Une constante depuis 2024 est que le printemps coïncide avec la sortie d’un nouvel EP du groupe PACE. Le 5 avril 2024, nous avons eu droit à Perfect Storm, un premier EP qui a rapidement fait parler de lui dans la scène montréalaise. Ce projet s’est d’ailleurs hissé au premier rang de mon top 10 des EP de l’année 2024. En 2025, le groupe a récidivé le 4 avril avec MAZE, un deuxième EP paru presque jour pour jour un an après Perfect Storm.

Nous sommes maintenant en juin 2026, et la tradition se poursuit. PACE revient avec son punk rock mélodique dans un troisième EP intitulé Sleep Paralysis. Tout comme pour les deux sorties précédentes, on a droit à quatre nouvelles chansons à se mettre dans les oreilles. J’ai eu la chance d’avoir un accès en primeur à Sleep Paralysis, et je peux déjà vous dire que c’est un trois en trois pour PACE.

Sleep Paralysis débute avec What Can I Say, une pièce qui s’inscrit davantage dans un registre punk rock mélodique, avec des paroles empreintes de vulnérabilité. On y explore les tourments d’une relation amoureuse où l’on peine à se sentir à la hauteur malgré un amour sincère et profond. Le narrateur se débat avec ses propres démons, conscient de ses lacunes, mais déterminé à continuer d’essayer de faire fonctionner la relation. On sent bien le combat contre le risque d’auto-sabotage.

Jess démontre ici un excellent contrôle de sa voix. Par moments, elle semble nous parler, puis, à mesure que l’émotion prend le dessus, l’intensité vocale et musicale augmente. L’utilisation des back vocals en réponse à Jess amplifie encore davantage l’émotion transmise. Le morceau construit ainsi un crescendo chargé de tension, qui culmine lorsque Jess lance un déchirant « Trust me, I care », avant de clore doucement avec « What can I say? ».

On enchaîne avec la chanson Sometimes, qui aborde le thème d’une relation toxique. On y parle de perte de contrôle, d’effacement de soi et du moment où rester devient plus destructeur que simplement partir. Le refrain est simple mais efficace, mettant l’accent sur le besoin de partir. Le propos est empreint de noirceur, mais avec une lueur d’espoir qui naît du fait de quitter une situation, et de suivre sa « guiding star« .

Vient ensuite Tribute, le premier extrait de l’EP, paru le 1^er mai dernier. Pour cette chanson, PACE a invité Roxanne Izzo pour un featuring. Tribute est une confession à un ou plusieurs proches, mettant en lumière l’amour et l’importance de ces personnes. C’est probablement la chanson qui a eu le plus gros impact émotionnel sur moi. Elle m’a fait prendre une pause et réfléchir aux personnes qui ont eu ou ont encore un impact positif dans ma vie. On prend souvent pour acquis les personnes qui nous entourent, et même si elles savent qu’elles sont importantes pour nous, il est toujours essentiel de leur faire savoir avant qu’il soit trop tard. Musicalement, Tribute est une chanson accrocheuse qui reste en tête.

Vient ensuite Your Picture, la chanson qui clôt l’EP. À première écoute, elle évoque une certaine fragilité émotionnelle. Toutefois, en s’y attardant, elle met surtout de l’avant la force que peut procurer l’amour dans les moments difficiles. L’image récurrente « Your picture / Is the last thing standing on my wall » devient le symbole de cette présence stable et rassurante, qui permet de garder espoir lorsque tout semble s’écrouler.

PACE est composé de musiciens d’expérience, et cela se reflète dans un résultat à la hauteur de leur talent. Le groupe a su livrer d’excellents EP trois années de suite, tout en terminant en force avec, selon moi, leur meilleur travail jusqu’à maintenant. Pour souligner la sortie de Sleep Paralysis, PACE s’est associé à Rough Time Records pour mettre ses trois premiers EP sur cassette. Pour l’occasion, le groupe a réordonné les chansons des trois EP afin de créer une fluidité et une expérience d’écoute uniquement disponible sur la cassette.

En terminant, je veux prendre le temps de souligner le superbe artwork de Sleep Paralysis, créé par Édith Boucher. Une image qui encapsule bien les thèmes abordés tout au long du EP. Elle prend le relais de Case Huynh, qui avait fait l’artwork pour Perfect Storm, et de Sara Elbourne pour MAZE. Si vous voulez en apprendre plus sur PACE, je vous invite à lire la tête d’affiche d’avril 2025 qui se trouve ici.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Pour leur spectacle, Snõõper avait invité deux formations montréalaises, Pressure Pin et Alix Fernz. Le groupe avait donc choisi de partir en tournée sans première partie officielle et de collaborer avec des artistes locaux à chaque arrêt. Nous sommes arrivés une quinzaine de minutes avant le début du spectacle et la salle était pratiquement vide. Il faut dire qu’au même moment se déroulait le septième match de la série opposant les Canadiens de Montréal au Lightning de Tampa Bay, ce qui a clairement retardé l’arrivée de plusieurs spectateurs.

Vu les circonstances, le début de la soirée a été légèrement retardé afin de laisser le temps à la foule d’arriver et d’éviter que Pressure Pin ne joue devant une salle presque vide.

Pressure Pin

Tout comme Snõõper, Pressure Pin est issu de la scène egg-punk. Ce terme, souvent associé au Devo-core, désigne une branche du punk rock lo-fi fortement influencée par Devo. Pressure Pin est à l’origine le projet de Kenny Smith, également connu comme batteur du groupe La Sécurité. Le groupe est complété par Daniel Howse à la basse, Adam Tiller à la guitare et Steven Cowan à la batterie.

Une bonne foule s’était finalement massée devant la scène et plusieurs personnes semblaient prêtes à danser dès les premières notes. Après des années passées dans les salles de spectacle, je crois que c’était la première fois que je voyais quelque chose qui ressemblait autant à la définition pure de la pogo dance. Devant nous, un groupe de spectateurs performait une danse qui ressemblait presque à une course. L’ambiance était festive.

Je connaissais encore peu Pressure Pin avant le spectacle, même si ce que j’avais entendu dans les jours précédents m’avait plu. Le groupe n’a jamais laissé paraître qu’il s’agissait de son premier spectacle en plus de six mois, livrant une performance énergique et très solide. Si vous aimez le devo-core ou si vous avez besoin d’une musique pour aller courir, Pressure Pin mérite définitivement une écoute.

Alix Fernz

Alix Fernz est arrivé sur scène en lançant un enthousiaste « On a gagné! », en référence à la victoire du Canadien qui venait tout juste d’assurer sa place au deuxième tour des séries éliminatoires. Je ne connaissais pas sa musique avant ce spectacle et j’ai été agréablement surpris.

Sur scène, Alix Fernz s’occupe du clavier de chanter et par moment de la guitare, accompagné d’un batteur pour ses performances live. Musicalement, le projet navigue entre le synth-punk, la synthwave et certaines textures plus alternatives, tout en intégrant des parties empruntant parfois aux codes de la pop. À plusieurs moments, j’avais l’impression d’assister à une version d’Hubert Lenoir plongée dans la scène new wave des années 80.

Même s’il doit gérer ses séquences et ses pistes à partir de son clavier, Alix Fernz réussit tout de même à transmettre énormément d’énergie à la foule, qui a dansé presque sans arrêt pendant toute la performance. Pour ma part, ce fut une très belle découverte et une sorte de retour dans le temps. S’il avait existé à la fin des années 80 ou au début des années 90, je suis convaincu qu’Alix Fernz aurait été une première partie idéale pour des artistes comme Indochine ou Les Rita Mitsouko. Dans le contexte de cette soirée, sa présence assurait une belle continuité musicale et contribuait parfaitement à l’ambiance de la soirée.

Snõõper

La formation de Nashville a ensuite pris d’assaut la scène et le terme est parfaitement choisi. Côté décor, nous avions droit à une projection de vidéos au grain rappelant les minis DV du début des années 2000. À droite de l’écran se trouvait un panneau noir décoré de disques d’aluminium munis de filtres colorés en leur centre. De l’autre côté, un feu de circulation soutenait le mixer servant à déclencher certaines pistes d’accompagnement. L’ensemble dégageait une esthétique extrêmement DIY, à la fois simple et rafraîchissante.

Je trouve d’ailleurs intéressant de voir la génération Z replonger dans l’esthétique numérique du début des années 2000, autant pour son aspect visuel que pour le plaisir très tactile et imparfait qu’offraient les technologies de cette époque.

Je dois toutefois avouer que le début du spectacle a été plutôt chaotique sur le plan sonore. La voix de la chanteuse était presque inaudible et le reste du mix formait un énorme bloc compact dans lequel il était difficile de distinguer les instruments. Heureusement, cela n’a aucunement ralenti le groupe et le technicien de son a réussi à corriger la situation après deux ou trois chansons.

Pour le reste, Snõõper nous a offert une performance fulgurante de 19 chansons en environ 45 à 50 minutes. Le groupe vend souvent de la marchandise qui donne l’impression qu’il s’agit d’un club de course et, honnêtement, assister à un spectacle de Snõõper ressemble effectivement à une course à pleine vitesse.

Nous avons eu droit à un spectacle réglé au quart de tour, avec très peu d’interactions entre les chansons, hormis la chanteuse qui répétait à quelques reprises : « We love this show ». Cela dit, le groupe dégageait une énergie absolument contagieuse. À un moment, la chanteuse est descendue dans la foule en l’une des mascottes du groupe, créant beau moment de la soirée. Le compte À l’affiche Montréal a d’ailleurs capté une excellente photo de cette scène.

Snõõper nous a offert un spectacle explosif, puisant autant dans le matériel de leur plus récent album que dans celui du précédent. Après une performance aussi intense et efficace, j’ai déjà hâte de les revoir sur scène.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour cette tournée canadienne, Codefendants étaient accompagnés de Chuck Coles et de Thesis Sahib et un invité local à chaque arrêt. Du côté de Québec, le public a eu droit à Pomegranate et Burly Wood, tandis qu’à Montréal, nous avons eu la chance de voir l’excellente formation Conflit Majeur.

Comme à mon habitude, j’étais présent dès l’ouverture des portes question de ne rien manquer de la soirée et, peut-être, d’alléger un peu mon portefeuille. Codefendants semblaient toutefois avoir voyagé léger côté marchandise et, malheureusement, Conflit Majeur n’avait pas ma taille de t-shirt. Ce n’est que partie remise, j’en ai déjà réservé un pour leur prochaine production.

