 5 avril 2018.

Cet album est très rock ‘n’ roll. Plus dans mes goûts personnels. Ça rock en sale! Je les imagine la langue à terre. Nous les distinguons toujours avec ce fond qui sonne garage, tant apprécié. L’album contient quelques balades punk rock bien jouées.

Traps n’est pas coincé dans un piège quelconque ou du moins ils en sont désormais libérés. Ils sont toujours en vie et actif.

Crédit photo : Facebook

Funny Things

Un autre bond de deux ans avant que Funny Things arrive le 1^er juillet 2020. Un véritable largage de quatre bombes. Tous des hits hauts en puissance.

Vous avez sûrement deviné que c’est l’album que je préfère dans la discographie de Traps. Il est classé comme étant punk and roll et je trouve que ça colle exactement à son âme. Les membres donnent tout ce qu’ils ont. Ils sont vidés après seulement quatre interprétations enchaînées. Les solos, de chacun d’entre eux, sont hallucinants. Ils ont mis le doigt sur quelque chose.

Crédit photo : Facebook

Stop Watching

Le nouveau venu de Traps s’appelle Stop Watching. En 2025, arrêtez de regarder votre vie défiler, agissez ! Abonné aux créations de EP, leur quatrième album en carrière n’échappe pas au moule établi trimbalant le succès avec lui. On joue safe avec encore quatre nouveaux titres, tapé au studio de Ben Shampoing.

La pochette pour lui rendre justice est magnifique, du talentueux infographiste Stéphane Côté.

Crédit photo : Facebook

Riot

Amorçage très rapide, énergique, un brin énervée. Le bassiste domine. Et quand la voix s’en mêle… oh que je l’aime, celle-là ! Refrains et accords accrocheurs. Puis, arrive cette merveilleuse ligne de basse qui déclenche tout. On n’a pas fini d’être envahi par de la bonne musique. Solo de guitare. Cris à l’unisson avec les trois autres mecs qui beuglent dans leur micro respectif.

Type of Reason

Tendances rock ‘n’ roll. Un instrument de musique se lance et les autres lui répondent harmonieusement. Guit penchant vers du surf rock momentanément. J’apprécie et j’en veux plus !

Stop Watching

C’est la tune titre, phare de cette nouveauté. La plupart du temps, c’est la meilleure du lot… On conserve un rythme accéléré. Rien ne s’essouffle. Ils réussissent encore à se renouveler avec un son de guitare qui a sa personnalité. Sans oublier les trois autres instruments le suivant. Le catalyseur de cette réaction explosive est la batterie, sans répit. La lutte est chaude pour déterminer ma favorite du quatuor endisqué.

Limelight

Une introduction de guitare surchargée de distorsion, sous un coup de baguette soutenu. Le vocal embarque efficacement pour se joindre à la composition. Cette chanson est des plus entraînantes, à mettre dans le char avec le gaz au plancher.

Crédit photo : Facebook

Constat

Je peux donc affirmer (avant vous autres héhé), que Stop Watching est dans lignée de leur précédent fracassant Funny Things. Mais ne vous y méprenez pas, car nous sommes ailleurs que le punk and roll traditionnel. Je vous conseille d’écouter cet album lorsqu’il peuplera le paysage musical du Québec très prochainement. J’ai un faible pour la première piste Riot. Ils peuvent en être fiers.

Que nous réserve leur avenir?

Traps est en train de faire presser Stop Watching en format vinyle de 7 pouces comme pour Funny Things. Watchez les dates de leur tournée qui apparaîtront pour votre ville. Il faut absolument les voir live pour vraiment apprécier la richesse de leur musique.

Rédacteur : Patrice Belley

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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BC : Salut Carey et merci d’être notre tête d’affiche du mois d’août. Tout d’abord, pouvez-vous nous expliquer le nom du band, Carey? Ça réfère à quoi au juste?

Carey : Pour commencer, merci de nous donner cette belle visibilité. Le nom Carey vient de l’ancienne mine d’amiante Carey Canadian (ou « La Carey ») située à East Broughton. Elle a été active de 1958 à 1986.

BC : Vous êtes un band originaire de la région de l’Amiante en Chaudière-Appalaches (pour les néophytes, il s’agit du coin de Thetford Mines, anciennement Asbestos et les environs). Votre musique porte essentiellement sur la vie minière qui a caractérisé votre région. Pourquoi ce grand intérêt envers le contexte minier de votre région?

Carey :  En fait, l’ancienne ville d’Asbestos se trouve en Estrie. Malgré son lien évident avec la région de l’Amiante, cette dernière fait plus référence à ce que les gens appellent aujourd’hui la région de Thetford, près de la Beauce.

