L’initiative Le Bad Crew

J’y ai assisté à titre de représentante de notre belle équipe de bénévoles et j’ai eu la chance d’avoir des discussions riches, profondes et inspirantes. Le Bad Crew a présenté l’initiative Tête d’affiche mensuelle Franco : à compter du mois d’août 2026 et pour les 12 mois qui suivront, seuls des artistes qui font de la musique en français seront mis sous les projecteurs de nos réseaux sociaux.

L’entrevue Banane-Banane de Culture Cible

Après cette magnifique journée, je me suis dirigée vers la Jasette des Francos pour assister à l’enregistrement du balado Banane-Banane, de Culture Cible (Camille Dahaene, Marc-André Mongrain et Louis-Philippe Labrèche). La première édition, si je ne m’abuse, remonte à juin 2025. Vous vous souvenez peut-être de ce pas très fameux article de Patrick Lagacé, qui avait suscité l’indignation de notre milieu et auquel nous avions réagi dans une publication.

L’entrevue Banane-Banane visaient justement à lui faire un pied-de-nez. Déguisée en banane, l’équipe de Culture Cible avait alors reçu Virginie B, qui assurait à l’époque la première partie de Philippe Katerine, pour une petite jasette à l’Esplanade du Quartier des spectacles. Le costume de banane lui avait d’ailleurs permis de chanter La banane sur scène avec Philippe Katerine, dans le cadre des Francos en 2025.

Mais revenons à cette année. Simon Boisseau, Princesses et Alice Bro sont venus jaser de leur univers. Tous étaient déguisés en banane… tous, sauf Alice Bro, qui arborait un immense costume de botch fabriqué par un ami en hommage à son surnom : La Reine des Botchs.

Fait beau, fait chaud… poursuivons l’épopée

Il faisait beau et je m’étais rendue au centre-ville en transport en commun. J’ai donc décidé de me diriger vers les Foufounes Électriques pour aller prendre un verre sur la terrasse. Une fois sur place, j’apprends que Marie-Pierre Arthur y jouait, avec Édouard Grenier Tremblay en première partie. J’ai réussi à me faufiler dans une salle comble.

La configuration de la salle n’avait rien à voir avec les concerts punk et métal auxquels j’assiste normalement : il y avait des places assises partout, même sur la scène. Les musiciens, eux, étaient installés au beau milieu de ce qui sert habituellement de pit, baignés dans une douce lumière feutrée.

Je ne connaissais pas Édouard Grenier Tremblay, mais des amis croisés complètement par hasard ce soir-là m’ont appris qu’il est le fils de Daniel Grenier (Chick’n Swell) et de Mara Tremblay. Seul avec sa guitare, il a livré une prestation vulnérable, humble et pleinement assumée. À un certain moment, il s’est trompé dans ses paroles, mais il l’a immédiatement souligné en tournant le tout à la blague. Une identité imparfaite, ça, c’est punk !

D’ailleurs, j’ai croisé un spectateur portant un chandail de Deftones dans la foule, et j’y ai aussi aperçu plusieurs visages de la scène métal et hardcore. J’ai particulièrement aimé la chanson Carence. Je trouve que sa voix y ressort particulièrement bien, et j’ai trouvé original que les chœurs soient des « uh, uh, uh » plutôt que les traditionnels « oh, oh, oh ». Une très belle découverte pour moi !

Puis est arrivée Marie-Pierre Arthur, accompagnée d’un claviériste, d’un guitariste et de trois choristes. Pas de guitare électrique ni de batterie, contrairement à la première fois où je l’avais vue, à la Salle Rolland-Brunelle, à Joliette, en 2015. Bien que totalement différent comme spectacle, je l’ai tout autant apprécié. Marie-Pierre Arthur possède une voix juste, puissante et émouvante. J’ai déjà assisté à des spectacles acoustiques où le public discutait, parfois même assez fort pour couvrir l’artiste pendant une chanson… mais ici, le public était totalement captif. J’ai versé quelques larmes pendant Emmène-moi. 14 ans après sa sortie, cette chanson me fait toujours le même effet.

Réfléchir en mangeant des chips

De retour à la maison, en mangeant des chips sel et vinaigre dans le métro (ayant réalisé un peu sur le tard que je n’avais rien mangé de la journée), je repensais à cette journée. Aux rencontres. Aux idées échangées. À la raison pour laquelle j’y étais allée.

C’est d’ailleurs pour cette raison que j’ai eu envie d’écrire cet article : je veux qu’on réfléchisse ensemble.

Que les Foufounes Électriques présentent un spectacle francophone, acoustique et indie, ça prouve que les milieux émergents et populaires peuvent cohabiter et s’entraider. J’ai entendu 50 initiatives visant à promouvoir la chanson francophone… et si la solution n’était pas aussi compliquée ? Et si elle était même plus simple ?

Et si l’on créait un one-stop shop (pardonnez l’anglicisme) au lieu que les promoteurs, amateurs de musique, organismes, gouvernements et autres aient à fouiller sur 1001 sites pour trouver le talent ? J’ai accompagné plusieurs entreprises à travers des fusions et acquisitions. Et quand ça tourne mal, c’est presque toujours pour la même raison : on n’a pas pris le temps de s’intégrer.

C’est exactement ce qui se passe en ce moment. On ne sait pas par où commencer, ni parfois même où chercher, pour soutenir la vitalité de la musique francophone. De la relève, du talent, du monde motivé et prêt à aider, il y en a. Mais on ne les voit pas, ou ils ne réussissent pas à nous rejoindre.

Alors voilà.

Je lance l’idée. Créons une page Francofy, où TOUTE l’industrie musicale francophone se donne rendez-vous. Subventions, organismes, artistes établis et de la relève, salles de spectacle, festivals, syndicats, médias, balados, diffuseurs, partenaires… Un endroit où l’on peut filtrer ce que l’on cherche par ordre alphabétique, genre musical, ville ou catégorie. Une plateforme où tout ce qui touche à la francophonie se trouve facilement, en un claquement de doigts.

Cessons de laisser cette responsabilité reposer individuellement sur toutes celles et ceux qui portent l’industrie de la musique à bout de bras, et organisons-nous autour d’un seul espace structuré.

La bienveillance, c’est punk en criss

Comme nos amis de Capable! le disent si bien : « la bienveillance, c’est punk en criss ». Et bien vouloir le rayonnement d’une scène qui souffre d’une sous-représentation, c’est aussi punk en criss.

Je termine en remerciant Jacques-André Dupont, Directeur général des Francos de Montréal, de nous avoir reçus comme média indépendant et d’avoir été extrêmement généreux de son temps avec moi à la fin de cette journée chargée et haute en émotions.

Rédaction : Jess Peach

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Après Ville fantôme, De l’Ouest et OK Punker, le nouvel EP de La Dérape, intitulé Pour Demain, est sorti le 12 juin dernier. D’ailleurs, bon plan marketing, j’écris ces lignes pendant ma première écoute afin de livrer cette critique dans un délai raisonnable, presque pour hier.

La Dérape, groupe de Montréal profondément ancré dans le punk franco, dérapant entre les styles musicaux, sans toutefois sortir de la track.  Pour demain, enregistrée par Simon Pelletier, est une composition de quatre titres dénotant un ressenti clair. Ces quatre musiciens connaissent la course et font un léger virage sur cet EP, qui est moins agressif que leurs précédents. 

Dérapage contrôlé

En effet, les chansons « sont les plus rock à ce jour » (sic), tout en gardant à l’avant-plan des textes abordant les limites du « caractère prévisible » (sic) de chaque individu. Également, au chant principal, la voix du chanteur se distingue par une teinte suivant sa propre ligne de conduite et les back vocals… Wow ! La Dérape est à prendre en exemple pour les backs apparaissant au bon endroit, au bon moment.

