On s’attarde longtemps dehors sur le trottoir, avant que la musique ne commence, fraternisant avec les nombreux irréductibles du Culte. Lorsqu’on rentre, Les Dérapeutes sont déjà installés et entonnent leurs premières notes. Je crois même avoir aperçu un vinyle (?) du band sur la table de merch, info confirmée entre deux tunes par le groupe. D’ailleurs, il s’agit de leur premier album sous ce format.

L’ambiance est aussi festive qu’au cours de la journée, et on chante avec Les Dérapeutes comme autour d’un feu. Réflexologie, L’Indifférence et d’autres encore, les fans connaissent les mots du noir trio jusqu’à la dernière syllabe. On danse et on boit dans cette ambiance singulièrement intime. Au bout d’un certain temps, mes forces m’abandonnent pour de bon, et je suis quitte pour un p’tit dodo dans le char, Jerry-Cherry prenant le relais pour la suite. 

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Les Dérapeutes honorent les derniers survivants et leur Culte

Yann Dessureault (guitare) a probablement dû voir Julie s’éclipser, vu qu’après son départ il demande qui, dans la salle, est présent depuis 10 heures 30 ce matin. Quelques voix se font entendre. En effet, suite au décompte de chacune des heures, Yann remarque que la majorité des survivants sont arrivés dans l’après-midi pour rester jusqu’à la clôture du Culte.

Yann s’élance dans un petit discours que tous applaudissent, et on partage ses dires de bon cœur. Il se dit très fier de cette édition grandiose du Culte de Port Alfred, 100% régionale. Il ajoute que plusieurs rêvaient d’un tel festival depuis au moins vingt-cinq ans (plus ou moins selon la génération).

En résumé, que dire d’autre ? Il y a rien de mieux qu’une bonne « dérapie » avec Les Dérapeutes.

Grand Chef Bandit, vous m’donnez l’goût d’partir su’a brosse

J’économisai mes forces une partie de la journée pour atteindre le band du Last call : Grand Chef Bandit (GCB). Par ailleurs, j’attendais de les voir pour la première fois sur scène, afin de m’imprégner totalement de l’esprit festif de GCB.

Wow ! Seulement mon corps brûlé de la journée et une légère reprise en main m’empêchent de partir sur une dérape.

Chaque chanson a une rythmique ne laissant place qu’à l’envie de danser et de festoyer. Tassez les tables et les chaises, soyez prêt à bouger avec Grand Chef Bandit. « Ça t’rentre dans l’corps, c’est électrique » pour citer quelques lignes leur tune Pouce magique. Cette dernière relate un fait divers arrivé au Saguenay au début des années 2000. Fallait oser. Connaissant la référence, j’ai ri durant les quatre minutes de la chanson.

Grand Chef Bandit démontre sans conteste que le SagLac peut encore nous surprendre avec de nouveaux groupes, harmonisant le punk, le folk et même le country. Cette recette régionale, mise à la sauce de GCB transmet une énergie pure à chaque moment de la représentation.

À voir et revoir, entre ami(es), pour une soirée de type « boire et déboires ». Bref, je me rends; conquis que je suis par Grand Chef Bandit.

Rédaction : Julie Fortin et Jerry-Cherry

Photographie : Jerrey-Cherry

Correction & révision : Julie Fortin

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À mon arrivée, le site a des allures de kermesse paroissiale, tellement l’assistance et les kiosques sont variés. Il va sans dire qu’un tel événement fait rayonner tout le Saglac, et bien plus encore.

Les retombées visibles du Culte

Les efforts déployés lors des trois premières éditions ont visiblement payé, puisque des travaux sont en cours sur le bâtiment. À ce propos, sachez que Patrimoine Saint-Édouard a acquis l’église en 2025, pour un symbolique dollar. Depuis lors, la réfection du toit et de la fenestration est allée bon train, pour un résultat aussi éblouissant que brillant. D’ailleurs, un des vieux pinacles est exposé au pied de la flèche, son jumeau flambant neuf trônant déjà sur le toit.

De ce que j’en ai lu, Ville de Saguenay acquerra l’église pour la même somme symbolique, une fois ces travaux réalisés. Plusieurs projets sont présentement sur la table, notamment celui d’y aménager une bibliothèque. Qui vivra, verra.

GFK, Le hardcore à son meilleur

GFK commence sa seule prestation de 2026 sous un ciel boudeur, aucunement impressionné par la grisaille d’après-midi. Immédiatement, le band garoche ses accords vigoureux sous les hourras de la foule, parmi laquelle courent des enfants et des chiens. Un jeune métalleux déploie le drapeau du Saguenay parmi les bulles qui volètent allègrement dans les airs. Cela ajoute à la magie du jour. « Merci d’être présent avec nous autres, on est vraiment chanceux », de dire Jessy (voix) en introduction. On est content aussi, aucun doute.