Visuellement, le passé minier est omniprésent dans les paysages de la région. C’est une histoire riche et tumultueuse qui a changé le cours de l’histoire du Québec. Presque tout le monde ici a de la famille qui a travaillé directement ou indirectement dans l’industrie minière de l’époque.

Le contexte de « mineur de père en fils » s’est terminé lorsque notre génération était encore très jeune et a créé une cassure. On sent encore les répercussions aujourd’hui. C’est l’histoire de nos parents, de nos grands-parents, des générations qui les ont précédés; c’est notre histoire.

BC : Pouvez-vous nous expliquer pourquoi vous avez choisi de fonder toute votre œuvre sur ce même thème?

Carey : Lorsqu’on a débuté le projet, je savais que je ne voulais pas des paroles/thèmes qui ressemblent à tout ce qui se fait traditionnellement dans le hardcore/punk. J’étais très influencé par des groupes qui ont des concepts assez poussés comme Cult Of Luna, Santa Sangre et Fall Of Efrafa. Particulièrement, le groupe Unholy de Syracuse qui avait un concept lié à la littérature d’horreur.

Pour ces raisons, l’idée de baser le concept sur l’histoire minière de notre région est venue assez naturellement. Nous avons tous grandi en étant témoins de la désinformation concernant notre région et son histoire. Ainsi, nous trouvions qu’il était important de réajuster le tir en proposant un contenu qui donnait une voix à ceux qui ont vécu l’industrie de l’amiante au premier plan.

C’est certain qu’un jour, on aura fait le tour du concept et de certaines expressions qui en découlent. À ce moment-là, il faudra peut-être penser à changer de filon!  

BC : Croyez-vous que votre musique a ce pouvoir, de changer les mentalités et faire bouger les choses?

Carey : Si nos paroles peuvent amener des réflexions sur certaines situations liées à l’industrie minière et aux conditions de travail, on aura peut-être bien allumé une petite flamme qui pourra éventuellement grandir.

Par exemple, faire réaliser que les redevances minières doivent être révisées. Ou attirer l’attention sur le fait qu’il est immoral qu’une compagnie étrangère vienne siphonner nos ressources naturelles, à nos frais, et qu’elle reparte après avoir empoché tous les profits, en laissant un écosystème cicatrisé de façon permanente.

BC : Est-ce que vous voyez votre projet comme une forme de mémoire collective ou plutôt comme une revendication sociale?

Carey : Je pense qu’à la base, c’était plus une façon artistique de conserver la mémoire collective régionale. Mais tout ça s’est vite transformé en « de grâce, tirez leçon de ce qui est arrivé dans notre région » sans qu’on en ait vraiment l’intention. Comme nous sommes tous issus de la classe ouvrière, il y a certainement des expériences personnelles qui font leur chemin pour se retrouver collées au concept qu’on développe avec le band.

Je crois qu’inconsciemment, on revendique d’une part le refus d’un dogme conservateur ou socialiste, que ce soit en critiquant à la fois le capitalisme et le syndicalisme dans une même chanson : Pierre-Elliot Trudeau, Maurice Duplessis et le PQ dans une autre.

Personne n’est à l’abri. Ni ceux qui ont profité de la fibre ni ceux qui l’ont bannie sous le couvert de la vertu aux profits de pays comme la Russie et le Brésil. Ils se foutent bien des conditions de travail des mineurs (ou des travailleurs qui utilisent l’amiante dans les pays acheteurs).

D’autre part, on essaie d’encourager une réflexion sur l’exploitation du chrysotile dans l’optique où, ce n’est pas la fibre elle-même qui est dangereuse, mais plutôt la façon dont elle a été exploitée/utilisée pour maximiser les profits au détriment de la sécurité des travailleurs. Tout ça, encore une fois, en envoyant les profits générés par nos ressources à l’étranger. Je m’écarte peut-être un peu de la question…

BC : Votre musique porte essentiellement sur les conditions de la classe ouvrière. Comment voyez-vous la place de cette classe dans un Québec de plus en plus fragmenté?

Carey : La classe ouvrière est de moins en moins présente. Tout comme la possibilité d’avoir un travail d’ouvrier et de pouvoir subvenir aux besoins d’une famille avec un seul salaire. C’était encore le cas dans les années 90. Maintenant, les ménages ont deux salaires, mais ils ont à peine les moyens de vivre confortablement.

On fait venir des travailleurs étrangers qu’on utilise pour faire des jobs qui ont été dévalorisées pendant des années. Puis, on se sert de leurs statuts précaires pour les exploiter, comme nos grands-parents se sont fait exploiter. On les utilise pour faire le peu de jobs ouvrières qui n’ont pas déjà été transférées dans des pays plus défavorisés.