Thesis Sahib

Thesis Sahib est un artiste multidisciplinaire originaire de London, en Ontario. Il est notamment reconnu pour son implication dans la scène du graffiti canadienne. En plus de proposer un hip-hop à saveur avant-gardiste, il touche à plusieurs formes d’expression artistique. Il est aussi connu pour faire du dessin, peinture, murales, zines et bande dessinée. En parallèle de ses performances, il agit également comme membre de l’équipe de tournée de Codefendants.

Seul sur scène, armé de son kit de mix/DJ, Thesis Sahib a lancé la soirée. Malheureusement, peu de gens étaient au rendez-vous à ce moment, et plusieurs semblaient davantage absorbés par leurs conversations. Malgré ce contexte, il ne s’est pas laissé déstabiliser et a livré une bonne performance..

Parmi les morceaux interprétés, j’ai relevé Dog or Cat lors de laquelle il a interrogé le public pour savoir qui a des animaux de compagnie et Dinosaur Bones qui parlerait d’être saoul et faire « hip-hop stuff » comme expliqué par Thesis Sahib. Cela a tout de même été un bon moment, mais la partie hip-hop de la soirée a semblé moins plaire.

Chuck Coles

Avec Chuck Coles, on change complètement de registre. On se serait cru revenu au début des années 2010, à l’époque où Chuck Ragan produisait The Revival Tour. La même époque quand Joey Cape produisait des albums acoustiques avec différents artistes sur One Week Records. La comparaison avec Chuck Ragan s’impose d’ailleurs assez naturellement dans le style musical bien que la voix de Coles soit moins rauque. Sa voix est moins altérée par la fumée de tabac. Certains le connaissent peut-être pour son passage au sein de formations comme Organ Thieves, Brown Brigade et Cauterize, ce dernier étant probablement le plus connu du lot.

À l’image de Thesis Sahib, Chuck Coles s’est présenté seul sur scène avec une guitare acoustique. Il a offert une courte prestation avec des morceaux comme Bottom of the Well et Fall From Grace. Il a également repris Sorrow de Bad Religion, un moment qui a fait participer la foule quelque peu.

Chuck Coles travaille actuellement sur un premier album solo en collaboration avec Chris Cresswell (The Flatliners, Hot Water Music). Intitulé Worse Things Have Happened to Better People, l’album devrait paraître plus tard cette année.

Conflit Majeur

Il est temps de faire grimper l’énergie d’un cran avec Conflit Majeur, qui prend d’assaut la scène devant une foule plus dense. Le groupe fait son entrée au son de J’ai un bouton sur la langue de La Bolduc, avant de débuter avec Attrape–Moi. Je suis le groupe depuis leur premier EP, et leur énergie sur scène a toujours été un de leurs points forts. Cela dit, leur confiance et leur aisance sur scène ont clairement évolué positivement, ce qui élève encore davantage leur performance. C’était particulièrement plaisant de les voir évoluer sur une plus grande scène et cela leur convient parfaitement.

Lors des interventions entre les morceaux, Justin a mentionné qu’il s’agissait de leur toute première fois aux « grosses Foufs« . Une nouvelle étape de franchie pour le groupe. La majorité du set était composée de pièces tirées de leur plus récent album, Désinvolte, paru en mai dernier. L’album est maintenant disponible en vinyle et en CD via leur Bandcamp ou directement lors de leurs spectacles.

En plus de l’une de mes chansons préférées, Oublié, nous avons eu droit à plusieurs titres de Désinvolte, dont Prédateur et Le vrai coupable. Conflit Majeur en a également profité pour nous faire entendre deux nouvelles compositions encore inédites, Ketamine et Gatorade/Antigel. Deux excellentes chansons qui laisseraient peut-être présager un EP ou album à venir. Voici justement Conflit Majeur qui performe Kétamine :

Le groupe a terminé son set plus rapidement que prévu, ce qui lui a laissé un peu de temps supplémentaire. Pour le plus grand plaisir des fans, ils nous ont joué des morceaux de leur premier EP avec Dépanneur Blowjob et Quel genre de Dieu.

Je l’ai déjà mentionné en parlant de Conflit Majeur, mais ça vaut la peine de le répéter, prenez le temps d’écouter leur musique, mais surtout, allez les voir en spectacle. Vous allez passer un excellent moment. Et n’hésitez pas à aller leur parler, ils sont vraiment sympathiques. Un spectacle de Conflit Majeur c’est un safe space où l’ouverture et la bienveillance dans le chaos prévalent. Je ne suis d’ailleurs pas le seul à avoir été conquis, Sam King et Ceschi de Codefendants n’avaient eux aussi que de bons mots pour le groupe même s’ils n’arrivaient pas à se souvenir du nom du groupe.

Codefendants

Lorsque Codefendants sont montés sur scène vers 21 h 40, il n’y avait pas de flafla. Le groupe se présentait en formule duo, composé de Sam King et Ceschi, ce dernier armé de sa guitare. Pas de Zeta ni de membres de Get Dead pour les accompagner cette fois, ce qui offrait une version assez différente que lors de leur passage en 2024, pendant la tournée finale de NOFX.

Sam King et Ceschi semblaient en forme, du moins au départ. Ils ont pris un moment pour dire à quel point ils étaient heureux d’être de retour à Montréal, rappelant qu’ils avaient adoré leur dernière visite, notamment avoir pris le temps d’explorer la ville à pied. Le spectacle s’est ensuite lancé avec Def Cons, et la foule n’a pas tardé à embarquer, les voix se sont élevées, les corps se sont déliés, et un premier pit s’est rapidement formé.

Le duo en a profité pour souligner la fête de leur directeur de tournée, Marcel, en lui offrant un Happy Birthday chanté avec la foule. Peut-être pas la performance la plus juste, mais certainement sincère. Fidèles à leur humour, ils ont aussi évoqué leur précédent passage en laissant entendre que l’un d’eux était possiblement sur l’acide. Une anecdote qui, sans surprise, donne une toute autre couleur à leurs souvenirs de la ville.

L’ambiance de la soirée était tout simplement exceptionnelle, probablement l’une des meilleures que j’ai vécues depuis un bon moment. Un mercredi soir où tout le monde était là pour décrocher et avoir du plaisir. Sam King et Ceschi se sont montrés particulièrement généreux, autant sur scène qu’après le spectacle. Ils ont pris le temps de rencontrer les fans, de prendre des photos, et Sam King est resté un bon quinze minutes à signer des autographes. Sur scène, il enchaînait cigarettes et joints, avec même un bartender personnel. Malgré un état visiblement avancé, il a tenu le coup jusqu’au bout, livrant la un bon spectacle et restant ensuite disponible pour le public.

Parmi les moments marquants, l’interprétation de Counting From 13 m’a particulièrement frappé. Entendre la foule chanter à l’unisson lors des passages clés donnait littéralement des frissons. Autre moment fort, la participation de Thesis Sahib sur Fast Ones. Son flow et son énergie ajoutaient une dimension supplémentaire à la chanson. Une collaboration parfaitement exécutée.

Impossible de parler de Codefendants sans aborder l’un des thèmes centraux du groupe, la prison. C’est d’ailleurs un séjour de 18 mois derrière les barreaux de Ceschi, qui a contribué à la formation du projet. Le sujet n’est jamais évité, et Sam King en a glissé quelques mots en introduction à Prison Camp. Une réalité peut-être plus visible aux États-Unis, où le système carcéral s’apparente souvent à une industrie. Sans tomber dans un long discours, le message est clair, les inégalités sont bien réelles, et ce sont souvent les plus vulnérables qui en paient le prix. Dans ce contexte, l’importance de la communauté, que ce soit autour de Codefendants ou au sein de la scène locale, prend tout son sens. Prendre soin les uns des autres devient essentiel.

Au total, Codefendants ont livré une performance d’une vingtaine de chansons, couvrant une bonne partie de leur répertoire. Nous avons également eu droit à quelques pièces de Get Dead interprétées par Sam King, ainsi qu’à deux morceaux du projet solo de Ceschi, dont l’excellente Say Something.

À les entendre, leur retour à Montréal pourrait survenir plus tôt que tard. D’ici là, le groupe lancera son nouvel album, Lifers, le 3 avril prochain. Vous pouvez obtenir la setlist complète ici.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour l’occasion, l’excellente formation Thick Glasses avait l’honneur d’assurer la première partie lors des deux représentations. En plus de Thick Glasses, le groupe Somet ouvrait la soirée du 12 mars, tandis que Caniche avait cette responsabilité le 13 mars. Comme la soirée affichait complet, nous sommes arrivés tôt afin d’obtenir une bonne place et de voir ce que les différents groupes avaient à offrir du côté de la marchandise.

Caniche

J’aime toujours faire de nouvelles découvertes, et ce fut le cas avec Caniche. Nous avions pris le temps d’écouter quelques chansons dans la voiture en nous rendant au spectacle, et cela nous avait déjà laissé une bonne impression.

À 20 h tapantes, la formation composée de Charles-Éric Lavoie (guitare et voix), Lou Brassard (guitare et voix), Jonathan Franken (basse), également membre de Charogne, et Laurent St-Pierre (batterie, en remplacement de Julien Daoust absent ce soir-là) est montée sur scène pour livrer une performance solide qui donne envie d’en entendre davantage.

Une bonne foule était déjà présente devant la scène. Lors d’une interaction avec le public, le groupe a souligné l’importance de soutenir la relève. Pour illustrer ce propos, ils ont enchaîné avec la chanson La Relève, une pièce qui se veut une satire avec des paroles comme : « J’haïs la relève / Sont toujours défoncés / Sont toujours pisseux ».

Ce fut un très bon début de soirée, et j’ai bien hâte de recroiser Caniche sur scène lors d’un prochain spectacle. Pour ceux qui comptent aller voir Vulgaires Machins durant leur tournée, je vous conseille d’arriver tôt pour attraper le groupe, qui assurera notamment la première partie le 20 mars à Chicoutimi, le 27 mars à Saint-Hyacinthe et le 28 mars à Granby.

Thick Glasses

La formation montréalaise Thick Glasses, qui se fait tranquillement un nom sur la scène punk et alternative de la métropole et de la province, était la suivante à monter sur scène. Si vous ne connaissez pas encore ce groupe, je n’hésite pas à dire qu’il a, selon moi, produit l’un des meilleurs albums de 2025 avec Dans l’abysse. Ce spectacle représentait donc une excellente occasion pour eux de faire découvrir leur musique à un public plus large qui serait peut-être passé à côté autrement.

Le groupe a principalement interprété des chansons tirées de ce plus récent album. Nous avons notamment eu droit à Mon Accalmie et Eliza, en plus de Mydriase et du désormais classique DOGO. Charles De Villiers, chanteur et guitariste du groupe, a pris un moment pour exprimer sa gratitude face à l’opportunité de jouer en première partie d’un groupe phare de la scène québécoise. On ne peut que lui répondre que cette place est amplement méritée.

