L’initiative Le Bad Crew

J’y ai assisté à titre de représentante de notre belle équipe de bénévoles et j’ai eu la chance d’avoir des discussions riches, profondes et inspirantes. Le Bad Crew a présenté l’initiative Tête d’affiche mensuelle Franco : à compter du mois d’août 2026 et pour les 12 mois qui suivront, seuls des artistes qui font de la musique en français seront mis sous les projecteurs de nos réseaux sociaux.

L’entrevue Banane-Banane de Culture Cible

Après cette magnifique journée, je me suis dirigée vers la Jasette des Francos pour assister à l’enregistrement du balado Banane-Banane, de Culture Cible (Camille Dahaene, Marc-André Mongrain et Louis-Philippe Labrèche). La première édition, si je ne m’abuse, remonte à juin 2025. Vous vous souvenez peut-être de ce pas très fameux article de Patrick Lagacé, qui avait suscité l’indignation de notre milieu et auquel nous avions réagi dans une publication.

L’entrevue Banane-Banane visaient justement à lui faire un pied-de-nez. Déguisée en banane, l’équipe de Culture Cible avait alors reçu Virginie B, qui assurait à l’époque la première partie de Philippe Katerine, pour une petite jasette à l’Esplanade du Quartier des spectacles. Le costume de banane lui avait d’ailleurs permis de chanter La banane sur scène avec Philippe Katerine, dans le cadre des Francos en 2025.

Mais revenons à cette année. Simon Boisseau, Princesses et Alice Bro sont venus jaser de leur univers. Tous étaient déguisés en banane… tous, sauf Alice Bro, qui arborait un immense costume de botch fabriqué par un ami en hommage à son surnom : La Reine des Botchs.

Fait beau, fait chaud… poursuivons l’épopée

Il faisait beau et je m’étais rendue au centre-ville en transport en commun. J’ai donc décidé de me diriger vers les Foufounes Électriques pour aller prendre un verre sur la terrasse. Une fois sur place, j’apprends que Marie-Pierre Arthur y jouait, avec Édouard Grenier Tremblay en première partie. J’ai réussi à me faufiler dans une salle comble.

La configuration de la salle n’avait rien à voir avec les concerts punk et métal auxquels j’assiste normalement : il y avait des places assises partout, même sur la scène. Les musiciens, eux, étaient installés au beau milieu de ce qui sert habituellement de pit, baignés dans une douce lumière feutrée.

Je ne connaissais pas Édouard Grenier Tremblay, mais des amis croisés complètement par hasard ce soir-là m’ont appris qu’il est le fils de Daniel Grenier (Chick’n Swell) et de Mara Tremblay. Seul avec sa guitare, il a livré une prestation vulnérable, humble et pleinement assumée. À un certain moment, il s’est trompé dans ses paroles, mais il l’a immédiatement souligné en tournant le tout à la blague. Une identité imparfaite, ça, c’est punk !

D’ailleurs, j’ai croisé un spectateur portant un chandail de Deftones dans la foule, et j’y ai aussi aperçu plusieurs visages de la scène métal et hardcore. J’ai particulièrement aimé la chanson Carence. Je trouve que sa voix y ressort particulièrement bien, et j’ai trouvé original que les chœurs soient des « uh, uh, uh » plutôt que les traditionnels « oh, oh, oh ». Une très belle découverte pour moi !

Puis est arrivée Marie-Pierre Arthur, accompagnée d’un claviériste, d’un guitariste et de trois choristes. Pas de guitare électrique ni de batterie, contrairement à la première fois où je l’avais vue, à la Salle Rolland-Brunelle, à Joliette, en 2015. Bien que totalement différent comme spectacle, je l’ai tout autant apprécié. Marie-Pierre Arthur possède une voix juste, puissante et émouvante. J’ai déjà assisté à des spectacles acoustiques où le public discutait, parfois même assez fort pour couvrir l’artiste pendant une chanson… mais ici, le public était totalement captif. J’ai versé quelques larmes pendant Emmène-moi. 14 ans après sa sortie, cette chanson me fait toujours le même effet.

Réfléchir en mangeant des chips

De retour à la maison, en mangeant des chips sel et vinaigre dans le métro (ayant réalisé un peu sur le tard que je n’avais rien mangé de la journée), je repensais à cette journée. Aux rencontres. Aux idées échangées. À la raison pour laquelle j’y étais allée.

C’est d’ailleurs pour cette raison que j’ai eu envie d’écrire cet article : je veux qu’on réfléchisse ensemble.

Que les Foufounes Électriques présentent un spectacle francophone, acoustique et indie, ça prouve que les milieux émergents et populaires peuvent cohabiter et s’entraider. J’ai entendu 50 initiatives visant à promouvoir la chanson francophone… et si la solution n’était pas aussi compliquée ? Et si elle était même plus simple ?

Et si l’on créait un one-stop shop (pardonnez l’anglicisme) au lieu que les promoteurs, amateurs de musique, organismes, gouvernements et autres aient à fouiller sur 1001 sites pour trouver le talent ? J’ai accompagné plusieurs entreprises à travers des fusions et acquisitions. Et quand ça tourne mal, c’est presque toujours pour la même raison : on n’a pas pris le temps de s’intégrer.

C’est exactement ce qui se passe en ce moment. On ne sait pas par où commencer, ni parfois même où chercher, pour soutenir la vitalité de la musique francophone. De la relève, du talent, du monde motivé et prêt à aider, il y en a. Mais on ne les voit pas, ou ils ne réussissent pas à nous rejoindre.

Alors voilà.

Je lance l’idée. Créons une page Francofy, où TOUTE l’industrie musicale francophone se donne rendez-vous. Subventions, organismes, artistes établis et de la relève, salles de spectacle, festivals, syndicats, médias, balados, diffuseurs, partenaires… Un endroit où l’on peut filtrer ce que l’on cherche par ordre alphabétique, genre musical, ville ou catégorie. Une plateforme où tout ce qui touche à la francophonie se trouve facilement, en un claquement de doigts.

Cessons de laisser cette responsabilité reposer individuellement sur toutes celles et ceux qui portent l’industrie de la musique à bout de bras, et organisons-nous autour d’un seul espace structuré.

La bienveillance, c’est punk en criss

Comme nos amis de Capable! le disent si bien : « la bienveillance, c’est punk en criss ». Et bien vouloir le rayonnement d’une scène qui souffre d’une sous-représentation, c’est aussi punk en criss.

Je termine en remerciant Jacques-André Dupont, Directeur général des Francos de Montréal, de nous avoir reçus comme média indépendant et d’avoir été extrêmement généreux de son temps avec moi à la fin de cette journée chargée et haute en émotions.

Rédaction : Jess Peach

Correction & révision : Marie-Eve Landry

L’article Montréal, faites du bruit : récit d’une journée bien remplie est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Après Ville fantôme, De l’Ouest et OK Punker, le nouvel EP de La Dérape, intitulé Pour Demain, est sorti le 12 juin dernier. D’ailleurs, bon plan marketing, j’écris ces lignes pendant ma première écoute afin de livrer cette critique dans un délai raisonnable, presque pour hier.

La Dérape, groupe de Montréal profondément ancré dans le punk franco, dérapant entre les styles musicaux, sans toutefois sortir de la track.  Pour demain, enregistrée par Simon Pelletier, est une composition de quatre titres dénotant un ressenti clair. Ces quatre musiciens connaissent la course et font un léger virage sur cet EP, qui est moins agressif que leurs précédents. 

Dérapage contrôlé

En effet, les chansons « sont les plus rock à ce jour » (sic), tout en gardant à l’avant-plan des textes abordant les limites du « caractère prévisible » (sic) de chaque individu. Également, au chant principal, la voix du chanteur se distingue par une teinte suivant sa propre ligne de conduite et les back vocals… Wow ! La Dérape est à prendre en exemple pour les backs apparaissant au bon endroit, au bon moment.

Sous leur rythmique énergique et brutale, tout en effleurant différents styles, ceux-ci se mélangent sans trop qu’on en soit conscient. Pour dire, lors de leur titre Tuer le son, mon oreille a, à un moment, senti un riff lourd de guitare à la Slayer, accompagné d’un claquement de basse rappelant Rancid. Stupéfait à ce moment-là, j’aurais gobé une mouche s’il en était passé une.

