Cette année, les étoiles se sont alignées, et tout s’est placé pour que je vive mon premier Sainte-Prax Fest. En vacances, pas d’enfants, c’est armée d’une tente, d’un matelas pour mon vieux dos et d’une glacière remplie de gin tonique, que je me dirigeai donc vers Sainte-Praxède, à près de 300 km de chez moi, pour un mini-fest dont j’allais me rappeler longtemps.

Patricia (Ax3xMx4) et Spike (également dans Moé pis mes bottes) n’ont rien laissé au hasard et tout était parfaitement bien organisé. Des espaces de camping très bien aménagés, une bécosse, un boyau d’arrosage pour se rafraîchir et se ravitailler, de la bouffe mexicaine, un kiosque de merch, un cracheur de feu, name it. Même un safe space était accessible et géré par des professionnelles spécialisées en réduction des méfaits. À une quinzaine de minutes de marche, un petit lac est également accessible. C’est rustique, mais DIY et confo. On a vraiment l’impression de débarquer chez de vieux chums que l’on n’a pas vus depuis longtemps, et pour cause…

Des chums, j’en ai vu sur un méchant temps. C’est vraiment la force de cette petite communauté de gens qui sont soudés, serrés : l’amitié, l’entraide et une passion commune. Les accolades, les fous rires et la bonne humeur ont réellement ponctué ce court week-end qui, à mon sens, est passé beaucoup trop vite.

Précédé par un concours de rots qui a été remporté, si je ne me trompe pas, par Christian Lamothe (Ondes chocs), Spike la Terreur (qui, soit dit en passant, ne fait pas très peur) embarque sur scène pour ouvrir cette 5^e édition avec Moé pis mes bottes. Moé pis mes bottes, c’est un set acoustique avec des textes humoristiques. La table était mise. Ça allait être une fichue de belle soirée.

Viennent ensuite les chums de Collectif Route Laflamme. Je les aime d’amour full beaucoup. Et avec le temps, je les considère maintenant comme de bons amis. Je sais qu’avec eux, chaque fois que je les vois, ce sera du temps de qualité. Un peu, beaucoup arrosé, mais de qualité. Si le public était déjà ben réchauffé après Moé pis mes bottes, là, le party a carrément pogné.

Vint ensuite le groupe de nos hôtes, Ax3xMx4 (All Cops Must Die). Juste avant d’embarquer sur scène, Patricia a distribué des nouilles de piscine (imitation de matraques en mousse). Richard (si je ne me trompe pas de prénom) se promenait déguisé en policier sur lequel on s’est déchaîné. Il n’en fallait pas plus pour que l’ambiance monte encore d’un cran.

À partir de Varices, Vas-y Line et Morsure, je dois vous avouer que je commençais à manquer de concentration. Mes p’tites canettes descendaient un peu trop rapidement. Trois bands avec des bandmates, surtout des frontmen, hautement colorés, mais tellement attachants. Je n’avais jamais eu la chance de ne voir aucun des trois. Mais j’étais ben contente de pouvoir en écouter des p’tits bouttes ici et là pendant quelques morceaux où je m’y accrochais les oreilles, au travers des rires et des bruits de canettes qui s’entrechoquent.

Prochain band, Ballistix. Groupe street de Montréal/Longueuil qui fait de plus en plus parler de lui et que j’adore. Son chanteur étant absent pour un moment, c’est Nick Vallée de Unwanted Noise qui est monté aux barricades, pour assurer le set et les arrières du band.

Petit changement de lineup. C’est finalement Global Holocaust qui embarque sur le stage, question de laisser souffler Nick, avant qu’Unwanted Noise ne close cette soirée. Global Holocaust est probablement l’un des plus anciens bands de crust de la scène underground montréalaise. Pour les avoir déjà vus durant ma lointaine adolescence et à quelques reprises depuis, je peux vous assurer que ces gars-là n’ont absolument rien perdu de leur fougue et de leur énergie.

Enfin, un de mes bands street préférés : Unwanted Noise. J’aimerais ben ça vous dire quoi que ce soit, mais quelques minutes avant le début du set, mon cerveau s’est mis en mode : pu de son, pu de signal. Je suis allée me coucher pour ronfler profondément jusqu’aux petites heures du matin. Le tout pendant que j’entendais Collectif Route Laflamme gratter ses guitares et les fêtards rires à gorge déployée.

Aucune idée quelle sera la date de la 6^e édition l’année prochaine. Mais, assurément, ce sera à mon calendrier et ça deviendra, pour moi, un get together annuel.

Gorgée !

Rédaction : Claudia Bo

Correction : Valérie Lapierre

Révision : Julie Fortin

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Salut le Collectif et merci d’avoir accepté cette entrevue dans le cadre de l’initiative Montréal, faites du bruit.

Tout d’abord, pouvez-vous nous parler de la façon dont vous vous êtes constitué, qui vous êtes, les membres et d’où vous venez ?

On dit souvent que le Collectif est un projet né de la pandémie et que c’est la plus belle chose qui nous soit arrivée durant cette période. Quand la planète a arrêté de tourner, on avait plus que jamais besoin de jouer de la musique. Pour le fun, on s’est mis à jammer des tounes de Route St-Louis et du projet solo de Toby en version 100 % acoustique. La plupart du temps dehors, parfois clandestinement, souvent à deux mètres de distance.

En y incorporant une esthétique un peu plus trashgrass, on s’est rapidement rendu compte qu’on commençait à avoir un pas pire répertoire et qu’une identité unique était en train de se dessiner. On s’est alors mis à composer de nouvelles chansons et on a décidé d’appeler ça le Collectif Route Laflamme parce que, ben, Collectif Toby St-Louis, ça ne le faisait pas vraiment.

Avec le temps, de nouveaux membres se sont joints au noyau dur formé de Yan (Map), Toby (Laflamme) et Francis (Lacroix), si bien qu’à ce jour, nous avons perdu le compte du nombre de personnes qui gravitent autour du Collectif. Ça nous prendrait probablement un fichier Excel ou des cartes de membre, quelque chose du genre.

Blague à part, le Collectif compte également dans ses rangs Benoit Lacroix (Route St-Louis/Audiofreak), Rémi Giguère (Les Tirebouchons), Domenico Ciampanelli (Pics à Flore), ainsi que, plus récemment, Étienne Lavoie (Hexolyth) et Jess Peach (PACE).

Bref, le Collectif est basé à Terrebonne et réunit des musiciens de différents horizons, chacun apportant sa couleur au projet.

Si je ne me trompe pas, plusieurs d’entre vous proviennent de groupes punk. Qu’est-ce qui vous a motivé à vous diriger vers quelque chose de plus folk ?

Dès le départ, le folk s’est imposé naturellement, notamment en raison du côté spectacle de rue qu’on souhaitait donner au projet. Il faut dire que ce format se prêtait particulièrement bien au contexte pandémique, alors que les salles de spectacles fermaient les unes après les autres et qu’il devenait de plus en plus difficile d’organiser des shows sans craindre qu’ils soient annulés.

On voulait jouer n’importe où, avec le moins d’équipement possible. Et on l’a fait en masse : des shows de balcon, des partys de piscine, des jams en dessous des ponts. Quand la vie a repris son cours, on était prêts.