Le groupe, formé en 1996, est dans une forme olympienne. Le drum propose un beat rapide, l’audience en redemande. Que demander de mieux pour atteindre le bonheur ? GFK nous conduit de titre en titre, survolant ainsi l’ensemble de sa discographie. Globaliverne et Rethinking Basic Antiracism me font bondir en arrière direction 2004, me rappelant au passage leur show de 2006, pour la sortie de Thanatopolicy. Mais je m’égare…

Malgré les ans, le son de GFK n’a rien perdu de sa superbe : c’est percutant et distorsionné avec une voix forte. J’adore. Le band chante les thèmes qu’il a toujours portés : la lutte contre l’homophobie, le racisme, le totalitarisme, etc. Tous ces sujets sont d’autant plus actuels, au vu de la situation mondiale… Toujours est-il que GFK frappe les esprits de ses justes revendications.

Fernando, le gars d’show

En guise d’introduction pour Power Is Invisible, Jessy présente Fernando au public. Mais qui est Fernando, me direz-vous ?  Ce n’est ni plus ni moins qu’un mannequin gonflable tagué de multiples autographes. Il suit GFK partout dans le Québec, et possède même sa propre page Facebook. Le band propose un bodysurfing pour Fernando, tout en précisant qu’il n’est destiné qu’à cet usage. Évidemment, cette tirade suscite bien des gloussements dans le crowd. Enfin, la chanson New World Orchestra sonne le glas de la prestation. Franchement délicieux.

Finalement, force est de constater que Fernando s’est bien envoyé en l’air, puisqu’il a aussi été aperçu dans le pit lors de Necronomicon.  C’était fabuleux.

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Au cœur de la tempête

Comme une accalmie au cœur de la tempête, s’élèvent les notes doucereuses d’Eléonore Dessureault. Sa prestation calme, presque tendre, vise assurément à calmer les enfants avant le souper. Et ça fonctionne : ses rythmes lents et doux enjoignent la foule à un apaisement certain, et les courses enfantines s’espacent de loin en loin.

Promenade au cœur de l’Art

Durant cet intermède, je déambule parmi les kiosques afin d’étancher ma soif d’Art. De facto, mes yeux se régalent des œuvres humoristiques de Lormand Namour et s’écarquillent devant la fresque de Joëlle Gobeil. Les stands de tatouage de Emman Soul Ink,  RH needles, Captain Bricolage et de Fleurs de  Lou ne sont pas en reste et proposent une foule de pièces-éclair pour graver le Culte dans ta peau.

Puis, j’analyse un moment les tableaux et les sculptures de Marie-Michèle Gourde et de Jean Delisle. Ensuite, je plonge tête la première dans la sérigraphie de Joanie Simard, avec qui je tape la jasette. J’y apprends qu’elle est membre de L’assistante riposte et en profite pour glaner quelques infos sur le futur de la formation. T’sais, tant qu’à y être ! Un peu partout, on aperçoit la patte de David Dallaire, fidèle au Culte depuis ses débuts.

LeParc, aussi amusant qu’un carré de sable

Juste à entendre la rumeur durant la journée, on savait que le set de la formation LeParc était des plus attendus. Leurs chansons instrumentales oscillent entre le rock garage et le stoner, et présentent parfois des sonorités plus funk, voire un tantinet psychédéliques. Évidemment, cet intermède musical est délicieux à l’oreille. Les gens se sont massés – et c’est le cas de le dire – devant la scène afin de profiter de chaque note, jusqu’à épuisement du son.

LeParc, quatuor jusqu’alors  inconnu de mes propres tympans, vient de Jonquière et définit sa musique comme étant du “rock prog ludique”. À voir le fun qui fuse du stage, cette affirmation est définitivement juste. Effectivement, les musiciens complices semblent s’amuser énormément lors de cette prestation étonnamment décoiffante. Je vous invite d’ailleurs à écouter leur album, Au Parc, lancé à la fin d’avril. Vous allez voir, ils ont de quoi à dire, même en restant silencieux.

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Les Double Dry Bowes… comme la bière

Durant l’entracte, deuxième apparition des Double Dry Bowes depuis celle de l’après-midi.  En effet, Mat Lévesque et Simon Trottier assurent la transition vers Necronomicon. Ce duo humoristique aux paroles salaces et impromptues, frappe fort et gagne gros, faisant se bidonner toute l’assistance. Dès le premier mot et jusqu’à la fin, ce couple d’impolis partage des tranches de vie et des vieilles tunes de son cru. 

Cet intermède sans censure aux sujets aussi simples que les Prime Time aux raisins ou la bière, suscite beaucoup de rires et de commentaires parmi la foule. En bout de ligne, Les Double Dry Bowes auront tenu leur promesse de “tout donner jusqu’au boutte” en 15 minutes.  Pour un band-pas band qui est parti d’une joke, c’est réussi. Plus sérieusement, allez lire l’histoire de leur genèse (ici), vous allez pisser de rire.

Necronomicon, 35 ans plus tard

Durant la pause et jusqu’au début du show, le public en place évolue pour se colorer du noir des amoureux du métal. Chaque personne présente anticipe avec délectation le moment où Necronomicon apparaîtra sur scène, pour une première à La Baie depuis 1991. De fait, la foule réagit bruyamment à leur présentation et accueille le band à corps et à cris, prête à tout.