J’adore le concept de la pochette réalisée par Francois Phillipe Dupont : j’apprécie le sacarsme de l’extincteur en feu.  Gros coup de cœur pour la chanson Malgré eux : excellent riff de basse dès le départ. Si je l’avais écouté sur une cassette, la radio aurait bouffé la bande à 1 minute 20 secondes à force d’y revenir. Je vous laisse découvrir pourquoi, tout comme Pour Demain, un nouvel EP fort intéressant de La Dérape. Enfin, je surveille leur sillage pour entendre ça en live. 

Musicalement vôtre, Jerry Cherry

Rédaction : Jerry Cherry

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Un lineup prometteur

La salle était quasiment pleine un soir pluvieux à la Toscadura, la dernière venue tous âges restante de l’empire de Casa del Popolo. Ça fait un peu plus d’un an qu’elle est ouverte et elle est devenue une des salles majeures pour la jeune scène underground. Située au rez-de-chaussée d’un club espagnol, on y trouve un environnement charmant et bien organisé dans son ensemble. Le seul problème est que le son n’est honnêtement pas excellent, mais j’ose dire d’expérience que ça s’améliore peu à peu.

La maison de prod Ballin’ Beaver a organisé le show du 10 avril, un lineup d’artistes émergents. Offshoot du Pouzza, elle prioritise les spectacles all-ages et donne une plateforme à des groupes plus jeunes. Avec le manque de salles accessibles, c’est une belle initiative et ça prend des promoteurs comme ça pour alimenter la scène et la garder en vie.

Wired Mother

Ça débute avec Wired Mother, jouant leur tout premier show. Initialement timides, ils se sont rapidement démarqués des autres bands. Le groupe de quatre doit avoir joué dix instruments dans leur set d’une trentaine de minutes. Du synth à la contrebasse électrique à l’harmonica, indie, rock et folk se mélangeaient. Il y avait une vibe qui me rappelait des groupes classiques folk-rock des années 70s, comme The Band. Ils ont continué avec un cover de Courtney Barnett, suivi par une reprise de Björk, mettant vraiment en valeur leurs inspirations variées. Bref, c’est toujours un plaisir de découvrir des groupes qui ne sonnent pas comme les autres. J’espère que Wired Mother continueront à jouer ensemble, ils ont vraiment du potentiel!

Fielding

« Make some noise if you’re emotional tonight »

…a déclaré le chanteur de Fielding qui ressemble à Jim Morrison – si Jim Morrison jouait du indie rock. Fielding a livré une performance dynamique remplie de breakdowns mélodiques. Le band avait une énergie hypnotisante et une cohésion exceptionnelle. Ayant récemment sorti leur premier album éponyme, ils ont terminé leur set avec la dernière track, Sunspot. Ils n’ont laissé aucun spectateur indifférent; quand les guitares se sont débranchées, la foule en voulait encore.

Honey

Honey est le genre de groupe que tu découvrirais accidentellement dans un show de dive bar; une perle rare sans prétention mais surprenante. La salle était absorbée dans un moshpit en pleine sueur dès la première chanson. Le band impressionnait déjà par ses solos de guitare remarquables. Il pourrait être décrit comme un mélange de Whirr et de Smashing Pumpkins. Des couplets plus mélodiques et shoegaze se transforment harmonieusement en refrains grunge et heavy. Ils ont sorti dernièrement un single appelé Sophia (demo), qui montre justement cela.

SOMET

En tête d’affiche du show, SOMET, un groupe shoegaze assez clair et net. Ils ont seulement deux singles de sortis, Sorry et Back to You; mais si y’a une chose que ce band prouve, c’est que la qualité vaut plus que la quantité. Leur public connaissait définitivement ces deux chansons, avec du monde qui chantaient les paroles à tue-tête. Passant de riffs résonnants et distortionnés à des chansons plus rapides et punk, tout le monde pourrait y trouver un aspect qui lui plaît. Malgré qu’ils soient assez jeunes, ils jouent avec précision et cœur, digne d’un groupe beaucoup plus ancien. Des stage dives en catapultes aux amis se faisant des câlins dans la première rangée, l’émotion et la dédication pure de SOMET transcende les personnes autour.

Rédaction : Beatrix Hooton

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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C’est enfin ce moment de l’année où l’on fait le bilan pour vous présenter mes tops de 2024. Cela vous donnera un aperçu de ce qui m’a marqué au cours des derniers mois, que ce soit en albums, EP ou en concerts. J’ai l’impression de le dire chaque année, mais cette fois encore, 2024 a été une année incroyable en matière de nouvelles musiques et de découvertes.

J’espère que ces classements vous inspireront à découvrir ou redécouvrir des artistes qui vous feront autant vibrer que moi. Profitez-en pour explorer et revisiter certains de ces artistes. J’en profite aussi pour vous souhaiter une excellente année 2025, avec autant (sinon plus !) de moments excitants que cette année passée. Si certains de mes choix vous interpellent ou si vous avez envie de partager vos coups de cœur de 2024, suivez-moi sur Instagram et venez discuter avec moi. Bonne lecture !

Top 20 albums 2024

20 – The Chisel – What a Fucking Nightmare

The Chisel est une formation originaire de Londres. Fondé en 2020, le groupe rassemble Callum Graham (voix), Charlie « Chubby Charles » Manning-Walker (guitare), Luke Younger (guitare), Lee Munday (batterie) et Jean de L’Arbalete (basse). Après l’excellent album Retaliation sorti en 2022, ils ont récidivé en 2024 avec What A Fucking Nightmare.

Selon Maximum Rocknroll, The Chisel sont les leaders de la nouvelle vague de Oi!, une affirmation difficile à contredire. Leur musique, un mélange explosif de Oi! et de punk/hardcore anglais, vous donne envie de sortir au pub et boire quelques pintes de bière. Ils devaient être de passage à Montréal le 23 septembre dernier, mais ont dû canceller leur passage. Espérons qu’ils se reprendront en 2025.

Date de sortie : 9 février

19 – Better Lovers – Highly Irresponsible

Si le nom Better Lovers ne vous est pas encore familier, les groupes d’origine de ses membres le seront certainement. La formation réunit Greg Puciato (voix), figure emblématique de Dillinger Escape Plan, avec Jordan Buckley (guitare), Steve Micciche (basse), et Clayton « Goose » Holyoak (batterie), tous issus de Every Time I Die. À cette fondation s’ajoute Will Putney (guitare), également membre de Fit for an Autopsy et producteur. Better Lovers combine ces influences variées pour offrir une musique à la fois technique, agressive et chargée d’émotions.

Highly Irresponsible est le premier album complet du groupe faisant suite au EP God Made Me An Animal sorti en 2023. Ce n’est que le début pour cette formation, mais avec l’expérience au sein de ses membres ils font déjà partie des grands.

Date de sortie : 25 octobre

18 – MakeWar – A Paradoxical Theory Of Change

Ce trio formé en 2015 à Brooklyn, New York, en est à son quatrième album. Initialement, le groupe a réenregistré les chansons du projet Sad and French du chanteur Jose Prieto en 2015 avant de sortir leur premier album, Developing a Theory of Integrity, en 2016 sur Gunner Records. Depuis, ils ont rejoint les rangs de la légendaire étiquette Fat Wreck Chords, où leur dernier opus, A Paradoxical Theory Of Change, a vu le jour.

Honnêtement, ce n’est pas le meilleur album du groupe. Certaines chansons manquent de mordant et se révèlent moins mémorables. Cependant, les morceaux forts compensent largement ces faiblesses. Même si cet album n’est pas parfait, ses moments de brillance en valent clairement l’écoute.

Date de sortie : 28 juin

17 – BOIDS – BOIDS

Après avoir été empêché de tourner pour promouvoir leur album Quel Drag en raison de la pandémie, BOIDS a décidé de canaliser cette énergie dans l’écriture de leur tout nouvel album, BOIDS, paru sur Stomp Records. Dès les premières écoutes, il est évident que le groupe a mis tout son cœur et son talent pour créer un album à la fois original et un pur plaisir à écouter.

Le trio, composé de Mike Gasselsdorfer (batterie), Andy McAdam (basse, voix) et Patrizio McLelland (guitare, voix), brille sur album, mais encore plus en spectacle. Si vous cherchez à passer une belle soirée, ne manquez pas l’occasion de voir BOIDS en spectacle lorsque vous en aurez la chance.