Sinon, on ne se le cachera pas : on accorde une grande importance aux textes, mais on avait aussi envie d’un trip de gang très festif, porté par une énergie punk qui détonne, des harmonies vocales à la va-comme-j’te-pousse pis des instruments acoustiques qui se trimbalent facilement. Sauf la contrebasse… ça se charrie mal, une contrebasse.

Vous avez déjà partagé la scène avec plusieurs groupes issus d’univers très différents. Selon vous, où se situe le Collectif Route Laflamme dans la scène québécoise ?

On n’a jamais vraiment réfléchi à ça.

Faut dire qu’on ne cherche pas nécessairement à trouver notre place dans la scène québécoise. On essaie plutôt d’y apporter quelque chose qui nous ressemble, sans trop se prendre au sérieux. On aime dire qu’on est des vétérans semi-pro qui font de la musique pour le plaisir. Tant mieux si les gens embarquent et aiment ça.

On apprécie autant jouer dans un festival, en première partie de Vilain Pingouin ou des Vulgaires Machins, que dans un sous-sol, un chalet ou un party de ruelle. Tant que le monde chante, rit et repart avec une chanson qui lui trotte dans la tête, on sent qu’on est à la bonne place.

Ça part toujours de la même question : « On vas-tu avoir du fun à faire ça ? » Si la réponse est oui, on y va et on donne notre 200 %.

Vous décrivez votre musique comme du « punk de chalet ». Qui a trouvé cette expression et que représente-t-elle pour vous ?

On ne se souvient plus de qui a inventé l’expression « punk de chalet », mais ça résume assez bien ce qu’on fait : souvent, dans un chalet, il n’y a pas vraiment d’électricité pis nous, on fait du punk acoustique. Ce n’est pas plus compliqué que ça !

Qui dans le groupe compose et qui écrit. Bref, comment se passe votre processus de composition ?

On essaie que le processus de composition soit le plus ouvert et collaboratif possible.

Ça part souvent d’un riff ou d’un texte amené par un membre du groupe et une fois que l’idée est lancée, tout le monde met son grain de sel : on retravaille les paroles, on s’amuse avec les harmonies et les arrangements puis on cherche la meilleure façon de faire ressortir l’énergie du groupe.

Une toune du Collectif Route Laflamme, c’est rarement l’œuvre d’une seule personne : c’est vraiment le résultat d’une gang qui construit quelque chose ensemble.

Sentez-vous qu’un groupe plus folk punk a sa place dans la scène ? Comment croyez-vous être perçu par les autres groupes punk ?

Bah, on pense qu’il y a de la place pour tout le monde.

Au fond, le punk a toujours été beaucoup plus une question d’attitude que de sonorité. Qu’elles soient jouées sur une guitare électrique ou un banjo, l’important, c’est que les chansons incarnent quelque chose de vrai, qu’elles soient chantées avec les tripes, sans se soucier des conventions. En toute modestie, c’est pas mal ce qu’on fait.

On ne sait pas exactement comment les autres groupes punks nous perçoivent, mais on a toujours senti une belle ouverture de la part de la scène. On est cool avec tout le monde, et tout le monde est cool avec nous. Le fait qu’on soit un groupe plus acoustique ne change rien à ça.

On imagine que certains pourraient nous décrire comme ça : c’est un peu comme si le Québec Redneck Bluegrass Project avait couché avec les Ordures Ioniques et que leur enfant avait écouté un peu trop de Days N’ Daze.

Partout où vous passez, vous faites littéralement lever le party. On sent que vous êtes heureux d’être et on sent une belle chimie entre les membres. Qu’est-ce qui fait qu’après toutes ces années, vous êtes encore heureux d’être là ? Allez-vous être là encore plusieurs années ?

La réponse est simple : on a encore du fun.

On ne fake pas, on ne sait pas comment. Depuis le début, le moteur du Collectif Route Laflamme, c’est de se retrouver entre chums, de prendre des idées un peu folles et de voir jusqu’où on peut les amener. On n’a jamais perdu le plaisir d’être ensemble, que ce soit dans une salle devant un public, dans le pick-up sur les routes du Québec ou dans notre local de pratique à travailler sur une toune. On garde ça simple, on respecte le talent de chacun et on rigole comme des p’tits fous !

Et oui, on va être là tant que nos vieux corps vont suivre !

Vous avez choisi de chanter exclusivement en français. Est-ce que ça a toujours été une évidence pour le groupe ?

Oui, ça a toujours été une évidence pour nous. On écrit sur ce qu’on connaît, dans nos mots, sans trop se prendre la tête. C’est la langue dans laquelle on pense et dans laquelle nos textes prennent vraiment leur sens. On chante comme on parle ; ce ne serait tout simplement pas authentique de faire autrement. Ce n’est pas un choix politique ou une question de valeurs profondes, c’est juste… nous.

Est-ce que vous avez déjà ressenti une pression de chanter en anglais pour rejoindre un public plus large ?

Réponse ultra-courte : non.

Qu’est-ce que le français vous permet d’exprimer que l’anglais ne permettrait pas ?

Chaque langue a sa propre couleur. L’anglais permet d’exprimer plein de choses, mais le français, c’est la langue de nos histoires, de notre humour et de notre quotidien. C’est dans cette langue-là qu’on niaise, qu’on sacre, qu’on raconte nos anecdotes et qu’on trouve les petites tournures de phrases avec lesquelles on gosse des chansons !

Vos chansons sont très ancrées dans la culture québécoise. Est-ce important pour vous de préserver cette identité ?

On ne part pas avec l’idée de protéger la culture québécoise à bout de bras ou quelque chose du genre. Ce n’est pas le but de ce projet. Bien qu’on soit fiers de chanter en français et de faire partie de ce beau grand tout, on veut juste faire des chansons qui se rapprochent le plus possible de ce que nous sommes réellement. Si, au passage, ça permet à quelqu’un de se reconnaître dans nos textes ou de partager un petit bout de notre univers, c’est parfait. On continue !

Merci d’avoir répondu à nos questions et on espère vous croiser quelque part cet été.

Rédaction : Claudia et Collectif Route Laflamme

Correction : Jess Peach

Révision :

Révision : Marie-Eve Landry

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Je découvris donc ce festival dans mon coin de pays. Compte tenu de la distance à parcourir pour ma part, 1h30 (aller), je pris à nouveau mon auto pour couvrir uniquement cette soirée punk rock.

BIG MUFF

La soirée a commencé festivement avec ce band hommage au meilleur des années 90 et 2000. Du punk, un peu de grunge et ben du rock! Pour les nostalgiques de cette époque, vous ne serez pas déçus. Le vocal rend justice à ces succès et le tout est bien ficelé dans la progression musicale. Mon cerveau était en constante recherche des premières notes jouées, tunes après tunes pour me dire, ha oui celle-là, oh yeah celle-là, il me semble qu’elle me dit de quoi celle-là.

Depuis 10 ans, Big Muff, composé entre autres de musiciens de Bob Bissonnette, parcourt les scènes du Québec pour festoyer. En hommage à ce dernier, ils ont joué Chris Chelios et Toune de bière (la toute dernière de leur set) au bonheur des fans dans la place. C’était beau d’entendre la foule chanter à tue-tête durant ces moments.