Sous leur rythmique énergique et brutale, tout en effleurant différents styles, ceux-ci se mélangent sans trop qu’on en soit conscient. Pour dire, lors de leur titre Tuer le son, mon oreille a, à un moment, senti un riff lourd de guitare à la Slayer, accompagné d’un claquement de basse rappelant Rancid. Stupéfait à ce moment-là, j’aurais gobé une mouche s’il en était passé une.

J’adore le concept de la pochette réalisée par Francois Phillipe Dupont : j’apprécie le sacarsme de l’extincteur en feu.  Gros coup de cœur pour la chanson Malgré eux : excellent riff de basse dès le départ. Si je l’avais écouté sur une cassette, la radio aurait bouffé la bande à 1 minute 20 secondes à force d’y revenir. Je vous laisse découvrir pourquoi, tout comme Pour Demain, un nouvel EP fort intéressant de La Dérape. Enfin, je surveille leur sillage pour entendre ça en live. 

Musicalement vôtre, Jerry Cherry

Rédaction : Jerry Cherry

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Pour lire la chronique de la dernière sortie d’album d’Unwanted Noise, c’est ici.

Si on commençait par parler de votre récent passage sur la Tournée 123 punk. Vous êtes le seul band issu de la scène underground à avoir participé à la tournée. Comment avez-vous vécu ça et qu’est-ce que ça représente pour vous ?

Les membres du band ont entre 26 et 41 ans, mais nous avons tous grandi avec Musique Plus, à des époques différentes. Ça représente beaucoup pour nous de faire partie de la tournée, mais d’être le seul band street punk à y prendre part a vraiment été un honneur pour nous.

Vous vous êtes formés en 2008, avez monté sur les planches dès 2011. Après des changements dans la formation, vous sortez Last Of Our Kind en avril 2016. Depuis, vous sortez du matériel régulièrement aux 2 ans environ. Croyez-vous que ce soit nécessaire pour rester d’actualité ?

Oui, définitivement. Nous trouvons que dans l’ère que nous vivons actuellement, c’est de plus en plus nécessaire de diminuer les quantités de chansons et de rapprocher les releases. Nous nous trouvons dans une période de l’histoire où l’on consomme de la musique de manière excessive et il faut constamment susciter l’intérêt des fans afin de rester pertinent dans le paysage.

Mai 2024, vous sortez Bury me to the South Shore. La réponse est positive dès le départ. Est-ce que c’est un stress de sortir un album comme ça, surtout que celui-là était attendu depuis un bon moment ?

Nous serions portés à dire oui. C’était le premier album que nous composions avec Guillaume et Gab aux guitares. Donc nous savions que nous allions avoir un son complètement différent d’avant.

C’est un stress important lorsque nous changeons notre son, c’est certain. Est-ce que notre fanbase, qui connaît bien le groupe, va embarquer? Est-ce que l’album va bien se vendre quand même? Ou est-ce que ça va mettre dans le trouble les labels qui ont investi dans l’album parce que personne ne l’achète?

Rappelons-nous aussi du long délai, avant sa sortie, qui a suivi l’annonce. Nous étions convaincus que nous allions passer sous le radar. Au contraire, notre fanbase a été au rendez-vous et a sold out la première batch de 300 copies en peu de temps!

Comment se passe votre processus de création ? Qui écrit, qui compose ?

En général, Guillaume ou Zach nous arrivent avec des riffs aux sessions de composition et le reste de l’instrumental se fait tous ensemble. Le vocal se compose à part par le chanteur. Nick nous arrive toujours avec une ou deux chansons qu’il compose seul, en fin de parcours, qui sortent de nos patterns et enrichissent l’album.

Le streetpunk repose souvent beaucoup sur les refrains fédérateurs. Pourtant, chez vous, il y a aussi un côté plus chaotique et abrasif. Est-ce que vous cherchez consciemment à éviter le côté “chant de gang” trop cliché?

Ça dépend de l’inspiration du moment. Dans les débuts d’Unwanted Noise, le groupe a été largement influencé par des groupes tels que The Oi!Scouts, Copyright Chaos, Casualties et Chaos Drunk Punx. Les refrains en gang vocals qui se répètent souvent. Notre son a ensuite évolué au fil des années en parallèle avec nos goûts musicaux. Plus catchy et efficace dans le but d’avoir tout le crowd qui chante avec nous lors des concerts. Y’a rien qui nous nourrit plus qu’une foule qui chante avec nous.

Dans une scène où plusieurs bands explosent vite puis disparaissent après un EP ou deux, qu’est-ce qui fait qu’Unwanted Noise tient encore debout?

La communication, le respect, la reconnaissance et l’empathie sont des valeurs qui sont fortes à l’intérieur du groupe. En plus, la vie est plate, c’est la meilleure façon on a trouvé pour avoir du fun.

Votre musique évoque souvent une fatigue sociale, une forme d’usure. Est-ce que faire du punk en 2026 est encore une façon de résister à quelque chose ou c’est rendu davantage une manière de survivre mentalement?

Un peu des deux. En effet, nous parlons beaucoup, et depuis longtemps, de sujets comme l’alcoolisme, la dépression, le suicide ainsi que du sentiment de désillusion face à la scène punk moderne. Jouer et composer ce genre de morceaux nous permet non seulement de l’extérioriser, mais aussi de connecter avec ceux qui vivent cette même expérience.

Avec la montée des plateformes et de l’image, est-ce que vous trouvez que le punk actuel devient parfois trop “performé” ou trop esthétique?

Trop esthétique, non. Nous observons souvent que beaucoup de groupes se concentrent plus sur la musique que sur l’esthétique. On est loin de l’ère Punkcore Records début 00’s avec des groupes trop lookés, quasi boys bands et des chansons très ordinaires.

Nous sommes chanceux de faire partie de la scène actuelle avec des groupes de talent et qui look à fond au Québec.

Les splits ont toujours eu une place importante dans le punk underground. Qu’est-ce que vous aimez dans ce format-là comparativement à un album classique?

Le split vient chercher non seulement le fanbase des deux groupes mais aussi cela permet un contact direct avec les groupes d’ailleurs.

Après autant d’années, qu’est-ce qui vous pousse encore à embarquer dans un van, dormir n’importe où et recommencer? Qu’est-ce qui vous motive encore dans ce mode de vie ?

La famille que l’on s’est créée. Rencontrer des gens de plusieurs scènes et endroits. Vivre des choses qui ne nous seraient jamais arrivées seuls. Faire vivre notre rock aux quatre coins du monde.

Plusieurs groupes old school que vous avez côtoyés roulent depuis 40 ans. Est-ce que vous vous voyez encore faire ça dans 10 ou 15 ans?

Définitivement !

Qu’est-ce qui s’en vient pour vous dans les prochaines semaines, mois ?

Pour cet été, on se lance dans une série de concerts au Québec et en Ontario. Ensuite, nous allons jouer dans l’Est canadien pour la première fois en 15 ans et nous allons être de retour en Europe en novembre.

Rédaction : Claudia Bo et Unwanted Noise

Correction et révision : Marie-Eve Landry

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Ce duo fêtard se déroule le jeudi 30 avril. Je les avais vus en show au BaP et impressionné j’ai été. Depuis ce temps, je surveille la sortie de leur création artistique. Disponibilité en ligne en format numérique depuis le 7 juillet 2025, mais le vinyle vient tout juste de se pointer.

Planète Claire

Toiujours le fun avoir de quoi à foutre un jeudi soir. On se pointe en trio au Planète Claire sur la rue Racine. Pour les habitués, vieux de la vieille, nous sommes en fait dans l’ancienne salle Le Sous-Bois.