Date de sortie : 28 juin

16 – The Meffs – What a Life

La formation The Meffs connaît du succès sur la scène britannique depuis 2019. Maintenant, il est temps que cet engouement traverse l’océan atlantique jusqu’en Amérique. Je suis d’avis que leur nouvel album What a Life leur en donnera l’opportunité. Le groupe est un duo composé de Lily Hopkins (voix, guitare) et Lewis (batterie, voix). En 2022, ils ont sorti deux EP, Broken Britain Pt. 1 et Pt. 2, sous le label Bottle to the Ground de Fat Mike. Les deux EP ont été produits par Frank Turner, un gage de qualité qui témoigne du talent de The Meffs.

Date de sortie : 13 septembre

15 – Cross Dog – All Hard Feelings

Cross Dog, après un passage remarqué au Pouzza Fest 12 sont de retour avec All Hard Feelings, leur cinquième album et le premier sous l’étiquette Stomp Records. Ce disque impressionne autant par la qualité de sa musique que par la profondeur de ses paroles. Les textes abordent une gamme de thèmes, ils explorent les défis sociologiques, psychologiques et émotionnels auxquels beaucoup d’entre nous sont confrontés. Malgré la gravité de ces sujets, le groupe parvient à les traiter d’une manière à la fois universelle et tout autant de manière personnelle. Un album à écouter sans hésitation pour les amateurs de punk hardcore ainsi que quiconque qui cherche une musique qui allie intensité, réflexion et émotions.

Date de sortie : 7 juin

14 – Custody – 3

Après quatre ans d’attente depuis leur précédent album 2, sorti au début de la pandémie, la formation finlandaise Custody fait un retour avec 3. Custody puise son inspiration dans le punk mélodique de la seconde moitié des années 90, plus précisément comme la formation Samiam, l’une de leurs plus grandes influences avec, par moments, des touches rappelant Hot Water Music.

Bien que leurs deux premiers albums aient été très solides, 3 marque une étape importante dans leur parcours. Le groupe semble avoir atteint une véritable maturité sonore, offrant des compositions plus abouties, tout en conservant le son et l’émotion qui caractérisent leur musique. Un album à ne pas manquer pour les amateurs de punk mélodique classique.

Date de sortie : 2 avril

13 – Wine Lips – Super Mega Ultra

Le dernier album de la formation ontarienne Wine Lips, intitulé Super Mega Ultra, est, sans exagération, un petit chef-d’œuvre. Enregistré au Sugar Shack à London, Ontario, par Simon Larochette, cet album marque une évolution majeure pour le groupe. Super Mega Ultra se démarque par son approche à la fois créative et expérimentale, probablement l’album le plus audacieux du groupe à ce jour. On y retrouve des riffs puissants et des solos de guitare impeccables, solidement soutenus par une basse et une batterie qui maintiennent une grande énergie tout au long de l’album.

Date de sortie : 5 avril

12 – Crachat – Fille Poupée

Crachat est un trio punk rock originaire de la basse-ville de Québec. Formé en 2022, le groupe n’a pas tardé à se faire une place sur la scène punk québécoise. Composé de Justine (voix, guitare), Lyz (guitare, voix) et Maloue (batterie, voix), Crachat propose un style « punk garage » brut et sans compromis, porté uniquement par deux guitares et une batterie. L’absence de basse… pas besoin ! Ça ne se fait absolument pas sentir sur leur premier album. J’ai découvert Crachat pour la première fois sur scène lors du concert Back To School organisé par Les Insoumises l’an dernier. Leur présence sur scène m’avait marqué à l’époque, et aujourd’hui, leur premier album est enfin sorti et dépasse grandement les attentes.

Date de sortie : 12 octobre

11 – Drug Church – Prude

Drug Church en est à son cinquième album, Prude. La formation continue de faire leur place sur la scène punk et hardcore. Bien que le terme soit de plus en plus galvaudé et souvent utilisé à tort et à travers, je suis d’avis que Drug Church s’inscrit véritablement dans le style post hardcore. J’ai découvert le groupe avec leur précédent album, Hygiene, sorti en 2022. Le nouvel album Prude en est une belle continuité. L’album offre des textes sincères et parfois teintés d’humour. Composé de dix chansons pour un total de 29 minutes, cet album saura plaire aux fans du groupe ainsi qu’aux fans de formations comme Turnstile et Militarie Gun.

Date de sortie : 4 octobre

10 – Amyl & The Sniffers – Cartoon Darkness

La formation australienne Amyl & the Sniffers nous a offert leur nouvel album, Cartoon Darkness. Certaines des critiques sont mitigées, mais je dois être honnête avec vous, j’ai adoré cet album. La formation continue d’évoluer et malgré que Cartoon Darkness soit, par moment, plus posé musicalement, le côté irrévérencieux du groupe est toujours présent. Pour ceux qui sont déçus par cet album, je vous conseille de lui donner une nouvelle chance. Il ne faut pas écouter cet album en espérant un second Confrot To Me. Pour le moment, Amyl & The Sniffers n’ont pas annoncé de date pour un concert à Montréal en 2025, mais gardons espoir !

Date de sortie : 25 octobre

9 – IDLES – Tangk

IDLES est une formation qu’il n’est plus nécessaire de présenter. Habitués à offrir des albums qui diffèrent les uns des autres, ils poursuivent cette tradition avec leur nouvel opus, TANGK. Si vous êtes attachés au son brut et abrasif des débuts de IDLES et que vous espérez uniquement retrouver cette énergie, cet album pourrait vous dérouter. Avec TANGK, le groupe démontre une fois de plus qu’il n’a pas peur de se réinventer et d’explorer de nouvelles directions. Ils semblent être en constante transformation, cherchant à élargir leurs horizons tout en insufflant davantage de nuances et de subtilité à leur musique. IDLES reste une formation rock audacieuse, prête à prendre des risques et à défier les attentes, et TANGK en est une preuve éclatante.

Date de sortie : 16 février

8- Shoreline – To Figure Out

Le groupe Shoreline fait une entrée remarquée sur le label Pure Noise Records, une étape qui facilite grandement leur introduction au public nord-américain. Cette signature est le fruit du travail réalisé sur leur premier album, qui a su capter l’attention de nombreux auditeurs et gens de l’industrie. Après ce premier album, le groupe a eu l’opportunité d’assurer les premières parties de groupes établis comme Silverstein, Basement, et Spanish Love Songs, leur permettant ainsi de se faire rapidement connaître par un grand nombre de personnes.

Shoreline se distingue par une combinaison unique de punk, d’emo, de hardcore et même de dance-pop qui laisse une impression durable. Espérons qu’ils feront bientôt escale à Montréal. Peut-être au Pouzza Fest, sachant que Guilhem apprécie particulièrement la formation, comme il l’a mentionné dans le podcast Culture Punk. Croisons les doigts, nous aurons peut-être une annonce bientôt !

Date de sortie : 23 février

7 – Touché Amoré – Spiral in a Straight Line

Si vous connaissez Touché Amoré, vous savez que leur musique est empreinte de lourdeur et d’émotions. Jeremy Bolm est un véritable livre ouvert, il partage ses insécurités et sa détresse à travers les paroles des chansons du groupe. Ce nouvel album ne fait pas exception, même s’il n’atteint pas les émotions de Stage Four, dans lequel Jeremy explorait la perte de sa mère emportée par le cancer.

Cet album s’avère peut-être le plus accessible pour les nouveaux venus dans l’univers du groupe, tout en restant fidèle à l’esprit qui a séduit les fans de la première heure. Spiral in a Straight Line est une suite logique dans la progression du groupe. Touché Amoré ne réinvente pas la roue, mais affine ce qui fait l’essence du groupe.

Date de sortie : 11 octobre

6 – Laura Jane Grace – Hole in My Head

La grande Laura Jane Grace revient en force avec un album encore plus solide, Hole in My Head. Cet opus nous offre des morceaux de rock qui rappellent par moment un son plus rétro. Sur Hole In My head, elle aborde des thèmes lourds et personnels comme la confrontation au vieillissement, la dysphorie et la sobriété. Hole in My Head nous permet d’explorer la psyché de Laura Jane.

On retrouve sur cet album des échos du folk-punk qui a fait le succès d’Against Me!, mais avec une touche plus introspective et mature. La voix de Laura Jane reste, comme toujours, un élément central et unique. Qu’elle murmure, chantonne ou crie, sa performance vocale est unique dans sa capacité à transmettre l’intensité et la sincérité de ses émotions.

Hole in My Head est une œuvre qui ne manquera pas de résonner auprès des fans de longue date comme des nouveaux venus.