Nous avons ensuite eu droit à ce que le groupe appelle le moment Fred Durst. Tous ceux qui portaient une casquette étaient invités à la mettre à l’envers et à se préparer à s’amuser comme si nous étions en 1999. Encore une excellente performance pour Thick Glasses, qui sera également présent au Pouzza Fest 14 cette année pour ceux qui y seront. Le groupe assurera aussi la première partie de Vulgaires Machins à Québec, ainsi que celle de Exterio le 24 avril à Drummondville.

Vulgaires Machins

Sans surprise, Vulgaires Machins a débuté son spectacle exactement comme leur plus récent album Contempler l’abîme, avec les pièces Terminé le fun et On Mani Padme Hum, avant d’enchaîner avec Être un comme. Le groupe a ensuite été accueilli par une ovation chaleureuse qui semblait sincèrement les toucher. Tous les membres du groupe paraissaient en grande forme pour cette seconde soirée montréalaise de la tournée. Ils étaient accompagnés de Lisa Iwanycki au clavier, un bel ajout.

Avant de poursuivre, Guillaume a lancé à la foule : « Chère Montréal, c’est à ton tour de te laisser parler d’amour et de chaos. »  Nous avons ensuite eu droit à Asile, OK et Vivre, tirées de l’album Disruption, ainsi qu’à On continue provenant du plus récent opus. On peut dire que ces chansons mettent effectivement en lumière le chaos qui sévit actuellement dans plusieurs secteurs de notre société. Le groupe a ensuite su nous donner des frissons en demandant notre participation à un classique du groupe. Au lieu de vous décrire le moment, je vous laisse l’écouter.

Un peu plus tard, le groupe a fait plaisir aux nostalgiques avec un medley de trois « vieilles, vieilles, vieilles chansons », comme l’a présenté Guillaume.

Les trois pièces tirées de 24.40 étaient La rue Déragon, Trinitrotoluène et Cocaïnomane. Cela faisait longtemps que je n’avais pas entendu ces chansons en spectacle. Il ne nous a manqué qu’une pièce de Regarde le monde pour couvrir l’ensemble de la discographie du groupe. Je me plains la bouche pleine, mais j’aurais volontiers pris Roméo et Yvette ou Fausse route.

Marie-Ève a ensuite pris la parole, disant espérer ne pas nous avoir trop « décrissés » avec leurs chansons qui parlent parfois de fin du monde. Je tiens à la rassurer : oui, les temps sont difficiles et il n’est pas toujours facile de garder le moral devant les inégalités qui se creusent entre les plus riches et la classe moyenne. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons ensemble, j’ose croire qu’il est encore possible de renverser certaines dynamiques injustes. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons tous ensemble, nous arriverons à renverser ou ébranler l’impérialisme en place. Ils se sont ensuite lancés dans une magnifique version acoustique d’Un peu plus fort, un moment particulièrement touchant de la soirée.

Tout au long du spectacle, la participation de la foule a été sollicitée ce qui ajoute à l’expérience.  À titre d’exemple, des « olé! olé! olé! » ont été lancés durant un intermède pendant Puits sans fond. La foule montréalaise, fan de hockey ou non, est toujours partante pour ce genre de moment. Avant d’entamer les dernières chansons, le groupe a pris le temps de remercier les membres de leur équipe. Il est important de souligner le travail de ces artisans de l’ombre qui rendent de telles soirées possibles, et j’ai pris soin d’en capter un extrait.

La performance de Vulgaires Machins avait débuté comme l’album Contempler l’abîme, et s’est terminée de la même façon en enchaînant Libérer la foudre, Faire sécession et Me croire seul à me croire inutile. Ces trois chansons forment un tout, et il aurait été difficile d’imaginer le spectacle se conclure autrement.

Un rappel avant de rentrer à la maison

Au grand plaisir de la foule, Vulgaires Machins est revenu sur scène pour un rappel de trois chansons. Le groupe a entamé ce segment avec L’effondrement qui vient. Nous avons eu droit à une grande surprise lorsque Jenny Salgado s’est jointe à eux sur scène. Voici une vidéo de ce moment :

Jenny Salgado a ensuite quitté la scène, et nous avons eu droit au classique Dieu se pique, durant lequel le groupe s’est permis un clin d’œil è un autre classique de la musique québécoise avec un extrait de Sous le vent de Garou et de la grande Céline.

La soirée s’est finalement conclue avec Et même si, offrant une finale à la hauteur de l’intensité du spectacle. Difficile d’en demander davantage pour un concert de Vulgaires Machins, des premières parties bien choisies, une scénographie simple mais efficace, et une généreuse setlist de 23 chansons qui a su satisfaire les fans de longue date ainsi que les nouveaux venus. Une soirée réussie, fidèle à la réputation du groupe.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour leur arrêt au Théâtre Fairmount, nous avons eu droit à trois premières parties : les formations montréalaises Faze et Béton Armé, ainsi que le groupe hardcore new-yorkais Combust. Une soirée diversifiée et intense s’annonçait. Dès notre arrivée sur place, l’ambiance était déjà à la fête et une bonne partie de la foule était arrivée tôt afin de ne rien manquer de la soirée.

Pour ceux que ça intéresse, il y avait également une excellente sélection de marchandise pour tous les groupes présents. Angel Du$t avait encore quelques copies exclusives de l’album, offertes lors du lancement qui avait eu lieu quelques jours auparavant. Une belle occasion pour ceux qui ne s’étaient pas encore procuré Cold 2 The Touch. Pour ma part, je suis reparti avec une casquette et un 7 pouces d’Angel Du$t, ainsi qu’un flexi de Béton Armé. Une fois les emplettes terminées et une bière à la main, il était 19 h et l’heure que le spectacle débute.

Faze

Le groupe montréalais Faze a lancé la soirée en force avec son mélange de punk, de hardcore et de noise. Alex, le chanteur, était en grande forme. Tout au long de la performance, il a occupé l’entièreté de la scène, se lançant d’un côté à l’autre dans des mouvements presque désarticulés et débordants d’énergie. Nous avons eu droit à un peu de trombone durant la performance, ce qui ajoute une touche particulièrement intéressante. Le commentaire que j’ai le plus entendu autour de moi est qu’on en aurait pris davantage. Le groupe a livré une excellente performance qui a su réchauffer la foule pour la suite de la soirée.

Pour ma part, j’ai découvert Faze grâce à ma copine, qui m’avait offert un 7 pouces du groupe après l’avoir vu en spectacle avec Béton Armé au Bâtiment 7. Le groupe a également fait paraître son plus récent album, Big Upsetter, en 2024. Si vous souhaitez les attraper en spectacle prochainement, ils assureront la première partie des concerts de Fucked Up à Montréal et à Ottawa les 14 et 15 mars, dans le cadre de la tournée du Zodiac.

Combust

Le groupe new-yorkais Combust fut le suivant à prendre la scène avec son New York Hardcore très classique. Si vous êtes amateurs de groupes comme Madball, Judge, Terror ou Mindforce, il y a de fortes chances que Combust vous plaise. J’avais déjà eu l’occasion de les voir en première partie de Drain le 6 juin 2023, et j’étais content de les revoir. Le groupe a lancé sa performance avec la pièce titre de son plus récent album, Belly of the Beast. Le chanteur, Andrew Vacante, a invité la foule à offrir ses meilleurs mouvements de danse, et le public n’a pas déçu.

Andrew a également pris plusieurs moments pour exprimer son amour de la scène hardcore. Il a tenu à rappeler un point important : « Le hardcore est une culture, pas seulement une vidéo ou une publication sur les réseaux sociaux ». Le groupe a principalement puisé dans son plus récent album, tout en glissant quelques morceaux tirés de Another Life, paru en 2022. Au final, Combust a livré une bonne performance, confirmant qu’il s’agit d’un groupe qui se taille une place dans la scène hardcore new-yorkaise.

Béton Armé

Le groupe montréalais Béton Armé n’a plus vraiment besoin de présentation et était grandement attendu par la foule présente. J’étais d’ailleurs accompagné de personnes qui avaient acheté leur billet principalement pour voir Béton Armé et qui ne connaissaient même pas Angel Du$t. Le groupe entamait ce soir-là une tournée d’environ un mois qui les mènera notamment à Long Island, Austin, Phoenix et Los Angeles, avant de conclure le tout le 4 avril à Ottawa. Si vous êtes dans la région de la capitale nationale, c’est une occasion à ne pas manquer.

Danick et le reste du groupe semblaient en grande forme et visiblement heureux d’être à Montréal pour lancer cette tournée. Avant même de commencer la première pièce, il a demandé à la foule de se comprimer un peu devant la scène, puis le groupe a lancé le spectacle. Nous avons même eu droit à une nouvelle chanson qui, si j’ai bien compris, s’intitule Victoire. Pour présenter la pièce Au bord du gouffre, Danick a expliqué l’avoir écrite pendant une période difficile de sa vie. Il a toutefois ajouté que cela faisait maintenant deux ans qu’il était sobre et il en profitait pour faire un shout-out à tous les dépendants sur place.

Danick a également parlé de son amour pour Montréal et de sa fierté envers la scène musicale locale. Selon lui, lorsque le groupe est en tournée, il prend toujours le temps d’en parler. Et il y a effectivement de quoi être fier de la façon dont il représente la scène montréalaise à l’étranger. Le groupe a interprété plusieurs chansons, dont Montréal, tirée de leur dernier album, ainsi que Coup de foudre de leur plus récent EP.

Bien sûr, un spectacle de Béton Armé ne serait pas complet sans l’hymne qu’est L’union fait la force. Pour introduire cette dernière, Danick a tenu à lancer un message clair, « Fuck l’impérialisme, fuck les États–Unis et fuck Israël et libérons l’Iran et la Palestine ». Pendant la chanson, la foule a chanté en cœur et Danick a fait du body surfing. Malheureusement, le micro a décidé de rendre l’âme. Mais cela n’a pas eu d’impact sur l’énergie de la performance ni le plaisir de la foule

Angel Du$t

La première chose qui saute aux yeux et qui change immédiatement l’ambiance est qu’Angel Du$t est le premier groupe de la soirée à utiliser l’écran situé à l’arrière de la scène. Rien d’extravagant. Simplement le nom du groupe ANGEL DU$T, affiché en lettres majuscules clignotantes, rapidement par moments, laissant apparaître brièvement le texte MONEY FUCK.