Entre ses murs, nous pouvons y trouver de la musique sous tous ses formats physiques. C’est full au bouchon! Je croise plusieurs individus bien sympas. Nous partageons notre enthousiasme commun.

Dany Lemay, ben oui encore lui, est le responsable du son. Il est partout, omniprésent.

LeParc

Ils sont quatre et se baptisent Le Parc. Qui sont-ils? Des flots : Vincent Maltais-Bourgeois, Louis Tessier, Antony Marin et Rémi Sauvé. Trois sont des anciens membres d’un autre groupe saguenéen Cure-pipe, encore très actif.

Mauvaise nouvelle transmise : le synthé fait des siennes. Problématique majeure technique insolvable. Ce sera inédit, des versions alternatives de leurs titres. Cartes sur table, l’album sera interprété de bout en bout.

Ils maîtrisent à merveille et excellent dans la musique instrumentale. Alors, aucune barrière de langue face à eux.

Batteur et bassiste à l’épaisse moustache. Le premier aux cheveux longs tandis que son coéquipier est frisé, vêtus de salopettes. Ils sont stylés. Le dernier arrivé est le guitariste principal Rémi. Ce sont de sacrés bons humains.

Un son innoncent, naif et brut. Une pierre précieuse qui ne demande qu’a être polie. LeParc occupe, domine le terrain de jeu qui leur est offert. L’amusement est au rendez-vous!

Je réalise que c’est vraiment un album concept qu’ils nous présentent. Chansons s’écoutant idéalement dans leur ordre respectif pour des transitions optimales. Une histoire est racontée, écoutez-la!

Nous voyageons au travers de nombreux styles musicaux : fuzz, rock psychédélique, blues… Guitar hero par périodes précises à la Jimmy Hendrix. J’oserais aussi m’avancer pour du country par petits bouts subtils, par ci par là.

Phénoménaux, ils sont. Avant mon départ, je met la main sur une galette pressée par Le Vinylist.

Au Parc

Au Parc, un livre concocté avec passion se découpant en treize chapitres. Allons y un à la fois.

Juste 2 dodos

Démarrage avec une chanson adéquate, parfaite pour une introduction. Sons horrifiques au clavier. Ambiance glauque. Nous sommes dans le beat proposé, l’état d’âme demandée. Je me sens comme lorsqu’il reste Juste 2 dodos avant une date tant attendue, appréhendée.

Au Parc

Au Parc, le titre phare de l’album portant le même nom. Perspicace je suis. Quatre minutes quarante trois secondes pendant lesquelles on réalise véritablement ce qui va suivre. Tout en étant surpris par cette originalité extraordinaire. Beaucoup de fuzz guitar. Je me revois enfant assis sur une balançoire sur mon terrain ou au coin de mon quartier.

Qu’est-ce je ferais avec 5$?

Nous nous aventurons dans toute une galère. Une virée dépensière où rien n’est interdit. Un vacarme délimité, joyeux et feutré. Et vous que feriez-vous avec un tel montant?

Qui qui saute le plus loin?

Sur celle-ci, je détecte une situation d’urgence. Une montée d’adrénaline avant une compétition, un accomplissement à prouver. Prends ton élan avant le gouffre, le précipice. Ralentissement complet avec une tension palpable. Le défi est maintenant là et attaquons-le de plein fouet. Toi, dans ta gang, qui saute plus loin que les autres?

Sonne-Décrisse

Son plus chaleureux tendant vers le blues. Le gamin en nous refait surface. Un bon vieux coup enfantin pour se marrer. Nous avons tous déjà fait un sonne-décrisse.

Celui qui le dit c’est celui qui l’est

Trame plus agressive sur un ton accusateur. J’ai l’impression que les notes me parlent, s’expriment autrement qu’à l’habitude. La best réplique à quoi que ce soit comme insulte est le celui qui le dit c’est celui qui l’est.

L’our

Titre nostalgique provoquant également des flashbacks de notre jeunesse. Un jeu indémodable pratiqué en éducation physique, dans la cour d’école et entre amis régulièrement. C’est toi qui est L’our! Sauve qui peut. Panique sonore.

Y’est où Grand-Papa?

Petite guitare sèche douce. Cordes presque seulement effleurées. Place à un folk, bluegrass instrumental. Y’est où Grand-Papa? Nous avons l’impression que chaque famille de notes jouées se finalise par un point d’interrogation.

Grimper

Nous entamons une longue escalade. Les riffs et accords nous propulsent d’une marche, d’un barreau à l’autre. Progression, ascension en douceur. Nous atteindrons assurément notre objectif, destination.

Monsieur?

Attention Monsieur est présent. Ça devient du sérieux. Oh, on est dans ma palette. Sonorités rappelant les jeux video, Midi style. Les cordes sont grattées et leur finalité est interrompue abruptement. Cette chanson sort du lot, déteint des précédentes. J’adore leur variété.

Fishe

Rythme solennel. Ça tourne, rotation accélératrice. Ensuite, décélération pour réatterir sur la terre ferme. Batterie encourageante, stimulante. Je me prends soudainement pour un agent secret ou un super-héro. On dirait une soundtrack de ce type de film.

Cache-Cache

Baguettes tombantes agissant comme leader. Il est temps de retourner jouer, s’amuser. Celle-ci déclenche immédiatement des sautillements, sursauts de joie émergés. Quoi de mieux qu’un partie de Cache-Cache. Encore une fois, LeParc réussit à nous le faire vivre ainsi comme si chaque instrument tentait de se camoufler des autres. Conclusion infernale!

K7

Allures vintage. Moment d’acalmie. La fin est proche. Yes, j’ai passé la cassette!

Le début d’autre chose

Chaque titre respectif représente bien ce qui est raconté. Je l’ai ressenti lors de leur écoute attentive. En fait, j’ai assisté à un jam scripté. Nous avons peut-être été témoins du lancement d’une nouvelle fusée saguenéenne pour conquérir la planète.

Demain, je reprends la route. Cette fois-ci, je me dirige vers la ville de Québec pour réaliser un de mes rêves en voyant le groupe métal Martyr en spectacle.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Originaire de Trois-Rivières, We Told You So fait partie de ces bands qui misent sur l’authenticité avant tout. Avec ça en tête, A New Frame of Mind, sorti le 17 avril 2026, s’impose comme leur projet le plus personnel à ce jour.

Un nouveau départ

Dès le départ, le message est clair :

« Aujourd’hui on sort notre album A New Frame of Mind. Pour moi, c’est pas juste un EP. C’est un nouveau départ. Une nouvelle façon de penser. Une nouvelle vie qui repart à zéro. Sans artifices. Sans substituts. Sans substances pour geler ce que je ressens ou fuir la réalité. »

Ainsi, on comprend rapidement que cet album va plus loin que la musique. En fait, c’est une véritable remise à zéro.

Un album créé dans la vraie vie

Cette fois-ci, le groupe a écrit cet album en pleine tempête. Maladie, perte, émotions fortes, tout s’est passé en même temps que la création.

Par conséquent, rien ne sonne forcé.

Au contraire, tout est réel.

« Dans ces 8 chansons-là, on a tout mis sur la table. »

Et justement, ça se ressent du début à la fin.

Des thèmes qui touchent

Concrètement, chaque chanson parle d’un moment précis :

• Anchor in the Storm (la perte d’un proche)
• Echoes (les combats qu’on regarde de loin, impuissants, mais avec espoir)
• Last for Long (l’amitié)
• Pas besoin de toé (l’indépendance)
• My Last Verse
• Running Out of Time (le passé, le présent, le futur qui s’entremêlent)
• Season of Change (la famille, le temps qui passe)
• Time to Rise (l’appel à se lever ensemble)

Au final, ce n’est pas juste une liste de chansons. C’est un parcours émotionnel.