Date de sortie : 16 février

5 – Trap Girl – The Savage Goddess

Trap Girl est un groupe californien formé en 2014, composé de Drew Arriola-Sands (voix), Jorge Reveles (batterie), Jocelyn Aguilera (basse) et Daniel Guzman (guitare). The Savage Goddess est un concentré d’énergie brute et de rage, mêlant des moments de beauté à des explorations plus sombres. Les thèmes abordés sont la douleur, le pouvoir, le bien et le mal, l’amour et la haine, la vie et la mort, comme l’a exprimé Drew dans différentes entrevues. 

Trap Girl se donne pour mission de défendre les droits et de faire campagne pour la justice sociale, en particulier pour les personnes issues de la diversité qui sont souvent marginalisées. Si l’on devait faire des comparaisons, leur message et leur attitude rappellent Destroy Boys. Quant à leur son, il ressemble à celui du groupe Avengers.

Date de sortie : 27 septembre

4 – Destroy Boys – Funeral Soundtrack #4

Je ne m’attarderai pas longuement sur cet album, mais je vous invite à consulter ma critique publiée lors de sa sortie ici. Pour résumer, Destroy Boys est un groupe qui n’a pas peur de véhiculer des messages forts. Qu’il s’agisse de l’identité de genre, de la masculinité toxique ou des injustices sociales, le groupe s’exprime sans retenue et avec une grande authenticité.

Il est toujours fascinant de voir évoluer des artistes que l’on admire. À travers leur discographie, Destroy Boys nous invite dans leur univers, explorant leurs questionnements, leurs peurs et leurs revendications. Si vous ne les connaissez pas encore, je vous encourage vivement, après avoir écouté Funeral Soundtrack #4, à plonger dans leur catalogue. Vous pourriez y découvrir des morceaux qui résonneront avec vous.

Date de sortie : 9 août

3 – The Dopamines – 80/20

Sept ans après la sortie de leur dernier album Tales of Interest, The Dopamines reviennent en force avec leur nouvel album 80/20. Impossible de ne pas sourire à chaque écoute. L’album s’est rapidement imposé comme un incontournable et j’ai longuement jonglé pour déterminer leur position dans le classement.

80/20 reste fidèle à la formule qui a fait la réputation du groupe, mais dans une version améliorée. Les lignes vocales et les riffs de basse puissants créent une base parfaite pour des paroles souvent sombres et lourdes. L’album est solide d’un bout à l’autre : pas de moments faibles pour moi. Si vous ne connaissez pas encore The Dopamines, ne passez pas à côté et plongez dans 80/20.

Date de sortie : 18 octobre

2 – Capable! – Le Désordre Organisé

Si vous ne connaissez pas encore Capable!, le groupe se compose de Israël (voix et guitare), Sébastien (guitare et voix), Maxim (basse et voix) et Mathieu (batterie et voix). Après huit ans d’existence et quatre EP à leur actif, ils ont décidé de franchir un cap avec leur premier album, produit par Hugo Mudie. Et quel album !

Nous avons déjà parlé de Capable! et de cet album à plusieurs reprises, et un consensus s’impose : calvaire que c’est bon ! Je vous invite à lire la critique de l’album signée Claudia ici, ainsi que ma propre critique du spectacle de lancement ici. Ne manquez pas non plus l’article de Geneviève sur le groupe, disponible ici.

Date de sortie : 23 février

1 – Combat – Stay Golden

Le groupe de Baltimore fait tranquillement sa place sur la scène et crée un petit buzz avec leur nouvel album Stay Golden. Stay Golden est un album énergique et qui malgré le jeune âge de ses membres, est empreint de nostalgie basée sur les expériences de vie du frontman, Holden Wolf.

Stay Golden est un album incontournable pour les fans de groupes comme Bomb The Music Industry, Joyce Manor, PUP et Teenage Halloween. Bien que Combat ne révolutionne pas le genre, il le réinterprète avec une originalité et une profondeur qui font du bien. Je me permets peut-être de m’avancer, mais je crois que cet album deviendra une référence et une source d’inspiration dans les années à venir. Je me croise toujours les doigts que Combat sera au Pouzza Fest 13 !

Date de sortie : 16 août

Top 10 EP / microalbums 2024

10 – Dogo Suicide – Apologie du Menteur

Date de sortie : 6 septembre

9 – Gel – Persona

Date de sortie : 16 août

8 – Fly Over States – Ghosts

Date de sortie : 24 mai

7 – Comeback Kid – Trouble

Date de sortie : 15 mars

6 – Frvits – The Great Internet

Date de sortie : 27 septembre

5 – FakeYou – Why Me?

Date de sortie : 19 juin

4 – Taxi Girls – Rainy

Date de sortie : 26 novembre

3 – Pas Mort – C’est arrivé près de chez vous

Date de sortie : 20 novembre

2 – La Faute des Autres – La Faute des Autres (Deluxe)

Date de sortie : 15 novembre

1 – PACE – Perfect Storm

Date de sortie : 5 avril

Top 10 spectacles 2024

10. Drain – Club Soda – 21 mai
11. Militarie Gun – Foufounes Électriques – 17 février
12. Bikini Kill – Olympia – 4 septembre
13. Maxime Gervais et les tits trous de balles – Quai des Brumes – 31 juillet
14. Crachat (Lancement d’album) – L’Escrogriffe – 18 octobre
15. Jeff Rosenstock – Théâtre Beanfield – 21 mars
16. Destroy Boys – Théâtre Fairmount – 12 novembre
17. Capable! (Lancement d’album) – Turbo Haüs  – 22 mars
18. NOFX – Punk in Drublic – 24-25 août
19. IDLES – MTelus – 21 septembre

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Dérives Sonores – Tops 2024 est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Pour lire l’article de la tête d’affiche du mois précédent, c’est ici.

BC : Pouvez-vous m’en dire plus sur vos influences ?

Chevrotine : Nos influences sont assez variées, il y en a tellement sérieusement. Mais celles qui ressortent le plus selon les garçons seraient : The Chats/The Vicious/Jay Reatard/Les Spaceshits/The Hives. Pis pour ma part, DK/X et The Avengers. Pis le vieux rock’n’roll je dirais. Les films de John Waters pour leur ambiance rock’n’roll déjantée m’ont toujours animée depuis mon enfance. Nous écoutons beaucoup de chanson française et de punk français à la maison aussi, ça a sûrement une part d’influence.

BC : Ça fait combien de temps que vous êtes constitués et comment vous êtes-vous connu ?

Chevrotine :

JP et moi on est en couple depuis 27 ans. Ça fait un bail que lui et moi connaissons Éric. Moi du primaire puis JP et Éric ont joué ensemble dans les Fumants quand on restait à Montréal. En 2016, avec David qui avait été notre voisin à l’époque, on s’est crinqué à jouer. JP et Éric à la guitare, Da à la basse et moi au chant. On n’avait pas de drummer. Les Drumless que j’voulais qu’on s’appelle, mais ça n’a pas passé.

Finalement, Jeff (qui jouait dans les SS avec Da) a accepté de relever le défi du drum, bien qu’il soit un guitariste et non un batteur selon lui. Il n’était pas motard non plus. Il a eu un gros accident de moto et on a attendu qu’il soit rétabli avant de continuer notre aventure.

En avril 2018, on a fait notre premier show au Laser à St-Ho. Puis, y’a eu la pandémie.

En 2022, David a décidé de prioriser sa belle petite famille quand sa 3^e fille s’est annoncée. On le remercie pour les belles années en passant. C’est lui qui joue sur notre démo. Puis, on a continué à quatre en switchant JP à la basse et gardé juste une guitare.

C’est notre parcours jusqu’à présent.

BC : Pourquoi s’appeler Chevrotine ? Amateurs de chasse ? Parce que votre musique percute ?

Chevrotine :

Haha ! Amateurs du film Young Guns surtout. On a sérieusement cherché un nom pendant plus d’un an. On a sorti bin des niaiseries. Celle dont on se souvient le plus et que je trouve toujours aussi hilarante, c’est « Incacadabra » haha. Pis Éric a dit un moment donné : « Chevrotine Georges », comme le personnage de YGII. On a ri, on a enlevé le Georges et c’est resté.

On ne savait pas à ce moment-là qu’un band de « fachos » de France d’il y a 20 ans avait le même nom. Mais il est comme rendu trop tard pour changer, pis on l’aime bien ce nom. C’est à nous autres asteure.

Pis on n’est pas des nazis.

BC : La scène au Saguenay est, en ce moment et à mon avis, une des plus vivantes au Québec. Comment pouvez-vous expliquer cela ?