Dès lors, les rythmes lourds et rapides de Necronomicon emplissent l’air, chargeant l’atmosphère d’une énergie indescriptible. Et là, il se passe de quoi, tous happés que nous sommes par ce black/death métal aussi dynamique que pesant. Comprenez-moi bien : On savait que ça allait être “métal”, mais là, on a carrément plongé dans le côté sombre et délicieux de la chose.

Quelques tunes passent, et on retourne en 1998 avec Pharaoh Of Gods puissante, rapide, poignante. 

Un retour aux sources

Entre les chansons, Rob The Witch (voix / guitare) se remémore : « nos premières photos en ‘91 c’était en avant cette fucking church là. » C’est fou de constater à quel point la Vie a ce don de tous nous ramener à certains moments précis dans nos existences, un genre de full circle si je puis dire. Je crois bien que, pour Necronomicon, c’était un peu ça à cet instant. C’est émouvant. 

Puis, la musique reprend, et la foule plonge avidement dans l’obscurité décadente de la musique, s’en délecte. Et j’en suis. Les rythmes et la profondeur – dirais-je la noirceur – du son sont tout à fait hypnotiques, combinés à la rapidité du drum, qui vient nous chercher dans le fond des tripes. Plus tard, Rob (voix) s’enquiert :  » Qui c’est ici qui connait pas Necronomicon ?” Peu de mains se lèvent à son grand étonnement. 

Il relate au public les débuts de la formation, le départ pour Montréal, la percée du band… On se sent chanceux d’ouïr ces confidences qui n’en sont pas, on accueille avec compassion sa crainte avouée de rejouer dans son patelin après avoir fait le tour du monde. Quand même, ce gars de La Baie, il en a fait du chemin…

Un peu plus de Necronomicon avant la fin

Une fois la jasette terminée, The Witch lance : “êtes vous prêts pour plus ?” Évidemment qu’on en veut plus : on en prendra jusqu’à ce qu’il n’y en ait plus. Tout de suite, il enchaîne : “la prochaine tune est sur notre dernier album (Unus) […] Paradise Lost« . S’ensuit une quasi-frénésie, le pit se déchaîne encore un peu plus, les têtes bangent, les chevelures volent. 

Peu avant les dernières pièces, le groupe redirige les fans vers sa page Facebook pour l’achat de merch’ et de musique, puisqu’ils ont… malencontreusement omis d’embarquer la boîte. Ce sont des choses qui arrivent. Enfin, Necronomicon tient à préciser que l’ensemble des bénéfices des ventes lui revient, dans une prise de position contre la grosse industrie, qui appauvrit les artistes comme autant de cancers. Personne ne saurait être plus en accord avec ces propos. Le spectacle s’achève sur un rappel ardemment réclamé par le public.

Un peu plus tard, une vidéo partagée par le band promettait un retour sur l’une des scènes de la région dans un futur plus ou moins rapproché.  En attendant, Necronomicon jouera le 12 septembre prochain, à Québec. Tenez-vous le pour dit.

Fred Fortin, un p’tit coup de rock avant de partir

Juste avant l’entrée en scène de Fred Fortin, les cloches sonnent pour la première fois depuis leur restauration. Dans leur résonance, s’élèvent aussi les cris, les bras et les hourras des gens, dans un moment énergique, empreint de solennité.

Il y a belle lurette que j’ai perdu la carrière et la musique de Fred Fortin de vue. Toutefois, le voilà qui nourrit la foule d’un généreux rock’n’roll, aux envolées blues/jazz sur les bords. Le foule, loin d’être fatiguée, se colle un peu plus et forme une bulle d’intimité.  Profitant de la noirceur fraîchement tombée, des projections illuminent la façade en simultané. Mon esprit vagabonde avec les images, au même tempo que la musique. De gammes en solos, la prestation se dirige vers son terme.

Puisqu’il ne pouvait quitter le crowd comme ça, Fred introduit son rappel par un “câline de bine de tabarouette”, avant d’entonner “quelques chansons salaces » et bien assumées, comme T’es grosse pis t’es belle, que la foule chante en chœur. C’était une belle soirée avant l’after. D’ailleurs, surveillez bien la sortie des articles racontant les hauts faits de l’après-midi et de l’après-spectacle.

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Le Culte d’Overbass à Port-Alfred – Un p’tit tour au Culte de Port-Alfred – La Baie embrasse le Culte !

Rédaction : Julie Fortin

Photographie : Jerry-Cherry

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Mes très chers adeptes du Culte de Port Alfred, quelle édition magistrale pour cette quatrième année ! Au vu de leur programmation, je serais arrivé plus tard en journée, désireux que je suis d’être frais et dispos jusqu’à l’after. Finalement, j’ai opté pour un aller-retour de reconnaissance.  

