Salut le Collectif et merci d’avoir accepté cette entrevue dans le cadre de l’initiative Montréal, faites du bruit.

Tout d’abord, pouvez-vous nous parler de la façon dont vous vous êtes constitué, qui vous êtes, les membres et d’où vous venez ?

On dit souvent que le Collectif est un projet né de la pandémie et que c’est la plus belle chose qui nous soit arrivée durant cette période. Quand la planète a arrêté de tourner, on avait plus que jamais besoin de jouer de la musique. Pour le fun, on s’est mis à jammer des tounes de Route St-Louis et du projet solo de Toby en version 100 % acoustique. La plupart du temps dehors, parfois clandestinement, souvent à deux mètres de distance.

En y incorporant une esthétique un peu plus trashgrass, on s’est rapidement rendu compte qu’on commençait à avoir un pas pire répertoire et qu’une identité unique était en train de se dessiner. On s’est alors mis à composer de nouvelles chansons et on a décidé d’appeler ça le Collectif Route Laflamme parce que, ben, Collectif Toby St-Louis, ça ne le faisait pas vraiment.

Avec le temps, de nouveaux membres se sont joints au noyau dur formé de Yan (Map), Toby (Laflamme) et Francis (Lacroix), si bien qu’à ce jour, nous avons perdu le compte du nombre de personnes qui gravitent autour du Collectif. Ça nous prendrait probablement un fichier Excel ou des cartes de membre, quelque chose du genre.

Blague à part, le Collectif compte également dans ses rangs Benoit Lacroix (Route St-Louis/Audiofreak), Rémi Giguère (Les Tirebouchons), Domenico Ciampanelli (Pics à Flore), ainsi que, plus récemment, Étienne Lavoie (Hexolyth) et Jess Peach (PACE).

Bref, le Collectif est basé à Terrebonne et réunit des musiciens de différents horizons, chacun apportant sa couleur au projet.

Si je ne me trompe pas, plusieurs d’entre vous proviennent de groupes punk. Qu’est-ce qui vous a motivé à vous diriger vers quelque chose de plus folk ?

Dès le départ, le folk s’est imposé naturellement, notamment en raison du côté spectacle de rue qu’on souhaitait donner au projet. Il faut dire que ce format se prêtait particulièrement bien au contexte pandémique, alors que les salles de spectacles fermaient les unes après les autres et qu’il devenait de plus en plus difficile d’organiser des shows sans craindre qu’ils soient annulés.

On voulait jouer n’importe où, avec le moins d’équipement possible. Et on l’a fait en masse : des shows de balcon, des partys de piscine, des jams en dessous des ponts. Quand la vie a repris son cours, on était prêts.

Sinon, on ne se le cachera pas : on accorde une grande importance aux textes, mais on avait aussi envie d’un trip de gang très festif, porté par une énergie punk qui détonne, des harmonies vocales à la va-comme-j’te-pousse pis des instruments acoustiques qui se trimbalent facilement. Sauf la contrebasse… ça se charrie mal, une contrebasse.

Vous avez déjà partagé la scène avec plusieurs groupes issus d’univers très différents. Selon vous, où se situe le Collectif Route Laflamme dans la scène québécoise ?

On n’a jamais vraiment réfléchi à ça.

Faut dire qu’on ne cherche pas nécessairement à trouver notre place dans la scène québécoise. On essaie plutôt d’y apporter quelque chose qui nous ressemble, sans trop se prendre au sérieux. On aime dire qu’on est des vétérans semi-pro qui font de la musique pour le plaisir. Tant mieux si les gens embarquent et aiment ça.

On apprécie autant jouer dans un festival, en première partie de Vilain Pingouin ou des Vulgaires Machins, que dans un sous-sol, un chalet ou un party de ruelle. Tant que le monde chante, rit et repart avec une chanson qui lui trotte dans la tête, on sent qu’on est à la bonne place.

Ça part toujours de la même question : « On vas-tu avoir du fun à faire ça ? » Si la réponse est oui, on y va et on donne notre 200 %.

Vous décrivez votre musique comme du « punk de chalet ». Qui a trouvé cette expression et que représente-t-elle pour vous ?

On ne se souvient plus de qui a inventé l’expression « punk de chalet », mais ça résume assez bien ce qu’on fait : souvent, dans un chalet, il n’y a pas vraiment d’électricité pis nous, on fait du punk acoustique. Ce n’est pas plus compliqué que ça !

Qui dans le groupe compose et qui écrit. Bref, comment se passe votre processus de composition ?

On essaie que le processus de composition soit le plus ouvert et collaboratif possible.

Ça part souvent d’un riff ou d’un texte amené par un membre du groupe et une fois que l’idée est lancée, tout le monde met son grain de sel : on retravaille les paroles, on s’amuse avec les harmonies et les arrangements puis on cherche la meilleure façon de faire ressortir l’énergie du groupe.

Une toune du Collectif Route Laflamme, c’est rarement l’œuvre d’une seule personne : c’est vraiment le résultat d’une gang qui construit quelque chose ensemble.

Sentez-vous qu’un groupe plus folk punk a sa place dans la scène ? Comment croyez-vous être perçu par les autres groupes punk ?

Bah, on pense qu’il y a de la place pour tout le monde.

Au fond, le punk a toujours été beaucoup plus une question d’attitude que de sonorité. Qu’elles soient jouées sur une guitare électrique ou un banjo, l’important, c’est que les chansons incarnent quelque chose de vrai, qu’elles soient chantées avec les tripes, sans se soucier des conventions. En toute modestie, c’est pas mal ce qu’on fait.

On ne sait pas exactement comment les autres groupes punks nous perçoivent, mais on a toujours senti une belle ouverture de la part de la scène. On est cool avec tout le monde, et tout le monde est cool avec nous. Le fait qu’on soit un groupe plus acoustique ne change rien à ça.

On imagine que certains pourraient nous décrire comme ça : c’est un peu comme si le Québec Redneck Bluegrass Project avait couché avec les Ordures Ioniques et que leur enfant avait écouté un peu trop de Days N’ Daze.

Partout où vous passez, vous faites littéralement lever le party. On sent que vous êtes heureux d’être et on sent une belle chimie entre les membres. Qu’est-ce qui fait qu’après toutes ces années, vous êtes encore heureux d’être là ? Allez-vous être là encore plusieurs années ?

La réponse est simple : on a encore du fun.

On ne fake pas, on ne sait pas comment. Depuis le début, le moteur du Collectif Route Laflamme, c’est de se retrouver entre chums, de prendre des idées un peu folles et de voir jusqu’où on peut les amener. On n’a jamais perdu le plaisir d’être ensemble, que ce soit dans une salle devant un public, dans le pick-up sur les routes du Québec ou dans notre local de pratique à travailler sur une toune. On garde ça simple, on respecte le talent de chacun et on rigole comme des p’tits fous !

Et oui, on va être là tant que nos vieux corps vont suivre !

Vous avez choisi de chanter exclusivement en français. Est-ce que ça a toujours été une évidence pour le groupe ?

Oui, ça a toujours été une évidence pour nous. On écrit sur ce qu’on connaît, dans nos mots, sans trop se prendre la tête. C’est la langue dans laquelle on pense et dans laquelle nos textes prennent vraiment leur sens. On chante comme on parle ; ce ne serait tout simplement pas authentique de faire autrement. Ce n’est pas un choix politique ou une question de valeurs profondes, c’est juste… nous.

Est-ce que vous avez déjà ressenti une pression de chanter en anglais pour rejoindre un public plus large ?

Réponse ultra-courte : non.

Qu’est-ce que le français vous permet d’exprimer que l’anglais ne permettrait pas ?

Chaque langue a sa propre couleur. L’anglais permet d’exprimer plein de choses, mais le français, c’est la langue de nos histoires, de notre humour et de notre quotidien. C’est dans cette langue-là qu’on niaise, qu’on sacre, qu’on raconte nos anecdotes et qu’on trouve les petites tournures de phrases avec lesquelles on gosse des chansons !

Vos chansons sont très ancrées dans la culture québécoise. Est-ce important pour vous de préserver cette identité ?

On ne part pas avec l’idée de protéger la culture québécoise à bout de bras ou quelque chose du genre. Ce n’est pas le but de ce projet. Bien qu’on soit fiers de chanter en français et de faire partie de ce beau grand tout, on veut juste faire des chansons qui se rapprochent le plus possible de ce que nous sommes réellement. Si, au passage, ça permet à quelqu’un de se reconnaître dans nos textes ou de partager un petit bout de notre univers, c’est parfait. On continue !

Merci d’avoir répondu à nos questions et on espère vous croiser quelque part cet été.

Rédaction : Claudia et Collectif Route Laflamme

Correction : Jess Peach

Révision :

Révision : Marie-Eve Landry

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Au début des années 2000, à Chomedey dans Laval, il y avait une forêt derrière l’école secondaire Western Laval High School, où Will étudiait. Caché dans ce boisé, il y avait une sorte de gouffre naturel où des jeunes du milieu underground, punk et gothique se retrouvaient pour flâner, faire le party et consommer des drogues. L’endroit est devenu connu sous le nom de Suicide Ditch, et c’est là que tout le monde se retrouvait.

Kevin, qui fréquentait une école secondaire voisine, y a rencontré Will. Partageant une passion commune pour la musique punk, ils ont décidé de former un groupe appelé The Defamed. Sara, qui faisait aussi partie du groupe de jeunes qui fréquentaient Suicide Ditch, a rejoint le groupe par la suite.