Un moment fort : « Anchor in the Storm »

Parmi toutes les pièces, celle-ci se démarque immédiatement.

Écrite en hommage à la mère du chanteur, elle a été créée pendant le deuil.

Donc, l’émotion est encore brute.

En d’autres mots, c’est simple, direct, et ça frappe fort.

Entre énergie et émotion

D’un côté, le band reste fidèle à son style punk, avec des chansons rapides et intenses comme Time to Rise et Running Out of Time.

De l’autre, il prend aussi le temps de ralentir.

Par exemple, My Last Verse propose une approche plus douce, avec piano et violoncelle.

Résultat : une chanson plus calme, mais très touchante.

Une touche encore plus personnelle

En plus, avec Pas besoin de toé, le groupe propose sa première chanson en français.

Ce choix ajoute une nouvelle dimension à leur musique et renforce, du même coup, leur identité.

Un son brut, mais travaillé

Globalement, l’album conserve une approche DIY. Rien n’est trop poli.

Cependant, ce n’est pas brouillon.

Au contraire, chaque chanson est réfléchie tout en gardant son émotion d’origine.

Une fierté partagée

Évidemment, le groupe est fier du résultat :

« On est extrêmement fiers de ce qu’on a créé. »

Par ailleurs, ils prennent le temps de remercier toutes les personnes impliquées… mais aussi leur public.

« On dit  »fans »… mais la vérité, c’est que vous êtes bien plus que ça. Vous êtes une deuxième famille. »

Verdict

En somme, A New Frame of Mind est un album vrai.

Pas parfait. Pas lisse.

Mais surtout, profondément humain.

« A New Frame of Mind, c’est la preuve qu’on peut changer. Qu’on peut devenir meilleur. »

Au final, c’est un album à écouter, mais surtout à ressentir.

« C’est notre histoire…mais maintenant, elle est un peu à vous aussi. »

https://www.facebook.com/WeToldYouSopunk

Rédaction : Marie-Lyne Jean

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Basé dans la région de Lanaudière, le projet Band de Garage est né de l’initiative de Direkt-in studios qui accompagne artistes et entreprises dans la création, la diffusion et la mise en valeur de contenus audio et vidéo professionnels. En collaboration avec la production indépendante Crazy on fire prod., trois arrêts ont eu lieu dans les villes de Rimouski, Mont-Joli et Matane. Pour vous lecteurs, j’ai capté les prestations dans ces lieux inusités.

Leur mission

Band de Garage c’est offrir une vitrine concrète aux artistes émergents, créer des rencontres vibrantes et dynamiser la culture locale de façon accessible, mobile et percutante. C’est l’énergie brute des premiers
jams, l’intensité d’un live sans artifice et la conviction que n’importe quel lieu peut devenir une scène. Ruelles, ateliers, entreprises, entrepôts, arrière-cours : ils arrivent, ils installent, ils jouent. La fameuse porte de garage est leur signature. Il l’ouvre symboliquement pour révéler un groupe local et laisser jaillir spontanéité, authenticité et créativité.

L’essence du projet :

• Une musique vivante, sans filtre;

• Une proximité directe avec le public;

• Un esprit DIY assumé et une grande liberté créative;

• La mise en valeur de la scène locale;

• Des performances dans des lieux inattendus, différentes à chaque épisode.

Rimouski

Le premier arrêt fut à Rimouski, le vendredi 24 avril en soirée, au centre de divertissement Rimouski Another World – Level Up avec le trio métal Black Hole. Actif dans la scène rimouskoise depuis 2023, ces jeunes adultes nous livrent le croisement parfait entre l’ancienne et la nouvelle génération de métalleux. Je les ai couverts en 2024 dans cet article au Bad Crew ici.

Les gens présents ont pu essayer les casques de réalité virtuelle. Ouvert que depuis décembre dernier, Rimouski Another World – Level Up propose une grand diversité de jeux pour tous les âges, de deux à douze joueurs simultanément. Si vous êtes de passage dans le coin, un arrêt s’impose de réserver (en ligne avant votre déplacement) pour une partie, il y a même des escape games !

Matane

Le deuxième arrêt fut à Matane, le samedi 25 avril en après-midi, au Dépanneur du Lac avec la formation matanaise rock francophone Malashop.

C’est donc dans un ancien lave auto, converti en un entrepôt à bières, qu’ils ont vécu cette prestation ! Je n’ai malheureusement pas pu m’y présenter, mais j’ai recueilli des photos publiées sur la page de Malashop, ainsi que d’autres prises par Band de Garage.

Fondée en 1979, cette entreprise familiale a su, au fil des années, bonifier son offre de services à la population. Station d’essence (détaillant Esso), spécialiste de la bière de microbrasserie avec une diversité inégalée (seul détaillant certifié par la DBSQ en Gaspésie) et La Sandwicherie (les meilleurs !). Ils offrent régulièrement des super concours pour gâter leur clientèle.

Gaspesian Metal était le partenaire de l’événement. Initiateur du festival Gaspesian Metal Fest, cet organisme œuvre à faire connaître et à faire évoluer la scène métal dans la Matanie.

Mont-Joli

Le troisième arrêt fut à Mont-Joli, le dimanche 26 avril en après-midi, à l’usine de la microbrasserie Le Ketch avec la formation punk metalcore Love Those You Miss. Présent dans la scène rimouskoise depuis 2017, ils ont deux albums à leur actif.

Ouvert depuis 2018, le pub du Ketch accueille chaque été, plus de 45 000 clients. Leur variété de bières brassées localement est hallucinante. Il y en a pour tous les goûts offrant aussi diverses collaboration avec d’autres microbrasseries. Un coup d’œil sur leur page Facebook, vous donnera assurément l’eau à la bouche !

Des billets, en quantité limitées compte tenu de la capacité d’accueil des lieux choisis, étaient disponibles pour assister à ces prestations uniques. De plus, une campagne de sociofinancement, via la plateforme La Ruche, a eu lieu pour aider au financement de ce projet innovateur.

Au moment de lire ces lignes, Band de Garage aura fait une captation à la Vache observatoire de Saint-Georges-de-Windsor avec le band Morsure (prévu pour le 2 mai).

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photo : Cynthia Côté / Malashop / Band de Garage

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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Salut! Ça fait vraiment plaisir, merci à vous!

Pouvez-vous nous décrire la composition du band? Les membres, leurs projets respectifs précédents, etc.

Feels Like Home est un quatuor depuis déjà plusieurs années, soit depuis environ 2019. À la base, on était un groupe de cinq personnes et, depuis 2019, on a décidé de continuer à quatre.

Présentement, le groupe est composé de Michael au vocal, Frédéric à la basse, Steven à la guitare et Guillaume à la batterie. Feels Like Home roule déjà depuis 2011-2012, mais même avant ça, on avait tous un background où chacun des membres jouait dans d’autres groupes ou presque, notamment notre chanteur Michael, qui jouait dans le groupe Forever The Light. Notre drummer Guillaume, qui jouait dans A Dead Motion. D’ailleurs, notre drummer Guillaume joue également dans le groupe Basterds, en plus de Feels Like Home.

Comment est né Feels Like Home?

Feels Like Home a été créé en 2011 par Steven, Frédéric et Kevin, notre bassiste de l’époque. Tous les trois, on travaillait au IGA et c’est en travaillant ensemble et en se rendant compte qu’on avait les mêmes goûts musicaux qu’on a décidé de créer Feels Like Home.