Bref, je me suis laissé surprendre par NA$-T et les Double Dry Bowes. Laissez-moi vous conter ce petit passage qui aura fait de bien belles vagues…

NA$-T, première artiste hip-hop du Culte

Actuellement, elle est reconnue comme étant la seule représentante féminine de la scène rap au Saguenay. J’étais très content d’avoir l’occasion de la voir au Culte, puisque j’avais manqué sa prestation à Jonquière en Musique quelques semaines auparavant. D’ailleurs, elle y partageait la scène avec Taktika et Black Taboo, des piliers de la scène hip-hop au Québec.

NA$-T avance sur la scène du Culte d’un pas moins sautillant qu’à son habitude. En effet, elle est porteuse d’un heureux événement et rayonne dès son entrée. Elle discute abondamment avec son public entre les tunes. Elle prend même le temps de dire au public qu’elle « trouve vraiment l’fun » que l’auditoire connaisse les paroles durant sa chanson Again. 

NA$-T ne fait peut-être pas partie de mon répertoire habituel, mais j’entends les échos de sa vibe depuis un moment. Elle mérite amplement ses galons, et qu’on en parle en bien ou en mal, l’important c’est qu’elle fait parler. Ses détracteurs n’ont qu’à bien se tenir.

Il est digne de mentionner que NA$-T a par ailleurs laissé la scène à un jeune rappeur de Saint-Honoré lui donnant ainsi une chance de performer à ce festival culte. Le jeune Kay Z a surement gagné quelques adeptes depuis son passage sur le perron de l’église.

Les Double Dry Bowes, polémique et mal de joues

Je suis en chemin vers la sortie du site, quand j’entends l’appel de Fred Gagné, fier MC du Culte. C’est un call qui me prend par le collet et fait que je rebrousse chemin. En effet, il annonce un intermède chanté, avec les Double Dry Bowes. Connaissant les deux hilarants humoristes composant ce duo, je fais demi-tour. Et, il faut se le dire, ça valait le détour.

Le temps d’une quinzaine de minutes, on partage des fous rires avec Mat Lévesque et Simon Trottier. C’est ben pour dire, mes joues en ont souffert jusqu’à leur court retour à 19 heures. Avec leurs chansons aux textes simplement niaiseux, on ne peut que s’écrouler de rire ! On a même vu la pleine lune au milieu du jour, faut le faire. 

Double Dry Bowes, c’est de l’humour au second degré porté par deux malades, et tout le monde se prête à leur délire. J’ai peut-être vu fuir quelques enfants; n’empêche que tous ceux présent se sont follement amusés.  

D’ailleurs, je quitte le site les yeux dans l’eau, laissant Julie vous raconter la suite …

Rédaction & photographie : Jerry-Cherry

Correction & révision : Julie Fortin

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En quelle année le groupe original a-t-il été formé?

Le groupe SymBioz a été fondé en 1998.

Qui étaient les membres de la formation originale?

La formation originale était composée de Luc Gauthier, René Lebrun, Ben Claveau, Martin Hallée et
Joël Labbé.

Luc Gauthier est aujourd’hui le seul membre de la formation actuelle ayant un lien direct avec cette
première période. Auteur, compositeur, interprète et également fondateur du groupe, il représente le pont entre les racines de SymBioz et sa nouvelle évolution sous le nom de SymBioz 2.0.

Photo d’archive Symbioz 2002

Quels lieux, événements ou scènes ont marqué les années 1990 et 2000?

L’un des événements marquants de cette période demeure le lancement du premier album au
Vieux Clocher de Sherbrooke.

Le groupe avait également participé à l’émission La vie en Estrie, diffusée à TQS. Cette présence
télévisuelle a également contribué à faire connaître le projet et à inscrire SymBioz dans le paysage musical de l’époque.

Le groupe a-t-il enregistré des démos, des albums ou des captations durant cette période?

SymBioz a produit deux albums.

Le premier album, intitulé Prisonnier, est sorti en 2003. Il a d’ailleurs été enregistré entièrement de manière analogique.

Ensuite, le deuxième album, Coït interrompu, est sorti en 2006 et a été réalisé à partir d’un processus
d’enregistrement numérique.

Ces deux albums représentent les premières fondations musicales et historiques du groupe.

Pourquoi le projet s’est-il interrompu ou transformé?

Après le deuxième album, des conflits entre la maison de production et le groupe ont provoqué la
dissolution de la formation.
Cette interruption a marqué la fin d’une première époque, mais elle n’a jamais complètement effacé
le désir de créer, de composer et de faire vivre l’identité de SymBioz.

Qu’est-ce qui a déclenché la relance en 2023?

La relance est née après environ dix années de collaboration musicale entre Luc et July.
Sous le nom de Lulu et Juju. En effet, le duo présentait des spectacles dans des bars, des événements
corporatifs et des fêtes privées. Leur complicité musicale et leur amour commun de la musique leur
ont donné ainsi, l’envie de pousser l’expérience plus loin.

Cette volonté a mené à la reformation du groupe sous une nouvelle identité : SymBioz 2.0.