Le chanteur Justice Tripp est monté sur scène vêtu d’un manteau, de gants et de lunettes légèrement teintées. Le groupe a ouvert le spectacle avec la pièce DU$T, qui débute de façon plutôt vaporeuse, laissant le temps à tout le monde de se placer avant une montée graduelle vers la seconde moitié de la chanson. Celle-ci s’enclenche lorsque Justice cri « I got a gun in my hand! ». La deuxième partie du morceau met de l’avant les sonorités hardcore qui colorent par moments la musique d’Angel Du$t.

Même si la formation actuelle ne compte plus que Justice Tripp comme membre original, le groupe a tout de même revisité l’ensemble de sa discographie. Nous avons notamment eu droit à Take My Love et Stepping Stone, tirées de leur premier album A.D., ainsi qu’à On My Way, provenant de Pretty Buff paru en 2019. Le groupe a couvert une bonne partie de son catalogue, en mettant particulièrement l’accent sur Brand New Soul, prédécesseur du plus récent Cold 2 The Touch.

Angel Du$t a livré une performance solide, enchaînant 19 chansons en plus ou moins une heure. La chaleur dans la salle a finalement eu raison de Justice, qui a retiré son manteau avant d’interpréter Pain Is A Must, mais en conservant ses gants. On imagine facilement à quel point ça devait être humide là-dedans. Certaines de ses interventions entre les chansons étaient minimales, mais cela semble faire partie du personnage. Vers la fin du concert, il a fait l’éloge du rock et a demandé à la foule de lever la main avec le signe du rock’n’roll, avant que le groupe n’enchaîne avec Turn Off the Guitar.

C’était ma première occasion de voir Angel Du$t en spectacle, et j’ai passé un excellent moment. La plupart du temps, les regards sont naturellement attirés par Justice Tripp. Mais j’ai aussi beaucoup apprécié le style du bassiste Zechariah Ghostribe, qui jouait presque toujours tourné vers la gauche de la scène, donc dos au chanteur et rarement face au public. Malgré cela, j’ai bien aimé son groove. Si vous avez malheureusement manqué le passage d’Angel Du$t à Montréal, ne vous inquiétez pas. Le groupe a depuis été ajouté à la longue liste de groupes qui participeront au Vans Warped Tour à Montréal en août prochain.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Valérie Lapierre

Révision : Marie-Eve Landry

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L’année 2025 a été particulière à bien des niveaux. Sur le plan personnel, ça été une année assez difficile, mais l’important, c’est que j’ai pris le temps nécessaire pour me recentrer. Je termine l’année sur une note positive, et 2026 ne peut qu’être mieux.

On ne se cachera pas que le monde n’est pas à son meilleur en ce moment. Heureusement, pour les amateurs de musique, l’année a été exceptionnelle. Nous avons eu droit à un grand nombre de sorties d’albums de qualité, le Vans Warped Tour a annoncé son retour à Montréal en 2026, et les shows extérieurs ont finalement repris au Pouzza Fest.

Déjà, 2026 s’annonce prometteuse avec de nouvelles sorties attendues de groupes comme Angel Du$t, Joyce Manor, Tigers Jaw et Mariachi El Bronx. Côté concerts, l’année sera tout aussi chargée : Angel Du$t, Spiritual Cramp, Rise Against, Amyl and the Sniffers, Lambrini Girls et Vulgaires Machins ont déjà confirmé leur passage, sans oublier la 14e édition du Pouzza Fest.

Mais avant de plonger dans l’année qui vient, prenons le temps de revenir sur les albums qui m’ont marqué en 2025.

Top 20 des albums

20 – Kerosene Heights – Blame It On Weather

Le groupe est originaire d’Asheville, en Caroline du Nord. La région a été frappée par l’ouragan Hélène en 2024, et cet événement colore l’ambiance et les paroles de cet album. Le son emo-punk devrait particulièrement plaire aux fans de groupes comme Hot Mulligan et Joyce Manor, notamment sur la pièce Forget It. Kerosene Heights sera présent au Pouzza Fest 14.

Date de sortie : 15 août

19 – The Dirty Nil – The Lash

La formation ontarienne a sorti cette année son cinquième album studio. Depuis sa création, le groupe a toujours su produire de la musique de grande qualité. Je comprends ce qu’il a tenté avec ce nouvel album et j’ai pris plaisir à l’écouter. Cela dit, il n’atteint pas le niveau de Fuck Art et Free Rein to Passions, que je considère toujours comme ses meilleurs albums à ce jour.

Date de sortie : 25 juillet

18 – Spite House – Desertion

Ce groupe montréalais est de retour avec son second album, après l’excellent album éponyme sorti en 2022. Signé sous l’étiquette Pure Noise, le groupe livre un disque puissant, explorant la perte et le deuil dans un style mêlant post-hardcore et emo.

Date de sortie : 12 septembre

17 – Béton Armé – Renaissance

Le groupe montréalais a fait beaucoup de bruit dans les dernières années et a enfin sorti son très attendu premier album. Il y a une résurgence du Oi! dans les dernières années et Béton Armé est ce qui se fait de mieux dans le style en ce moment. Si vous aimez le groupe et que vous n’avez pas eu la chance de le voir en spectacle, qu’attendez-vous!

Date de sortie : 13 juin

16 – Dogo Suicide – Tristesse Lucrative

La formation de Québec est de retour après son EP Apologie du menteur, paru en 2024 et très bien reçu sur la scène locale. Son nouvel album propose un mélange audacieux de rock, punk, grunge, parfois hardcore et presque metal. Un cocktail qui fonctionne à merveille et donne naissance à un excellent album.

Si vous êtes fan de Thick Glasses, je vous recommande grandement de prendre le temps d’écouter Dogo Suicide.

Date de sortie : 7 novembre

15 – Burnt Tapes – New Lungs

Les membres de Burnt Tapes, originaires de Londres, ont sorti cette année leur second LP. J’avais adoré l’EP Grower, paru en 2020, et j’attendais la suite avec impatience. Un excellent punk mélodique qui ne réinvente pas la roue, mais qui est terriblement efficace.

Date de sortie : 8 août

14 – La Dispute – No One Was Driving The Car

La formation est enfin de retour, six ans après la parution de son précédent album, Panorama. Le titre du nouvel album s’inspire d’un accident impliquant une Tesla, survenu en 2021 et ayant coûté la vie à deux personnes. La plume de Jordan Dreyer reste toujours aussi excellente, avec des paroles à la fois acerbes et touchantes tout au long de l’heure et quatre minutes que dure cet album.

Date de sortie : 5 septembre

13 – Snõõper – Worldwide

Snõõper est un groupe de egg-punk, un style que j’ai découvert en cherchant sur le groupe. Le egg-punk est décrit comme des enregistrements lo-fi avec un ton sarcastique. L’influence principale de ce style est la new wave. Résultat, une musique énergique, parfaite pour faire du sport ou tout simplement se défouler.

Date de sortie : 3 octobre

12 – Militarie Gun – God Save the Gun

Militarie Gun est de retour en force, et le groupe est déterminé à marquer la scène et prendre sa place. Avec une année chargée en sorties d’albums, cet album mériterait sans doute de se retrouver plus haut dans la liste. Plein d’énergie, il vous captivera tout en restant profondément émotionnel. Ian Shelton s’y ouvre avec sincérité sur God Save the Gun.

Date de sortie : 17 octobre

11 – Conflit Majeur – Désinvolte

Ça fait un certain temps que ce jeune groupe fait du bruit sur la scène. Ceux qui ont eu la chance de le voir en spectacle sont unanimes, il est incroyablement talentueux. C’est vraiment encourageant de voir une relève aussi prometteuse. On remarque déjà une nette amélioration dans l’écriture, et je ne doute pas que la tendance se poursuivra. Un punk-hardcore engagé qui fait un bien fou!

Date de sortie : 6 mai

10 – Thrice – Horizons/West

Après Horizons/East en 2021, le groupe est de retour avec Horizons/West. Thrice continue d’évoluer dans sa sonorité, tout en laissant filtrer des bribes de son passé sur cet album. Je sais que certains ont décroché après The Artist in the Ambulance, mais à mon avis, Horizons/West figure parmi ses meilleurs albums depuis cette époque.

Date de sortie : 3 octobre

9 – End It – Wrong Side of Heaven

La formation de Baltimore livre enfin son premier album après plusieurs EPs, et l’attente en valait la peine. J’adore la voix d’Akil, qui passe la majorité du temps à crier, mais qui démontre à quel point il peut aussi bien chanter sur la reprise de Could You Love Me? de Maximum Penalty.

Date de sortie : 29 août

8 – Spiritual Cramp – Rude

J’avais découvert son premier album sur le tard après l’avoir vu en première partie de Militarie Gun l’an dernier. L’avoir découvert en 2023 à sa sortie, il aurait trouvé place dans mon top de l’année. Il a répété le coup cette année et encore mieux cette fois-ci avec Rude. Une musique de party qui donne envie d’avoir du fun.

Date de sortie : 24 octobre

7- Thick Glasses – Dans l’abysse

On a l’impression que ça fait une éternité que le groupe montréalais a sorti Dans l’abysse, mais il est pourtant paru au tout début de l’année. C’est un excellent album qui tourne encore régulièrement à la maison.

Si vous aimez un son moderne qui puise par moments dans le nu metal de la fin des années 90, ne cherchez pas plus loin, cet album est exactement ce qu’il vous faut.

Date de sortie : 7 février

6 – Drain – …Is Your Friend

Le groupe de Santa Cruz est de retour avec son hardcore joyeux sur …Is Your Friend. Drain prend le hardcore new-yorkais qui se veut souvent fâché et parfois hargneux et le transforme en quelque chose d’énergisant et tout simplement amusant.

Quand on connaît l’ambiance complètement euphorique de ses spectacles, impossible de ne pas sourire en écoutant ce nouvel album. Drain réussit encore une fois à faire rimer intensité et bonne humeur.

Date de sortie : 7 novembre

5 – Lambrini Girls – Who Let the Dogs Out

Ce groupe de Brighton, au Royaume-Uni, a lancé l’année en force en nous offrant son tout premier album. On y retrouve un punk fâché aux accents politiques. Le son rappelle celui d’Amyl and the Sniffers, et s’inspire des débuts du punk anglais de la fin des années 70.

Lambrini Girls a récemment annoncé une tournée et sera de passage à Montréal le 27 avril au Théâtre Beanfield. En espérant de vous y voir!

Date de sortie : 10 janvier

4 – Vulgaires Machins – Contempler l’abîme

Vulgaires Machins s’est associé à l’Orchestre symphonique de Budapest pour créer un album qui s’impose comme l’un des meilleurs du groupe. Vulgaires Machins reste fidèle à sa tradition de critique sociale et ce n’est pas toujours joyeux, mais c’est nécessaire, frontal et terriblement pertinent.