Pourquoi ce nom? À quoi ça fait référence?

Feels Like Home fait vraiment référence au sentiment d’appartenance qu’on a quand on est ensemble et quand on joue de la musique. Ensuite, les paroles « Feels Like Home » se retrouvent également dans la chanson du groupe The Word Alive, Lights and Stones. Donc, quand on a entendu cette chanson-là et ces paroles-là, c’est quelque chose qui est vraiment venu nous accrocher. On aimait la prononciation et la signification qu’on lui donnait. Donc, c’est pour ça qu’on a choisi le nom Feels Like Home.

Vous avez sorti deux albums Bound for Hell et Duality, que vous avez choisi de ressortir en version instrumentale. Pourquoi cette direction artistique?

Bound for Hell et Duality sont les deux derniers albums que nous avons sortis respectivement en 2021 et 2019. Pourquoi avoir choisi de sortir ces albums également en version instrumentale? C’est vraiment parce qu’on travaille beaucoup l’instrumental de nos chansons et on le sait que le scream peut parfois freiner les gens. Donc, on trouvait ça intéressant de donner une deuxième vie à nos chansons en version seulement instrumentale, où les gens qui aiment moins le scream peuvent quand même apprécier le travail fait derrière les chansons.

Votre son mélange agressivité et mélodie. Comment réussissez-vous à jouer sur ces deux tons?

Notre guitariste Steven est un excellent compositeur qui est à la fois capable de composer des riffs mélodiques et d’autres bouts qui sont beaucoup plus pesants et agressifs. Je crois que c’est ce qui nous démarque, d’être justement capables de mélanger des refrains qui sont beaucoup plus mélodiques à d’autres bouts qui sont beaucoup plus agressifs. Et je crois que c’est le contraste entre les deux qui donne de la puissance à chacune de ces deux facettes.

Quelles influences ont le plus façonné votre son passé et actuel?

Pour ce qui est de notre son « passé », on peut rapidement entendre les influences du groupe August Burns Red, qui était vraiment notre principale influence à l’époque. Avec les années, notre son s’est peaufiné. Nos horizons musicaux se sont également élargis et, à travers notre son actuel, c’est vraiment difficile de rattacher ce son-là à des groupes qu’on écoute présentement. Oui, on écoute beaucoup de musique. Je pense qu’on pourrait nous comparer à des groupes comme Make Them Suffer, Wage War, Currents, Architects, mais je crois qu’on a quand même un son assez unique, qui mélange vraiment différents styles de métal/hardcore!

Ça fait environ 10 ans que vous êtes en activité. Avez-vous eu des moments où vous vous êtes remis en question, ou souhaité prendre une autre direction?

En 2025, nous avons d’ailleurs célébré le dixième anniversaire de notre premier album! Donc, comme je disais plus tôt, on est actifs depuis 2011-2012. Donc oui, ça fait un bon bout!

Avec les années, c’est sûr que chacun des membres a travaillé aussi sur des projets un peu différents, mais ça reste que Feels Like Home, ça nous unit. C’est un projet dans lequel on est heureux de travailler. Donc, avec FLH, il n’y a pas de direction différente qu’on veut prendre.

Par exemple, notre chanteur Michael joue également de la guitare dans le groupe Peer Pressure. Comme mentionné, notre drummer Guillaume joue aussi dans Basterds. Donc, on a nos projets un peu à part de Feels Like Home, mais pour ce qui est de FLH lui-même, on est vraiment tous sur la même longueur d’onde. Et tant qu’on a encore du plaisir, des offres de spectacles et qu’on peut jouer et composer de la musique, je crois que nous allons continuer de le faire!

Vous avez sorti le single Fiona en 2025 et, depuis, plus rien. D’autres singles à venir? Un album?

On a sorti notre dernier single Fiona en 2025, et c’était plus que temps, parce que la dernière sortie qu’on avait faite, c’était notre EP Bound for Hell en 2021! Je peux toutefois mentionner que nous aurons un nouveau single qui sortira également en 2026 et que nous sommes présentement en train de composer de nouvelles chansons.

Nous sommes un peu dans l’époque des groupes qui sortent beaucoup de singles, donc c’est un peu dans cette vibe-là qu’on se dirige. Je ne peux pas dire si on a un album ou un EP qui s’en vient, mais c’est sûr qu’on veut continuer de sortir de la nouvelle musique et de faire des shows!

Merci beaucoup pour cette entrevue et de nous avoir choisis comme tête d’affiche du mois de mai 2026! Au plaisir de se voir lors d’un spectacle!

Rédaction : Claudia Bo et Feels Like Home

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Animal Boy

En ouverture, Animal Boy, un quatuor rock aux teintes indie/punk venu de Guelph, prend la scène. La salle était déjà bondée – impossible de distinguer les murs – et l’air vibrait d’électricité. Écrasé par une fatigue sourde, je ferme les yeux un instant… pour être aussitôt réveillé par les premières notes.

Aucun répit. Le groupe réchauffe la salle avec un groove entraînant à la manière de The Kinks, porté par des harmonies vocales serrées et enivrantes. Leur son mélange la tension nerveuse de Joy Division à une touche rockabilly. La foule se met en mouvement – pieds qui trébuchent, corps qui s’entrechoquent, sueur dans l’air. À la fin du set, je pense aux débuts au The Cavern Club, quand The Beatles laissaient derrière eux des foules à bout de souffle. On en aurait pris plus, mais l’horaire ne pardonne pas. Pour saisir leur énergie : Bug Trap, un parfait équilibre entre élan et mélodies accrocheuses.

Odie Harr

À l’extérieur, la fumée de cigarette s’accumule à l’entrée, mais pas le temps de s’attarder. Sur scène, Odie Harr – un ensemble de sept musiciens – prend place. Des pièces comme Gone et Osoyoos, British Columbia, illustrent leur son ample, presque orchestral. Leur univers oscille entre la douceur évocatrice de Crosby, Stills, Nash & Young et des arrangements qui rappellent Madness.

Cuivres, claviers et harmonica viennent enrichir leurs compositions, tandis que le chanteur Shane Stewart impose une voix claire et précise. Ce qui frappe surtout, c’est leur cohésion : un sourire, un clin d’œil, et tout s’aligne parfaitement. Seul bémol : aucun titre de chanson annoncé, ce qui rend l’expérience plus floue pour un nouvel auditeur.

Birds of Prrrey

Ensuite, Birds of Prrrey, trio montréalais alternatif composé par trois femmes, débarque avec des riffs incisifs et des paroles qui dénoncent. Leur son se situe entre la rugosité de Courtney Love et la fragilité d’Elliott Smith. Dès les premières notes, tout semble plus fort, plus dense.

Même si la salle s’est légèrement vidée, l’énergie remonte. Les corps bougent à nouveau, des briquets s’allument lors d’une chanson mélancolique, et le groupe joue habilement avec les dynamiques. Moment marquant : Noelle, celle qui joue la batterie, livre une ballade douce-amère, intitulée Noelle’s Emo Song, avec une telle vulnérabilité. Leur pièce Training Wheels, tirée de l’EP Yet, We’re Still Growing in Place, illustre bien leur équilibre entre intensité, finesse et émotion.

Fake Friends

Pour clore la soirée, Fake Friends, groupe montréalais aux accents alt/punk/hard rock, prend le relais. Leur son évoque l’énergie funk-punk des Red Hot Chili Peppers et l’attitude festive des Beastie Boys, porté par des riffs efficaces et dansants. Malheureusement, la salle s’est clairsemée, mais l’espace laissé libre invite à bouger davantage.