Parce que cette relance, représente à la fois un retour aux racines et le début d’une nouvelle étape, avec une nouvelle voix, une nouvelle énergie, de nouvelles collaborations et une vision artistique
renouvelée.

Quels membres actuels ont un lien direct avec la première période?

Bien que Luc Gauthier est le seul membre actuel directement lié à la formation originale de 1998. Son rôle dépasse celui d’un musicien. Il est le fondateur historique du projet, un auteur, un
compositeur et un interprète qui assure la continuité entre l’histoire de SymBioz et son
développement actuel.

Bien que les autres membres apportent une nouvelle identité, de nouvelles expériences et une énergie qui permettent au projet d’évoluer tout en conservant ses racines.

Que signifie aujourd’hui le nom SymBioz 2.0 pour Luc et l’équipe?

SymBioz 2.0 représente une nouvelle relance après les événements ayant mené à la dissolution du
groupe en 2006.

Le « 2.0 » symbolise une reconstruction, une évolution et une nouvelle manière de travailler.

Le projet conserve les racines musicales et humaines du SymBioz original, tout en intégrant de
nouveaux membres, de nouvelles méthodes de production, de nouvelles collaborations et un
écosystème artistique plus large.

Le nom prend également un sens particulièrement fort dans la manière dont le projet se développe
aujourd’hui : plusieurs personnes et plusieurs entités différentes réunissent leurs forces pour
avancer vers une même finalité.

SymBioz 2.0 devient ainsi plus qu’un nom de groupe. Il représente une véritable symbiose entre la
musique, les arts visuels, la production audio, la production audiovisuelle, la vidéo, les médias, la
radio, la scène et le développement artistique.

Quelle est l’histoire personnelle derrière la chanson What You Made of Me?

Luc et BRNDT ont chacun développé leur musique de leur côté, tout en entretenant une belle
collaboration artistique.

À une certaine période, July, la chanteuse actuelle de SymBioz 2.0, traversait des moments difficiles.
BRNDT a alors écrit un texte inspiré de ce qu’elle vivait.

De son côté, Luc a composé la mélodie afin de donner une vie musicale et émotionnelle aux paroles
de BRNDT.

C’est de cette rencontre entre une expérience humaine, un texte et une composition qu’est née la
chanson What You Made of Me.

Cette chanson possède donc une dimension profondément personnelle. Elle transforme une
période difficile en œuvre musicale et témoigne de la capacité de la création à donner un sens
nouveau aux expériences vécues.

Quel rôle chaque partenaire a-t-il joué concrètement dans le
développement actuel?

La relance de SymBioz 2.0 repose sur la complémentarité de plusieurs artistes, producteurs,
studios, médias et collaborateurs.

Les membres de SymBioz 2.0 apportent leur identité musicale, leurs compositions, leur
interprétation, leur énergie ainsi que leurs expériences personnelles et professionnelles. Luc
Gauthier assure la continuité historique du projet et contribue directement à sa direction musicale.

• Meyden – Mouvement Artistique du Québec et Studio Lujamko agissent comme coproducteurs du
  projet. Cette coproduction permet de réunir la production artistique, la structuration du projet, la
  réalisation audiovisuelle et la production audio à l’intérieur d’une même vision. Meyden agit comme une structure d’incubation, de coordination, de direction artistique, de production et de mise en convergence. Son rôle consiste à relier les différentes contributions, à organiser les collaborations et à transformer plusieurs initiatives individuelles en une campagne cohérente.

• Studio Lujamko contribue donc au développement musical, à la production audio et à la qualité sonore du projet. Son expertise permet de transformer les compositions et les interprétations du groupe en une œuvre sonore solide, actuelle et cohérente avec l’identité de SymBioz 2.0.

• Matthieu Prudhomme, fondateur de Meyden – Mouvement Artistique du Québec, accompagne Luc et SymBioz 2.0 dans la structuration, le positionnement et le développement global du projet.

• Nadine Samuel, à travers ProdRek, a créé et peint les œuvres visuelles intégrées au projet.
  Son travail apporte une dimension artistique forte, originale et immersive à l’univers de What You
  Made of Me. Les œuvres de Nadine ne servent pas uniquement de décors. Elles participent directement à l’identité visuelle, à la narration et à l’atmosphère du vidéoclip.

• ProdRek devient ainsi l’un des piliers de la production visuelle du projet, en donnant une matière,
  une couleur et une profondeur artistique à l’univers de SymBioz 2.0.

• L’agence L’Étiquette participe de ce fait, au développement éditorial et médiatique du projet. Son rôle permet de documenter la relance du groupe, de raconter son histoire et de construire un lien entre SymBioz 2.0, le milieu artistique et le public.

• LP Radio contribue à faire connaître l’histoire, la musique et la nouvelle évolution de SymBioz 2.0
  auprès d’un public plus large. La radio devient un espace de transmission dans lequel les membres
  du groupe, les collaborateurs et les producteurs peuvent expliquer leur démarche et faire découvrir
  l’univers du projet.

Meyden, Studio Lujamko et ProdRek représentent ainsi trois structures de production
complémentaires réunies autour du groupe SymBioz 2.0.