EXTERIO

Ça fait déjà un bon moment que j’espérais la venue d’Exterio dans mon coin. J’ai été très contente de les voir pour la toute première fois en prestation. Le chanteur, ayant une blessure à l’épaule, a vite mis de côté sa guitare pour continuer seulement vocalement. Ce qui permettait d’habiter davantage l’espace sur scène avec ces déplacements autant vers ses musiciens que vers la foule.

Existant depuis 1992, ils ont été parmi les pionniers de la scène québécoise rock alternatif punk dans les année 2000. Leur premier album paru en 2003, Vous êtes ici. Pour rendre honneur à leur grand succès Whippet, une spectatrice a apporté au band des boites de ces populaires biscuits. Ils ont été distribué dans la foule au grand plaisir des enfants présents en avant-scène.

Quand je suis photographe dans un show/festival, je tombe en mode hypervigilance. Pour capter des scènes hors du commun, l’ambiance, être au bon endroit et au bon moment, avoir les yeux tout le tour de la tête pour ne pas recevoir un coup si je suis dans la foule, etc. Ce qui fait qu’en réalité je ne savoure pas ces moments, car je suis focus la majorité du temps. Cette fois-ci, je leur ai demandé leur set list, afin de planifier mon shooting et vivre davantage le moment. La foule s’est plutôt mise à slamer davantage vers le 3/4 du show et ce, sans arrêt par la suite. J’ai donc décidé d’embarquer dans le mouvement pour les deux dernières, Bonhomme 7h et Campanile. C’était malade !!

REDNECK PARTY BAND

J’ai vu l’an dernier à Rimouski, ce trio électro-acoustique qui livre des performances festives et entraînantes. Un répertoire varié, avec des chansons connues de tous, du québécois au country, en passant par la pop, le hip-hop et le rock. Une formation à découvrir de Chaudière-Appalaches pour une ambiance dynamique et faire lever le party! Je n’ai pas pu rester plus longtemps, car la route m’attendait !

Le vendredi avait lieu en prestation P’tit Gros Bison, le band RSVP, l’hommage High Voltage – AC/DC Forever et le DJ OLX. Le dimanche une soirée plutôt en humour avec Alphé Gagné et le F2Country Band pour clôturer les festivités.

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photos : Cynthia Côté

Correction et révision : Marie-Eve Landry

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Compte tenu la distance de 1 h 30 à parcourir, je me suis permis d’assister uniquement à la soirée du samedi pour revoir les chums de PasMort. C’est donc au Studio Michel que la soirée se déroula avec une capacité maximale de 35 personnes. C’est l’un des aspects de la scène locale qui me fait le plus triper, de vivre des expériences inédites, dans des lieux hors du commun. Ce lieu de résidence musicale versatile située dans la région du Kamouraska nous a charmés en tant que spectateurs. Le son était superbe et l’espace bien aménagé dans une ambiance très conviviale.

TEMPLETON

Un retour sur scène après 11 ans, un trip d’une soirée : c’est ce qui attendait les gars de Templeton. Connaissant bien les membres de PasMort, ils ont tout simplement accepté l’invitation. Je n’ai pas souvenir de les avoir déjà vus en show par le passé. J’ai donc découvert ce band de rock alternatif avec une courte prestation d’une trentaine de minutes, finissant leur set avec une tune en français. Je leur ai demandé quels seront leurs projets à venir et ils m’ont répondu ne pas avoir de plan précis, peut-être d’enregistrer de nouvelles vieilles tunes… à suivre.

PASMORT

J’ai adoré leur dernier EP, Lutter contre l’intelligence (article que j’ai rédigé pour Le Bad Crew ici). J’ai dû patienter davantage pour les revoir en prestation, car leur show prévu au printemps dernier dans mon coin avait été annulé. Un set de PasMort, ça passe trop vite… on en voudrait davantage !

Pour me consoler, j’ai acheté leur vinyle d’un vert fluo (j’adore !), intitulé Les quatre premières années, regroupant leur discographie complète, ce qui représente 23 titres de punk rock moderne. Au moment où vous lirez ces lignes, ils seront en tournée en sol européen du 17 au 25 juillet avec Guerilla Poubelle. On leur souhaite une bonne tournée !

Sur place, nous avions droit uniquement à la bière brassée pour l’occasion par la Microbrasserie Ras l’bock, usine située à La Pocatière et le pub à Saint-Jean-Port-Joli.

Pour terminer, le vendredi avait lieu les prestations de Mathieu Stellaire, électro expérimental/trip-hop, et de Palissade du post-punk rock de Québec.

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit Photos : Cynthia Côté

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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On rejoint Justine et Lyz, la frontwoman et la guitariste de Crachat, après leur set pour discuter du band. Après presqu’un an sans jouer à Montréal, le groupe originaire de la basse-ville de Québec revient pour Doomsdays fest 2026, la deuxième édition du festival DIY. Les trois jours de l’évènement prennent place sur un terrain vague à Montréal, avec le lineup cette année composé de groupes comme Taxi Girls, BÀRBE À PÀPÀ, C.I.D.B. et plusieurs autres. Formé en 2022, Crachat est un groupe punk extravagant, pailleté et d’un dynamisme effervescent. 

C’était quoi le processus de formation du groupe, comment vous êtes-vous rencontrées ? 

Justine : On s’est rencontrées au Scanner Bistro, on se connaissait pas pantoute !  Pis juste un peu s’a boisson… 

Lyz : — On part un band de filles ! 

Justine : Ben moi en fait, avec l’ancienne drummeuse on avait déjà jammé ensemble pis on était genre, hey, faudrait qu’on soit plus que deux tsé, ça serait ben plus le fun, pis la c’te soirée-là, moi je demandais aux filles dans le bar « hey y’a tu quelqu’un qui veut partir un band? »  Pis Lyz en même temps — 

Lyz : J’faisais la même chose de mon bord toute seule, à demander à chaque femme que je rencontrais, on part tu un band ? 

Justine : Faque à moment donné on est tombées l’une sur l’autre, pis là elle était genre « Oui! Oui! » 

Comme vous êtes un band plutôt féministe, considériez-vous comme étant riot grrrl? C’est quoi cette étiquette pour vous ? 

Justine : Nah riot grrrl je le vois plus comme un mouvement, faque c’est dur de m’identifier à ça, mais on voulait être un band de filles là —  tsé le statement c’était on est trois filles, on joue ensemble, pis on va se présenter ensemble. Faque y’a l’aspect féministe ou rebel girl genre toute ça qui va avec, mais moi je nous mettrait pas l’étiquette riot grrrl. 

Quelles femmes artistes, musiciennes ou autres qui vous ont inspirées à commencer le band ?

Lyz : Moi j’ai trippé Patti Smith pendant longtemps. Ouais, Kim Gordon aussi, euhh y’a les classiques tsé. 

Justine : Pas nécessairement à commencer le band, mais en général qui nous inspire… là c’est comme Lyz dit Patti Smith, Kim Gordon, Kathleen Hannah. Sinon en général, moi une grande inspiration pour moi c’est Lisa Leblanc. Je l’adore mon dieu ! J’aime ça ce qu’elle fait et j’aime sa prestance pis en tout cas, c’est comme…I look up to her. 