Chevrotine : C’est pas mal comme ça depuis notre secondaire. Comme on est des vieux et des vieilles et que les gars ont commencé il y a longtemps, on se dit que c’est une continuité. On a toujours été des membres actifs de la scène locale. Pis les gens des autres bands aussi. J’pense qu’on est beaucoup à être des passionnés de musique, plusieurs genres confondus. J’nous trouve accueillant(e)s comme région et j’inclus le Lac aussi. On aime ça s’encourager et se partager des trucs. Si tu mets tous les membres de groupes sur la guest list dans un show au Sag-Lac, tu fais 0 $, qu’y dit Éric.

BC : Une question pour Steph : J’ai allumé au fil de mon écoute que tu étais la même Steph que dans les Râleuses. Tu es sans contredit la seule artiste de toute la scène à avoir fait deux fois notre tête d’affiche. Comment réussis-tu à concilier deux bands à la fois et possiblement musique-travail-vie perso et famille ?

Chevrotine : Ho, pour vrai ! Considérant que j’ai commencé sur le tard, ça m’étonne assez héhé ! C’est assez facile je dirais. J’ai toujours voulu faire de la musique. Ça m’a juste pris 40 ans me déniaiser haha. Comme mon amoureux fait partie du groupe et qu’on jam chez nous dans notre studio, c’est d’adon pour les pratiques.

En plus, avec les filles, on peut toutes répéter autant chez l’une que chez l’autre. Ça aide quand t’as pas de gestion de local à faire. J’pense que ça y est pour beaucoup. Notre ado est rendu autonome et c’est assez facile à gérer.

En plus, comme je suis quelqu’un de super fidèle, avec mes 15 ans de loyaux services, mon employeur est vraiment compréhensif quand j’ai besoin d’un petit congé. Autant dans un band que dans l’autre, je me dis que tant que j’aurai du fun, je vais continuer. Le reste suit tout seul.

BC : Pouvez-vous me parler d’un artiste ou d’un groupe en particulier qui a marqué votre parcours musical ?

Chevrotine : Pour moi, c’est Manon Brière. Avec The Generatoz, mais surtout Manic Manon and the guestlist qui m’a marquée dans le temps où on les côtoyait au Café Chaos. Je me souviens de l’avoir vue sur scène plusieurs fois. Maudit que c’était bon. JP dit la première fois qu’il a vu Jay Reatard au Club Lambi en 2007, ça été une révélation pour lui.

Pour Éric, sa révélation a été The Spaceshits, surtout pour leurs mélodies. Pis j’pense qu’on se rappelle tous le show insane qu’ils ont donné en 97 ou 98, je pense, à Chicoutimi. Il n’est pas le seul à avoir pogné de quoi de solide ce soir-là !!!

Pour Jeff, il dit que c’est sans aucun doute le drummer des Hives. Il le décrit et j’espère que je le cite bien : « Comme l’inventeur du hardcore sans disto » 😊.

BC : Y a-t-il une chanson en particulier de votre répertoire qui vous tient particulièrement à cœur ? Pourquoi ?

Chevrotine : C’est surement Mini Miss. Ça a été ma première compo. Celle qui a donné un peu la ligne directrice, si on veut, de toute cette belle aventure. Je me souviens tellement bien que j’avais le riff dans la tête. Je donnais des directives à JP pour la matérialiser. Pis avec les autres, on a peaufiné tout ça.

Un bon rock’n’roll qui crinque !

BC : Avez-vous des anecdotes marquantes de concerts ou de sessions d’enregistrement à partager ?

Chevrotine : Des fois, quand j’analyse notre son, je trouve qu’on est un peu trop punk pour les pas punks, pis pas assez punk pour les punks…. J’ai un peu de mal à nous situer hahaha ! Mais en tout cas, Michel Cantin, de Bauxite, nous a invités à son festival le Taverne Fest en 2023.

Ce soir-là, le crowd nous a totalement acceptés et a embarqué avec nous autres, même si on était un peu les intrus du festival…

Les trippeux en avant m’ont aidée quand mon micro marchait pu, pis que y’a eu des petits troubles de sons. Saint-chrême qu’y faisait chaud ! C’était complètement cinglé quand on a fait Territorial Pissing de Nirvana en cover tout a voulu arracher. Best show ever sérieusement !

BC : Quels sont vos projets futurs ? Avez-vous de nouvelles sorties ou des tournées prévues ?

Chevrotine : On joue le 21 septembre avec nos vieux potes des Névrosés à la Micro St-Ho. On va à Québec jouer avec nos amis de The Boredom Empire et le super band de Winnipeg, Poison Suckers, le 9 novembre. L’endroit reste à confirmer.

On aimerait vraiment ça trainer nos comparses des Boredom à Montréal pis se payer le TraXide avec les Dirty Cheetah. Faut que j’me crinque à organiser ça. C’est dans nos p’tits souhaits de 2025.

Côté nouvelle sortie, on est en mixage et on voudrait sortir l’album de huit chansons qu’on a enregistrées pour le début de l’année prochaine, si on veut être réaliste héhé.

En attendant, on vous sort un extrait drette là :

Rédaction : Claudia Bo et Chevrotine

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Le MAO Punk Show, qui réunit des groupes exclusivement punk rock francophones de la région du Bas-Saint-Laurent et de la Gaspésie, se tiendra annuellement pour instaurer une tradition et ainsi contribuer au maintien de cette scène régionale.

PODBAND

La soirée débute avec la formation louperivoise PODBand, un duo drum and bass, aux sonorités loud et dirty avec une touche de stoner. Ce n’est pas la première fois qu’ils partagent la scène avec Les Bâtards et sûrement pas la dernière. Ils ont invité MAO à venir chanter avec eux la chanson « Paquet d’choses » de Rouge Pompier. Certains dans la salle ont mentionné que PODBand a été une belle découverte pour eux.

POLKAPUNK

Ensuite, le groupe PolkaPunk de Carleton a mis le feu aux planches avec ses riffs ultra rapides (j’ai eu beaucoup de difficulté à prendre des clichés non flous d’eux). Je ne savais pas trop à quoi m’attendre, mais on m’a dit que ça allait me réveiller et, effectivement, ce fut le cas, haha! C’est sur des rythmes festifs à la psycho polka et billy punk qu’ils ont livré une performance enlevante! Il faut dire aussi que les nombreuses expressions faciales du chanteur ajoutait une touche unique aux pièces jouées.

LES BÂTARDS

Le groupe punk rock franco rimouskois, Les Bâtards, a clôturé cette soirée. Comme d’habitude, ils ont eu du plaisir à jouer sur scène et à échanger avec le public.

De plus, ils ont annoncé en primeur que la chanson « Je marche seul » sera enregistrée bientôt.

J’aime cette prise de vue de haut pour vous montrer « l’envers du décor ».

Pour conclure, la saison des festivals est débutée! Si vous venez en région voir les Vulgaires Machins et Groovy Aardvark au Festival de la Fenaison ou Ska Sound System au Festival Riverain ou Sum 41 et The Planet Smashers aux Grandes Fêtes Télus, faites une halte Chef Fred Poutinerie à Rimouski pour goûter la poutine Con Carne Les Bâtards!

Bons festivals 🙂

Rédaction : Cynthia Côté

Correction : Céline Montminy

Crédit photo : Cynthia Côté

Révision : Marie-Eve Landry

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Quelles sont vos principales influences musicales, pas vos groupes préférés, mais ceux qui se reflètent dans votre son ?

Côté son et textes, notre principale influence est évidement, et on ne s’en cache pas, le groupe Banlieue Rouge. La redondance musicale qui nous vient le plus souvent en tête en écoutant nos chansons revient à des mélodies de Bérurier Noir, qui ont forgé ma jeunesse. On nous a déjà comparés dans les médias à deux reprises aux Garçons Bouchers et aux Pigales. De mon côté, je ne peux certainement cacher ma longue histoire d’amour avec le punkrock californien, plus américain et ma grande passion pour la musique surf, qui vient souvent me dépanner lorsque je suis à court d’idées pour un riff. Yohan est un peu plus métal avec ses solos et son tone de guitare.

Quelle est «LA» chanson que vous auriez voulu composer?

La première chanson qui me vient en tête est une chanson composée par la personne que je considère comme le doyen des punks au Québec, et j’ai nommé Rudy Caya avec la chanson Le Train. Le questionnement sur la vraie liberté est sans aucun doute le thème le plus souvent abordé dans la culture oï. Les chaînes qui nous retiennent à notre quotidien, le rêve un peu utopique d’avoir le pouvoir et le contrôle d’es briser du jour au lendemain sans se soucier des conséquences. 