Les trois productions et le groupe ne travaillent pas simplement côte à côte. Ils avancent réellement
en symbiose. Chaque entité conserve son identité, son expertise et sa valeur, tout en contribuant à une œuvre commune qui devient plus forte que la somme de ses différentes parties.

Cette collaboration illustre directement la vision de Meyden : démontrer que plusieurs artistes,
entreprises, producteurs, studios et médias peuvent travailler ensemble, dans le respect de leurs
identités respectives, afin de faire progresser un projet beaucoup plus loin.

Derrière le jeu de mots se trouve une réalité concrète : le développement de SymBioz 2.0 devient
possible grâce à la mise en commun de plusieurs forces complémentaires.

Qu’est-ce que le groupe veut accomplir après le spectacle du 22 août 2026?

Après le spectacle du 22 août 2026, le groupe souhaite se concentrer sur la conception et la
production de son prochain album, dont la sortie est prévue en 2027.

Le spectacle représente une étape importante dans la relance du groupe. Il permettra de présenter
cette nouvelle énergie sur scène, de créer du contenu, de rejoindre le public et de consolider le
positionnement de SymBioz 2.0.

La campagne développée autour du vidéoclip, des œuvres visuelles, des médias, de la radio et du
spectacle servira également de fondation pour la prochaine étape.

L’objectif est de poursuivre la progression du groupe de manière structurée, tout en maintenant et
en développant l’écosystème de collaborateurs qui accompagne actuellement son évolution.

La production du prochain album représente donc plus qu’un nouvel enregistrement. Elle doit
devenir l’aboutissement de cette nouvelle symbiose entre le groupe, Meyden, Studio Lujamko,
ProdRek et les partenaires qui participent à son rayonnement.

Lien de l’événement :https://www.facebook.com/events/979748304826314/?acontext=%7B%22event_action_history%22%3A[%7B%22surface%22%3A%22search%22%7D%2C%7B%22mechanism%22%3A%22attachment%22%2C%22surface%22%3A%22newsfeed%22%7D]%2C%22ref_notif_type%22%3Anull%7D

Quel message SymBioz 2.0 souhaite-t-il transmettre aux personnes qui l’ont connu autrefois et au nouveau public?

Le message central de SymBioz 2.0 est simple : tout est possible!

Parce que le groupe revient avec une nouvelle voix, une nouvelle énergie et un nouveau son, tout en
conservant les racines originales de SymBioz.

Cette relance démontre qu’un projet peut traverser les années, les changements, les épreuves et les
transformations, puis retrouver une nouvelle vie lorsque les bonnes personnes réunissent leurs
forces.

Aux personnes qui ont connu le groupe autrefois, SymBioz 2.0 souhaite présenter une continuité
renouvelée.

Donc, au nouveau public, le groupe souhaite offrir un univers actuel, authentique et profondément
humain.

L’histoire de SymBioz 2.0 invite les gens à continuer de croire en leurs rêves, à reconnaître la force
des collaborations et à comprendre que plusieurs personnes peuvent accomplir ensemble ce
qu’elles auraient difficilement pu réaliser seules.

Crédit photo : Shanna Sherman

En conclusion

Après toutes ces années, Symbioz 2.0 prouve que la passion de la musique ne disparaît jamais. Entre le respect de leurs racines et l’envie d’explorer de nouvelles avenues, le groupe amorce ce nouveau chapitre avec la même énergie qui les animait à leurs débuts.

Restez à l’affût de leurs prochaines sorties et suivez Symbioz 2.0 sur Facebook pour ne rien manquer de leurs nouveautés, de leurs projets et de leurs spectacles.

https://www.facebook.com/symbioz2

Vous aurez également l’occasion de les découvrir sur scène le 22 août au Cabaret des Curiosités, dans le cadre de l’After Warped, en compagnie de Matante Mutante et Burn The Abyss. Une excellente occasion de constater par vous-même que la flamme de Symbioz brûle toujours aussi intensément.

Crédit photo : Shanna Sherman

https://www.youtube.com/@SymBioZ2.0-d9g/videos

Rédaction : Marie-Lyne Jean

Aide à la recherche d’archive : Matthieu Prudhomme

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Symbioz 2.0 : la renaissance d’un groupe qui refuse de s’éteindre est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Belle brochette d’artistes, comme dira JP le Pad à une heure plus tardive. Bon Enfant rimera avec l’ouverture des premières bières et breuvages alcoolisés, ou non. Le prochain groupe tant attendu est Fred Fortin ainsi que ses amis.

J’arrive sur le lieu de consécration de notre identité québécoise pour cette année, toujours le temps d’une journée. Il est tôt, 18h30, car je savais que ce serait très achalandé et chaotique. Pas une fine pluie, mais tout un orage nous tombe sur la caboche. Un déluge qui finit par me tremper jusqu’aux os. Je bois ma bière, mais elle se remplit de plus en plus…

Bon Enfant

Y mouille à siots. Je bois dans ma cannette de bière, mais elle se remplit au lieu de se vider. Météo en cours semblable au spectacle d’il y a plusieurs années de NOFX sur la Zone Portuaire de Chicoutimi, mais cette fois-ci, je n’ai pas de teinture rouge en provenance de mes cheveux qui me coule sur le visage.