Comment vous vivez ça d’être un band de filles dans une scène qui reste très dominée par les hommes ? 

Lyz : Oh mon dieu, à Québec y’en a combien des bands qui sont juste des femmes… 

Justine : Ben yen a juste un haha, y’a juste nous autres. 

Justine : Donc là ouais avec les gars… au début c’était vraiment intimidant, j’voudrais dire. Parce qu’honnêtement, même tu le vois quand tu vas dans un jam et t’es la seule fille ou que y’a deux filles. C’est comme, hey j’veux pas trop prendre ma place, parce qu’eux-autres y ont tellement l’air confiant, pis y’ont tellement l’air de savoir ce qu’ils font genre…. et nous autres on arrive là et on fait attention à notre image et qu’est-ce qu’on présente etc.  

C’est la même chose en show tsé, on arrive devant, on a un lineup de quatre bands de gars, pis nous autres on se demande si on va se faire rire de nous genre… En tout cas il faut vraiment être confiante, c’est ça la clé la d’être parmi cette grosse scène masculine là. C’est vraiment genre, prend ta place, met ton pied à terre pis fais toi confiance, t’es toute seule à faire ça donc t’as pas le choix de te tenir drette sinon c’est facile de se perdre dans la foule. 

C’est clair que c’est important pour vous de représenter les femmes dans la musique et leur place dans la scène.  

Justine : Oui, pis surtout genre nous quand on a commencé on savait pas tant jouer là. Un truc clé du band, c’est que on s’est dit, hey on sait pas tant jouer, mais on a envie de jouer ensemble, pis on a envie de faire un projet. On montre aussi que criss— la musique c’est vraiment facile à démocratiser tsé, c’est pour tout le monde et peu importe ton background, peu importe qu’est-ce que tu veux faire ou comment tu veux te présenter.  

Nous c’est pas juste qu’on est des filles, mais qu’on se présente en robe pis plein de makeup, c’est un statement qu’on fait tsé. On va se présenter comme on veut, on va faire la musique qu’on veut pis on va jouer comme on veut et avec qui on veut. Le reste on s’en fou, nous on fait notre affaire pis haters gonna hate.  

Avez-vous des bands préférés dans la scène locale en ce moment ? 

Lyz : Ben là, à Montréal, Taxi Girls ! Soreheads aussi, ouais. 

Justine : Moi j’aime FUMIGÈNES à Québec. Aster Ponceau à Québec aussi, c’est genre un band burlesque, c’est insane, vous écouterez ça.

Lyz : C’est sûr qu’on en a oublié d’autres haha. 

On a entendu des nouvelles chansons à soir, est-ce qu’il y a des plans pour un deuxième album de Crachat bientôt ? 

Justine : Oui tellement ! 

Lyz : Y faut juste se décider à en enregistrer un jour… 

Justine : Ouais c’est ça là, on a comme pris un break de shows pendant un bout aussi pour justement composer. On se sent prêtes à enregistrer, mais faut juste le faire. Mais c’est sûr, on a notre deuxième album prêt là. 

Ne manquez pas Crachat le 12 juillet à Rimouski avec Thee Soreheads. Vous pouvez écouter leur premier album Fille Poupée ici.

Rédaction : Beatrix

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Au début des années 2000, à Chomedey dans Laval, il y avait une forêt derrière l’école secondaire Western Laval High School, où Will étudiait. Caché dans ce boisé, il y avait une sorte de gouffre naturel où des jeunes du milieu underground, punk et gothique se retrouvaient pour flâner, faire le party et consommer des drogues. L’endroit est devenu connu sous le nom de Suicide Ditch, et c’est là que tout le monde se retrouvait.

Kevin, qui fréquentait une école secondaire voisine, y a rencontré Will. Partageant une passion commune pour la musique punk, ils ont décidé de former un groupe appelé The Defamed. Sara, qui faisait aussi partie du groupe de jeunes qui fréquentaient Suicide Ditch, a rejoint le groupe par la suite.

Courte durée de vie pour The Defamed

En 2006, nous avons enregistré notre premier album, Stomp on the Radio, composé de 16 chansons. Cette même année, nous nous sommes rendus en Ontario pour jouer au Spider Fest pour l’anniversaire de Spider. Nous avons cessé de jouer de la musique afin de poursuivre d’autres projets, et le groupe a pris fin cette même année.

The Defamed est de retour

Puis, à l’hiver 2024, Will a convaincu Kevin de relancer le projet, après des années d’acharnement. N’ayant pas parlé à Sara depuis 18 ans, nous n’étions pas certains qu’elle serait intéressée par le projet. Elle avait entendu dire que nous remettions The Defamed sur pied et elle a commencé à nous stalker. « Those sons of bitches better ask me to join! », a dit Sara. Bien sûr, nous l’avons fait et elle a accepté immédiatement. Nous avons eu notre premier jam en 18 ans et c’était comme si nous n’avions jamais arrêté, tellement le courant est passé instantanément : nous avons ressenti une fébrilité en rejouant des chansons que nous n’avions pas jouées depuis que nous étions adolescents.

Concerts/Studio

Nous avons joué notre premier show à Coaticook avec Los Bozos en première partie et The RUFFIANZ comme headliner. Nous avons alors réalisé à quel point ça nous manquait et nous avons commencé à dire oui à presque tous les shows qui nous étaient proposés. Nous avons enregistré notre premier album au Studio Pavillon Noir avec Germ à l’hiver 2025. Nous l’avons intitulé The Secret of the Booze et l’avons sorti le 20 avril de la même année. Nous n’avions pas de bassiste, alors Sara s’est portée volontaire pour les enregistrements, avec l’accord de Kevin et Will. Pour nos shows live, nous avons alterné différents bassistes parmi nos amis, comme Joe Franken, Jimmy Jenkins et Lucas Maltais. Nous avons continué avec cette formule depuis, mais les choses pourraient changer dans le futur.

Label & projets futurs

Nous sommes honorés de faire partie de Pils Records et de travailler étroitement avec Dizz. Nous avons appris énormément avec lui et nous en serons éternellement reconnaissants. Nous avons enregistré un single intitulé Born Again pour la prochaine complitation Pils Records mettant en vedettes d’autres bands du même label. Nous avons aussi eu la chance de jouer au festival Punx Make Noise l’année dernière à Québec. A la fin juillet, nous avons une tournée sur la côte Est avec nos amis de Reifer Madness, ainsi qu’une petite tournée avec High Society, un band d’Allemagne. Nous prévoyons ensuite terminer l’enregistrement de notre deuxième album à notre retour.

Rédaction : Dizz Hupé & Sara (The Defamed)

Correction et traduction : Jess Peach

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L’initiative Le Bad Crew

J’y ai assisté à titre de représentante de notre belle équipe de bénévoles et j’ai eu la chance d’avoir des discussions riches, profondes et inspirantes. Le Bad Crew a présenté l’initiative Tête d’affiche mensuelle Franco : à compter du mois d’août 2026 et pour les 12 mois qui suivront, seuls des artistes qui font de la musique en français seront mis sous les projecteurs de nos réseaux sociaux.