Pour en savoir plus sur Contempler l’abîme, je vous invite à lire ma critique complète ici.

Date de sortie : 14 novembre

3 – Home Front – Watch It Die

Le groupe est de retour avec un nouvel album qui était très attendu et disons-le, l’attente en valait grandement la peine. Il livre un album à la hauteur des attentes, porté par un mélange de punk, de new wave et, par moments, de touches gothiques. Un mélange qui sonne comme de la bombe.

Home Front fait d’ailleurs partie des groupes déjà annoncés pour le Pouzza Fest, et sa performance est à ne pas manquer pour cette 14e édition du festival.

Date de sortie : 14 novembre

2 – Upchuck – I’m Nice Now

Si vous êtes fans d’Amyl and the Sniffers, vous devez absolument écouter Upchuck. Jusqu’à récemment, le groupe n’était même pas sur mon radar, mais quelle découverte. Son nouvel album est brut, incisif et aborde des thèmes politiques forts, que ce soit la lutte contre le racisme ou la pression sociale.

Le vocal de Kaila “KT” Thompson est impeccable du début à la fin, et l’ajout de Chris Salado à la voix sur deux pièces apporte un twist vraiment intéressant qui enrichit le tout.

Date de sortie : 3 octobre

1 – Turnstile – Never Enough

Je réfléchis encore à l’idée d’écrire un texte complet sur l’impact que cet album a eu sur moi, mais une chose est certaine, il m’a accompagné tout au long d’une année particulièrement difficile. Ma santé mentale a pris un sérieux coup, au point où j’ai dû arrêter, prendre du recul et apprendre à prendre soin de moi.

Cet album est arrivé exactement au bon moment. Il a su mettre des mots sur ce que je vivais, et m’a offert un espace où respirer un peu. Parmi toutes les pièces, Sunshower occupe une place spéciale : elle a tourné en boucle et m’a aidé à simplement me lever, avancer et traverser mes journées.

Au-delà de son impact personnel, les actions du groupe au fil de l’année n’ont fait qu’amplifier mon attachement envers lui et envers Never Enough. Et si vous n’avez pas encore vu le film qui accompagne l’album, je vous le recommande fortement. Il ajoute une dimension supplémentaire à une œuvre déjà puissante.

Date de sortie : 6 juin

Top 10 EPs/singles

10 – PACE – Maze

La scène locale produit d’excellents bands depuis quelques années, et PACE est certainement l’un des plus prometteurs. Il revient pour une deuxième année consécutive avec un tout nouvel EP. On y retrouve un punk mélodique solide qui saura plaire à tous les amateurs du genre.

Date de sortie : 4 avril

9 – Rosemary Nods Upon the Grave – EP 1

Ce groupe de Savannah, en Géorgie, a lancé en début d’année son premier EP. Il décrit lui-même son style comme du hardcore emo. Le son rappelle le screamo du début des années 2000, avec un clin d’œil à Misfits et Danzig dans la pièce I Remember Halloween.

Date de sortie : 14 janvier

8 – Customer Service – If You’re Here, You Must Be Fine

Sur ce nouvel EP, le groupe emo d’Halifax aborde des thèmes comme l’amour, la perte et l’amitié. Il a sorti deux EPs en deux ans. Espérons que nous aurons ensuite droit à un album comme prochaine étape pour Customer Service.

Date de sortie : 31 octobre

7 – Avem – Graham Cracker

Ce groupe pop-punk vient du sud de l’Ontario. Sa thématique principale? Les oiseaux. J’avoue que j’avais peur que ça devienne redondant, mais au contraire, c’est bien exécuté et très amusant.

Date de sortie : 15 juin

6 – Nothing Wrong – Courage

Je suis tombé par hasard sur ce groupe de Philadelphie et j’ai immédiatement accroché à ce son. Ce groupe punk-emo a sorti son premier EP cette année, après avoir publié uniquement un album de démos en 2019. On sent rapidement qu’il a trouvé son identité durant les six années qui séparent ces deux sorties.

Date de sortie : 3 octobre

5 – Commitment – Demo

Commitment est un nouveau groupe de Philadelphie composé de membres de Soul Glo et Eye Flys, avec Le Siren à la voix. Un hardcore qui frappe fort, six chansons pour un peu plus de sept minutes. Un groupe très prometteur signé chez Get Better Records. On peut certainement s’attendre à un album en 2026.

Date de sortie : 6 avril

4 – Problem Patterns – Boring Songs For Boring People

Problem Patterns avait fait forte impression avec son premier album Blouse Club en 2023, qui lui avait valu le Northern Ireland Music Prize. La formation est de retour avec un EP cette année, et elle ne ralentit pas. Un EP qui oscille entre rage, humour et pur plaisir.

Date de sortie : 12 septembre

3 – SCUZE! – Contents d’être là

Comme il aime le répéter, SCUZE!, « c’est de la musique normale, sans plus ». Mais en réalité, c’est bien plus que ça, c’est du pur plaisir. Autant à l’écoute de son premier EP qu’en spectacle. Sa reprise de Dans la rue de Michel Polnareff a tourné en boucle chez nous (Bip bip!). Je vous invite d’ailleurs à lire ma critique de son spectacle en première partie de Maxime Gervais et les Petits Trous de Balle.

Date de sortie : 13 mars

2 – Blurry Eyes – Care

Le groupe montréalais composé de membres de The Sainte-Catherines nous a offert un nouvel EP qui a fait beaucoup parler sur la scène locale. Je n’en ai entendu que du bien. Un mélange de punk, d’emo et de new wave. Après avoir écouté cet EP, on ne peut que vouloir en entendre davantage.

Date de sortie : 20 avril

1 – Initiate – Too Much

Ce groupe originaire d’Orange County, en Californie, n’a sorti qu’une seule chanson cette année, mais quelle chanson. Une pièce chargée d’émotion, qui donne envie de crier de toutes ses forces avec la vocaliste Crystal Pak. On retrouve le son auquel le groupe nous avait habitués sur Cerebral Circus, mais avec une touche shoegaze et une dose émotionnelle encore plus marquée.

Date de sortie : 14 janvier

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Valérie Lapierre

Révision : Marie-Eve Landry

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La soirée s’annonçait très agréable. Seulement deux groupes à l’affiche. Ce n’est pas que j’aie quoi que ce soit contre les line-ups plus chargés qui permettent parfois de belles découvertes, mais un programme plus léger, ça fait du bien parfois. Nous sommes arrivés juste à temps pour le début du spectacle, et la salle était déjà bien remplie. Ça annonçait un excellent show.

Babe Haven

J’avais pris le temps d’écouter rapidement ce que le groupe proposait. Très vite, j’étais aussi excité de le voir que de voir Die Spitz. La formation est originaire de Boone, en Caroline du Nord. Le son du groupe est un mélange explosif de riot grrrl et de métal. Sa biographie Spotify est d’ailleurs sans détour : “gay and aggressive!”. Cela se reflète sur sa marchandise avec le t-shirt sur lequel est inscrit : I Turned Gay At A Babe Haven Show. Son énergie est contagieuse, et la foule en a eu pour son argent.

Le groupe a surtout joué des chansons de son plus récent album Nuisance (2024), dont la pièce-titre, ainsi que Gas Pedal, Die (and Rot) et Can’t Call This Cat. Cette dernière, qui a conclu la performance, dénonce ceux qui, encore en 2025, se livrent au cat calling. Avant d’entamer la chanson, la chanteuse Lillie Della Penna a demandé à la foule qui avait déjà été victime de cat call ou connaissait quelqu’un qui l’avait été. Sans surprise, presque toute la salle a réagi. Difficile de rester indifférent devant un tel message.

En introduisant une nouvelle chanson intitulée Big Trouble, le groupe a évoqué le climat politique tendu aux États-Unis, affirmant que si les autorités cherchent le trouble, elles finiront par le trouver. À un autre moment, en présentant Kung Pow, Naomi Poesel a parlé des difficultés auxquelles font face les personnes racisées en ce moment aux États-Unis. Étant elle-même une Américaine d’origine asiatique, la situation l’inquiète. Son intervention s’est conclue par un retentissant “Fuck ICE” qui a suscité l’appui de la foule. Babe Haven a livré une performance inspirante, puissante et engagée. Une prestation qui donne envie de suivre attentivement ce que la formation fera ensuite. Je vous recommande chaudement une écoute : Kung Pow, pour son côté punk/riot grrrl, et Gas Pedal, pour le son plus metal.

Die Spitz

Nous étions déjà rendus à l’acte principal avec Die Spitz. Le groupe d’Austin, au Texas, est présentement en tournée pour promouvoir son premier et plus récent album, Something To Consume, paru le 12 septembre. La formation avait déjà attiré l’attention deux ans plus tôt avec la sortie de Teeth. Décrire son style n’est pas simple, mais Die Spitz navigue dans différents styles musicaux. On retrouve principalement un son grunge, teinté de punk, de hardcore, de metal et même d’une touche de shoegaze.

Le groupe a lancé sa performance avec I Hate When GIRLS Die, un single de 2024 qui semble faire référence à une publication de Young Thug datant de 2017. Malgré quelques recherches, je n’ai pas trouvé d’explication plus précise à ce sujet. Ensuite, pour introduire My Hot Piss, Ellie a expliqué vouloir utiliser la plateforme du groupe pour en défendre les valeurs. Elle a souligné l’importance de soutenir le mouvement Free Palestine et, tout comme Babe Haven plus tôt, le public a eu droit à un“Fuck ICE!”.

Lors d’une intervention, Ava a confié avoir attrapé un rhume et ne pas être à 100 %. Mais honnêtement, cela ne s’est aucunement reflété dans la performance. Pendant la chanson Grip, le groupe a demandé à la foule de se diviser en deux, offrant un mini wall of death. Plus tard, lors d’Evangeline, Ellie s’est retrouvée dans la foule ainsi que sur le bar à chanter. Die Spitz a offert une prestation empreinte d’énergie. Les membres du groupe occupaient parfaitement la scène et, par moment, la salle entière.

Pour le rappel, le groupe a demandé que seules les filles viennent à l’avant, un geste tout à fait cohérent avec le message qu’il porte. Il a ensuite livré un rappel de quatre pièces, dont RIDING WITH MY GIRLS et Hair of Dog. Je n’avais pas d’attentes particulières pour ce spectacle, mais j’ai été agréablement surpris et j’ai passé une belle soirée.