Il est temps que ça commence à 19h06, Bon Enfant est prêt à l’illustrer. Groupe rock alternatif de Montréal, actif depuis 2019. Formation composée de : Daphné (chant), Guillaume (guitare), Étienne (batterie), Mélissa (claviers) et Alex Burger (basse). Guillaume fait aussi crier sa basse dans un autre groupe que je suis, Jesuslesfilles.

Je les écoute via leur page Bandcamp depuis de nombreuses années, mais ça n’avait pas encore adonné de les voir live. La chanteuse arbore un magnifique blouson de cuir à l’effigie du Québec pour l’occasion, et la maîtresse du piano, une veste bleu flash.

Bien entendu, ils nous offrent des chansons présentes sur leur album Demande spéciale, paru en 2024. Jouant également des plus vieilles chansons classiques, connues du public et réussissant à nous envoûter à un point de ne plus s’attarder au fait que nous sommes trempés. Passant de mélodies plus accélérées à des balades tranquilles. Rock on!

La pluie s’estompe ou ce n’est qu’une accalmie. Alors, je profite de la transition entre deux groupes pour aller m’assécher en troquant mon torchon mouillé pour un nouveau. Il était plus que temps que j’aille mettre en sécurité mes achats QRBP. Je me suis gréé du nouvel album Qu’acoustis-je, Qu’ouïs-je, Qu’entends-je en vinyle et en CD, car cette dernière version inclut un jeu de société !

Fred Fortin

Fred Fortin entre en scène en formule de trois musiciens prodiges. Je reconnais Olivier Langevin qui prend part à la plupart de leurs projets communs. Il ne faut pas omettre qu’ils unissent leurs forces musicales afin de faire rouler deux autres bands : Galaxie et Gros Mené.

Jetons-nous dans le rock plannant tout en racontant banalement, mais curieusement de façon intéressante, la vie quotidienne. Ce que chaque individu peut vivre, absorber et transcender constamment. Nous réalisons que nous sommes tous dans le même bateau : l’humain se ressemble plus que l’on ne le pense, malgré nos identités disparates.

Nous nous laissons aller, emportés par cette prestation magistrale. Trinité de gars électrisants qui ont du fun, plaisir partagé avec leurs fans acquis et nouveaux conquis.

QRBP

21h38 pis Québec Redneck Bluegrass Project se pointe la binette. Quoi dire de plus sur ce fantastique groupe saguenéen ? Savourons ce moment d’extase entre cinglés…

« Bonne Saint-Jean ma gang de capotés ! La pluie, ça s’est tassé. » Chacun des quatre membres a son propre micro sur pied avec un rack à cannette intégré, contenant la bière Gawa de la microbrasserie du Lac Saint-Jean, brassée en leur honneur.

Faut c’qui folk

JP se précipite rapidement dans un solo d’harmonica abrasif d’entrée de jeu. Après quelques livraisons musicales ayant trouvé aisément ses récepteurs, l’on s’adresse de nouveau à nous. « La sécurité, vous semblez être sur les nerfs. C’est ben relax ! »

Il est maintenant l’heure d’enligner de nouvelles créations : J’te watch, J’te trippe dessus, Le brasseux d’vaisselle… Nous sommes en territoire connu avec du folklore populaire et du joual à profusion. Ils chantent comme le monde parle, une formation familiale. Une chorégraphie exécutée chirurgicalement.

Court interlude loufoque animé par des gazous au bout de leurs lèvres. Du gros n’importe quoi, mais juste assez longtemps. Faut bien lâcher notre fou ! Un jeune homme en position horizontale passe près de moi en bodysurfing, il a déjà un bon bout de chemin de fait et il poursuit sa route vers l’arrière. Je continue de le surveiller et, 15 000 spectateurs plus loin, il s’est rendu jusqu’à la sortie. Pas nécessairement son objectif initial, je crois.

Man in a Suitcase

Bon là, il faut que je vous parle du concept des maquettes. On nous en avait présenté quelques unes l’an passé pour la tournée Chérie, j’ai réduit le décor. Depuis ce temps, l’idée a joliment évolué. Plusieurs caméras sont savamment installées afin de projeter la bonne image correspondante sur l’écran géant, utilisé comme toile de fond.

Le cinquième membre est fort occupé pour ce genre de spectacle auquel nous assistons. C’est l’homme à la valise ou plutôt, aux valises, contenant des figurines et accessoires miniatures ayant un rapport avec de nombreux sujets chantés. Il joue avec ses bébelles, ses créations éclatées, des jouets de qualité. Un train avec un wagon Labatt 50, un grinder, une van de loup…

Vente de bières en quantité phénoménale

Oh, mais qu’est-ce que mes tympans reçoivent présentement ? C’est bel et bien J’t’a côté d’la track ! Retournons à nos premiers amours avec l’album Sweet Mama Yeah! de 2010, où tout a commencé. « Bonne Saint-Jean tabarnak ! La machine pour les gouverner tous. Elle boit plus que moi, peut-être pas un soir de fête. » Vous l’avez deviné, le hit Pantera Arctic Cat Triple 800.