Courte durée de vie pour The Defamed

En 2006, nous avons enregistré notre premier album, Stomp on the Radio, composé de 16 chansons. Cette même année, nous nous sommes rendus en Ontario pour jouer au Spider Fest pour l’anniversaire de Spider. Nous avons cessé de jouer de la musique afin de poursuivre d’autres projets, et le groupe a pris fin cette même année.

The Defamed est de retour

Puis, à l’hiver 2024, Will a convaincu Kevin de relancer le projet, après des années d’acharnement. N’ayant pas parlé à Sara depuis 18 ans, nous n’étions pas certains qu’elle serait intéressée par le projet. Elle avait entendu dire que nous remettions The Defamed sur pied et elle a commencé à nous stalker. « Those sons of bitches better ask me to join! », a dit Sara. Bien sûr, nous l’avons fait et elle a accepté immédiatement. Nous avons eu notre premier jam en 18 ans et c’était comme si nous n’avions jamais arrêté, tellement le courant est passé instantanément : nous avons ressenti une fébrilité en rejouant des chansons que nous n’avions pas jouées depuis que nous étions adolescents.

Concerts/Studio

Nous avons joué notre premier show à Coaticook avec Los Bozos en première partie et The RUFFIANZ comme headliner. Nous avons alors réalisé à quel point ça nous manquait et nous avons commencé à dire oui à presque tous les shows qui nous étaient proposés. Nous avons enregistré notre premier album au Studio Pavillon Noir avec Germ à l’hiver 2025. Nous l’avons intitulé The Secret of the Booze et l’avons sorti le 20 avril de la même année. Nous n’avions pas de bassiste, alors Sara s’est portée volontaire pour les enregistrements, avec l’accord de Kevin et Will. Pour nos shows live, nous avons alterné différents bassistes parmi nos amis, comme Joe Franken, Jimmy Jenkins et Lucas Maltais. Nous avons continué avec cette formule depuis, mais les choses pourraient changer dans le futur.

Label & projets futurs

Nous sommes honorés de faire partie de Pils Records et de travailler étroitement avec Dizz. Nous avons appris énormément avec lui et nous en serons éternellement reconnaissants. Nous avons enregistré un single intitulé Born Again pour la prochaine complitation Pils Records mettant en vedettes d’autres bands du même label. Nous avons aussi eu la chance de jouer au festival Punx Make Noise l’année dernière à Québec. A la fin juillet, nous avons une tournée sur la côte Est avec nos amis de Reifer Madness, ainsi qu’une petite tournée avec High Society, un band d’Allemagne. Nous prévoyons ensuite terminer l’enregistrement de notre deuxième album à notre retour.

Rédaction : Dizz Hupé & Sara (The Defamed)

Correction et traduction : Jess Peach

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L’initiative Le Bad Crew

J’y ai assisté à titre de représentante de notre belle équipe de bénévoles et j’ai eu la chance d’avoir des discussions riches, profondes et inspirantes. Le Bad Crew a présenté l’initiative Tête d’affiche mensuelle Franco : à compter du mois d’août 2026 et pour les 12 mois qui suivront, seuls des artistes qui font de la musique en français seront mis sous les projecteurs de nos réseaux sociaux.

L’entrevue Banane-Banane de Culture Cible

Après cette magnifique journée, je me suis dirigée vers la Jasette des Francos pour assister à l’enregistrement du balado Banane-Banane, de Culture Cible (Camille Dahaene, Marc-André Mongrain et Louis-Philippe Labrèche). La première édition, si je ne m’abuse, remonte à juin 2025. Vous vous souvenez peut-être de ce pas très fameux article de Patrick Lagacé, qui avait suscité l’indignation de notre milieu et auquel nous avions réagi dans une publication.

L’entrevue Banane-Banane visaient justement à lui faire un pied-de-nez. Déguisée en banane, l’équipe de Culture Cible avait alors reçu Virginie B, qui assurait à l’époque la première partie de Philippe Katerine, pour une petite jasette à l’Esplanade du Quartier des spectacles. Le costume de banane lui avait d’ailleurs permis de chanter La banane sur scène avec Philippe Katerine, dans le cadre des Francos en 2025.

Mais revenons à cette année. Simon Boisseau, Princesses et Alice Bro sont venus jaser de leur univers. Tous étaient déguisés en banane… tous, sauf Alice Bro, qui arborait un immense costume de botch fabriqué par un ami en hommage à son surnom : La Reine des Botchs.

Fait beau, fait chaud… poursuivons l’épopée

Il faisait beau et je m’étais rendue au centre-ville en transport en commun. J’ai donc décidé de me diriger vers les Foufounes Électriques pour aller prendre un verre sur la terrasse. Une fois sur place, j’apprends que Marie-Pierre Arthur y jouait, avec Édouard Grenier Tremblay en première partie. J’ai réussi à me faufiler dans une salle comble.

La configuration de la salle n’avait rien à voir avec les concerts punk et métal auxquels j’assiste normalement : il y avait des places assises partout, même sur la scène. Les musiciens, eux, étaient installés au beau milieu de ce qui sert habituellement de pit, baignés dans une douce lumière feutrée.

Je ne connaissais pas Édouard Grenier Tremblay, mais des amis croisés complètement par hasard ce soir-là m’ont appris qu’il est le fils de Daniel Grenier (Chick’n Swell) et de Mara Tremblay. Seul avec sa guitare, il a livré une prestation vulnérable, humble et pleinement assumée. À un certain moment, il s’est trompé dans ses paroles, mais il l’a immédiatement souligné en tournant le tout à la blague. Une identité imparfaite, ça, c’est punk !

D’ailleurs, j’ai croisé un spectateur portant un chandail de Deftones dans la foule, et j’y ai aussi aperçu plusieurs visages de la scène métal et hardcore. J’ai particulièrement aimé la chanson Carence. Je trouve que sa voix y ressort particulièrement bien, et j’ai trouvé original que les chœurs soient des « uh, uh, uh » plutôt que les traditionnels « oh, oh, oh ». Une très belle découverte pour moi !

Puis est arrivée Marie-Pierre Arthur, accompagnée d’un claviériste, d’un guitariste et de trois choristes. Pas de guitare électrique ni de batterie, contrairement à la première fois où je l’avais vue, à la Salle Rolland-Brunelle, à Joliette, en 2015. Bien que totalement différent comme spectacle, je l’ai tout autant apprécié. Marie-Pierre Arthur possède une voix juste, puissante et émouvante. J’ai déjà assisté à des spectacles acoustiques où le public discutait, parfois même assez fort pour couvrir l’artiste pendant une chanson… mais ici, le public était totalement captif. J’ai versé quelques larmes pendant Emmène-moi. 14 ans après sa sortie, cette chanson me fait toujours le même effet.

Réfléchir en mangeant des chips

De retour à la maison, en mangeant des chips sel et vinaigre dans le métro (ayant réalisé un peu sur le tard que je n’avais rien mangé de la journée), je repensais à cette journée. Aux rencontres. Aux idées échangées. À la raison pour laquelle j’y étais allée.

C’est d’ailleurs pour cette raison que j’ai eu envie d’écrire cet article : je veux qu’on réfléchisse ensemble.

Que les Foufounes Électriques présentent un spectacle francophone, acoustique et indie, ça prouve que les milieux émergents et populaires peuvent cohabiter et s’entraider. J’ai entendu 50 initiatives visant à promouvoir la chanson francophone… et si la solution n’était pas aussi compliquée ? Et si elle était même plus simple ?

Et si l’on créait un one-stop shop (pardonnez l’anglicisme) au lieu que les promoteurs, amateurs de musique, organismes, gouvernements et autres aient à fouiller sur 1001 sites pour trouver le talent ? J’ai accompagné plusieurs entreprises à travers des fusions et acquisitions. Et quand ça tourne mal, c’est presque toujours pour la même raison : on n’a pas pris le temps de s’intégrer.

C’est exactement ce qui se passe en ce moment. On ne sait pas par où commencer, ni parfois même où chercher, pour soutenir la vitalité de la musique francophone. De la relève, du talent, du monde motivé et prêt à aider, il y en a. Mais on ne les voit pas, ou ils ne réussissent pas à nous rejoindre.

Alors voilà.

Je lance l’idée. Créons une page Francofy, où TOUTE l’industrie musicale francophone se donne rendez-vous. Subventions, organismes, artistes établis et de la relève, salles de spectacle, festivals, syndicats, médias, balados, diffuseurs, partenaires… Un endroit où l’on peut filtrer ce que l’on cherche par ordre alphabétique, genre musical, ville ou catégorie. Une plateforme où tout ce qui touche à la francophonie se trouve facilement, en un claquement de doigts.

Cessons de laisser cette responsabilité reposer individuellement sur toutes celles et ceux qui portent l’industrie de la musique à bout de bras, et organisons-nous autour d’un seul espace structuré.

La bienveillance, c’est punk en criss

Comme nos amis de Capable! le disent si bien : « la bienveillance, c’est punk en criss ». Et bien vouloir le rayonnement d’une scène qui souffre d’une sous-représentation, c’est aussi punk en criss.

Je termine en remerciant Jacques-André Dupont, Directeur général des Francos de Montréal, de nous avoir reçus comme média indépendant et d’avoir été extrêmement généreux de son temps avec moi à la fin de cette journée chargée et haute en émotions.

Rédaction : Jess Peach

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Après Ville fantôme, De l’Ouest et OK Punker, le nouvel EP de La Dérape, intitulé Pour Demain, est sorti le 12 juin dernier. D’ailleurs, bon plan marketing, j’écris ces lignes pendant ma première écoute afin de livrer cette critique dans un délai raisonnable, presque pour hier.