Si vous ne connaissez pas encore Die Spitz, je vous invite fortement à une écoute, surtout les pièces Pop Punk Anthem (Sorry for the Delay), Hair of Dog et Groping Dogs Gushing Blood.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Valérie Lapierre

Révision : Julie Fortin

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Le spectacle avait lieu au Cabaret des Foufounes Électriques. Ça faisait longtemps que je n’avais pas vu un show dans cette salle en plein hiver, et j’avais complètement oublié à quel point ça peut être frette. J’avais d’abord laissé ma veste avec mon manteau au vestiaire, mais je suis finalement retourné la chercher tellement il faisait froid dans la salle. Heureusement, si la température était glaciale, l’ambiance, elle, était tout le contraire. Le monde était arrivé tôt pour ne rien manquer, remplissant rapidement la salle d’une foule enthousiaste.

Le post punk parfois prog et parfois un peu stoner de Videoville

La soirée a été lancée par Videoville. Le groupe, composé de Chen Video (guitare), Jo Video (batterie) et Nico Video (basse), a sorti son plus récent album, POST BURNOUT, le 12 septembre dernier. Avant d’entamer le spectacle, Nico a demandé à la foule de s’avancer « pour qu’on se voit dans les yeux, comme quand on fait l’amour », une phrase qui a déclenché les rires et qui a immédiatement fait bouger le public vers l’avant.

Pour accompagner leur performance, un montage vidéo défilait derrière eux, alternant entre extraits de vieilles séries télé, films obscurs et autres archives. À un certain moment, j’ai cru reconnaître, entre autres, un jeune Jean-Marc Parent, Ginette Reno et Jean-Luc Mongrain. Le montage était sans doute l’œuvre de Chen Video, ressemblant à son univers visuel. Si vous aimez les vieilles archives récupérées et habilement réassemblées, je vous recommande fortement de le suivre sur Instagram et d’aller jeter un œil à son Patreon.

Le groupe est uniquement instrumental, ce qui apporte une dimension complètement différente à leur proposition. Nous avons discuté avec Nico Video à la table de merch avant le spectacle, et il nous a expliqué que cela était un heureux hasard. Ils avaient cherché un chanteur ou une chanteuse, mais comme leur premier show est arrivé avant qu’ils ne trouvent quelqu’un, ils ont décidé de continuer sans chanteur. Je crois que c’est un excellent choix, étant donné que ça donne à leur musique une ambiance cinématographique et que ça laisse à chacun la liberté d’imaginer sa propre histoire.

Videoville a bien lancé la soirée. J’ai beaucoup apprécié leurs interactions avec la foule et leur présence sur scène. Nous avons eu droit à quelques pièces du nouvel album, dont « Doom Desjardins » et « Meet Cute dans les estrades de relevez le défi », ainsi qu’à des titres plus anciens comme « 2019 Après la chute de New York » et « Commandant Cobra ». J’adore leurs titres de chansons, c’est créatif. Si vous ne connaissez pas encore Videoville, je vous invite vraiment à aller les écouter. Je suis convaincu que vous serez agréablement surpris.

La musique normale de SCUZE!

La formation SCUZE! est composée de Ken (basse) et François (guitare), accompagnés pour l’occasion d’une « cheffe d’orchestre », Mika, qui se chargeait de lancer les pistes de batterie. Le groupe a lancé son premier EP, « Contents d’être là », le 13 mars dernier. Pour l’intro, on a eu droit à une vidéo montrant Ken et François courant à travers la ville en shorts et t-shirt blanc depuis Hochelaga jusqu’aux Foufs, avant d’arriver en courant sur scène pour entamer le spectacle avec la pièce « Contents d’être là ». Une entrée en matière très réussie. Ken a ensuite présenté le groupe en expliquant, avec humour, qu’ils font de la « musique normale », un peu comme un phare dans la nuit, comme un band normal et comme un homme qui joue avec son chien à Longueuil.

Comme Videoville avant eux, SCUZE! a intégré de la projection vidéo pour enrichir le spectacle. La chimie entre Ken et François était excellente tout au long de la performance, et leur complicité a contribué à faire participer la foule, qui a bien répondu. Après leur reprise de « Dans la rue » de Michel Polnareff, Ken a lancé : « Est-ce que le ska existe encore? ». Ils ont alors entamé un début de morceau ska et ont demandé au public de continuer à skanker même lorsque la musique s’arrêterait. La foule a embarqué, créant un moment aussi absurde que drôle.

Le groupe a ensuite enchaîné avec « J’ai vu Jésus au centre d’achat », suivie d’une courte chanson en hommage à Videoville. Lors de la pièce « Mange Marde », Ken a fait référence à la nouvelle mairesse, qui a récemment affirmé que Montréal devait agir « comme un promoteur ». Le groupe a décidé de suivre ce conseil en offrant la possibilité de faire afficher une commandite pendant cette chanson lors de leur prochain spectacle.

Ils ont poursuivi avec des pièces de leur EP, dont « Le Corbeau du cimetière » et « Hey Marjane! », ainsi que quelques nouvelles compositions comme « Miroir » et « Sexe sans saveur ». Pendant cette dernière, des images rappelant les fiches diffusées lors de l’émission Télé-Rencontres défilaient à l’écran, ajoutant une touche humoristique bien appréciée. Bref, la prestation de SCUZE! a été du gros fun du début à la fin.

Nous sommes les figurants de Maxime Gervais et les Petits Trous de Balle

Le moment était venu d’accueillir sur scène le clou de la soirée, déjà haute en couleurs jusqu’à maintenant. Le groupe est composé de Maxime Gervais (voix), du bédéiste Jeik Dion (basse), de Sébastien Pilon de Capable! (guitare), de Valérie Lachance Guillemette, alias Saxy Val (saxophone), de Jean-Simon Tessier (clavier) et de Christophe Rosset-Balcer du Papillon Social Club (batterie). Une sorte de super-groupe assemblé pour notre plus grand plaisir. La formule du groupe existe depuis près d’un an et demi. J’avais eu la chance d’assister à leur tout premier spectacle au Quai des Brumes en juillet 2024. Ce premier concert était excellent, mais on voit rapidement que, depuis, la chimie s’est solidifiée.

Tout le monde était habillé chic pour l’occasion, et je me dois de souligner la sublime chemise à flammes de Saxy Val, j’en suis jaloux. Le groupe a ouvert avec « 18 manteaux de fourrure », tirée du plus récent album Torse Nu. À la fin de la pièce, Maxime s’est adressé à la foule : «Mes bébés, approchez que je vous donne le sein. »  Cela a eu l’effet souhaité. La chanson suivante, « Ton chien hait les hommes », dégage un petit quelque chose qui ressemble au groupe Misfits, une excellente pièce plus punk.

Pour introduire la chanson « Nos assiettes sont pleines de tristesse », Maxime a tenu à préciser que le groupe est « de gauche radicale », et que la preuve est que Christophe a gagné un GAMIQ pour meilleur album de jazz. Le groupe a multiplié les spectacles depuis sa création dont un sur la scène extérieure du Pouzza Fest en 2025, mais celui-ci était leur première présence aux Foufs. Le groupe oui, mais pas Sébastien, qui n’a pas manqué de le rappeler à Maxime à la blague.

Nous avons ensuite eu droit à une nouvelle chanson parlant de faire du mush au Parc Lalancette. Il s’agit de la première composition originale depuis la formation des Petits Trous de Balle, et c’est un morceau prometteur qui donne hâte d’en entendre davantage. Le groupe a poursuivi avec le classique « La balade du figurant », puis avec la pièce-titre du dernier album de Maxime, Torse Nu. Pour la chanson « Jeux Vidéo », Sébastien a laissé sa place à une fille nommée Marie, qui apparemment ne connaissait pas la chanson, seulement les accords. Marie s’en est néanmoins très bien tirée. Sébastien a d’ailleurs lancé une invitation à ceux qui voudraient le remplacer pour une chanson lors d’un prochain spectacle.

Nous avons eu droit à un excellent spectacle du début à la fin. Les trois groupes ont réussi à mettre de la chaleur dans cette froide soirée de début décembre. Un gros merci à Ken pour avoir organisé cette soirée.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Le 18 septembre dernier, nous apprenions que Vulgaires Machins allait présenter un nouvel album le 14 novembre, intitulé Contempler l’abîme. Une excellente nouvelle pour conclure cette année qui, avouons-le, a été particulièrement singulière à plusieurs niveaux. Les sujets de société ne manquent pas pour nourrir l’inspiration de Guillaume Beauregard (guitare et voix), Marie-Ève Roy (guitare, voix et piano), Maxime Beauregard (basse) et Pat Sayers (batterie).

Pour ce nouvel opus, le groupe s’est une fois de plus associé à Gus Van Go, collaborateur fidèle depuis l’album Compter les corps. Ils ont également travaillé avec l’orchestre symphonique de Budapest pour les parties orchestrales de l’album. Quant à la pochette, la photo de couverture est l’œuvre de Renaud Philippe. J’adore ce qu’apporte cette image. Elle traduit bien les messages véhiculés dans l’album. On y voit un conducteur en train de faire le signe du diable dans un nuage de fumée. L’interprétation est libre, mais j’y perçois un sentiment d’abandon, on se dit : « À quoi bon tous ces efforts, je brûle de l’essence et des pneus, et fuck it ! »

Première partie

L’album débute avec Terminé le fun. La pièce commence avec voix et guitare, auxquelles s’ajoutent progressivement le piano et l’orchestre en crescendo, avant de laisser place au groupe. J’adore la structure de cette chanson. L’introduction cède ensuite la place à un son plus classique, fidèle à ce que Vulgaires Machins nous a habitué, avant de se conclure à nouveau au piano accompagné de l’orchestre. Un seul mot me vient à l’esprit en l’écoutant : épique. Cette chanson me donne des frissons.

D’un côté, elle m’emplit d’espoir, car elle me rappelle que je ne suis pas seul à constater ce monde en désarroi, mais elle nourrit mon angoisse face à la situation actuelle. Elle dépeint un monde largement détruit par l’homme, dans lequel nous tentons malgré tout de garder espoir, même après avoir franchi un certain point de non-retour. Un monde rempli d’injustices et d’horreurs, dans lequel nous avons l’impression d’être dans « une salle d’attente de fin du monde », comme le chantent Guillaume et Marie-Ève. La chanson se conclut par une citation de Bernard Stiegler.

L’album se poursuit avec Om Mani Padme Hum, un mantra bouddhiste signifiant « le joyau dans le lotus », symbole de l’union de la compassion (le lotus) et de la sagesse (le joyau). Une sonorité plus classique que ce que nous a habitué Vulgaires Machins dans le passé. Cette chanson est une continuité de Terminé le fun. Le thème abordé est à nouveau celui de la fin ; la fin du drame, d’une époque, du futur, du punk et plus encore. Mais le véritable message n’est pas tant la fin que la prise de conscience. Le monde tel que nous l’avons connu n’est plus viable. Il est nécessaire d’agir face aux changements qui s’opèrent actuellement.