Racontez-moi la pire anecdote de tournée que vous avez vécu ?

Automne 2022, nous partons pour deux dates avec Pick it up, un groupe hommage à  Opération Ivy et à Union Thugs. Le deuxième soir était à Rimouski, dans une salle all ages, sans alcool. Yohan, notre guitariste, avait prit de l’avance et avait emporté un keg de bonne bière Port-Alfred. Le problème étant que nous devions absolument recevoir le contenant pour obtenir une bière. Je suis allé « emprunter» une poubelle verte chez un voisin et je l’ai remplie de glace. Le sourire sur les visages des gens qui ont bu avec avec nous jusqu’aux p’tites heures du matin étaient épique. Sans trop le savoir, j’avais loué un AirBNB à 45 minutes de route à l’est de Rimouski, dans une maison centenaire. La soirée s’est terminée avec mon ami Franky de QRBP, qui essayait de nous montrer comment faire du plasma dans le micro-ondes.

Êtes-vous plus « petite salle » ou « festival » ?

C’est certain que nous préférons les petites salles pour la proximité avec le public. Anyway, quand ont joue dans une trop grosse salle c’est poche parce qu’on n’est pas connu comme Taylor Swift.

Dites-moi votre ville préférée où vous vous êtes produits ?

Réponse facile, Saguenay, notre tendre maison.

Quel est, dernièrement, le groupe que vous avez découvert qui vous a le plus fait tripper, et pourquoi ?

L’été dernier, lors du Festif, j’ai frappé une nouvelle dimension musicale avec Bo Ningen, un band japonais de Noise punk garage, basé à Londres. Un son unique sur Terre, rien de moins. Un groupe qui relève le défi de nous emmener dans une toute autre dimension, avec les quatre instruments de base. Dans mon cas, j’ai découvert tout un univers qu’est le punk noise japonais.

Question funny : Préférez-vous votre poutine avec le fromage en grains ou râpé ?

Chacun est libre d’aimer sa poutine comme il le veut, en genre et en nombre, et incluant une infinie personnelle de possibilités.

Michel Cantin

Rédacteur : Pierre-Luc Gagnon

Correction et révision : Julie Fortin

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Quelles sont vos principales influences musicales, pas vos groupes préférés, mais ceux qui se reflètent dans votre son ?

Banlieue Rouge sans aucun doute, ah ah ah !!!

Quelle est LA chanson que vous auriez voulu composer?

Pied de poule et Larmes de métal du groupe Soupir.

Racontez-moi la pire anecdote de tournée que vous avez vécue ?

Nous avons perdu nos clés de char avec les instruments dans le char barré, et ce juste avant d’embarquer sur le stage.

Êtes-vous plus « petite salle » ou « festival » ?

Fond de sous-sol.

Dites-moi votre ville préférée où vous vous êtes produits ?

Dans notre ville, comme ça on peut retourner dormir chez-nous.

Quel est, dernièrement, le groupe que vous avez découvert qui vous a le plus fait tripper, et pourquoi ?

Soupir, pour la qualité des textes.

Question funny : Préférez-vous votre poutine avec le fromage en grains ou râpé ?

Les deux sortes mélangées. C’est le best, surtout celle de Chez Pauline.

Sébastien Tremblay

Rédacteur : Pierre-Luc Gagnon

Correction et révision : Julie Fortin

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Quelles sont vos principales influences musicales, pas vos groupes préférés, mais ceux qui se reflètent dans votre son ?

Je dirais un mixte de Jay Reatard et The Vicious. C’est pas mal les deux plus grandes influences qui ont défini le son de notre premier album Gonflés à bloc, c’est JP qui l’a mixé et il cherchait un son comme l’album Alienated de The Vicious.

Quelle est LA chanson que vous auriez voulu composer?

Sam : Overkill de Motörhead

JP : Sour And Vicious Man par The Compulsive Gamblers

Jeff : Tornado Of Soul de Megadeth ou Straight To Hell de The Clash

Max : La chanson du film Titanic pour les droits d’auteur

Racontez moi la pire anecdote de tournée que vous avez vécue ?

La fois où on a fait un show au Scanner à Québec avec les Prostiputes, JP a eu la merveilleuse idée d’emmener Steeve Lafleur (chanteur des Névrosés et de LaMèreVipère) avec nous pour ce show-là. Il a commencé à faire des jokes et des parodies de chansons avec le mot « porn » dedans dès notre départ de Chicoutimi (de là la mention « joke de porn » dans notre chanson Monster Truck) et bien sûr, on a embarqué dans son trip. Rendu au Scanner ça a dégénéré parce que tout le monde a embarqué dans notre déconnage. Après le show, Jeff a même autographié une paire de boules.

Êtes vous plus « petite salle » ou « festival » ?

Petite salle. Y’a une plus grande proximité avec le public, on est moins limité dans le temps et la plupart du temps, le son est meilleur.

Dites moi votre ville préférée où vous vous êtes produits ?

On n’a pas fait beaucoup de shows en dehors du Saguenay, mais je dois dire Montréal parce qu’on a beaucoup d’amis qui demeurent là, et qui jouent dans des bands donc on a toujours ben du fun avec la gang à chaque fois qu’on y va.

Quel est, dernièrement, le groupe que vous avez découvert qui vous a le plus fait tripper, et pourquoi ?

Sam : Snooper. On dirait un mélange de plein d’affaires que j’aime, mais qui est à la fois unique en son genre, du Devo sur les stéroïdes avec un petit côté qui frétille.

JP : Tee Vee Repairmann, son premier album What’s On TV est un petit bijou de punk / power pop très accrocheur.

Jeff : Des bands de streetpunk de l’Espagne comme Non Servium et Kaos Urbano pour l’agressivité brute et l’aspect plus technique dans leur musique.

Max : Liquids et The Coneheads, du bon punk garage sale et abrasif.

Question funny : Préférez vous votre poutine avec le fromage en grains ou râpé ?

Sam : En grains

JP : Râpé

Jeff : Râpé

Max : Râpé

Les Crapules

Rédacteur : Pierre-Luc Gagnon

Correction et révision : Julie Fortin

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La Con Carne Les Bâtards

C’est tellement rendu un rituel, qu’ils ont désormais une poutine à leur nom sur le nouveau menu des restaurants Chef Fred Poutinerie. Restaurants qui sont situés à Rimouski et Matane. «La Con Carne Les Bâtards» c’est : des frites, du fromage, de la sauce BBQ, du jambon à cochonne, des saucisses fumées, du poulet pop corn, de la mayo Buffalo, une sauce au poivre (cayenne), du bacon et des échalottes! « C’est bâtard, mais c’est bon en esto! Spicy mais pas trop, relevé en goût et en viande! » mentionne Fred le créateur et propriétaire. Chef Fred Poutinerie compte plus de 70 choix de poutines sur son menu, on peut même obtenir des versions sans lactose pour toutes les poutines, l’option keto et 100% sans gluten pour certaines poutines. Si vous venez au Bas-Saint-Laurent ou en Gaspésie cet été, c’est un incontournable!

Le 29 mars dernier, c’est avec fébrilité que nous nous sommes déplacés en groupe au restaurant situé à Rimouski pour la dégustation officielle de cette poutine en compagnie de Fred. Tous sont unanimes et approuvent le choix des ingrédients! Pour y avoir goûté, je vous confirme qu’elle en vaut le détour! Avouez qu’elle a l’air délicieuse, non?

En extra… une toune sur la poutine

Pour cette collaboration, le groupe punk rock francophone Rimouskois est présentement en processus de composition pour une toune sur la poutine mise à « leur sauce » pour accompagner le tout. Elle sera enregistrée en studio cet été et diffusée d’ici la fin de l’année 2024. On a hâte d’entendre ça! La formation a le vent dans les voiles depuis le lancement de leur mini album « Linge Sale » en février dernier. Vous pouvez lire l’article que j’ai rédigé sur leur show de lancement ici. Pour leur tournée hivernale de promotion, ils ont donné des prestations à Rimouski, Amqui, Matane, Trois-Pistoles, Témiscouata-sur-le-Lac, Québec et Sherbrooke.

Malheureusement, Chef Fred Poutinerie a fermé ses deux restaurants le 27 septembre 2025.