L’entrevue Banane-Banane de Culture Cible

Après cette magnifique journée, je me suis dirigée vers la Jasette des Francos pour assister à l’enregistrement du balado Banane-Banane, de Culture Cible (Camille Dahaene, Marc-André Mongrain et Louis-Philippe Labrèche). La première édition, si je ne m’abuse, remonte à juin 2025. Vous vous souvenez peut-être de ce pas très fameux article de Patrick Lagacé, qui avait suscité l’indignation de notre milieu et auquel nous avions réagi dans une publication.

L’entrevue Banane-Banane visaient justement à lui faire un pied-de-nez. Déguisée en banane, l’équipe de Culture Cible avait alors reçu Virginie B, qui assurait à l’époque la première partie de Philippe Katerine, pour une petite jasette à l’Esplanade du Quartier des spectacles. Le costume de banane lui avait d’ailleurs permis de chanter La banane sur scène avec Philippe Katerine, dans le cadre des Francos en 2025.

Mais revenons à cette année. Simon Boisseau, Princesses et Alice Bro sont venus jaser de leur univers. Tous étaient déguisés en banane… tous, sauf Alice Bro, qui arborait un immense costume de botch fabriqué par un ami en hommage à son surnom : La Reine des Botchs.

Fait beau, fait chaud… poursuivons l’épopée

Il faisait beau et je m’étais rendue au centre-ville en transport en commun. J’ai donc décidé de me diriger vers les Foufounes Électriques pour aller prendre un verre sur la terrasse. Une fois sur place, j’apprends que Marie-Pierre Arthur y jouait, avec Édouard Grenier Tremblay en première partie. J’ai réussi à me faufiler dans une salle comble.

La configuration de la salle n’avait rien à voir avec les concerts punk et métal auxquels j’assiste normalement : il y avait des places assises partout, même sur la scène. Les musiciens, eux, étaient installés au beau milieu de ce qui sert habituellement de pit, baignés dans une douce lumière feutrée.

Je ne connaissais pas Édouard Grenier Tremblay, mais des amis croisés complètement par hasard ce soir-là m’ont appris qu’il est le fils de Daniel Grenier (Chick’n Swell) et de Mara Tremblay. Seul avec sa guitare, il a livré une prestation vulnérable, humble et pleinement assumée. À un certain moment, il s’est trompé dans ses paroles, mais il l’a immédiatement souligné en tournant le tout à la blague. Une identité imparfaite, ça, c’est punk !

D’ailleurs, j’ai croisé un spectateur portant un chandail de Deftones dans la foule, et j’y ai aussi aperçu plusieurs visages de la scène métal et hardcore. J’ai particulièrement aimé la chanson Carence. Je trouve que sa voix y ressort particulièrement bien, et j’ai trouvé original que les chœurs soient des « uh, uh, uh » plutôt que les traditionnels « oh, oh, oh ». Une très belle découverte pour moi !

Puis est arrivée Marie-Pierre Arthur, accompagnée d’un claviériste, d’un guitariste et de trois choristes. Pas de guitare électrique ni de batterie, contrairement à la première fois où je l’avais vue, à la Salle Rolland-Brunelle, à Joliette, en 2015. Bien que totalement différent comme spectacle, je l’ai tout autant apprécié. Marie-Pierre Arthur possède une voix juste, puissante et émouvante. J’ai déjà assisté à des spectacles acoustiques où le public discutait, parfois même assez fort pour couvrir l’artiste pendant une chanson… mais ici, le public était totalement captif. J’ai versé quelques larmes pendant Emmène-moi. 14 ans après sa sortie, cette chanson me fait toujours le même effet.

Réfléchir en mangeant des chips

De retour à la maison, en mangeant des chips sel et vinaigre dans le métro (ayant réalisé un peu sur le tard que je n’avais rien mangé de la journée), je repensais à cette journée. Aux rencontres. Aux idées échangées. À la raison pour laquelle j’y étais allée.

C’est d’ailleurs pour cette raison que j’ai eu envie d’écrire cet article : je veux qu’on réfléchisse ensemble.

Que les Foufounes Électriques présentent un spectacle francophone, acoustique et indie, ça prouve que les milieux émergents et populaires peuvent cohabiter et s’entraider. J’ai entendu 50 initiatives visant à promouvoir la chanson francophone… et si la solution n’était pas aussi compliquée ? Et si elle était même plus simple ?

Et si l’on créait un one-stop shop (pardonnez l’anglicisme) au lieu que les promoteurs, amateurs de musique, organismes, gouvernements et autres aient à fouiller sur 1001 sites pour trouver le talent ? J’ai accompagné plusieurs entreprises à travers des fusions et acquisitions. Et quand ça tourne mal, c’est presque toujours pour la même raison : on n’a pas pris le temps de s’intégrer.

C’est exactement ce qui se passe en ce moment. On ne sait pas par où commencer, ni parfois même où chercher, pour soutenir la vitalité de la musique francophone. De la relève, du talent, du monde motivé et prêt à aider, il y en a. Mais on ne les voit pas, ou ils ne réussissent pas à nous rejoindre.

Alors voilà.

Je lance l’idée. Créons une page Francofy, où TOUTE l’industrie musicale francophone se donne rendez-vous. Subventions, organismes, artistes établis et de la relève, salles de spectacle, festivals, syndicats, médias, balados, diffuseurs, partenaires… Un endroit où l’on peut filtrer ce que l’on cherche par ordre alphabétique, genre musical, ville ou catégorie. Une plateforme où tout ce qui touche à la francophonie se trouve facilement, en un claquement de doigts.

Cessons de laisser cette responsabilité reposer individuellement sur toutes celles et ceux qui portent l’industrie de la musique à bout de bras, et organisons-nous autour d’un seul espace structuré.

La bienveillance, c’est punk en criss

Comme nos amis de Capable! le disent si bien : « la bienveillance, c’est punk en criss ». Et bien vouloir le rayonnement d’une scène qui souffre d’une sous-représentation, c’est aussi punk en criss.

Je termine en remerciant Jacques-André Dupont, Directeur général des Francos de Montréal, de nous avoir reçus comme média indépendant et d’avoir été extrêmement généreux de son temps avec moi à la fin de cette journée chargée et haute en émotions.

Rédaction : Jess Peach

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Après Ville fantôme, De l’Ouest et OK Punker, le nouvel EP de La Dérape, intitulé Pour Demain, est sorti le 12 juin dernier. D’ailleurs, bon plan marketing, j’écris ces lignes pendant ma première écoute afin de livrer cette critique dans un délai raisonnable, presque pour hier.

La Dérape, groupe de Montréal profondément ancré dans le punk franco, dérapant entre les styles musicaux, sans toutefois sortir de la track.  Pour demain, enregistrée par Simon Pelletier, est une composition de quatre titres dénotant un ressenti clair. Ces quatre musiciens connaissent la course et font un léger virage sur cet EP, qui est moins agressif que leurs précédents. 

Dérapage contrôlé

En effet, les chansons « sont les plus rock à ce jour » (sic), tout en gardant à l’avant-plan des textes abordant les limites du « caractère prévisible » (sic) de chaque individu. Également, au chant principal, la voix du chanteur se distingue par une teinte suivant sa propre ligne de conduite et les back vocals… Wow ! La Dérape est à prendre en exemple pour les backs apparaissant au bon endroit, au bon moment.