La Dérape, groupe de Montréal profondément ancré dans le punk franco, dérapant entre les styles musicaux, sans toutefois sortir de la track.  Pour demain, enregistrée par Simon Pelletier, est une composition de quatre titres dénotant un ressenti clair. Ces quatre musiciens connaissent la course et font un léger virage sur cet EP, qui est moins agressif que leurs précédents. 

Dérapage contrôlé

En effet, les chansons « sont les plus rock à ce jour » (sic), tout en gardant à l’avant-plan des textes abordant les limites du « caractère prévisible » (sic) de chaque individu. Également, au chant principal, la voix du chanteur se distingue par une teinte suivant sa propre ligne de conduite et les back vocals… Wow ! La Dérape est à prendre en exemple pour les backs apparaissant au bon endroit, au bon moment.

Sous leur rythmique énergique et brutale, tout en effleurant différents styles, ceux-ci se mélangent sans trop qu’on en soit conscient. Pour dire, lors de leur titre Tuer le son, mon oreille a, à un moment, senti un riff lourd de guitare à la Slayer, accompagné d’un claquement de basse rappelant Rancid. Stupéfait à ce moment-là, j’aurais gobé une mouche s’il en était passé une.

J’adore le concept de la pochette réalisée par Francois Phillipe Dupont : j’apprécie le sacarsme de l’extincteur en feu.  Gros coup de cœur pour la chanson Malgré eux : excellent riff de basse dès le départ. Si je l’avais écouté sur une cassette, la radio aurait bouffé la bande à 1 minute 20 secondes à force d’y revenir. Je vous laisse découvrir pourquoi, tout comme Pour Demain, un nouvel EP fort intéressant de La Dérape. Enfin, je surveille leur sillage pour entendre ça en live. 

Musicalement vôtre, Jerry Cherry

Rédaction : Jerry Cherry

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Pour lire la chronique de la dernière sortie d’album d’Unwanted Noise, c’est ici.

Si on commençait par parler de votre récent passage sur la Tournée 123 punk. Vous êtes le seul band issu de la scène underground à avoir participé à la tournée. Comment avez-vous vécu ça et qu’est-ce que ça représente pour vous ?

Les membres du band ont entre 26 et 41 ans, mais nous avons tous grandi avec Musique Plus, à des époques différentes. Ça représente beaucoup pour nous de faire partie de la tournée, mais d’être le seul band street punk à y prendre part a vraiment été un honneur pour nous.

Vous vous êtes formés en 2008, avez monté sur les planches dès 2011. Après des changements dans la formation, vous sortez Last Of Our Kind en avril 2016. Depuis, vous sortez du matériel régulièrement aux 2 ans environ. Croyez-vous que ce soit nécessaire pour rester d’actualité ?

Oui, définitivement. Nous trouvons que dans l’ère que nous vivons actuellement, c’est de plus en plus nécessaire de diminuer les quantités de chansons et de rapprocher les releases. Nous nous trouvons dans une période de l’histoire où l’on consomme de la musique de manière excessive et il faut constamment susciter l’intérêt des fans afin de rester pertinent dans le paysage.

Mai 2024, vous sortez Bury me to the South Shore. La réponse est positive dès le départ. Est-ce que c’est un stress de sortir un album comme ça, surtout que celui-là était attendu depuis un bon moment ?

Nous serions portés à dire oui. C’était le premier album que nous composions avec Guillaume et Gab aux guitares. Donc nous savions que nous allions avoir un son complètement différent d’avant.

C’est un stress important lorsque nous changeons notre son, c’est certain. Est-ce que notre fanbase, qui connaît bien le groupe, va embarquer? Est-ce que l’album va bien se vendre quand même? Ou est-ce que ça va mettre dans le trouble les labels qui ont investi dans l’album parce que personne ne l’achète?

Rappelons-nous aussi du long délai, avant sa sortie, qui a suivi l’annonce. Nous étions convaincus que nous allions passer sous le radar. Au contraire, notre fanbase a été au rendez-vous et a sold out la première batch de 300 copies en peu de temps!

Comment se passe votre processus de création ? Qui écrit, qui compose ?

En général, Guillaume ou Zach nous arrivent avec des riffs aux sessions de composition et le reste de l’instrumental se fait tous ensemble. Le vocal se compose à part par le chanteur. Nick nous arrive toujours avec une ou deux chansons qu’il compose seul, en fin de parcours, qui sortent de nos patterns et enrichissent l’album.

Le streetpunk repose souvent beaucoup sur les refrains fédérateurs. Pourtant, chez vous, il y a aussi un côté plus chaotique et abrasif. Est-ce que vous cherchez consciemment à éviter le côté “chant de gang” trop cliché?

Ça dépend de l’inspiration du moment. Dans les débuts d’Unwanted Noise, le groupe a été largement influencé par des groupes tels que The Oi!Scouts, Copyright Chaos, Casualties et Chaos Drunk Punx. Les refrains en gang vocals qui se répètent souvent. Notre son a ensuite évolué au fil des années en parallèle avec nos goûts musicaux. Plus catchy et efficace dans le but d’avoir tout le crowd qui chante avec nous lors des concerts. Y’a rien qui nous nourrit plus qu’une foule qui chante avec nous.

Dans une scène où plusieurs bands explosent vite puis disparaissent après un EP ou deux, qu’est-ce qui fait qu’Unwanted Noise tient encore debout?

La communication, le respect, la reconnaissance et l’empathie sont des valeurs qui sont fortes à l’intérieur du groupe. En plus, la vie est plate, c’est la meilleure façon on a trouvé pour avoir du fun.

Votre musique évoque souvent une fatigue sociale, une forme d’usure. Est-ce que faire du punk en 2026 est encore une façon de résister à quelque chose ou c’est rendu davantage une manière de survivre mentalement?

Un peu des deux. En effet, nous parlons beaucoup, et depuis longtemps, de sujets comme l’alcoolisme, la dépression, le suicide ainsi que du sentiment de désillusion face à la scène punk moderne. Jouer et composer ce genre de morceaux nous permet non seulement de l’extérioriser, mais aussi de connecter avec ceux qui vivent cette même expérience.

Avec la montée des plateformes et de l’image, est-ce que vous trouvez que le punk actuel devient parfois trop “performé” ou trop esthétique?

Trop esthétique, non. Nous observons souvent que beaucoup de groupes se concentrent plus sur la musique que sur l’esthétique. On est loin de l’ère Punkcore Records début 00’s avec des groupes trop lookés, quasi boys bands et des chansons très ordinaires.

Nous sommes chanceux de faire partie de la scène actuelle avec des groupes de talent et qui look à fond au Québec.

Les splits ont toujours eu une place importante dans le punk underground. Qu’est-ce que vous aimez dans ce format-là comparativement à un album classique?

Le split vient chercher non seulement le fanbase des deux groupes mais aussi cela permet un contact direct avec les groupes d’ailleurs.

Après autant d’années, qu’est-ce qui vous pousse encore à embarquer dans un van, dormir n’importe où et recommencer? Qu’est-ce qui vous motive encore dans ce mode de vie ?

La famille que l’on s’est créée. Rencontrer des gens de plusieurs scènes et endroits. Vivre des choses qui ne nous seraient jamais arrivées seuls. Faire vivre notre rock aux quatre coins du monde.

Plusieurs groupes old school que vous avez côtoyés roulent depuis 40 ans. Est-ce que vous vous voyez encore faire ça dans 10 ou 15 ans?

Définitivement !

Qu’est-ce qui s’en vient pour vous dans les prochaines semaines, mois ?

Pour cet été, on se lance dans une série de concerts au Québec et en Ontario. Ensuite, nous allons jouer dans l’Est canadien pour la première fois en 15 ans et nous allons être de retour en Europe en novembre.

Rédaction : Claudia Bo et Unwanted Noise

Correction et révision : Marie-Eve Landry

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Salut! Ça fait vraiment plaisir, merci à vous!

Pouvez-vous nous décrire la composition du band? Les membres, leurs projets respectifs précédents, etc.

Feels Like Home est un quatuor depuis déjà plusieurs années, soit depuis environ 2019. À la base, on était un groupe de cinq personnes et, depuis 2019, on a décidé de continuer à quatre.

Présentement, le groupe est composé de Michael au vocal, Frédéric à la basse, Steven à la guitare et Guillaume à la batterie. Feels Like Home roule déjà depuis 2011-2012, mais même avant ça, on avait tous un background où chacun des membres jouait dans d’autres groupes ou presque, notamment notre chanteur Michael, qui jouait dans le groupe Forever The Light. Notre drummer Guillaume, qui jouait dans A Dead Motion. D’ailleurs, notre drummer Guillaume joue également dans le groupe Basterds, en plus de Feels Like Home.

Comment est né Feels Like Home?

Feels Like Home a été créé en 2011 par Steven, Frédéric et Kevin, notre bassiste de l’époque. Tous les trois, on travaillait au IGA et c’est en travaillant ensemble et en se rendant compte qu’on avait les mêmes goûts musicaux qu’on a décidé de créer Feels Like Home.

Pourquoi ce nom? À quoi ça fait référence?

Feels Like Home fait vraiment référence au sentiment d’appartenance qu’on a quand on est ensemble et quand on joue de la musique. Ensuite, les paroles « Feels Like Home » se retrouvent également dans la chanson du groupe The Word Alive, Lights and Stones. Donc, quand on a entendu cette chanson-là et ces paroles-là, c’est quelque chose qui est vraiment venu nous accrocher. On aimait la prononciation et la signification qu’on lui donnait. Donc, c’est pour ça qu’on a choisi le nom Feels Like Home.