Des morceaux comme Sucker Born Every Minute et Backstreet’s Back, Part 2 (tirés de Let’s Not Overthink This), misent sur une énergie directe et rassembleuse. À l’inverse, Internet Boyfriend et Ain’t No Friend (EP Always Worse/Never Better, 2024) révèlent une facette plus sensible, presque nostalgique. À la fin, je suis vidé – plus d’énergie – mais le groupe a tout donné, et ceux qui sont restés ont clairement embarqué.

Au final, les quatre groupes ont offert des performances solides. Par contre, la diversité des styles a fragmenté la foule. Plusieurs étaient là pour un groupe précis, ce qui a créé un va-et-vient constant : certains dansaient, d’autres quittaient, d’autres restaient par curiosité. Une salle qui ne s’unit jamais complètement, mais qui vibre par vagues.

À noter : Fake Friends n’a pas encore annoncé de prochain spectacle. Birds of Prrrey jouera au Sala Rossa le 24 avril. Odie Harr n’a aucune date à venir, et Animal Boy n’a pas encore dévoilé de nouveaux spectacles après leur récente tournée canadienne.

Rédaction : The Stoned Poet

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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« Ouin, je suis un peu maniaque » de me dire Max alors qu’il m’offre le tour du propriétaire dans les loges et les installations du Coatirock.  Max, Maxime Fortin de son nom complet, est l’une des personnes en tête du projet qui se prépare depuis maintenant 2 ans : un festival de 12 h condensé, pour les bands émergents…  Avec un plus gros nom pour clore l’aventure – Mononc’ Serge en solo. 

« Comme tu peux voir, les commanditaires de l’événement ont fourni des collations et de la bière pour les artistes. » Je regarde les paniers en me disant qu’aucun détail n’a été oublié – impression largement confirmée par un tableau blanc rempli d’indications colorées pour les heures de passage et de préparation des bands.  La journée est calculée à la minute.  J’apprécie encore plus le moment qui m’est accordé, sachant que Maxime court d’un côté comme de l’autre depuis 6 h du matin.

Il me montre la partie rénovée du centre d’art, une partie avec moins de cachet, mais certainement très bien entretenue.  Il évoque l’armurerie qui était la vocation originelle de la bâtisse, qui fut ensuite une église et, finalement, un centre d’art.  Les boiseries de la vieille section sont magnifiques et ajoutent à l’ambiance de la journée, un peu en dehors du temps.

Dans la salle, rideaux tirés, les gens sont déjà présents en nombre satisfaisant, à 13 h. Max, bien qu’à la course, prend bien le temps de saluer les gens, gros sourire, accueillant et soucieux que tous trouvent leur journée à la hauteur de leurs attentes.  On se dirige vers le bar, tenu par l’autre tête du projet, Daphnée.  À ses côtés, la conjointe de Max, Laurence, qui sourit et me lance à la blague : « Tu pourrais expliquer que Daphnée est la partenaire D’AFFAIRES de Max, pas de vie… » *Clin d’œil-clin d’oeil au journal de Sherbrooke qui aura confondu les deux* – c’est maintenant chose faite!

Treize bands, tout autant de styles différents.  Punk, rock, scream, métal, nu-métal…  Tout y était pour tous les goûts.  C’était un moment parfait pour découvrir de nouveaux talents et je ne peux passer sous silence mes trois coups de cœur de l’événement…  Tu comprendras que Mononc‘ n’a plus besoin de présentation, je ne dirai que ceci: encore une fois, un excellent moment avec lui.

DAYDREAM

Ils sont jeunes, énergiques et talentueux.  Band originaire de la région de Thetford Mines, composée d’Olivier Roy à la basse, d’Alexis Brochu à la batterie et de Jérémy Brochu à la guitare et au chant.  Malgré leur allure plus jeune, le son qu’ils nous offrent est loin d’être amateur. Avec la parution de leur premier album au début de juin prochain, ils nous ont offert en cadeau bon nombre de leurs compositions, aussi plaisantes les unes que les autres. Deuxième band de la série de 13, ils ont tout de même laissé un souvenir mémorable et certainement une envie de renouveler l’expérience… !

Pour les suivre: leur lancement aura lieu le 12 juin 2026, à Thetford Mines.  Parions qu’on entendra leur nom souvent, dans les temps à venir.

Pour acheter des billets: https://www.diffusiontram.ca/fr/spectacles/859/daydream-presente-le-lancement-officiel-de-son-premier-album/

SPECTRUM SHIFT

Si tu devais choisir cinq personnes d’univers complètement différents et les placer dans un band, tu obtiendrais ce groupe.  Détrompe-toi, cependant, bien que tous largement différents dans la présentation, la chimie du groupe est contagieuse.  Tous bien attitrés à leurs positions : Gordon Shea à la voix et guitare, José Baillargeon à la guitare, Raphael Côté à la basse et la voix, Jacob Desrosiers à la batterie et la voix et finalement, à l’harmonica, Gabriel Dugourd.

Tous fans de musique, mais clairement pas toujours le même genre, ce groupe nous offre une expérience musicale complète.  Tantôt à saveur nu-métal, tantôt carrément punk, tantôt ultra mélodique – il y en a pour TOUS les goûts.  Les différents membres mettent de la vie sur scène, ils habitent leur espace.  Mention d’honneur au farfadet qui joue de l’harmonica pour les mises en scène sympathiques, destinées à faire rire le public.  Un moment agréable, en très bonne compagnie.

Pour les suivre : https://www.facebook.com/p/Spectrum-Shift-61561085555234/

DÉKORÀ – TIRA BARRIO

Bienvenue dans les années 90, avec tout le rythme et l’ambiance que ça sous-entend.  Nu-métal avec une inspiration forte de Limp Bizkit, on retrouve un son qui nous a manqué.  Enchaînant les compositions puis les covers, le groupe ne laisse personne indifférent.  Paroles en espagnol, avec une rage chantée, on a envie de se donner mal au cou à force de headbang trop vigoureusement!

Durant leur prestation, on apprécie autant l’entrain des membres que « l’effeuillage » du chanteur qui aura débuté le spectacle avec beaucoup de couches de vêtements – se terminant sur un de leurs produits largement politisé et ô combien satisfaisant (leur marchandise se trouve sur leur page Facebook) ! Mon coup de cœur de l’événement, sans conteste.

Pour les suivre: https://www.facebook.com/Dekora.mx

CONSTAT GÉNÉRAL

C’était la première édition d’un festival qui se lançait dans un océan d’autres événements et qui a su tirer son épingle du jeu.  Dans une petite ville charmante, sous un soleil chaud, les rencontres étaient multiples, le son était accrocheur et divertissant, on a eu du plaisir et ça a paru.  Maxime et Daphné ont réussi leur pari : c’était réglé au quart de tour, fluide et impressionnant. BRAVO!

Constat global ? Ça prend une édition 2… et 3, et 4, et… Ce fut un succès, on se revoit l’an prochain? (Il le faut!)

Rédaction:

Correction: Camille Charlebois

Révision: Marie-Eve Landry

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Un lineup prometteur

La salle était quasiment pleine un soir pluvieux à la Toscadura, la dernière venue tous âges restante de l’empire de Casa del Popolo. Ça fait un peu plus d’un an qu’elle est ouverte et elle est devenue une des salles majeures pour la jeune scène underground. Située au rez-de-chaussée d’un club espagnol, on y trouve un environnement charmant et bien organisé dans son ensemble. Le seul problème est que le son n’est honnêtement pas excellent, mais j’ose dire d’expérience que ça s’améliore peu à peu.

La maison de prod Ballin’ Beaver a organisé le show du 10 avril, un lineup d’artistes émergents. Offshoot du Pouzza, elle prioritise les spectacles all-ages et donne une plateforme à des groupes plus jeunes. Avec le manque de salles accessibles, c’est une belle initiative et ça prend des promoteurs comme ça pour alimenter la scène et la garder en vie.