Sous leur rythmique énergique et brutale, tout en effleurant différents styles, ceux-ci se mélangent sans trop qu’on en soit conscient. Pour dire, lors de leur titre Tuer le son, mon oreille a, à un moment, senti un riff lourd de guitare à la Slayer, accompagné d’un claquement de basse rappelant Rancid. Stupéfait à ce moment-là, j’aurais gobé une mouche s’il en était passé une.

J’adore le concept de la pochette réalisée par Francois Phillipe Dupont : j’apprécie le sacarsme de l’extincteur en feu.  Gros coup de cœur pour la chanson Malgré eux : excellent riff de basse dès le départ. Si je l’avais écouté sur une cassette, la radio aurait bouffé la bande à 1 minute 20 secondes à force d’y revenir. Je vous laisse découvrir pourquoi, tout comme Pour Demain, un nouvel EP fort intéressant de La Dérape. Enfin, je surveille leur sillage pour entendre ça en live. 

Musicalement vôtre, Jerry Cherry

Rédaction : Jerry Cherry

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Pour lire la chronique de la dernière sortie d’album d’Unwanted Noise, c’est ici.

Si on commençait par parler de votre récent passage sur la Tournée 123 punk. Vous êtes le seul band issu de la scène underground à avoir participé à la tournée. Comment avez-vous vécu ça et qu’est-ce que ça représente pour vous ?

Les membres du band ont entre 26 et 41 ans, mais nous avons tous grandi avec Musique Plus, à des époques différentes. Ça représente beaucoup pour nous de faire partie de la tournée, mais d’être le seul band street punk à y prendre part a vraiment été un honneur pour nous.

Vous vous êtes formés en 2008, avez monté sur les planches dès 2011. Après des changements dans la formation, vous sortez Last Of Our Kind en avril 2016. Depuis, vous sortez du matériel régulièrement aux 2 ans environ. Croyez-vous que ce soit nécessaire pour rester d’actualité ?

Oui, définitivement. Nous trouvons que dans l’ère que nous vivons actuellement, c’est de plus en plus nécessaire de diminuer les quantités de chansons et de rapprocher les releases. Nous nous trouvons dans une période de l’histoire où l’on consomme de la musique de manière excessive et il faut constamment susciter l’intérêt des fans afin de rester pertinent dans le paysage.

Mai 2024, vous sortez Bury me to the South Shore. La réponse est positive dès le départ. Est-ce que c’est un stress de sortir un album comme ça, surtout que celui-là était attendu depuis un bon moment ?

Nous serions portés à dire oui. C’était le premier album que nous composions avec Guillaume et Gab aux guitares. Donc nous savions que nous allions avoir un son complètement différent d’avant.

C’est un stress important lorsque nous changeons notre son, c’est certain. Est-ce que notre fanbase, qui connaît bien le groupe, va embarquer? Est-ce que l’album va bien se vendre quand même? Ou est-ce que ça va mettre dans le trouble les labels qui ont investi dans l’album parce que personne ne l’achète?

Rappelons-nous aussi du long délai, avant sa sortie, qui a suivi l’annonce. Nous étions convaincus que nous allions passer sous le radar. Au contraire, notre fanbase a été au rendez-vous et a sold out la première batch de 300 copies en peu de temps!

Comment se passe votre processus de création ? Qui écrit, qui compose ?

En général, Guillaume ou Zach nous arrivent avec des riffs aux sessions de composition et le reste de l’instrumental se fait tous ensemble. Le vocal se compose à part par le chanteur. Nick nous arrive toujours avec une ou deux chansons qu’il compose seul, en fin de parcours, qui sortent de nos patterns et enrichissent l’album.

Le streetpunk repose souvent beaucoup sur les refrains fédérateurs. Pourtant, chez vous, il y a aussi un côté plus chaotique et abrasif. Est-ce que vous cherchez consciemment à éviter le côté “chant de gang” trop cliché?

Ça dépend de l’inspiration du moment. Dans les débuts d’Unwanted Noise, le groupe a été largement influencé par des groupes tels que The Oi!Scouts, Copyright Chaos, Casualties et Chaos Drunk Punx. Les refrains en gang vocals qui se répètent souvent. Notre son a ensuite évolué au fil des années en parallèle avec nos goûts musicaux. Plus catchy et efficace dans le but d’avoir tout le crowd qui chante avec nous lors des concerts. Y’a rien qui nous nourrit plus qu’une foule qui chante avec nous.

Dans une scène où plusieurs bands explosent vite puis disparaissent après un EP ou deux, qu’est-ce qui fait qu’Unwanted Noise tient encore debout?

La communication, le respect, la reconnaissance et l’empathie sont des valeurs qui sont fortes à l’intérieur du groupe. En plus, la vie est plate, c’est la meilleure façon on a trouvé pour avoir du fun.

Votre musique évoque souvent une fatigue sociale, une forme d’usure. Est-ce que faire du punk en 2026 est encore une façon de résister à quelque chose ou c’est rendu davantage une manière de survivre mentalement?

Un peu des deux. En effet, nous parlons beaucoup, et depuis longtemps, de sujets comme l’alcoolisme, la dépression, le suicide ainsi que du sentiment de désillusion face à la scène punk moderne. Jouer et composer ce genre de morceaux nous permet non seulement de l’extérioriser, mais aussi de connecter avec ceux qui vivent cette même expérience.

Avec la montée des plateformes et de l’image, est-ce que vous trouvez que le punk actuel devient parfois trop “performé” ou trop esthétique?

Trop esthétique, non. Nous observons souvent que beaucoup de groupes se concentrent plus sur la musique que sur l’esthétique. On est loin de l’ère Punkcore Records début 00’s avec des groupes trop lookés, quasi boys bands et des chansons très ordinaires.

Nous sommes chanceux de faire partie de la scène actuelle avec des groupes de talent et qui look à fond au Québec.

Les splits ont toujours eu une place importante dans le punk underground. Qu’est-ce que vous aimez dans ce format-là comparativement à un album classique?

Le split vient chercher non seulement le fanbase des deux groupes mais aussi cela permet un contact direct avec les groupes d’ailleurs.

Après autant d’années, qu’est-ce qui vous pousse encore à embarquer dans un van, dormir n’importe où et recommencer? Qu’est-ce qui vous motive encore dans ce mode de vie ?

La famille que l’on s’est créée. Rencontrer des gens de plusieurs scènes et endroits. Vivre des choses qui ne nous seraient jamais arrivées seuls. Faire vivre notre rock aux quatre coins du monde.

Plusieurs groupes old school que vous avez côtoyés roulent depuis 40 ans. Est-ce que vous vous voyez encore faire ça dans 10 ou 15 ans?

Définitivement !

Qu’est-ce qui s’en vient pour vous dans les prochaines semaines, mois ?

Pour cet été, on se lance dans une série de concerts au Québec et en Ontario. Ensuite, nous allons jouer dans l’Est canadien pour la première fois en 15 ans et nous allons être de retour en Europe en novembre.

Rédaction : Claudia Bo et Unwanted Noise

Correction et révision : Marie-Eve Landry

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Ce duo fêtard se déroule le jeudi 30 avril. Je les avais vus en show au BaP et impressionné j’ai été. Depuis ce temps, je surveille la sortie de leur création artistique. Disponibilité en ligne en format numérique depuis le 7 juillet 2025, mais le vinyle vient tout juste de se pointer.