Vous avez sorti deux albums Bound for Hell et Duality, que vous avez choisi de ressortir en version instrumentale. Pourquoi cette direction artistique?

Bound for Hell et Duality sont les deux derniers albums que nous avons sortis respectivement en 2021 et 2019. Pourquoi avoir choisi de sortir ces albums également en version instrumentale? C’est vraiment parce qu’on travaille beaucoup l’instrumental de nos chansons et on le sait que le scream peut parfois freiner les gens. Donc, on trouvait ça intéressant de donner une deuxième vie à nos chansons en version seulement instrumentale, où les gens qui aiment moins le scream peuvent quand même apprécier le travail fait derrière les chansons.

Votre son mélange agressivité et mélodie. Comment réussissez-vous à jouer sur ces deux tons?

Notre guitariste Steven est un excellent compositeur qui est à la fois capable de composer des riffs mélodiques et d’autres bouts qui sont beaucoup plus pesants et agressifs. Je crois que c’est ce qui nous démarque, d’être justement capables de mélanger des refrains qui sont beaucoup plus mélodiques à d’autres bouts qui sont beaucoup plus agressifs. Et je crois que c’est le contraste entre les deux qui donne de la puissance à chacune de ces deux facettes.

Quelles influences ont le plus façonné votre son passé et actuel?

Pour ce qui est de notre son « passé », on peut rapidement entendre les influences du groupe August Burns Red, qui était vraiment notre principale influence à l’époque. Avec les années, notre son s’est peaufiné. Nos horizons musicaux se sont également élargis et, à travers notre son actuel, c’est vraiment difficile de rattacher ce son-là à des groupes qu’on écoute présentement. Oui, on écoute beaucoup de musique. Je pense qu’on pourrait nous comparer à des groupes comme Make Them Suffer, Wage War, Currents, Architects, mais je crois qu’on a quand même un son assez unique, qui mélange vraiment différents styles de métal/hardcore!

Ça fait environ 10 ans que vous êtes en activité. Avez-vous eu des moments où vous vous êtes remis en question, ou souhaité prendre une autre direction?

En 2025, nous avons d’ailleurs célébré le dixième anniversaire de notre premier album! Donc, comme je disais plus tôt, on est actifs depuis 2011-2012. Donc oui, ça fait un bon bout!

Avec les années, c’est sûr que chacun des membres a travaillé aussi sur des projets un peu différents, mais ça reste que Feels Like Home, ça nous unit. C’est un projet dans lequel on est heureux de travailler. Donc, avec FLH, il n’y a pas de direction différente qu’on veut prendre.

Par exemple, notre chanteur Michael joue également de la guitare dans le groupe Peer Pressure. Comme mentionné, notre drummer Guillaume joue aussi dans Basterds. Donc, on a nos projets un peu à part de Feels Like Home, mais pour ce qui est de FLH lui-même, on est vraiment tous sur la même longueur d’onde. Et tant qu’on a encore du plaisir, des offres de spectacles et qu’on peut jouer et composer de la musique, je crois que nous allons continuer de le faire!

Vous avez sorti le single Fiona en 2025 et, depuis, plus rien. D’autres singles à venir? Un album?

On a sorti notre dernier single Fiona en 2025, et c’était plus que temps, parce que la dernière sortie qu’on avait faite, c’était notre EP Bound for Hell en 2021! Je peux toutefois mentionner que nous aurons un nouveau single qui sortira également en 2026 et que nous sommes présentement en train de composer de nouvelles chansons.

Nous sommes un peu dans l’époque des groupes qui sortent beaucoup de singles, donc c’est un peu dans cette vibe-là qu’on se dirige. Je ne peux pas dire si on a un album ou un EP qui s’en vient, mais c’est sûr qu’on veut continuer de sortir de la nouvelle musique et de faire des shows!

Merci beaucoup pour cette entrevue et de nous avoir choisis comme tête d’affiche du mois de mai 2026! Au plaisir de se voir lors d’un spectacle!

Rédaction : Claudia Bo et Feels Like Home

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Salut Killing Daisies, et merci d’avoir accepté d’être notre tête d’affiche du mois d’avril.

Salut le Bad Crew merci à vous pour l’invitation, c’est super apprécié !!

Vous êtes un groupe originaire de Sept-Îles formé en 2019. Est-ce que vous avez des influences locales au nord du 50^e parallèle ?

Yess, évidement! On a eu des bands marquants durant notre jeunesse. La scène septilienne était fleurissante. On a grandi au son de Gou-H, Damage, Arsenic, Toothpick et même un peu de Kalembourg dont certains des membres ont formé Karkwa un peu plus tard. Sinon on ne peut passer sous silence Trendy 5 dont Denis notre drummer et Yves notre guitariste étaient deux membres originaux. Ce band a complètement marqué les années 90 en apportant leur vibe plus punk rock.

Quelles sont vos autres principales influences ?

Notre band étant formé de membres tous issus d’une génération différente, notre palette de goût ratisse quand même très large. Mais on se rejoint tous à quelque part au milieu de tout ça. Je crois que c’est ce qui fait un peu notre identité sonore. J’ai demandé aux gars de me nommer leurs influences musicales.

Pour Dave notre bassiste, ça tourne pas mal autour de RKL, NOFX, Cigar, Descendents;

Pour Yves notre guitariste, Pridebowl, Lagwagon, Slick Shoes, Thrice;

Denis lui, Groovy Aardvark, Pantera, Anonymus, Raised Fist, Good Riddance;

Pour Mathieu, ça tourne autour de Rufio, Thrice, Mute, Propaghandi.

Bien entendu, ils n’en ont nommé que quelques-uns, c’est difficile sur le vif comme ça nommer nos influences musicales.

Pour ma part, j’aime tout, ou presque en autant ça vient me chercher dans les tripes…j’ai été élevée par une famille de mélomane, ma mère m’a initiée très jeune à Pat Benatar, Fleetwood Mac etc… La musique a toujours été au centre de ma vie. Dès que j’ai développé mes propres goûts musicaux, je dirais vers mes 10 ans, j’ai débuté ma phase Nirvana (accompagnée d’un très gros kick sur le beau Kurt Cobain dont les posters placardaient les murs de ma chambre haha) …j’ai ensuite trippé solide sur Hole . Mais mes premiers coups de cœurs punk rock ont rapidement été the Offspring, Lagwagon, No use for a Name…

Oufff que j’ai pogné de quoi. Depuis, après avoir découvert plein de bands, vu pleins de shows, je te dirais que mes bands «prefs » et je déteste dire ça quand même parce qu’il y en a toujours des nouveaux qui « pop » quand je dis ça haha. Mais ceux qui restent toujours en haut de liste et que je qualifierais de bands influents appart ceux déjà nommés plus haut c’est Adhesive, Craig’s Brother, 88 Fingers Louie, Useless ID, Much The Same et plus dernièrement se sont taillés une place dans le top, The Corps, Making Friends et St.-Plaster.

Je vais m’arrêter là, avant de m’emporter. Mais ceux-là sont tous des bands dont je ne me tannerai jamais et dont je me dis souvent que j’aurais tellement rêvé d’avoir composé telle ou telle chanson. Bon, là vous allez dire Nad, elles sont où les femmes ? J’aime beaucoup les voix masculines, mais j’adore aussi les voix rauques à la Brody Dalle de The Distillers, Emily Bones de The Anti-Queens et évidement la belle Aimee Allen de The Interrupteurs.

Comment le band s’est formé ?

Long story short, en 2018, Denis, qui est aussi mon chum dans la vie s’était racheté un drum pour un projet qui a finalement avorté avec un autre band. Comme il était super motivé vu que ça faisait près de 15 ans qu’il n’avait pas joué, on s’est dit que ça serait tripant partir de quoi ensemble. J’ai chanté pas mal toute ma vie, j’ai eu un duo folk acoustique, j’ai chanté dans des bands de mariage, j’ai été choriste pour quelques projets également, mais j’avais jamais vraiment joué uniquement du punk rock alors ce projet était plus qu’intéressant surtout de vivre ce trip là avec mon amoureux. Vite fait, on a recruté Dave à la basse, Yves et Francis aux guitares. On a commencé en montant des covers, ça nous a appris à se connaître en tant que band, savoir jusqu’où on pouvait aller musicalement individuellement versus en groupe.

On a monté un méga setlist de 32 tunes, car on avait été bookés pour jouer au Tournoi Orange, un tournoi de volleyball qui accueille annuellement près de 3000 à 4000 joueurs de partout. Mettons que ça donne un pas pire party !! C’est exactement à ce moment que la covid a tout annulé. On a quand même continué à jammer pour le fun et monter des nouvelles chansons. On s’est fait remettre à l’année suivante et ça a encore été annulé par la deuxième vague…c’est à ce moment précis qu’on s’est dit fuck off les covers et qu’on a commencé à composer nos propres tunes. S’en est suivi notre premier EP Break The Silence. Par la suite, Francis a quitté le band et quelques mois plus tard Mathieu s’est joint à nous. On a mis les mains à la pâte pour composer Echoes of Tomorrow paru il y a déjà un an presque jour pour jour.

Comment réussissez-vous à concilier la visibilité et la distance ? Cela doit représenter un certain défi ?

C’est effectivement un défi puisqu’on ne joue pas aussi souvent qu’on voudrait. On mise beaucoup sur les réseaux sociaux pour se faire connaitre et les gens sont super car ils partagent beaucoup et ils parlent de nous. Évidement on essaie de profiter de chaque opportunité qui se présente dans la mesure du possible quand on est tous disponibles. Des fois on a l’impression d’être oubliés vu qu’on est loin, mettons qu’on n’est pas les premiers sur la liste quand les bookers des grands centres cherchent des bands.