On enchaîne avec Travail à la chaîne, qui adopte une sonorité rétro, un peu « années 70 ». La chanson est plus calme, mais s’intègre parfaitement dans le flow de l’album. À travers ses paroles, on ressent le poids du travail comme un boulet qui nous brise et nous déshumanise, laissant le travailleur prisonnier, abattu, sans joie.

L’Effondrement, sur laquelle collabore Jenny alias J. Kyll Salgado, est probablement l’une de mes pièces préférées. Le groupe explore de nouvelles sonorités, et la voix de Jenny renforce le message véhiculé. On parle de la société, à la solde de nos gouvernements qui tentent de façonner la pensée collective, mettant en avant les riches pour faire rêver, tandis que nous, la plèbe, tentons de survivre dans une fausse démocratie. Dans On continue, la mélodie et le ton est plus joyeux, mais le message reste sombre, dénonçant les maux qui sévissent dans notre société. Mais au final, « On lâche pas la gang ! On continue ! » nous chante ironiquement le groupe. La pièce Encore le soleil pour quelques heures sert d’interlude, nous offrant un moment pour souffler avant la seconde moitié de l’album.

Deuxième partie

Cette deuxième partie débute avec Tout recommence, aux sonorités new wave, faisant écho à l’album Disruption. Les paroles explorent les pensées intrusives qui tournent en boucle dans notre esprit et qui nous guident au quotidien. Avalanche poursuit sur un registre plus rock et exprimant une détresse émotionnelle. Les paroles parleront à quiconque a déjà vécu une forme de dépression. Il faut se jeter à l’eau est la balade de l’album. On y évoque le changement, l’affrontement de l’inconnu et la peur qui y est associée, mais aussi la possibilité d’un renouveau. Une belle pièce émouvante.

Les trois dernières chansons de Contempler l’abîme soit Libérer la foudre, Faire sécession et Me croire seul à me croire inutile, forment un bloc unique, me rappelant quelque peu The Decline de NOFX, notamment la version avec Baz’s Orchestra. Le mélange punk et orchestral y est très efficace. Dans Libérer la foudre, on évoque le combat face à l’absurdité de la vie moderne. Dans Faire sécession, on dénonce le fait de répéter le discours imposé par la société et on fait appel à se détacher de celui-ci. Enfin, dans Me croire seul à me croire inutile, on dépeint une personne qui tente de faire la paix avec sa peine et sa colère, tout en se débattant dans un chaos intérieur et social, incessant et paralysant.

Au final

Encore une fois, les Vulgaires Machins nous livrent un album brillant où chacun des membres du groupe excelle. La longue pause après Requiem pour les sourds a permis à chacun de se consacrer à d’autres projets, et le groupe revient en force avec deux excellents albums coup sur coup. J’aime comment le groupe évolue et la qualité des paroles et la poésie de Guillaume et Marie-Ève ne cesse de s’améliorer. J’ai hâte de découvrir ces nouvelles pièces sur scène en mars prochain. Voici les dates où vous aurez la chance d’attraper le groupe au printemps prochain.

4.5/5

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Il fallait toutefois revenir en 2017 pour retrouver la trace d’un véritable concert en salle de Descendents à Montréal. À l’époque, le groupe s’était produit dans la même salle, qui portait encore son nom original de Métropolis, lors de la tournée pour la sortie de Hypercaffium Spazzinate. Cette soirée du 30 août s’annonçait donc comme une soirée bien attendue par plusieurs. Les portes se sont ouvertes dès 18 heures 30, et le spectacle a pris son envol à 19 heures 30. Pour ma part, c’était également l’occasion de découvrir le nouvel écran géant installé à l’arrière de la scène du MTelus.

Mattstagraham en ouverture

La formation Mattstagraham, originaire de Tucson en Arizona, est avant tout le projet solo de Matthew Tad Graham, seul membre officiel du groupe. Le 6 juin dernier, il a lancé son tout nouvel album, Yellow Paint. Cette tournée représentait donc une occasion de se faire connaître d’un public plus large. Déjà à cette heure, une foule respectable était présente pour découvrir Mattstagraham.

Le groupe est monté sur scène avec de l’énergie pour réchauffer l’ambiance. Pour décrire leur son, je dirais qu’il se rapproche fortement de celui des groupes pop-punk du début des années 2000. La comparaison qui m’est venue en tête est All-American Rejects, ou la plupart des groupes pop-punk que l’on retrouvait dans les films pour adolescents du début du siècle. À un moment lors de la performance du groupe, nous avons eu droit un message politisé simple et efficace qui veut tout dire : « Fuck Trump! Fuck ICE! ». Cela a généré une vive réaction de la foule qui a chaudement applaudi en support à ce message.

Sur le plan musical, quelques éléments m’ont interpellé, comme la chanson GOODVIBES qui faisait penser au son de Sum 41, tandis que le morceau final, Caffeine, rappelait celui de The Interrupters. Matthew a également pris soin de souligner l’anniversaire du guitariste Isaac et l’écran géant a diffusé pour l’occasion un montage photo gigantesque de ce dernier.

Au final, Mattstagraham offre une performance divertissante et semble avoir fait passer un bon moment au public. Pour ma part, je doute toutefois de devenir un véritable fan du groupe, mais si mes comparaisons vous interpellent, je vous suggère l’écoute du dernier album.

De la jeunesse à la sagesse avec Buzzcocks

Ce fut ensuite Buzzcocks qui a foulé la scène du MTelus. Le groupe se compose actuellement de Steve Diggle (voix et guitare), Danny Farrant (batterie), Chris Remington (basse) et Mani Perazzoli (guitare), qui agit comme membre de tournée. Leur dernier passage à Montréal remontait à 2016. Je les avais manqués à l’époque, mais j’étais heureux de pouvoir enfin les voir cette fois-ci. Petit fait amusant, plus tôt dans la journée, Steve Diggle a tenu une séance de signature à la librairie Résonance, pour les chanceux qui ont pu y assister.

Le groupe a fait son entrée sur scène au son de Also Sprach Zarathustra, une pièce classique que je ne connaissais pas de nom avant de l’avoir cherchée pour rédiger ce texte. Dès les premières notes, l’ambiance s’est installée et Buzzcocks ont livré une performance solide. Steve, tout sourire, semblait véritablement heureux d’être sur scène. On a même eu droit à quelques petits sauts avec sa guitare, un détail simple mais très plaisant à voir.

Pendant environ 40 minutes, le groupe a enchaîné onze morceaux, puisant dans ses classiques. Ils ont ouvert avec Why Can’t I Touch It?, avant de revisiter des incontournables tels que Orgasm Addict et Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t’ve).  Cette dernière est probablement la chanson la plus connue de tous les spectateurs présents ce soir-là.

Bien que Steve ait peu discuté entre les morceaux, l’énergie n’en a pas été impactée. Steve a su impliquer la foule avec des « Oi! Oi! » pour introduire Destination Zero, ainsi que des « Wey-ho! » pour Orgasm Addict. Il a également pris le temps de souligner son affection pour Montréal et pour l’accueil du public. Un petit détail qui m’a frappé, sans que ça ne gâche rien, est que Chris, le bassiste, gardait constamment les yeux rivés sur son instrument, regardant rarement la foule. Je suis heureux d’avoir eu la chance de voir Buzzcocks en concert au moins une fois dans ma vie.

Descendents tout en simplicité

Ce fut ensuite le grand moment que tout le monde attendait. Le MTelus était bien rempli pour accueillir l’arrivée sur scène de Milo, Bill, Karl et Stephen. Milo a pris le temps de saluer la foule d’un chaleureux « Bonsoir Montréal ! », rappelant au passage que c’est ici qu’on trouve la meilleure poutine au monde, avant de lancer le set avec Everything Sux.

Le décor et l’éclairage étaient d’une grande simplicité.  Ils se composaient d’un fond noir avec l’iconique personnage de Milo et le nom Descendents en blanc sur fond noir et accompagné d’un éclairage blanc, sans artifice. Il n’en fallait pas plus car l’important était ce qui se passait sur scène.

Le groupe a ensuite enchaîné avec l’excellente pièce Hope. Toute la salle chantait à l’unisson avec Milo, un moment fort qui résonnait dans le MTelus et m’a donné des frissons. Plusieurs instants du spectacle furent mémorables, mais celui-ci m’a énormément marqué.

À l’image de leurs prédécesseurs, Descendents ont peu parlé entre les chansons, sauf à quelques occasions. Dont un « Fuck Trump » est venu introduire Merican. Ensuite lors de l’introduction de Van, Milo a fait mention d’une tournée passée où ils avaient été coincés dans la glace dans notre région. Milo était en grande forme, il couvrait bien l’espace sur la scène et, pendant Good Good Things, il est même descendu aux abords de la foule pour faire chanter quelques spectateurs.

Le concert s’est conclu sur la chanson Smile, avant que le groupe ne revienne pour un rappel pour terminer la soirée en beauté. Nous avons eu droit à une rare performance de Kabuki Girl, un moment spécial car c’est une chanson que le groupe joue rarement et c’était la chanson que ma copine espérait tant entendre en spectacle. Lors du rappel, le groupe a évoqué ses souvenirs de concerts à Montréal, notamment aux Foufounes Électriques, et Stephen a exprimé son admiration pour le groupe québécois Voivod.

Ce spectacle nous a fait passer au travers de toute la discographie de Descendents.  Cela a fait en sorte de combler chacun des spectateurs présents. Une soirée mémorable, à la hauteur des attentes.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Marie-Eve Landry

Révision : Julie Fortin

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J’ai découvert Thick Glasses l’an dernier grâce à leur session sur La Sesh, et je n’arrivais pas à croire que j’étais passé à côté de ce groupe. Depuis, j’ai revisité toute leur discographie en attendant le nouvel album. Le premier extrait, Mon Accalmie, a énormément tourné à la maison et est devenu une piste préférée de toute la famille.  En préparation pour la soirée de lancement, j’ai beaucoup écouté le nouvel album et j’étais impatient d’entendre les nouvelles pièces en spectacle. Nous sommes donc arrivés tôt pour ne rien manquer de cette soirée qui débutait avec Conflit Majeur.