Wired Mother

Ça débute avec Wired Mother, jouant leur tout premier show. Initialement timides, ils se sont rapidement démarqués des autres bands. Le groupe de quatre doit avoir joué dix instruments dans leur set d’une trentaine de minutes. Du synth à la contrebasse électrique à l’harmonica, indie, rock et folk se mélangeaient. Il y avait une vibe qui me rappelait des groupes classiques folk-rock des années 70s, comme The Band. Ils ont continué avec un cover de Courtney Barnett, suivi par une reprise de Björk, mettant vraiment en valeur leurs inspirations variées. Bref, c’est toujours un plaisir de découvrir des groupes qui ne sonnent pas comme les autres. J’espère que Wired Mother continueront à jouer ensemble, ils ont vraiment du potentiel!

Fielding

« Make some noise if you’re emotional tonight »

…a déclaré le chanteur de Fielding qui ressemble à Jim Morrison – si Jim Morrison jouait du indie rock. Fielding a livré une performance dynamique remplie de breakdowns mélodiques. Le band avait une énergie hypnotisante et une cohésion exceptionnelle. Ayant récemment sorti leur premier album éponyme, ils ont terminé leur set avec la dernière track, Sunspot. Ils n’ont laissé aucun spectateur indifférent; quand les guitares se sont débranchées, la foule en voulait encore.

Honey

Honey est le genre de groupe que tu découvrirais accidentellement dans un show de dive bar; une perle rare sans prétention mais surprenante. La salle était absorbée dans un moshpit en pleine sueur dès la première chanson. Le band impressionnait déjà par ses solos de guitare remarquables. Il pourrait être décrit comme un mélange de Whirr et de Smashing Pumpkins. Des couplets plus mélodiques et shoegaze se transforment harmonieusement en refrains grunge et heavy. Ils ont sorti dernièrement un single appelé Sophia (demo), qui montre justement cela.

SOMET

En tête d’affiche du show, SOMET, un groupe shoegaze assez clair et net. Ils ont seulement deux singles de sortis, Sorry et Back to You; mais si y’a une chose que ce band prouve, c’est que la qualité vaut plus que la quantité. Leur public connaissait définitivement ces deux chansons, avec du monde qui chantaient les paroles à tue-tête. Passant de riffs résonnants et distortionnés à des chansons plus rapides et punk, tout le monde pourrait y trouver un aspect qui lui plaît. Malgré qu’ils soient assez jeunes, ils jouent avec précision et cœur, digne d’un groupe beaucoup plus ancien. Des stage dives en catapultes aux amis se faisant des câlins dans la première rangée, l’émotion et la dédication pure de SOMET transcende les personnes autour.

Rédaction : Beatrix Hooton

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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Ça fait presque trois ans que j’ai intégré la scène de façon intense et que c’est devenu mon mode de vie avec un à trois shows par semaine !! Aujourd’hui, c’est la chronique sur mon plus gros coup de cœur depuis le tout début ! Il s’agit de Marc Déposé : Quétaine Rock ! Je l’ai découvert le 23 février 2023 à l’Escogriffe Bar dans un line up avec Fast Food Fairies et Down Memory Lane !

Comme je l’ai dit souvent, on ne va pas à un show de Marc Déposé, on va dans son monde ! Marc Déposé a sorti deux albums jusqu’à maintenant ! Il s’agit de Ramassis, sorti en 2020, et Toasté en 2021 . Vous pouvez aller découvrir ses albums sur son bandcamp.

Mon top 3 personnel à découvrir, selon moi sur le 1^er album : Punkrockeuse au caramel, Rêver et Dormir. Pour le 2^e album : Toé pis Moé, Méo et Fleur ta vie ! Personnellement, j’ai une préférence pour le 2^e album !

Pour débuter, en quelle année a commencé ton projet de band et où a été ton premier show ?

Difficile pour moi de mettre une date, puisque j’ai l’impression que Déposé a toujours fait partie de ma vie ! Mais je guess en disant 2007… Par contre ça a pris 15 ans avant de voir le premier spectacle Déposé en 2022. Tout ça grâce à Max Télévision, (chanteur pour Rock N Roll Télévision), mon fidèle partenaire punk rock depuis plus de 20 ans ! Il m’a bien « botté le cul » !

En quelques mots, comment décrirais-tu ta musique ?

Peu importe les grands mots savants qui me viennent en tête, « Quétaine Rock » : les deux seuls qui m’imprègnent de satisfaction ! Un heureux mélange de punk rock et de chansons quétaines…

Comment t’es venu l’idée de ce band et comment as-tu pensé à débuter ce projet ?

Le manque de motivation de certains confrères punk rock est probablement la source d’origine ! Je me suis enfermé, en bobettes, avec ma guitare dans mon salon, pis c’est devenu la façon officielle de composer et d’enregistrer mes quétaineries ! Je pense que j’ai réalisé que tout faire soi-même était peut-être tough, mais crissement satisfaisant ! Anyway, si ça te dérange pas que ça sonne comme dans le derrière d’un ours, t’as la liberté d’enregistrer quand le cœur t’en dit et non quand le calendrier te l’impose. Pis tellement facile d’avoir du fun les yeux pleins d’eau quand t’es fier des petites mélodies qui te sortent de la tête et du cœur. Ça m’a jamais nui d’être un peu simple d’esprit !

Tu as deux albums à ton actif, quels sont les sujets qu’abordent tes deux albums ?

En fait, Ramassis (2020), c’est genre le greatest hits de toutes mes tounes super lo-fi, dont le fameux EP Friandises, qui n’avait jamais vu le jour ! Ensuite est venu Toasté, un chef-d’œuvre pour quatre personnes, ma mère, toi, Mélo pis moi ! Encore une fois, la formule « bobettes dans le salon » limite un peu la qualité, mais grâce à un ami bien spécial (Louise), ça sonne la tonne !

Y a-t-il quelque chose qui a influencé l’écriture de ces albums ?

Oui, mon petit cœur fucking trop sensible ! Je ne pense pas que j’invente rien, mais je sais que chacune de ces chansons est 100 % viscérale. Pour moi, les émotions comme les chansons n’ont pas besoin d’être compliquées, mais profondes et sincères ! Tu vois bien que c’est quétaine mon affaire !

C’est donc mon petit quotidien qui influence le plus mes chansons. Mais, évidemment, si on veut parler d’influence, tout le temps que j’ai passé avec Johnny Love quand j’étais jeune a eu un sérieux impact sur ma vie de punk. Il était dur avec moi par moment, mais je réalise aujourd’hui que c’est ce dont j’avais besoin pour aller chercher le meilleur de moi ! Pas de demi-mesure avec le roi de la pop punk franco ! J’en suis très reconnaissant !

Tu as aussi un nouvel album en préparation. On peut d’ailleurs déjà écouter : Amie ami xxx et Et Filles #1, deux singles qui sont déjà sortis ! En quelques mots, comment décrirais-tu cet album ?

Je suis effectivement en fin de production d’un merveilleux EP ! Sexposé #1 sortira donc le 1^er mai 2026, suivi d’un lancement le 30 mai ! Plus punk rock et combatif que jamais ! On dirait que Déposé est tanné de pleurer pour les filles, il est comme un peu en tabarnac là ! Ben en fait, juste assez… Pis surtout tellement chanceux. J’ai plein de chums qui y participent. On a Chucky Déposé, le gars le plus motivé que j’ai eu la chance d’avoir à mes côtés. En plus de jouer de la batterie comme un déchaîné, il aime bien prendre un petit coup avec moi ! Y’a aussi Bobby Déposé, le petit voisin (il est plutôt grand) qui joue de la guitare comme un enragé malgré sa personnalité plutôt placide et sensible. À la basse, on a la participation de Shawny Déposé et celle de Denis Duke, le frère d’un punk rocker bien connu de la scène montréalaise. « Amie ami xxx » ne sera pas là, par contre.