Mais je dirais que malgré les enjeux que ça peut nous causer d’être loin de la civilisation, ç’a aussi ses bons cotés. Comme on ne joue pas souvent, les gens ne sont pas encore tannés de nous voir et ils apprécient quand ils ont une opportunité de nous voir jouer dans leur coin. Ils sont peut-être plus motivés à se déplacer en sachant qu’on a fait 10-12 h de route pour aller jouer là-bas.

Je ne dirais pas que votre succès a été instantané, mais vous avez réussi à vous tailler une place très rapidement, comparé à d’autres bands qui piétinent depuis plus longtemps. À quoi attribuez-vous cette reconnaissance rapide de la scène ?

C’est une très bonne question. Honnêtement, je ne sais pas. On joue de la musique avant tout pour le plaisir, on ne se fait pas d’attentes. On travaille fort pour faire de la musique qui nous ressemble et qui nous fait vibrer. On vit le moment présent parce qu’on ne sait jamais quand est ce qu’on ne pourra plus vivre notre passion à fond. Et on partage ça avec ceux qui veulent bien être présents et s’ils embarquent dans notre trip tant mieux. On ne se prend pas au sérieux, on est près du monde, on aime le vrai et probablement que ça se ressent.

Sinon, je dirais que dans le monde dans lequel on vit, peut-être que nos chansons sont arrivées au bon moment dans la vie des gens. Nos chansons parlent de la vie en général et certains s’y reconnaissent.  On essaie du mieux qu’on peut d’avoir une attitude positive malgré tout parce que même dans la grisaille, il y a toujours du beau qui ressort.

Peut-être qu’on est un peu différent de ce qui se fait, vu qu’on vient de la Côte-Nord. Ou peut être que le point soulevé plus haut compte un peu aussi, vu qu’on ne joue pas souvent, il y a un peu d’engouement par rapport au fait qu’on apporte un peu de nouveauté.

On a eu la chance de partager la scène avec plusieurs bands très nice aussi qui sont devenus des amis instantanément. Avec qui on a créé des liens solides et qui nous encouragent et nous supportent dans notre art. On pourrait simplement dire que les étoiles étaient alignées simplement afin qu’on ait le plus de fun possible à faire le truc qu’on aime le plus au monde ? Qui sait.

Comment êtes-vous perçus dans votre communauté, surtout dans le style que vous jouez ? Y a-t-il un public, de la demande ? Ou vous devez toujours vous exiler ?

Sept-Îles est une ville qui sait apprécier un bon show de punk rock. Quand on joue chez nous, c’est toujours un événement. Comme on dit : « y’a du monde à la messe » : les chums, la famille, les collègues, les enfants, les « matantes », tout le monde est là! C’est cool en maudit comme vibe. 🙂

Le seul problème, c’est qu’on ne peut pas jouer trop souvent si on veut que tout ce beau monde continue à tripper quand on joue. Alors on s’est dit qu’on ne ferait pas plus que 2-3 shows par année à Sept-Îles. Alors on apprécie chaque fois où l’on joue devant des gens sans exceptions.

On ne peut pas faire cette entrevue sans parler de votre présence au Punk Rock Holiday 2026. Pouvez-vous nous en parler ? Comment c’est arrivé ? Quel a été le processus ? etc.

Hey je me pince encore de ça ! Ça faisait quelques années que je voyais passer des vidéos de ce lieu complètement paradisiaque sur les réseaux et que je me disais faut aller là un jour. On avait des amis aussi qui voulaient y aller. Puis, en 2025, j’ai gagné un petit crédit voyage. Alors ça allait de soi, on allait à Tolmin en Slovénie pour vivre le Punk Rock Holiday en tant que festivaliers! C’était malade, un fest sur 5 jours, 2 scènes dans un parc national entouré de montagnes et de forêts luxuriantes sur le bord d’une rivière couleur émeraude. Il y a une pancarte Welcome to paradise en arrivant là-bas et on a vite compris pourquoi.

Bref. On pourra en reparler plus en détails à notre retour; je m’égare du sujet. Il y avait un kiosque où on pouvait déposer notre candidature. En fait, pour appliquer il faut absolument être sur place et laisser une copie physique. Aucune inscription en ligne. Heureusement on avait apporté quelques CD avec nous. Alors on a déposé notre candidature et balancé ça dans l’univers sans se faire d’attentes.

Quelques mois plus tard, comme on n’avait pas eu de retour et notre deuil était fait, on a cru qu’on n’avait pas été sélectionnés, car la programmation était prévue pour sortir dans les prochains jours. Et soudainement, il y a eu une publication Facebook qui disait que sur les 134 bands qui ont appliqué, 12 avaient leur place sur la programmation et le public devait voter pour 9 bands sur les 19 qu’ils avaient affichés. Quand on a vu notre nom dans la liste on n’en revenait juste pas. Pour nous c’était déjà un accomplissement en soi que notre nom sorte parmi les 134 bands qui avaient appliqué.

On s’est encore dit que, même si on n’était pas pris à la suite du vote, on serait super fier de ça!  Les gens ont voté, on a reçu près de 3000 votes et on a été choisis pour jouer sur le Beach Stage au bord de la rivière. Quelques jours après la programmation sortait et on n’en revenait pas encore. Ils nous ont contactés et on a confirmé le tout et nous voilà en train de planifier notre voyage en Slovénie. Mais cette fois, pour aller y jouer et pour aller prendre des vacances bien méritées en band, notre deuxième famille. Tsé, quand je parle d’étoiles alignées, ben voilà! À date tout ce qu’on a balancé dans l’univers s’est produit…TOUT. C’est fou!

Ah oui! Et j’en profite pour dire que j’ai encore quelques billets à vendre pour le festival (qui est sold out). Si jamais vous avez envie de venir vivre l’expérience PRH, contactez moi en privé sur messenger. Ça va me faire plaisir de vous influencer à venir vivre le trip d’une vie! 🙂

Vous avez été signé rapidement sur le label des chums de Thousand Island Records. Qu’est-ce que cela a changé pour vous ?

Ah Thousand Islands Records !!! Premièrement soyons honnêtes, ils sont tellement sweets comme humains, Cynthia et Bruno. Et tout le reste de l’équipe, une équipe du tonnerre. Ils ont des valeurs tellement similaires aux nôtres, que ça a cliqué instantanément. Ils nous ont tout de suite donné un gros élan de confiance mutuelle et beaucoup de support. Ils ont aussi grandement contribué à notre visibilité, notamment avec l’aide de Mike chez Earshot Media, qui nous a envoyé dans pleins de podcasts, de radios et de playlists partout dans le monde. Alors ça nous a mis sur la map en maudit à la sortie de Echoes of Tomorrow.

Ce qui est super cool avec ce label, c’est que chaque band de leur roster est important pour eux. Que ce soit le gros band le plus connu ou le plus petit band local, (pour ne pas dire le band du fin fond de la Côte-Nord) haha ! Tout le monde est égal. On ne sent pas qu’on est juste la saveur du mois et si on travaille de notre côté pour faire bouger les choses, ils sont là, pas loin. Ils nous appuient à 100% et c’est vraiment stimulant! Sans compter qu’ils ne nous oublient pas quand il y a une possibilité de nous suggérer sur un show.

À part le Punk Rock Holiday et le show des 10 ans de TIR, qu’est-ce qui s’en vient pour vous ?

Évidemment, il y a des trucs qu’on ne peut pas encore dévoiler. Mais on s’enligne pour notre plus gros été a date. À part la Slovénie en août, on avait été invités à jouer dans un festival en France, Le Gros Tonneau Festival à Artonne début mai. Nos amis de Dead Alright qui y avaient joué en 2023 nous avaient fortement vanté la qualité de ce festival, alors on a accepté l’invitation et avec l’aide de quelques contacts, on a réussi à s’organiser une petite tournée majoritairement en France et en Belgique. Les dates exactes et les lieux serons annoncés sous peu.

Et on joue chez nous à Sept-Îles le 18 Avril à la Salle des Congrès avec Love Those You miss.

Événement

On a d’autres belles annonces qui s’en viennent. Alors restez à l’affut sur nos réseaux sociaux pour la suite des choses.

Un gros merci le Bad Crew pour l’entrevue. C’était super cool de votre part de penser à nous. Vous faites une sacré belle job. On apprécie énormément votre support et tout ce que vous faites pour mettre la scène de l’avant et on a adoré répondre à des questions super pertinentes. On remet ça un de ces jours, d’ici-là on s’voit dans le pit!

Rédaction : Claudia Bo et Killing Daisies

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Salut The Deadwood,

Pouvez-vous nous parler de la composition de votre band ? Les membres, comment vous vous êtes rencontrés ? etc.

Le band a été formé pendant la pandémie par moi (Fred) et Derek. Nous voulions juste être un band internet et, après avoir sorti notre premier single, nous avons été signés sur notre premier label. Ensuite, des membres se sont rajoutés, dont Stéphane (lead guitar) et Charles au drum, et nous sommes maintenant avec un nouveau chanteur du nom de JC Magnan.

Comment se passe le processus musical au sein du groupe ?

Pour la plupart des pièces, j’arrive avec le gros des riffs et nous ajoutons chacun notre grain de sel pour arriver avec un produit assez violent et brutal.

Vous êtes plusieurs bands à partir pour l’Europe presque en même temps ? C’est du hasard ou ça s’est planifié comme ça?