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photo : Cynthia Côté

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Pour lire l’entrevue de la tête d’affiche du mois dernier, c’est ici !

Mais qu’est-ce que ça veut dire CHYENEX ?

Chyenex, c’est en fait un mot inventé. C’est un peu inspiré par Kamakazi ou Exterio qui sont deux de nos grandes influences puisqu’au départ, on ne voulait faire que du franco. Ça vient d’un jeu de mots que Kev a fait pendant une conversation avec l’expression “chienne d’ex”.

Comment définissez-vous votre style ?

Notre band est un beau mélange entre le early punk-rock du début des années 2000 et le pop-punk plus moderne qu’on entend aujourd’hui. On ajoute également à notre style des soupçons grunge, principalement en live, vu l’ambiance très RAW que nous avons en spectacle.

Vous êtes très présents sur les réseaux sociaux, croyez-vous que ce soit possible en 2024 de faire de la musique sans ces plateformes ?

Est-ce que c’est possible, oui. Est-ce que ce serait autant accessible, non. En effet, la musique se fait depuis toujours, même sans les réseaux sociaux. Par contre, pour se faire un nom et se faire connaître, c’est vraiment devenu un plus, même presque nécessaire, d’être présent sur les réseaux sociaux. Oui le bouche à oreille existe encore, donc c’est possible de se faire connaître en ayant les bons contacts et en étant très actif dans la scène locale, par exemple en allant à des shows régulièrement, et en approchant les bonnes personnes. Par contre, le bouche à oreille aujourd’hui se fait davantage via les plateformes numériques, donc si on n’est pas présent sur les réseaux, on rejoint clairement moins de monde.

Pouvez-vous nous parler de l’évolution de Chyenex depuis sa formation à Québec jusqu’à aujourd’hui ?

Le début de Chyenex, c’est Gab et Kevin qui s’ennuyaient de jouer de la musique ensemble et qui ont reach out afin de faire un band de cover, pour le fun. Considérant que Kev possédait tout le gear pour enregistrer, c’est naturellement devenu un petit projet de compos lorsque chacun a commencé à amener quelques riffs et paroles pour le plaisir. Deux de ces tunes d’origines sont d’ailleurs restées dans le projet actuel, dont Gueule de loup, notre dernier single.

En parallèle, Gab a rencontré Claue dans un autre projet qui n’a pas fonctionné, et la suite des évènements nous a amené à lui proposer de drummer avec nous. Depuis ce temps-là, on a écrit assez de chansons pour produire un album, dont 3 singles qui sont déjà sortis. On a également plusieurs spectacles à notre actif, à Québec comme à l’extérieur. On a fait quelques festivals, dont Envol et Macadam ou le Bitchfest à Toronto, par exemple. Ce dernier signifie beaucoup pour nous car, en plus d’être notre premier spectacle à l’extérieur de la province, ayant une fille dans le band, on soutient vraiment le mouvement #morewomenonstage.

C’était au départ un projet “pour le fun” qui est finalement devenu plus sérieux, et qu’on fait tranquillement notre place sur la scène. On essaie d’aller partout où on peut aller, de laisser notre trace le plus possible dans des shows qui nous rejoignent.

Quelles sont les principales influences musicales de Chyenex ?

On a tous des influences semblables, mais avec chacun nos particularités. Il y a des groupes franco comme Kamakazi ou Exterio qui nous rejoignent tous. Sinon, pour nommer quelques groupes, on a tous été influencé par des bands early pop-punk comme Blink182, Green Day, New Found Glory avec des touches plus modernes à la Neck Deep ou State Champs. Vocalement, Gab va également chercher des influences plus emo comme My Chemical Romance, par exemple.

Comment la venue de Claudia Lizotte à la batterie a-t-elle changé la dynamique du groupe et son approche de la musique ?

Quand Claudia est arrivée, Chyenex a pris son sens parce qu’elle a amené quelque chose de vrai avec son énergie. Bien qu’elle avait envie de jouer de la musique, elle aspirait surtout à un band un peu plus sérieux, qui allait lui donner plus de motivation que de jammer une fois de temps en temps. Avoir quelque chose de sérieux avec elle, c’est devenu plus motivant pour tout le monde. À force de pratiquer ensemble et de travailler sur des tunes, une belle chimie s’est créée entre nous trois et le reste s’est fait naturellement.

Même si l’idée de base du projet, c’était juste d’avoir du fun, on a continué dans cette optique-là, mais en l’amenant encore plus loin. On a eu envie de sortir de notre sous-sol et d’enregistrer des tunes, de faire des shows, de dessiner des logos, de produire de la merch. Aussi, il faut savoir que malgré que Claue aimait bien notre côté franco, c’était clair pour elle qu’elle souhaitait aussi écrire en anglais. C’est un peu comme ça qu’est venue l’idée de performer dans les deux langues. C’est, selon nous, une des belles caractéristiques pour décrire Chyenex.

Qu’est-ce qui vous motive à créer de la musique, et comment cela se reflète-t-il dans vos compositions ?

Le fait de pouvoir, un jour, arrêter de puncher le matin à notre travail actuel (hahaha). Plus sérieusement, la musique, ça a toujours été une passion pour chacun d’entre nous. Même si on essaie d’arrêter, ça dure toujours un certain temps, puis on recommence, on n’est pas capable de s’en passer. Donc, juste de faire ce qu’on aime et ce qui nous passionne, c’est déjà une grosse motivation pour nous. On est fait pour ça, c’est plus fort que nous.

C’est beaucoup plus qu’une question d’argent : c’est le sentiment de pouvoir vivre de ce qu’on aime, même si c’est à temps partiel, toutes les nouvelles expériences que ça nous apporte et le plaisir qu’on éprouve à faire ça, ça n’a pas de prix. C’est aussi une façon pour nous de nous exprimer, de véhiculer des émotions, de faire passer un message sur des choses qui nous tiennent à cœur. Ça, ça se reflète énormément dans nos compositions, autant dans l’instrumental qu’on va choisir que dans nos paroles. Quand on écrit des lyrics, oui parfois c’est fictif, mais ça vient toucher des sujets ou des situations qui peuvent être vécues ou qui ont un fond qui vient nous toucher personnellement qu’on veut exprimer.

Comment envisagez-vous l’avenir de Chyenex? Quels sont vos objectifs à court et à long terme en tant que groupe ?

À court terme, on veut travailler à rendre une expérience plus complète lors de nos spectacles. En effet, comme vous le savez déjà, Chyenex, c’est un band de trois personnes. Nos chansons sont trop travaillées pour le son qu’on peut délivrer en spectacle en étant seulement trois personnes sur scène. Cependant, on a tellement bâti une belle chimie ensemble qu’on tient à rester trois. On vise donc à produire des back tracks pour ajouter ce qui manque, permettant de rendre nos compositions sur scène aussi complètes qu’en studio.

À moyen-long terme, on planifie sortir un album avec les tunes qu’on a composées, et on est déjà en train de composer plusieurs nouvelles chansons. Ça veut dire que, pour nous, ce n’est que le début et on vise encore plus loin. Continuer de faire des shows, sortir de Québec, peut-être faire une petite tournée, par exemple. On est des rêveurs, on envisage beaucoup pour nous et on est très ouvert à où tout ça peut nous mener. Prendre les opportunités et voir ce que ça peut donner pour nous. On ne se fait pas d’idée, on reste authentique, mais on continue de travailler fort et de rendre nos rêves et objectifs plus proches de nous, petit à petit.

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• Rédaction : Claudia Bo
• Correction et révision : Julie Fortin

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L’année 2023 a été excellente en termes de sorties d’albums. Afin de ne pas en négliger, j’ai décidé de vous présenter un Top 15, espérant ainsi vous faire découvrir des albums qui auraient pu vous échapper au cours de cette année. Je saisis également cette opportunité pour exprimer ma gratitude envers toute l’équipe du Bad Crew, qui m’a permis de participer à ce projet et de m’investir à ma manière dans cette scène qui m’a tant apporté au fil des années. Mes meilleurs vœux à tous, et continuons sur cette lancée en 2024!

15- Milanku – À L’aube

Milanku a réussi à se faire un nom sur la scène montréalaise et québécoise. Bien que j’aie souvent entendu parler de cette formation par le passé, je ne m’y étais pas véritablement attardé. À première écoute, leur style musical semblait éloigné de ce qui berce mon quotidien. Cependant, avec l’album À L’aube, Milanku a captivé mon attention. Cet opus m’a incité à explorer davantage leur discographie, alternant les rythmes ambiants, progressifs et lourds. Une musique empreinte d’émotions qui, lors de son écoute, offre une évasion dans ses propres pensées.