Conflit Majeur réchauffe la salle

La jeune formation Conflit Majeur fait tranquillement son chemin sur la scène punk montréalaise depuis quelques années. Après un premier EP de quatre chansons paru en juillet 2023, Le Recueil des Clowns, le groupe est revenu en force avec son tout premier album, Désinvolte, lancé le 16 mai dernier. Composé de Justin (voix et guitare), Charles-Antoine (guitare), Thomas (basse et voix) et Anton (batterie), le groupe s’est révélé un excellent choix pour ouvrir la soirée avec leur son frénétique et rapide.

Ils ont entamé leur prestation avec Attrape-moi, la pièce d’ouverture de leur nouvel album, avant de plonger dans Quel Genre de Dieu, tirée de leur premier EP. Cette chanson rappellera aux plus vieux d’entre nous le punk québécois du début des années 2000. Il est difficile de ne pas penser à Vulgaires Machins, tant dans le son que dans les messages, quand on les entend. Entre les morceaux, le groupe a pris le temps d’expliquer certaines idées véhiculées dans leurs chansons. Justin, le chanteur, a notamment partagé une réflexion sur l’indépendantisme, en soulignant qu’avant de vouloir un pays, il faudrait peut-être s’assurer d’avoir une société inclusive et non ethnocentriste. Un message fort, auquel j’adhère.

Si vous ne connaissez pas encore Conflit Majeur, il est temps de les découvrir. Le groupe a du caractère, un son brut, des paroles crues et des messages forts. Que ce soit Thomas qui s’époumone sur Va-t’en, ou Justin qui crie une détresse existentielle sur Pâte à modeler, leurs morceaux sauront vous interpeller. Conflit Majeur a annoncé le spectacle de lancement de leur album Désinvolte, qui aura lieu le 1er août au Bâtiment 7, avec Chop Sue Me en première partie. Et restez à l’affût, car j’ai entendu dire que le groupe travaillerait sur une sortie physique de l’album.

Le shoegaze d’Autre Part

Changement d’ambiance maintenant avec Autre Part, formation qui navigue habilement entre le post-rock, le shoegaze et quelques teintes d’emocore. J’avais eu la chance de les découvrir en formule trio lors du spectacle de Noël de La Faute des Autres, et j’en avais gardé un excellent souvenir. J’étais donc content de les revoir, cette fois-ci en formule complète avec Nicolas Roy St-Pierre (guitare, voix), Samuel Rotunno (guitare, voix), Louis-Frédéric Verrault-Giroux (basse, voix) et Jérémie Loisel-Payette (batterie, voix).

Le groupe retrouvait d’ailleurs la scène du Ministère presque un an jour pour jour après leur dernier passage, cette fois pour souligner le lancement de leur album Le Pire est à Venir, paru le 28 juin 2024. La prestation a été solide, avec notamment des morceaux comme Le Ciel est Malade et La Machine. Avant d’interpréter cette dernière, le groupe a lancé à la blague que depuis leur dernier passage au Ministère, tout avait changé. Trump est de retour au pouvoir… et il n’y a plus de saucisse chez Tim Hortons. Une inside joke dont on n’aura probablement jamais tous les détails.

Ils ont terminé leur performance avec une toute nouvelle pièce, qui on l’espère, sera éventuellement disponible sur les plateformes d’écoute. Je vous encourage vivement à suivre Autre Part sur les réseaux sociaux pour ne rien manquer des prochaines dates de spectacles à venir.

On se lance dans l’abysse de Thick Glasses

Le groupe Thick Glasses est monté sur scène au son de Les papillons de nuit, avant de lancer leur performance avec ELIZA, pour ouvrir une performance mémorable. En arrière-plan, une projection visuelle accompagnait le spectacle: un mélange de vidéos et de rediffusions en direct du concert, traitées de manière artistique. Il ne faut pas oublier le super costume de Charles, une inspiration entre Sakura chasseuse de cartes et Sailor Moon. C’était tout simplement parfait. Dès les premières notes, une partie de la foule s’est jetée dans un trash, surprenant quelques spectateurs qui ont dû se repositionner pour éviter les coups. Peu importe l’intensité des chansons, plusieurs ont maintenu le pit tout au long de la soirée. Même pendant Mon Accalmie, une balade rock qui n’a visiblement pas diminuer l’énergie de la foule.

Puisque le spectacle soulignait le lancement de leur nouvel album Dans l’Abysse, le groupe a joué l’intégralité des titres de celui-ci. Nous avons aussi eu droit à une belle sélection de morceaux tirés de L’Échec Héroïque et du EP Courir Après sa Queue. Un des moments forts de la soirée a été sans doute le « segment Fred Durst », comme présenté par Charles. Nous avons été invités à retourner notre casquette et faire un circle pit.  Un clin d’œil à l’ère du nu metal nous ramenant en 1999. Ce segment était composé des pièces Culturé, Longsleeve Noir et Longueuil Pizza. Un circle pit s’est formé, rendant hommage sarcastiquement à cette époque.

Lors de l’intervention suivante, Charles a pris un moment pour remercier les parents présents dans la salle, ceux qui ont vécu les années 70 et consommé du cannabis. Cela a fait en sorte que leur génération nous avait légué le rock progressif qui a grandement influencé les membres du groupe. Une belle manière d’introduire Anamnésie, une pièce ambitieuse d’environ 13 minutes, interprétée avec brio.  Il se peut que nous n’ayons pas l’opportunité de voir le groupe interpréter cette pièce souvent, mais je vous souhaite d’avoir cette chance.

Lors des remerciements, Charles a pris le temps de présenter Julien Claude, qui prend le relais à la basse après le départ d’Étienne Dubé, membre du groupe pendant les quatre dernières années. Il a aussi souligné la participation de Valérie, qui a rejoint le groupe au clavier pour ces deux spectacles.

En guise de finale, le groupe a offert une des favorites du public, DOGO, chantée à pleins poumons par la foule. Après une brève sortie de scène, Thick Glasses est revenu pour terminer la soirée en beauté avec Labatmobile. Ce lancement d’album fut un véritable succès, et je suis ravi d’y avoir assisté.  Merci aux membres de Thick Glasses pour cette soirée et on se dit à la prochaine.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour cette soirée, j’étais accompagné de ma fille de 10 ans et de ma copine pour une belle sortie. Nous sommes arrivés pour l’ouverture des portes. Ma fille a tout de suite décidé qu’elle voulait se placer devant la scène. Alors, allons-y ! Nous avons trouvé des places à l’avant, puis, pendant que certains d’entre nous les gardaient, nous sommes allés jeter un œil à la table de marchandise. Nous en avons profité pour agrandir la collection de t-shirts de concert de ma fille, la mienne étant déjà bien fournie ! Il est d’ailleurs intéressant de noter que cette tournée est une affaire de famille pour The Linda Lindas. Ce sont les parents des membres du groupe qui s’occupent de la vente de la marchandise.

Après avoir fait la file et complété nos achats, nous sommes retournés prendre nos places à l’avant, juste à temps pour le début du spectacle.

La musique engagée de Pinkshift

La formation Pinkshift, composée principalement du trio Ashrita Kumar (voix), Paul Vallejo (guitare) et Myron Houngbedji (batterie), a pris d’assaut la scène, en lançant la soirée avec One Nation. Cette pièce, parue durant la campagne électorale américaine, se voulait un appel à la mobilisation. Elle encourage leur génération à aller voter, à prendre conscience des inégalités sociales et à se rassembler face aux menaces pesant sur les droits fondamentaux de tous. Entre les morceaux, Ashrita a pris le temps de remercier chaleureusement la foule pour sa présence. Elle a livré un message d’unité et que peu importe la couleur de peau, l’orientation sexuelle ou l’identité de genre, chacun a sa place dans ce monde. Un message puissant, parfaitement aligné avec l’énergie et les convictions portées par la musique de Pinkshift.

La formation a ensuite enchaîné plusieurs de leurs chansons, dont l’excellente I’m gonna tell my therapist on you, GET OUT, nothing (in my head), ainsi que Dreamer, qui, interprétée en concert, apporte une nouvelle énergie et une rage portée par la performance d’Ashrita. Même si Pinkshift n’avait accès qu’à la moitié de la scène, l’équipement de The Linda Lindas occupant l’autre partie, le groupe a bien habité l’espace avec une énergie incomparable. Pour la dernière pièce Dreamer, les membres de The Linda Lindas ont couru sur scène. Ils ont apporté des serpentins, des chapeaux de fête et ils ont accompagné Pinkshift pour terminer leur performance.

J’ai eu la chance de voir le groupe lors de leurs passages précédents en première partie de PUP et de Destroy Boys et je peux affirmer que c’était, de loin, leur meilleure performance à ce jour. Leur présence sur scène s’est grandement améliorée. Nous n’avons pas fini d’entendre parler de Pinkshift, qui nous a annoncé que l’enregistrement de leur prochain album est complété. Le nouvel album sera disponible cet été.

La relève avec The Linda Lindas

Après une courte pause bien méritée, nous étions prêts pour le moment que tout le monde attendait avec impatience. Les membres de The Linda Lindas, soit Bela Salazar (guitare, voix), Eloise Wong (basse, voix), Lucia de la Garza (guitare, voix) et Mila de la Garza (batterie, voix), sont montées sur scène avec une énergie contagieuse. Une fois en place, elles ont lancé leur prestation avec No Obligation, la pièce titre de leur plus récent album. Tout comme Pinkshift, les membres de The Linda Lindas ont su pleinement habiter la scène. Une mention spéciale à Eloise à la basse, qui ne cessait de courir d’un bout à l’autre de la scène, au plus grand plaisir de la foule.

The Linda Lindas en était à leur toute première tournée comme tête d’affiche. Cela est un défi qu’elles ont relevé haut la main. L’expérience acquise en partageant la scène avec Green Day et Smashing Pumpkins au courant de la tournée The Saviors Tour leur a visiblement bien servi. Tous leurs titres les plus populaires étaient au rendez-vous : Too Many Things, Growing Up, Lose Yourself, Oh! et All In My Head, chantés en chœur par une jeune foule enthousiaste. Le groupe a aussi offert quelques reprises, comme Found a Job de Talking Heads, When I Come Around de Green Day et, pour terminer le spectacle, le classique Rebel Girl de Bikini Kill. Pour cette grande finale, les membres de Pinkshift sont montés sur scène afin de se joindre à The Linda Lindas, terminant le spectacle dans une ambiance survoltée et festive.

Le pop-punk de The Linda Lindas a su mettre un sourire sur le visage de tous les spectateurs présents au Théâtre Fairmount. Oui, c’est une formule souvent répétée, toutefois difficile de ne pas la reprendre ici, mais voir un groupe aussi jeune rassembler autant de jeunes fans me confirme que le punk est loin d’être mort.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

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