C’est un hasard. Au départ, nous voulions organiser nous-mêmes notre tournée, mais nous avons eu une offre d’ouvrir pour Monstrosity, un band death légendaire de la Floride. Alors le choix était facile.

Est-ce la première fois que vous faites une tournée à l’étranger ?

Non, ce n’est pas notre première fois. L’an passé, nous sommes allés en tournée au Japon avec Humanity’s Last Breath. On a fait 4 shows. Et nous sommes aussi allés une semaine aux USA jouer, entre autres, au méga festival Inkcarceration Fest.

Qu’est-ce qui vous excite le plus à l’idée de tourner en Europe ?

L’Europe, pour nous, c’est the place to be quand t’es un musicien métal. Tous les bands que nous aimons viennent de là et c’est LA place à jouer. Nos chiffres démontrent que nous sommes plus populaires en Europe.

Y a-t-il des villes ou des salles que vous avez particulièrement hâte de découvrir ?

L’Allemagne, c’est une des places où nous voulons le plus jouer. La Croatie aussi risque d’être une place exceptionnelle.

Croyez-vous qu’il y a des différences entre le public québécois et le public européen ?

Je pense que le public européen est plus fan. Ce sont de très gros consommateurs de métal et je m’attends à être agréablement surpris.

Comment croyez-vous que la scène québécoise soit perçue là-bas ?

Il y a beaucoup de bons bands du Québec qui sont populaires là-bas : Cryptopsy, Get The Shot, Despised Icon. Alors je pense que les bands québécois sont très bien reçus, et les bands le redonnent.

Comment vous êtes-vous préparés pour cette tournée (logistique, répétitions, adaptation de la setlist) ?

Nous sommes chanceux, nous avons un genre de tout compris. Beaucoup d’équipement est fourni. Nous avons un set de 30 minutes à faire, alors nous allons jouer nos meilleures chansons ainsi qu’un morceau qui sort le 10 avril.

Avez-vous dû adapter votre spectacle pour le marché européen ?

Oui, vu que nous ouvrons le show. Alors on fait 30 minutes au lieu de 45-50. Mais ça va être un 30 minutes non-stop, ça va brasser sur un sale temps.

Merci de votre temps et toute l’équipe du crew vous souhaite une belle tournée !

Merci beaucoup et merci de faire connaître les bands locaux. Lâchez pas votre travail.

Rédaction : Claudia Bo et Deadwood

Correction : Marie-Joëlle Tremblay

Révision : Marie-Eve Landry

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Salut The Carringtons,

Pouvez-vous nous parler de la composition de votre band ? Les membres, comment vous vous êtes rencontrés, etc. ?

Salut le Bad Crew !
Longue histoire courte. The Carringtons existe officiellement depuis 12-13 ans, mais comme dans toute bonne série, le casting évolue au fil du temps. Ben (ex-Dance Laury Dance) est le seul présent depuis le jour 1. Alex (ex-Hipshot) est arrivé il y a plus de dix ans comme guitariste. Moi, je suis entré peu après, comme batteur… jusqu’à la pause en 2020. Quand on a décidé de recommencer en 2022-2023, j’avais l’envie d’apprendre la guitare et qu’on essaie de faire ça différemment. Charron a pris la basse en remplacement de Karl-Max. Finalement, je crois que c’est Dave (ex-Fifth Hour Hero) qui a approché Ben pour se joindre à nous.

Une game de chaise musicale, je crois.

Comment se passe le processus musical au sein du groupe ?

La plupart du temps, Ben arrive avec des maquettes. Ensuite, on se lance dans une sorte de back-and-forth. On se renvoie des idées, je le challenge sur les mélodies, les accords, les beats… et on retravaille les chansons. Des fois, ça part de mes de riffs. Quand les autres arrivent, les morceaux sont déjà construits dans l’ensemble. On a aussi pris une décision importante : mettre l’égo de côté. Pas de solos interminables, pas de démonstrations techniques inutiles… Le concept de nos chansons, c’est qu’elles sont toutes d’une durée de deux minutes. Dans cet univers-là, il n’y a pas de 15 minutes de gloire… elle dure 15 secondes.

Sinon, outre les compositions, on essaie d’utiliser les forces de chacun pour être le plus autosuffisant. Je suis designer graphique de formation, donc je gère tout ce qui touche les visuels (artwork, merch, etc.). Alex prend en charge le booking et participe sur la portion photos/vidéos. C’est aussi lui qui s’occupe d’imprimer la merch chez sa sœur, qui possède l’équipement nécessaire de sérigraphie.

Who else can you trust to run the family business except family? – Fallon Carrington

Vous êtes plusieurs bands à partir pour l’Europe presque en même temps. C’est du hasard ou ça s’est planifié comme ça ?

Total hasard. On savait que les boys de Don’t Try et Apes partaient dans les mêmes dates que nous. Ce qui est drôle, c’est qu’on part presque tous du même local de pratique pour traverser l’Atlantique… sans vraiment se croiser. Don’t Try joue à Londres le même soir que nous, mais à plus d’une heure de route. Il n’y aura donc malheureusement pas de pub crawl cette fois. Mais la prochaine fois, on pourrait peut-être organiser une soirée de type Quebec Invasion. Qui sait ?

Est-ce la première fois que vous faites une tournée à l’étranger ?

Oui !
Avant 2020, on avançait un peu moins vite. Avant les sorties de 2024, le dernier projet remontait à 2018. On a pris le temps d’écrire, d’enregistrer, de peaufiner notre son et, soudainement, les portes ont commencé à s’ouvrir. On a joué un peu en Ontario, mais là… on traverse l’océan. Et honnêtement, on ne réalise pas encore tout à fait !

Qu’est-ce qui vous excite le plus à l’idée de tourner en Europe ?

Depuis qu’on ne peut plus fumer sur les terrasses… c’est difficile à dire (rires). Mais sérieusement, jouer ses chansons sur un autre continent avec ses amis, rencontrer de nouvelles personnes, créer des liens, vivre dans une van et jouer du rock pendant une dizaine de jours… quand même assez difficile de demander mieux.

Y a-t-il des villes ou des salles que vous avez particulièrement hâte de découvrir ?

Notre séjour ne sera pas vraiment des vacances. On joue à Paris… mais pas de visite du Louvre, de la Tour Eiffel, pas d’Arc de Triomphe, etc. On débarque, on joue, on dort et on s’en va vers la Belgique. La Normandie nous intrigue vraiment pour son histoire. Sinon, c’est surtout que les salles, les organisateurs et les bands qu’on va rencontrer ont l’air incroyablement sweet.

Comment vous êtes-vous préparés pour cette tournée (logistique, répétitions, adaptation du setlist) ?

Alex s’est chargé de la portion booking pour 95 % de la tournée. C’est lui qui est entré en contact (par l’entremise de certains amis) avec les salles, les associations, les promoteurs, les bands, etc. On s’est un peu entraidé par la suite, afin d’optimiser l’itinéraire et la logistique (instruments, hébergement, etc.). Je me suis occupé de la portion visuelle pour l’affiche de la tournée et autres besoins nécessaires.

On a quelques shows préparatoires au Québec pour se remettre dans le bain. Notre dernier remontait à novembre 2025. Alors on s’est booké : St-Jean-sur-Richelieu (7 mars), Trois-Rivières (20 mars) et Victo (21 mars).

Le gros défi : Alex habite maintenant à Montréal, donc les répétitions full band se font rares.

On connaît nos chansons, mais quand elles durent deux minutes… donc 45 minutes de set, ça fait beaucoup de chansons.

Croyez-vous qu’il y a des différences entre le public québécois et le public européen ?

Same but different?

Pour eux, on reste une épice étrange qu’ils ne peuvent pas reproduire. On est des « Franco-Ricains » (s/o SeinsSucrer). Pour certains, on sera une découverte. Pour d’autres, juste le groupe invité.

Mais, parfois, les meilleures surprises viennent du groupe que tu ne connaissais pas.

Comment croyez-vous que la scène québécoise soit perçue là-bas ?

Je crois que le Québec a déjà laissé sa trace :
Get The Shot, Don’t Try, les Vulgaires Machins, Mute, The Sainte Catherines, Fifth Hour Hero…

J’en oublie fort probablement. Ils ont traversé l’Atlantique avant nous et ils ont ouvert des portes. D’autres le font encore.

Avez-vous dû adapter votre spectacle pour le marché européen ?

Quand je vais voir un band international, je ne veux pas qu’il adapte son show pour moi. Je veux voir ce qu’il fait vraiment. Alors on va faire pareil. On va monter sur scène, jouer nos chansons et voir ce qui se passe.

Le but : laisser une bonne impression… pour que la prochaine tournée soit encore plus grande.

Merci de votre temps ! Toute l’équipe du Crew vous souhaite une belle tournée !

Rédaction : Claudia Bo et The Carringtons

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Salut Dogo Suicide,

Pouvez-vous nous parler de la composition de votre band ? Les membres, comment vous vous êtes rencontrés ? Etc.

J’ai rencontré Manu lorsque j’avais six ans lors d’une sortie de camp de jour dans notre village natal. On a commencé à jouer de la musique ensemble au secondaire. Il m’a montré comment lire des tablatures.

Dogo a commencé en 2018 avec Jesse Bédard à la batterie. Richard W.T. a pris le relais derrière les tambours en 2020 et ce, jusqu’à tout récemment. Le line-up d’aujourd’hui est composé de Manu à la basse/au chant, Nico T. à la batterie/au chant et Nico C. à la guitare/au chant. Clémence Richard (choriste) joue parfois sur scène avec nous.