À certains spectacles, on peut voir « Déposé et Frères » et à d’autres « Déposé et Fils » quelles différences y retrouve-t-on ?

Toutes ces versions « Déposé » me permettent de ne jamais dire non à un spectacle ! La version « Déposé et Frères » c’est avec Max Télévision et Fred Trep ! « Déposé et Fils » c’est la version 100 % Frelighsburg avec Shawny, Bobby et Chucky ! J’ai même la version « Les Déposé » un genre de mix de peu importe qui est dispo ! Y a même Danny Duke (chanteur/basse dans Fast Food Fairies) qui y joue ! Le frère d’un gars connu de la scène punk rock montréalaise !

Pour terminer, as-tu des évènements de prévus prochainement ? Ou aimerais-tu jouer ?

Je t’avoue que c’est tranquille prochainement… On met un peu de temps sur les chansons du EP ! Mais on est toujours partant pour prendre la route avec Réjean, notre fidèle Chevy Van 1978, dans la famille depuis plus de 20 ans ! On aimerait faire plus de festivals, parce qu’on a vraiment trippé avec la gang du Festival Underground et de WellDone Productions. Chaque année, on s’essaye pour le Pouzza, mais on doit pas être assez cool, parce qu’on n’a jamais eu de réponse… On est ben plein de résilience, borderline fatiguant ! C’est pas tout le monde qui sait à quel point on donne tout ce qu’on a sur une scène ! C’est d’ailleurs pas rare de me voir en fameuses bobettes avec lesquelles j’enregistre !

Rédaction : Geneviève Lemay Boulanger

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Promise to Disappear

Le groupe FAKEYOU de Montréal sortait son premier album Promise to Disappear le 3 avril 2026 avec la maison de disque 59X Records située à Atlanta, en Géorgie. J’ai eu le privilège de faire l’écoute de cet opus de 10 chansons avant sa sortie officielle. Mais avant d’en faire la revue, laissez-moi vous parler de la première fois où j’ai été introduite au groupe : c’était le 8 mars 2024 dans leur local de Pointe-Saint-Charles.

Ma première fois avec FAKEYOU

Le groupe avait organisé un show semi-secret avant la démolition de l’édifice qui allait bientôt devenir des tours à condo. Je ne les connaissais absolument pas, mais mon amie Geneviève Vignoul (que vous connaissez sans doute comme administratrice de la page Facebook Punk Rock Jusqu’à La Mort) m’avait promis que ce serait une belle soirée – et elle a eu raison. J’ai été immédiatement séduite par la voix de Guillaume Ménard, par les mélodies accrocheuses de guitare et par les petites passes de drum de Frank Kick Up. À partir de ce moment-là, je suis devenue fan. Ce n’est que plus tard que j’ai connu Jay et Joé, lors du spectacle du 26 octobre 2025 au SuperNat avec Roxanne Izzo.

10 tounes

La première piste de l’album est Wanderlost, qui est d’ailleurs sortie en single par le groupe le 19 mars 2026. Celle-ci parle d’évitement et de la perte de repères, avec une tension entre le besoin d’aide et le réflexe de fuir un monde jugé malsain. On sent pleinement la mélancolie et la détresse à travers les mélodies. La voix rauque de Guillaume traduit assez bien le mood tandis que la guit‘ hyper mélodique nous entraîne dans l’univers poignant de la toune.

La deuxième chanson, Tieluck, est aussi sortie en single le 5 septembre 2025. Beaucoup plus upbeat, elle parle de rédemption et de reconstruction de soi. Je me suis immédiatement reconnue dans les paroles qui nous invitent à quitter un mode de vie autodestructeur pour tenter, lentement, de se réparer et de retrouver un sens à la vie. C’est une sorte d’hymne à la croissance personnelle : je suis certaine que les gens chanteront le refrain à tue-tête avec le poing dans les airs. C’est la vibe que je ressens en l’écoutant.

All About You est sortie le 7 novembre 2025 et nous met immédiatement dans l’univers de la douleur liée à l’amour et des erreurs que l’on fait parfois dans nos relations, en adoptant des comportements d’auto sabotage avec l’être aimé. Le bridge de cette chanson m’a donné des frissons : il est intense, lyrique, et puissant.

S’enchaîne 100 Million Sheep qui, vous l’aurez bien deviné, parle d’insomnie créée par la tourmente. Le single paru le 19 février 2026 m’a étonnée, puisque la voix de Guillaume est plus douce, tandis que les instruments sont plus bruts, très classiques punk rock. Le drum est puissant, à un point où c’est difficile de ne pas suivre le rythme du snare en hochant de la tête.

Arrive à mi-parcours Like Helium Balloons – difficile pour moi de ne pas faire un parallèle avec The Sainte Catherines (dont Kick Up est un ancien membre) de l’époque de Fire Works. C’est une vibe un peu plus agressive, comme si tout à coup le groupe avait eu envie de se détacher de toute la douceur et la tristesse des pièces d’avant, pour traduire de la colère et un peu de dégoût envers le monde d’aujourd’hui.

Bien sûr, que serait un album complet sans une ballade ? C’est ici que Faded Scarf s’insère : on parle de rupture, de celle qui fait mal. Celle où tout nous remet constamment en plein visage ce que l’on a perdu. Si vous avez besoin de pleurer, écoutez ça. Larmes garanties !

La septième piste, Solace, m’a fait penser à du vieux Green Day. C’est simple, efficace, une bonne tune de punk rock en 4-4 comme on les aime. On en oublie presque le thème sombre d’autodestruction qui est abordé tellement le rythme est entraînant.

Ensuite vient Midnight Sun, une hymne à l’espoir et à la résilience. Dès les premières notes de guit‘, on sait que cette piste fera danser tout le monde. C’est le genre de chanson qui s’écoute bien, le volume dans le tapis, dans son char.

J’ai aimé que Spitshine, la neuvième piste, débute avec uniquement la basse. J’ai ressenti une vibe de grunge des années 90 ou de vieux Foo Fighters par moment en l’écoutant. Encore une fois, la mélodie est si entraînante qu’on pourrait passer à côté de la thématique de la mort si on ne porte pas attention aux paroles.

En clôture, c’est Following Protocol. La piste est vraiment bien choisie pour terminer l’album, parce que je pouvais justement très bien me l’imaginer en train de jouer à la fin d’un film pendant que le générique défile. Vous aurez probablement deviné par son titre que cette chanson traite de suivre les règles sans trop savoir pourquoi, et à quoi bon au final ? Ce serait aussi une belle chanson pour finir un set : les paroles sont rassembleuses, et la mélodie, elle, mémorable.

Le verdict

Pour un premier album, les gars frappent fort. Dès les premières notes, on sent une maturité étonnante dans les mélodies, les arrangements et les textes… Un niveau que beaucoup de groupes mettent des années à atteindre. Que ce soit leur âge, leur expérience passée ou leur vécu, le résultat sonne déjà pleinement maîtrisé.

Côté style, l’album ravira les amateurs de punk mélodique et fera sourire les nostalgiques des groupes qui ont marqué le genre. Chaque chanson a son identité, entre énergie brute et moments plus réfléchis, ce qui rend l’écoute à la fois cohérente et captivante. C’est un petit bijou qui a tout pour traverser le temps sans se démoder.

Rédaction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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