Planète Claire

Toiujours le fun avoir de quoi à foutre un jeudi soir. On se pointe en trio au Planète Claire sur la rue Racine. Pour les habitués, vieux de la vieille, nous sommes en fait dans l’ancienne salle Le Sous-Bois.

Entre ses murs, nous pouvons y trouver de la musique sous tous ses formats physiques. C’est full au bouchon! Je croise plusieurs individus bien sympas. Nous partageons notre enthousiasme commun.

Dany Lemay, ben oui encore lui, est le responsable du son. Il est partout, omniprésent.

LeParc

Ils sont quatre et se baptisent Le Parc. Qui sont-ils? Des flots : Vincent Maltais-Bourgeois, Louis Tessier, Antony Marin et Rémi Sauvé. Trois sont des anciens membres d’un autre groupe saguenéen Cure-pipe, encore très actif.

Mauvaise nouvelle transmise : le synthé fait des siennes. Problématique majeure technique insolvable. Ce sera inédit, des versions alternatives de leurs titres. Cartes sur table, l’album sera interprété de bout en bout.

Ils maîtrisent à merveille et excellent dans la musique instrumentale. Alors, aucune barrière de langue face à eux.

Batteur et bassiste à l’épaisse moustache. Le premier aux cheveux longs tandis que son coéquipier est frisé, vêtus de salopettes. Ils sont stylés. Le dernier arrivé est le guitariste principal Rémi. Ce sont de sacrés bons humains.

Un son innoncent, naif et brut. Une pierre précieuse qui ne demande qu’a être polie. LeParc occupe, domine le terrain de jeu qui leur est offert. L’amusement est au rendez-vous!

Je réalise que c’est vraiment un album concept qu’ils nous présentent. Chansons s’écoutant idéalement dans leur ordre respectif pour des transitions optimales. Une histoire est racontée, écoutez-la!

Nous voyageons au travers de nombreux styles musicaux : fuzz, rock psychédélique, blues… Guitar hero par périodes précises à la Jimmy Hendrix. J’oserais aussi m’avancer pour du country par petits bouts subtils, par ci par là.

Phénoménaux, ils sont. Avant mon départ, je met la main sur une galette pressée par Le Vinylist.

Au Parc

Au Parc, un livre concocté avec passion se découpant en treize chapitres. Allons y un à la fois.

Juste 2 dodos

Démarrage avec une chanson adéquate, parfaite pour une introduction. Sons horrifiques au clavier. Ambiance glauque. Nous sommes dans le beat proposé, l’état d’âme demandée. Je me sens comme lorsqu’il reste Juste 2 dodos avant une date tant attendue, appréhendée.

Au Parc

Au Parc, le titre phare de l’album portant le même nom. Perspicace je suis. Quatre minutes quarante trois secondes pendant lesquelles on réalise véritablement ce qui va suivre. Tout en étant surpris par cette originalité extraordinaire. Beaucoup de fuzz guitar. Je me revois enfant assis sur une balançoire sur mon terrain ou au coin de mon quartier.

Qu’est-ce je ferais avec 5$?

Nous nous aventurons dans toute une galère. Une virée dépensière où rien n’est interdit. Un vacarme délimité, joyeux et feutré. Et vous que feriez-vous avec un tel montant?

Qui qui saute le plus loin?

Sur celle-ci, je détecte une situation d’urgence. Une montée d’adrénaline avant une compétition, un accomplissement à prouver. Prends ton élan avant le gouffre, le précipice. Ralentissement complet avec une tension palpable. Le défi est maintenant là et attaquons-le de plein fouet. Toi, dans ta gang, qui saute plus loin que les autres?

Sonne-Décrisse

Son plus chaleureux tendant vers le blues. Le gamin en nous refait surface. Un bon vieux coup enfantin pour se marrer. Nous avons tous déjà fait un sonne-décrisse.

Celui qui le dit c’est celui qui l’est

Trame plus agressive sur un ton accusateur. J’ai l’impression que les notes me parlent, s’expriment autrement qu’à l’habitude. La best réplique à quoi que ce soit comme insulte est le celui qui le dit c’est celui qui l’est.

L’our

Titre nostalgique provoquant également des flashbacks de notre jeunesse. Un jeu indémodable pratiqué en éducation physique, dans la cour d’école et entre amis régulièrement. C’est toi qui est L’our! Sauve qui peut. Panique sonore.

Y’est où Grand-Papa?

Petite guitare sèche douce. Cordes presque seulement effleurées. Place à un folk, bluegrass instrumental. Y’est où Grand-Papa? Nous avons l’impression que chaque famille de notes jouées se finalise par un point d’interrogation.

Grimper

Nous entamons une longue escalade. Les riffs et accords nous propulsent d’une marche, d’un barreau à l’autre. Progression, ascension en douceur. Nous atteindrons assurément notre objectif, destination.

Monsieur?

Attention Monsieur est présent. Ça devient du sérieux. Oh, on est dans ma palette. Sonorités rappelant les jeux video, Midi style. Les cordes sont grattées et leur finalité est interrompue abruptement. Cette chanson sort du lot, déteint des précédentes. J’adore leur variété.

Fishe

Rythme solennel. Ça tourne, rotation accélératrice. Ensuite, décélération pour réatterir sur la terre ferme. Batterie encourageante, stimulante. Je me prends soudainement pour un agent secret ou un super-héro. On dirait une soundtrack de ce type de film.

Cache-Cache

Baguettes tombantes agissant comme leader. Il est temps de retourner jouer, s’amuser. Celle-ci déclenche immédiatement des sautillements, sursauts de joie émergés. Quoi de mieux qu’un partie de Cache-Cache. Encore une fois, LeParc réussit à nous le faire vivre ainsi comme si chaque instrument tentait de se camoufler des autres. Conclusion infernale!

K7

Allures vintage. Moment d’acalmie. La fin est proche. Yes, j’ai passé la cassette!

Le début d’autre chose

Chaque titre respectif représente bien ce qui est raconté. Je l’ai ressenti lors de leur écoute attentive. En fait, j’ai assisté à un jam scripté. Nous avons peut-être été témoins du lancement d’une nouvelle fusée saguenéenne pour conquérir la planète.

Demain, je reprends la route. Cette fois-ci, je me dirige vers la ville de Québec pour réaliser un de mes rêves en voyant le groupe métal Martyr en spectacle.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Originaire de Trois-Rivières, We Told You So fait partie de ces bands qui misent sur l’authenticité avant tout. Avec ça en tête, A New Frame of Mind, sorti le 17 avril 2026, s’impose comme leur projet le plus personnel à ce jour.

Un nouveau départ

Dès le départ, le message est clair :

« Aujourd’hui on sort notre album A New Frame of Mind. Pour moi, c’est pas juste un EP. C’est un nouveau départ. Une nouvelle façon de penser. Une nouvelle vie qui repart à zéro. Sans artifices. Sans substituts. Sans substances pour geler ce que je ressens ou fuir la réalité. »

Ainsi, on comprend rapidement que cet album va plus loin que la musique. En fait, c’est une véritable remise à zéro.