Comment se passe le processus de composition musicale au sein du groupe ?

J’arrive souvent au local avec des riffs ou des chansons semi-complètes. Manu aussi arrive souvent avec des idées ou des riffs. On s’obstine ensuite pendant quelques mois avant d’aller voir Zach pour enregistrer le tout à son studio, à Berthier-sur-Mer. J’écris les paroles entretemps.

Vous êtes plusieurs bands à partir pour l’Europe presque en même temps. C’est du hasard, ou ça s’est planifié comme ça ?

Aucunement planifié. À vrai dire, nous étions supposés y aller en novembre dernier, tout juste après la sortie de Tristesse Lucrative. Le déplacement de la tournée a finalement fait en sorte que plusieurs bands de Québec se trouveront en Europe simultanément. C’est drôle.

Est-ce la première fois que vous faites une tournée à l’étranger ?

Une tournée, oui, mais nous avons déjà joué en Belgique lors du festival Francofaune en 2024.

Qu’est-ce qui vous excite le plus à l’idée de tourner en Europe ?

Les frites et jouer dans de nouvelles villes.

Y a-t-il des villes ou des salles que vous avez particulièrement hâte de découvrir ?

On a hâte de jouer à Liège ; c’est la ville de nos amis de It It Anita.

Comment vous êtes-vous préparés pour cette tournée (logistique, répétitions, adaptation de la setlist) ?

Afin d’être parés à toute éventualité, nous nous sommes donnés comme objectif de tous devenir aussi musclés que l’ancien chanteur de Get The Shot avant le début de la tournée. Les muscles de l’un pourront servir d’oreiller pour un autre au cas où nous devrions dormir sur un plancher de crackhouse.

Merci de votre temps et toute l’équipe du crew vous souhaite une belle tournée !

Rédaction : Claudia Bo et Nico C.

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Salut Apes,

Pouvez-vous nous parler de la composition de votre band ? Les membres, comment vous vous êtes rencontrés ? etc.

Salut ! Apes, c’est d’abord 15 ans d’amitié, tricotée serrée. Nous sommes un noyau de trois guitaristes, un bassiste, un batteur et un chanteur. Patrick, Alexandre, Simon et Gabriel sont des vieux chums du Bas-du-Fleuve qui ont toujours joué de la musique ensemble. Phil et Louis, de Québec, se sont greffés aux alentours de 2020. Apes c’est un groupe de musique, mais aussi un club social et même un super club !

Le groupe s’est doté d’une troisième guitare avec Louis il y a quelques années ; c’était d’abord une « semi-joke » parce qu’il était parfois difficile de tous se rendre disponibles à cause de nos responsabilités familiales et professionnelles. On pouvait toujours avoir deux des trois guitaristes pour faire des shows. Finalement, c’est devenu une permanence et ç’a renforcé le son du groupe et ajouté des possibilités d’écriture.

Comment se passe le processus musical au sein du groupe ?

Patrick compose la majorité des riffs comme matière brute, mais l’écriture se passe en groupe. Avec six membres, on a peaufiné l’art du débat dans Apes ! Comme nous avons tous un peu le même background musical métal, punk et hardcore, mais on écoute différents trucs au quotidien. On prend la matière brute, on monte des chansons, on débat sur la structure, des ajouts, des riffs supplémentaires… c’est un défi de faire ça en gang, mais finalement, c’est la meilleure façon pour nous de composer.

On se délègue tous divers rôles pour la gestion du band : le booking, la gérance, la merch, la direction artistique, etc. C’est vraiment pratique par ailleurs d’avoir un designer graphique de renom dans le band (Alexandre Goulet, au vocal, connu sous le nom de Goule x Design). Les designs de pochette et de la marchandise sont incroyables et ça coûte peu cher 😉

Vous êtes plusieurs bands à partir pour l’Europe presque en même temps ? C’est du hasard ou ça s’est planifié comme ça?

C’est du pur hasard. Un beau hasard, je dirais. Le marché européen est très chargé, mais ils nous ont trouvé de la place ! Nous avons travaillé très fort pour bâtir cette tournée, et nous sommes fiers de voir autant de bons bands du Québec qui traversent aussi l’Atlantique pour représenter la scène underground québécoise. Nous avons un esprit très collaboratif et nous sommes toujours enjoués de voir des groupes que nous respectons qui ont du succès.

Est-ce la première fois que vous faites une tournée à l’étranger ?

Nous avons été invités à jouer sur des gros lineups aux États-Unis au cours des dernières années, mais ce sera notre première vraie tournée en sol étranger. Le niveau d’excitation est palpable.

Qu’est-ce qui vous excite le plus à l’idée de tourner en Europe ?

Tourner en Europe, c’est un rite de passage pour tout groupe. Les mentalités sont un peu différentes dans les scènes underground européennes : l’esprit est plus communautaire et DIY, les promoteur.es sont structuré.es en associations, les bands sont accueillis avec un repas et un endroit pour dormir et on trouve parfois des superbes salles dans de toutes petites villes. Tout ça nous fait plaisir. Ça contraste avec l’accueil typique en Amérique du Nord, où c’est souvent beaucoup plus froid et transactionnel. Et parlons franchement, pour des épicuriens comme les gars de Apes, il y aura beaucoup de vin et de fromage au rendez-vous !

C’est tout un défi de monter une première tournée en Europe. Il faut des contacts. Alors petit à petit, par beaucoup de travail et avec l’intervention de connaissances proches ou lointaines, nous avons réussi à monter un bel itinéraire. Déjà, des liens sont tissés. Nous avons sincèrement hâte de faire connaissance avec chaque personne qui nous accueillera, et d’agrandir notre cercle avec de nouveaux groupes et de nouvelles personnes. On a déjà hâte d’y retourner en 2027.

Y a-t-il des villes ou des salles que vous avez particulièrement hâte de découvrir ?

Franchement, on a hâte à tout. Notre passage dans l’Ouest avec Brasiers (de Nantes) sera certainement mémorable. La date à Bruxelles, au Magasin4, sera probablement le peak de la tournée : nous y jouerons avec nos CDC (crisses de chums) de Don’t Try, aussi de Québec. Impossible que ça ne vire pas en gros party ! Il y a aussi le show au GueulardPlus, qui est une salle qui fait beaucoup parler, dans une petite ville appelée Nilvange près du Luxembourg. Enfin, on termine la tournée sur un festival hardcore à Colmar qui aura de très bons groupes.

Voyez-vous des différences entre le public québécois et le public européen ?

Pas tellement ! Louis et Gabriel, qui tournent régulièrement en Europe sur d’autres projets, disent qu’à part l’occasionnelle barrière de langue, tout le monde est là pour les mêmes raisons : voir un bon show, brasser un peu, acheter un t-shirt et manger un kebab !

Comment croyez-vous que la scène québécoise soit perçue là-bas ?

La scène underground québécoise a une réputation solide en Europe. Il y a de gros groupes qui battent la trail pour nous depuis longtemps, et ça, c’est une fierté.

Du côté d’Apes, on s’identifie plus au métal et au hardcore. Déjà dans les années 90, des groupes comme Gorguts, Cryptopsy et Kataklysm ont mis le Québec sur la map à l’international. Dans les années 2000, Despised Icon, Beneath the Massacre et Ion Dissonance ont continué le travail et solidifié cette réputation. Depuis au moins dix ans, Get the Shot s’est imposé avec succès en Europe, et aujourd’hui des groupes comme Béton Armé, Prowl et Don’t Try perpétuent cette tradition.

Ce qui nous rend encore plus fiers, c’est que la majorité de ces groupes sont des amis. Le Québec est petit, mais il frappe fort.

Comment vous êtes-vous préparés pour cette tournée (logistique, répétitions, adaptation du setlist) ?

C’est beaucoup de planning ! Mais nous avons l’expérience de gérer nous-mêmes la plupart de nos shows, alors on a l’habitude. Logistique de transport, location d’équipement, budget, booking, hébergement, commande de merch… on parle de centaines de courriels pour organiser tout ça, mais ça se fait dans le plaisir. Apes est une machine bien rodée.

Comme nous serons en position headline pour une majorité de shows, nous avons dû ajouter pas mal de chansons sur notre setlist habituel. On fait un mélange d’un peu tout. On pratique chaque semaine depuis des années, alors ça y va !

Aussi sur cette tournée, on officialise la venue d’un nouveau membre dans la troupe, Guillaume Lambert, car Louis joue aussi dans Don’t Try, qui sont aussi très occupés. Guillaume est un chum, un bon troubadour et un musicien très talentueux… ça promet ! Coudonc, sommes-nous rendus à quatre guitaristes ? Je pense que oui.

Merci de votre temps et toute l’équipe du crew vous souhaite une belle tournée !

Rédaction : Claudia Bo et Gabriel D’Amours

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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BC : Salut Carey et merci d’être notre tête d’affiche du mois d’août. Tout d’abord, pouvez-vous nous expliquer le nom du band, Carey? Ça réfère à quoi au juste?

Carey : Pour commencer, merci de nous donner cette belle visibilité. Le nom Carey vient de l’ancienne mine d’amiante Carey Canadian (ou « La Carey ») située à East Broughton. Elle a été active de 1958 à 1986.

BC : Vous êtes un band originaire de la région de l’Amiante en Chaudière-Appalaches (pour les néophytes, il s’agit du coin de Thetford Mines, anciennement Asbestos et les environs). Votre musique porte essentiellement sur la vie minière qui a caractérisé votre région. Pourquoi ce grand intérêt envers le contexte minier de votre région?