J’ai l’impression que les différents paliers gouvernementaux prennent les problèmes dans leurs poches droites et les mettent dans leurs poches gauches. Ensuite, ils mettent en place des mesures ineffectives que personne ne demande. J’essaie de réfléchir à un exemple de mesure qui a été prise dans l’intérêt ou même avec l’appui de la population dans les dernières années, mais je n’en trouve pas.

Une chose est certaine, l’exploitation de la classe ouvrière est encore bien là. Et malheureusement, elle semble maintenant aussi inclure l’entité qui a été créée spécifiquement pour la défendre.

BC : Comment votre musique est-elle perçue au-delà de votre région, dans des endroits qui ne vivent pas la même réalité?

Carey : Je pense que dans presque chaque région, il y a une réalité qui fait que les gens peuvent facilement s’identifier à nos thèmes. Certains liens se font plus naturellement et mènent à des relations organiques, comme avec Copperfield ou Guhn Twei de Rouyn-Noranda qui ont aussi été développés autour de l’industrie minière. D’autres fois, les gens me parlent de situations similaires que leurs parents ont vécu dans d’autres industries (textile, construction, transport, etc.) de diverses régions du Québec ou d’ailleurs.

C’est arrivé à quelques reprises que les gens soient un peu craintifs à cause de la réputation de l’amiante qui nous suit partout. Mais ça ouvre le dialogue. C’est vraiment moins pire qu’à l’époque où on a commencé dans nos premiers bands. Juste le fait de provenir de la région de l’Amiante faisait reculer les gens de deux pieds!

De façon générale, je pense que toutes les régions peuvent voir des similitudes avec la nôtre et peuvent s’identifier avec les sujets dont on parle.

BC : King Beaver Phase One a été enregistrée en une seule prise dans une cabane située au bord d’une mine d’amiante abandonnée à East Broughton. Que cela représente-t-il pour vous? Quel était le but derrière cette approche artistique?

Carey : L’idée est venue durant la composition du EP. On a décidé de faire trois chansons qui se fondent ensemble. On s’est dit que cela pourrait être cool d’enregistrer live pour capturer l’ambiance le plus fidèlement possible. Nos amis de Grand Morne l’avaient fait quelques années auparavant avec un très bon résultat.

Des bands comme Unbroken ont réussi à capturer une vibe unique en faisant la même chose. J’ai donc pensé qu’on pourrait créer un produit qui sonne organique. Mais aussi, qui traduit bien l’atmosphère du groupe en enregistrant tous en même temps dans la même pièce en une seule take.

On a tout de suite pensé à notre chum Jacob (Mixbus Studio), avec qui on avait déjà collaboré à quelques reprises, pour enregistrer le EP. Il a rapidement offert de filmer la performance. On voulait trouver un endroit significatif qui sonnerait bien. Après s’être fait refuser notre première idée à cause de nos paroles, ma conjointe a proposé cet endroit. Comme on connait les personnes qui s’en occupent, le processus a été beaucoup plus simple et rapide!

Pendant le développement du projet, j’ai pensé à toutes les fois où j’ai eu le feeling qu’un album était trop liché, surproduit ou digital. Je me suis dit que si on arrivait à sortir quelque chose qui sonne naturel, mais professionnel, peut-être que cela pourrait donner le goût à d’autres bands de tenter l’expérience. De plus, c’est tellement plus le fun de jammer avec ses amis, plutôt que d’être enfermé dans un booth pendant des heures à essayer de faire tout parfaitement, et ce, malgré les quelques fausses notes!

BC : Souhaitez-vous ajouter quelque chose? Peut-être de nous parler de ce qui s’en vient pour Carey dans les prochaines semaines, prochains mois?

Carey : Au moment où l’entrevue sortira, on viendra tout juste de terminer une fin de semaine de shows avec Guhn Twei et Vaste. J’espère, que ça aura bien été. Pour ce qui s’en vient, on est en train de travailler sur quelques shows cet automne, dans l’Est canadien et ici. Je ne peux pas donner de détails encore. Suivez nos pages pour avoir plus d’informations en lien avec nos dates futures.

On travaille aussi sur un split avec un band de chums. Encore une fois, je ne peux pas donner trop de détails. Mais je peux dire qu’on aura une vieille et une nouvelle chanson.  Cette dernière sera un hommage aux « gobeuses », les femmes qui séparaient la fibre d’amiante de la roche (cobbing). Elles ont été des pionnières du travail ouvrier pour les femmes, ce qui était très rare, voire inexistant à cette époque. Merci beaucoup pour l’entrevue et pour tout ce que vous faites pour promouvoir la scène d’ici!

Rédaction : Claudia Bo et Carey

Correction : Lux Mundi

Révision : Marie-Eve Landry

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