Un album créé dans la vraie vie

Cette fois-ci, le groupe a écrit cet album en pleine tempête. Maladie, perte, émotions fortes, tout s’est passé en même temps que la création.

Par conséquent, rien ne sonne forcé.

Au contraire, tout est réel.

« Dans ces 8 chansons-là, on a tout mis sur la table. »

Et justement, ça se ressent du début à la fin.

Des thèmes qui touchent

Concrètement, chaque chanson parle d’un moment précis :

• Anchor in the Storm (la perte d’un proche)
• Echoes (les combats qu’on regarde de loin, impuissants, mais avec espoir)
• Last for Long (l’amitié)
• Pas besoin de toé (l’indépendance)
• My Last Verse
• Running Out of Time (le passé, le présent, le futur qui s’entremêlent)
• Season of Change (la famille, le temps qui passe)
• Time to Rise (l’appel à se lever ensemble)

Au final, ce n’est pas juste une liste de chansons. C’est un parcours émotionnel.

Un moment fort : « Anchor in the Storm »

Parmi toutes les pièces, celle-ci se démarque immédiatement.

Écrite en hommage à la mère du chanteur, elle a été créée pendant le deuil.

Donc, l’émotion est encore brute.

En d’autres mots, c’est simple, direct, et ça frappe fort.

Entre énergie et émotion

D’un côté, le band reste fidèle à son style punk, avec des chansons rapides et intenses comme Time to Rise et Running Out of Time.

De l’autre, il prend aussi le temps de ralentir.

Par exemple, My Last Verse propose une approche plus douce, avec piano et violoncelle.

Résultat : une chanson plus calme, mais très touchante.

Une touche encore plus personnelle

En plus, avec Pas besoin de toé, le groupe propose sa première chanson en français.

Ce choix ajoute une nouvelle dimension à leur musique et renforce, du même coup, leur identité.

Un son brut, mais travaillé

Globalement, l’album conserve une approche DIY. Rien n’est trop poli.

Cependant, ce n’est pas brouillon.

Au contraire, chaque chanson est réfléchie tout en gardant son émotion d’origine.

Une fierté partagée

Évidemment, le groupe est fier du résultat :

« On est extrêmement fiers de ce qu’on a créé. »

Par ailleurs, ils prennent le temps de remercier toutes les personnes impliquées… mais aussi leur public.

« On dit  »fans »… mais la vérité, c’est que vous êtes bien plus que ça. Vous êtes une deuxième famille. »

Verdict

En somme, A New Frame of Mind est un album vrai.

Pas parfait. Pas lisse.

Mais surtout, profondément humain.

« A New Frame of Mind, c’est la preuve qu’on peut changer. Qu’on peut devenir meilleur. »

Au final, c’est un album à écouter, mais surtout à ressentir.

« C’est notre histoire…mais maintenant, elle est un peu à vous aussi. »

https://www.facebook.com/WeToldYouSopunk

Rédaction : Marie-Lyne Jean

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Basé dans la région de Lanaudière, le projet Band de Garage est né de l’initiative de Direkt-in studios qui accompagne artistes et entreprises dans la création, la diffusion et la mise en valeur de contenus audio et vidéo professionnels. En collaboration avec la production indépendante Crazy on fire prod., trois arrêts ont eu lieu dans les villes de Rimouski, Mont-Joli et Matane. Pour vous lecteurs, j’ai capté les prestations dans ces lieux inusités.

Leur mission

Band de Garage c’est offrir une vitrine concrète aux artistes émergents, créer des rencontres vibrantes et dynamiser la culture locale de façon accessible, mobile et percutante. C’est l’énergie brute des premiers
jams, l’intensité d’un live sans artifice et la conviction que n’importe quel lieu peut devenir une scène. Ruelles, ateliers, entreprises, entrepôts, arrière-cours : ils arrivent, ils installent, ils jouent. La fameuse porte de garage est leur signature. Il l’ouvre symboliquement pour révéler un groupe local et laisser jaillir spontanéité, authenticité et créativité.

L’essence du projet :

• Une musique vivante, sans filtre;

• Une proximité directe avec le public;

• Un esprit DIY assumé et une grande liberté créative;

• La mise en valeur de la scène locale;

• Des performances dans des lieux inattendus, différentes à chaque épisode.

Rimouski

Le premier arrêt fut à Rimouski, le vendredi 24 avril en soirée, au centre de divertissement Rimouski Another World – Level Up avec le trio métal Black Hole. Actif dans la scène rimouskoise depuis 2023, ces jeunes adultes nous livrent le croisement parfait entre l’ancienne et la nouvelle génération de métalleux. Je les ai couverts en 2024 dans cet article au Bad Crew ici.

Les gens présents ont pu essayer les casques de réalité virtuelle. Ouvert que depuis décembre dernier, Rimouski Another World – Level Up propose une grand diversité de jeux pour tous les âges, de deux à douze joueurs simultanément. Si vous êtes de passage dans le coin, un arrêt s’impose de réserver (en ligne avant votre déplacement) pour une partie, il y a même des escape games !

Matane

Le deuxième arrêt fut à Matane, le samedi 25 avril en après-midi, au Dépanneur du Lac avec la formation matanaise rock francophone Malashop.

C’est donc dans un ancien lave auto, converti en un entrepôt à bières, qu’ils ont vécu cette prestation ! Je n’ai malheureusement pas pu m’y présenter, mais j’ai recueilli des photos publiées sur la page de Malashop, ainsi que d’autres prises par Band de Garage.

Fondée en 1979, cette entreprise familiale a su, au fil des années, bonifier son offre de services à la population. Station d’essence (détaillant Esso), spécialiste de la bière de microbrasserie avec une diversité inégalée (seul détaillant certifié par la DBSQ en Gaspésie) et La Sandwicherie (les meilleurs !). Ils offrent régulièrement des super concours pour gâter leur clientèle.

Gaspesian Metal était le partenaire de l’événement. Initiateur du festival Gaspesian Metal Fest, cet organisme œuvre à faire connaître et à faire évoluer la scène métal dans la Matanie.

Mont-Joli

Le troisième arrêt fut à Mont-Joli, le dimanche 26 avril en après-midi, à l’usine de la microbrasserie Le Ketch avec la formation punk metalcore Love Those You Miss. Présent dans la scène rimouskoise depuis 2017, ils ont deux albums à leur actif.

Ouvert depuis 2018, le pub du Ketch accueille chaque été, plus de 45 000 clients. Leur variété de bières brassées localement est hallucinante. Il y en a pour tous les goûts offrant aussi diverses collaboration avec d’autres microbrasseries. Un coup d’œil sur leur page Facebook, vous donnera assurément l’eau à la bouche !

Des billets, en quantité limitées compte tenu de la capacité d’accueil des lieux choisis, étaient disponibles pour assister à ces prestations uniques. De plus, une campagne de sociofinancement, via la plateforme La Ruche, a eu lieu pour aider au financement de ce projet innovateur.

Au moment de lire ces lignes, Band de Garage aura fait une captation à la Vache observatoire de Saint-Georges-de-Windsor avec le band Morsure (prévu pour le 2 mai).

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photo : Cynthia Côté / Malashop / Band de Garage

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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