Carey :  En fait, l’ancienne ville d’Asbestos se trouve en Estrie. Malgré son lien évident avec la région de l’Amiante, cette dernière fait plus référence à ce que les gens appellent aujourd’hui la région de Thetford, près de la Beauce.

Visuellement, le passé minier est omniprésent dans les paysages de la région. C’est une histoire riche et tumultueuse qui a changé le cours de l’histoire du Québec. Presque tout le monde ici a de la famille qui a travaillé directement ou indirectement dans l’industrie minière de l’époque.

Le contexte de « mineur de père en fils » s’est terminé lorsque notre génération était encore très jeune et a créé une cassure. On sent encore les répercussions aujourd’hui. C’est l’histoire de nos parents, de nos grands-parents, des générations qui les ont précédés; c’est notre histoire.

BC : Pouvez-vous nous expliquer pourquoi vous avez choisi de fonder toute votre œuvre sur ce même thème?

Carey : Lorsqu’on a débuté le projet, je savais que je ne voulais pas des paroles/thèmes qui ressemblent à tout ce qui se fait traditionnellement dans le hardcore/punk. J’étais très influencé par des groupes qui ont des concepts assez poussés comme Cult Of Luna, Santa Sangre et Fall Of Efrafa. Particulièrement, le groupe Unholy de Syracuse qui avait un concept lié à la littérature d’horreur.

Pour ces raisons, l’idée de baser le concept sur l’histoire minière de notre région est venue assez naturellement. Nous avons tous grandi en étant témoins de la désinformation concernant notre région et son histoire. Ainsi, nous trouvions qu’il était important de réajuster le tir en proposant un contenu qui donnait une voix à ceux qui ont vécu l’industrie de l’amiante au premier plan.

C’est certain qu’un jour, on aura fait le tour du concept et de certaines expressions qui en découlent. À ce moment-là, il faudra peut-être penser à changer de filon!  

BC : Croyez-vous que votre musique a ce pouvoir, de changer les mentalités et faire bouger les choses?

Carey : Si nos paroles peuvent amener des réflexions sur certaines situations liées à l’industrie minière et aux conditions de travail, on aura peut-être bien allumé une petite flamme qui pourra éventuellement grandir.

Par exemple, faire réaliser que les redevances minières doivent être révisées. Ou attirer l’attention sur le fait qu’il est immoral qu’une compagnie étrangère vienne siphonner nos ressources naturelles, à nos frais, et qu’elle reparte après avoir empoché tous les profits, en laissant un écosystème cicatrisé de façon permanente.

BC : Est-ce que vous voyez votre projet comme une forme de mémoire collective ou plutôt comme une revendication sociale?

Carey : Je pense qu’à la base, c’était plus une façon artistique de conserver la mémoire collective régionale. Mais tout ça s’est vite transformé en « de grâce, tirez leçon de ce qui est arrivé dans notre région » sans qu’on en ait vraiment l’intention. Comme nous sommes tous issus de la classe ouvrière, il y a certainement des expériences personnelles qui font leur chemin pour se retrouver collées au concept qu’on développe avec le band.

Je crois qu’inconsciemment, on revendique d’une part le refus d’un dogme conservateur ou socialiste, que ce soit en critiquant à la fois le capitalisme et le syndicalisme dans une même chanson : Pierre-Elliot Trudeau, Maurice Duplessis et le PQ dans une autre.

Personne n’est à l’abri. Ni ceux qui ont profité de la fibre ni ceux qui l’ont bannie sous le couvert de la vertu aux profits de pays comme la Russie et le Brésil. Ils se foutent bien des conditions de travail des mineurs (ou des travailleurs qui utilisent l’amiante dans les pays acheteurs).

D’autre part, on essaie d’encourager une réflexion sur l’exploitation du chrysotile dans l’optique où, ce n’est pas la fibre elle-même qui est dangereuse, mais plutôt la façon dont elle a été exploitée/utilisée pour maximiser les profits au détriment de la sécurité des travailleurs. Tout ça, encore une fois, en envoyant les profits générés par nos ressources à l’étranger. Je m’écarte peut-être un peu de la question…

BC : Votre musique porte essentiellement sur les conditions de la classe ouvrière. Comment voyez-vous la place de cette classe dans un Québec de plus en plus fragmenté?

Carey : La classe ouvrière est de moins en moins présente. Tout comme la possibilité d’avoir un travail d’ouvrier et de pouvoir subvenir aux besoins d’une famille avec un seul salaire. C’était encore le cas dans les années 90. Maintenant, les ménages ont deux salaires, mais ils ont à peine les moyens de vivre confortablement.

On fait venir des travailleurs étrangers qu’on utilise pour faire des jobs qui ont été dévalorisées pendant des années. Puis, on se sert de leurs statuts précaires pour les exploiter, comme nos grands-parents se sont fait exploiter. On les utilise pour faire le peu de jobs ouvrières qui n’ont pas déjà été transférées dans des pays plus défavorisés.

J’ai l’impression que les différents paliers gouvernementaux prennent les problèmes dans leurs poches droites et les mettent dans leurs poches gauches. Ensuite, ils mettent en place des mesures ineffectives que personne ne demande. J’essaie de réfléchir à un exemple de mesure qui a été prise dans l’intérêt ou même avec l’appui de la population dans les dernières années, mais je n’en trouve pas.

Une chose est certaine, l’exploitation de la classe ouvrière est encore bien là. Et malheureusement, elle semble maintenant aussi inclure l’entité qui a été créée spécifiquement pour la défendre.

BC : Comment votre musique est-elle perçue au-delà de votre région, dans des endroits qui ne vivent pas la même réalité?

Carey : Je pense que dans presque chaque région, il y a une réalité qui fait que les gens peuvent facilement s’identifier à nos thèmes. Certains liens se font plus naturellement et mènent à des relations organiques, comme avec Copperfield ou Guhn Twei de Rouyn-Noranda qui ont aussi été développés autour de l’industrie minière. D’autres fois, les gens me parlent de situations similaires que leurs parents ont vécu dans d’autres industries (textile, construction, transport, etc.) de diverses régions du Québec ou d’ailleurs.

C’est arrivé à quelques reprises que les gens soient un peu craintifs à cause de la réputation de l’amiante qui nous suit partout. Mais ça ouvre le dialogue. C’est vraiment moins pire qu’à l’époque où on a commencé dans nos premiers bands. Juste le fait de provenir de la région de l’Amiante faisait reculer les gens de deux pieds!

De façon générale, je pense que toutes les régions peuvent voir des similitudes avec la nôtre et peuvent s’identifier avec les sujets dont on parle.

BC : King Beaver Phase One a été enregistrée en une seule prise dans une cabane située au bord d’une mine d’amiante abandonnée à East Broughton. Que cela représente-t-il pour vous? Quel était le but derrière cette approche artistique?

Carey : L’idée est venue durant la composition du EP. On a décidé de faire trois chansons qui se fondent ensemble. On s’est dit que cela pourrait être cool d’enregistrer live pour capturer l’ambiance le plus fidèlement possible. Nos amis de Grand Morne l’avaient fait quelques années auparavant avec un très bon résultat.

Des bands comme Unbroken ont réussi à capturer une vibe unique en faisant la même chose. J’ai donc pensé qu’on pourrait créer un produit qui sonne organique. Mais aussi, qui traduit bien l’atmosphère du groupe en enregistrant tous en même temps dans la même pièce en une seule take.

On a tout de suite pensé à notre chum Jacob (Mixbus Studio), avec qui on avait déjà collaboré à quelques reprises, pour enregistrer le EP. Il a rapidement offert de filmer la performance. On voulait trouver un endroit significatif qui sonnerait bien. Après s’être fait refuser notre première idée à cause de nos paroles, ma conjointe a proposé cet endroit. Comme on connait les personnes qui s’en occupent, le processus a été beaucoup plus simple et rapide!

Pendant le développement du projet, j’ai pensé à toutes les fois où j’ai eu le feeling qu’un album était trop liché, surproduit ou digital. Je me suis dit que si on arrivait à sortir quelque chose qui sonne naturel, mais professionnel, peut-être que cela pourrait donner le goût à d’autres bands de tenter l’expérience. De plus, c’est tellement plus le fun de jammer avec ses amis, plutôt que d’être enfermé dans un booth pendant des heures à essayer de faire tout parfaitement, et ce, malgré les quelques fausses notes!

BC : Souhaitez-vous ajouter quelque chose? Peut-être de nous parler de ce qui s’en vient pour Carey dans les prochaines semaines, prochains mois?

Carey : Au moment où l’entrevue sortira, on viendra tout juste de terminer une fin de semaine de shows avec Guhn Twei et Vaste. J’espère, que ça aura bien été. Pour ce qui s’en vient, on est en train de travailler sur quelques shows cet automne, dans l’Est canadien et ici. Je ne peux pas donner de détails encore. Suivez nos pages pour avoir plus d’informations en lien avec nos dates futures.

On travaille aussi sur un split avec un band de chums. Encore une fois, je ne peux pas donner trop de détails. Mais je peux dire qu’on aura une vieille et une nouvelle chanson.  Cette dernière sera un hommage aux « gobeuses », les femmes qui séparaient la fibre d’amiante de la roche (cobbing). Elles ont été des pionnières du travail ouvrier pour les femmes, ce qui était très rare, voire inexistant à cette époque. Merci beaucoup pour l’entrevue et pour tout ce que vous faites pour promouvoir la scène d’ici!

Rédaction : Claudia Bo et Carey

Correction : Lux Mundi

Révision : Marie-Eve Landry

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