14- Guilhem – Régler la Mort

Après s’être plongé dans le ska avec Lost Love l’année dernière, Guilhem nous présente son deuxième album solo en français, Régler la Mort. Cet album concept offre une expérience unique, où le narrateur décède dès le début et renaît ensuite en tant qu’observateur du monde qu’il vient de quitter. Ce concept permet d’exprimer des opinions sur le monde actuel, ajoutant une dimension profonde et intrigante à l’écoute. Guilhem nous offre une expérience à la fois artistique et réfléchie.

13- Pkew Pkew Pkew – Siiick Days

La formation ontarienne en est à son 4^e album et, sur Siiick Days, on ressent clairement que le groupe consolide son identité et son caractère avec l’ajout de Kate Maclean à la formation. Pkew Pkew Pkew n’essaie pas de réinventer le pop punk, mais le groupe lui insuffle une saveur particulièrement intéressante. L’album propose des chansons abordant des sujets banals tels que le désir de récupérer une Playstation 4 ou de profiter d’un spa lors d’un arrêt en tournée. Siiick Days vous procurera un sourire, tant par ses mélodies et harmonies accrocheuses que par les thèmes légers, mais divertissants, abordés. Une expérience musicale rafraîchissante et amusante.

12- La Sécurité – Stay Safe!

La formation new wave/punk québécoise puise ses influences dans des groupes tels que B-52’s, Devo, et Gang of Four, ainsi que dans la scène new wave québécoise des années 80. Stay Safe! est un excellent premier album pour la formation québécoise. Bien que La Sécurité ne réinvente pas la roue avec celui-ci, le groupe parvient brillamment à apporter une bouffée de fraîcheur au style. L’album offre une expérience nostalgique tout en apportant une perspective moderne. Je suis très intrigué par ce que nous réserve cette formation dans le futur.

11- Conflit Majeur – Le Recueil Des Clowns

Bien que le groupe n’ait pas produit d’album, il était important pour moi d’inclure le EP de Conflit Majeur dans mon Top 15 puisque c’est un bon exemple qu’il y a une belle relève sur la scène punk locale. J’ai pu les voir deux fois en concert et chaque expérience a été un pur plaisir. Pour ceux qui désirent en savoir plus sur ce jeune groupe, je vous recommande d’écouter l’épisode du 9 novembre dernier du podcast Le Clash. Cette excellente entrevue vous permettra de mieux connaître Conflit Majeur.

10- Angel Du$t – Brand New Soul

Angel Du$t, le projet de Justice Tripp (Trapped Under Ice), est souvent comparé à Turnstile. Certains diront même que Turnstile s’est inspiré d’Angel Du$t! Peu importe votre perspective, ces deux excellentes formations travaillent à redéfinir le hardcore et ont partagé des membres à un certain moment. L’album Brand New Soul consolide le son du groupe. Sans aucun doute, Angel Du$t continuera à nous offrir des albums qui redéfinissent le genre. Un futur prometteur pour les amateurs de hardcore.

9- Fucked Up – One Day

Fucked Up s’est déjà établi comme une légende de la scène hardcore underground canadienne et ils nous livrent une fois de plus un excellent album avec One Day. Si vous n’êtes pas encore familier avec Fucked Up, je vous recommande de commencer votre exploration avec l’album David Comes To Life, qui est indéniablement l’un des meilleurs de ce genre. Cependant, je serais prêt à affirmer que One Day se rapproche probablement le plus de ce que le groupe nous a offert avec David Comes To Life. Cet album vous immergera dans l’univers et le son caractéristiques de Fucked Up, tout en demeurant accessible dès la première écoute.

8- Militarie Gun – Life Under The Gun

Militarie Gun est un groupe qui a fait une forte impression dans le monde de la musique cette année. Un vocaliste qui vient du hardcore et conserve ici certain de ses sons gutturaux qui deviennent la signature dans de nombreuses pièces et tout cela sur une musique plus mélodieuse. J’ai eu la chance de voir Militarie Gun en première partie de Scowl cette année et j’ai été impressionné par la performance du groupe. Ils seront de retour à Montréal comme tête d’affiche le 17 février prochain aux Foufs. Ne manquez pas la chance de les voir!

7- Codefendants – This is a Crime Wave

Alors que NOFX annonce ses derniers spectacles, Fat Mike ne reste pas inactif. Aux côtés de Sam King (Get Dead et Ceschi Ramos), il fonde le projet/groupe Codefendants, décrit comme un mélange fluide de punk, folk punk et hip-hop. Ce mariage éclectique fonctionne à merveille sur l’album This is a Crime Wave. Plutôt que de vous recommander des morceaux spécifiques, je vous conseille de l’écouter dans son intégralité pour bien comprendre et apprécier la diversité de Codefendants. Si vous étiez un fan de Reggie and the Full Effect, vous serez sûrement conquis par l’originalité de Codefendants.

6- NOBRO – Set Your Pussy Free

Après deux mini albums et la sortie de quelques singles, NOBRO nous est arrivé, en 2023, avec leur premier album. Et l’attente en a valu la peine. En effet, la formation montréalaise attire l’attention de plus en plus et cela est fort mérité. Set Your Pussy Free est porteur de messages et de pur plaisir. Si vous désirez en connaître plus sur cet album, je vous invite à lire la critique que j’en ai faite ici.

5- Teenage Halloween – Till You Return

J’ai découvert Teenage Halloween avec leur premier album. Originaire du New-Jersey, ce projet de Luk Henderiks s’identifie comme queer. Ils abordent des sujets tels que la vulnérabilité, la communauté queer, l’existentialisme, la maladie mentale et l’identité de genre. Till You Return est un album qui vous pousse à vous questionner, le tout enveloppé de rythmes entraînants et d’une énergie incomparable. J’espère que nous pourrons les voir en spectacle en 2024, car leur prestation au Pouzza Fest 11 n’a semblé qu’un amuse-gueule.

4- Jeff Rosenstock – Hellmode

Je suis la carrière de Jeff Rosenstock depuis des années, suivant à la fois son travail solo, avec Bomb The Music Industry et The Bruce Lee Band. Je suis impressionné par sa capacité à se réinventer tout en préservant une touche qui lui est propre. Dans l’album Hellmode, il nous présente ses angoisses sans pouvoir nous offrir de solution claire. Il explore ces thèmes tout en maintenant une note d’optimisme Comme il le mentionne dans la pièce I Wanna be Wrong, l’espoir persiste malgré les incertitudes quant au destin de la société. Écouter cet album, c’est plonger dans le monde complexe de Jeff Rosenstock, où les inquiétudes coexistent avec une énergie musicale qui lui est propre.

3- Clowns – ENDLESS

Permettez-moi d’être franc avec vous. Avant cette année, Clowns m’était inconnu, et cela manquait sérieusement à ma vie. L’album Endless marque le 5^e opus du groupe et le second sous l’étiquette de Fat Wreck Chords. Clowns, groupe punk rock australien, fusionne des éléments du métal des années 80 avec parfois une touche de hardcore. C’est du pur plaisir! Mes chansons préférées de l’album sont Scared To Die, Bisexual Awakening ainsi que Quicksand. Ces trois morceaux puisent dans des styles musicaux différents, mais tout aussi intéressants les uns que les autres. J’espère que nous pourrons voir Clowns au Québec en 2024!

2- The Dirty Nil – Free Rein To Passion

The Dirty Nil a déjà laissé une empreinte sur la scène rock/punk canadienne. Free Rein To Passion est le 4^e album du groupe. Après la sortie de Fuck Art, le groupe a traversé une période difficile, se séparant de leur gestionnaire et assistant au départ de leur bassiste Ross Miller. Cependant, le groupe s’est relevé et a accueilli Sam Tomlinson à la basse. Ils ont, selon moi, produit leur meilleur album à ce jour. Pour plus de détails, vous pouvez consulter ma critique complète de l’album ici.

1- Bruise Control – Useless for Something

Bruise Control a fait son apparition sur mon radar au début de 2023. J’ai attendu, avec une grande anticipation, la sortie de leur premier album. L’attente en valait la peine, car il est devenu un incontournable dans la rotation de ce que j’écoute au quotidien. Plutôt que de m’étendre et décrire en détail ce groupe et leur album, je vous encourage vivement à consulter ma critique complète publiée plus tôt cette année ici.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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