« C’est le meilleur bout du show. » Le Pad dévoile une bouteille de whisky entamée dans laquelle il s’abreuve d’une solide gorgée pour ensuite passer la puck à ses coéquipiers. « Ça va s’en aller de même c’te show-là. » tout en pointant vers le bas. « Ben non, es-tu prête ? »

Bruno Rodéo sort du backstage pour s’ajouter à l’orchestre campagnard avec un… triangle. Un peu de percussion ne fait pas de tort, au minimum pour une toune. Une autre chanson très attendue est servie sans surprise, car ils revêtent leur dossard orange de chasse. T’as-tu tué, avec une réception démesurée : l’hystérie.

Je constate que c’est déjà le début du rappel et qu’après, il faudra plier bagages. Québec Redneck Bluegrass Project se donne à fond en y allant de coups de bassin synchros. « J’vais slaquer de boire. Ben non, Chicout, déshérite-moi pas. Une tite dernière pour la route. » Chu ben plus cool su’a brosse, quelle bonne sélection ! L’un de mes tubes redneck favoris.

Tsé quand ça va pas ben, que tu travailles demain matin

Pour ma part, ce fut un spectacle extraordinaire et je m’avancerais même pour dire que c’était meilleur que l’an passé. Québec Redneck Bluegrass Project a marqué le terroir québécois, le fait présentement et le fera encore longtemps. Leur musique unique en son genre ne se démode pas, et elle est si entraînante. Elle a le pouvoir de rassembler, d’unifier et est remplie de bonne humeur à transmettre.

Cadeau idéal pour le 350e et la Saint-Jean-Baptiste. Soirée arrosée dans les deux sens du terme. Si vous les avez manqués ou désirez les revoir, le Gawa Fest sera prochainement près de chez vous.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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J’attaque cette continuité avec impatience afin de contempler des groupes conseillés à ne pas manquer ainsi qu’un seul connu avant aujourd’hui étant PyPy. La Noce de Coquelicot surprend moi! Se laisser guider vers des découvertes pour assouvir une soif impossible à étancher, un flot incessant. S’abreuvoir dans le puits inépuisable de la musique. C’est inévitablement excitant de voir un artiste live pour une première fois qui demeure la meilleure. Le start-up se déroule à la scène principale SiriusXM.

Violett Pi

Je retourne me percher confortablement à mon endroit de prédilection près de la scène principale SiriusXM, pour la présentation de Violett Pi. Rap improvisé pour remercier les commandites en les nommant un par un : SiriusXM, Hydro-Québec, Télé-Québec et Ubisoft. Ils sont prêts à réchauffer la gang malgré que nous n’avons vraiment pas besoin d’avoir plus chaud présentement. Je n’ai entendu que du bien de ces artistes exceptionnels autant sur la qualité de leurs compositions qu’à propos du rendu de celles-ci.

Des vieux de la vieille

Récidive après avoir enflammé le Saguenay et s’être établi une renommée plus élargie, depuis leur venue lors de la toute première édition de La Noce. Ils adorent s’endimancher de costumes des plus éclatés et décalés. Souliers disproportionnés clownesques et cravate jaunâtre complètent la peinture humaine vivante. Un guitariste en jaquette d’hôpital toi chose. Insertion d’un petit bout de la trame sonore de Mario Bros entre deux emportées musicales ou bien ça fait partie de la fin/début de l’une d’entre elles.

Il chante ses paroles savamment écrites, des poèmes d’une justesse sur le sentiment visé et propos intelligents diffusant une colère optimisée positivement. Clau, amie du chanteur, est invitée à l’accompagner en chœur pour le prochain morceau touchant tout comme les autres joués jusqu’à maintenant. Finissant par abandonner sa casquette afin de continuer à écrier à pleines dents ses prises de conscience alarmantes. Quelques difficultés de mémoire avant de débuter la prochaine sur le setlist. « Comme la soupe Lipton, ah est là, on la fait. » Tumultueux et attachant il peut être.

Le bassiste discret, que l’on peut facilement confondre avec un apôtre de Jésus de Nazareth, aime se positionner en retrait lorsqu’il est posté sur la scène. Le prophète des arrangements, agencements musicaux et effets sonores à point. Une envie soudaine lui prend de prendre une marche santé et de venir se nicher paisiblement sur les immenses caisses de son disposées entre le public et Violett Pi. Finalement, s’en retourne à sa place religieusement. « Je veux que tout le monde saute, même les ptits losers en arrière. »

J’en suis ébahi et conquis, je repars avec leurs albums en vinyle sous mon bras.

Death from above 1979

Mon plan de match était de ne revenir que pour l’after de PyPy, mais après avoir parcouru la liste des spectacles suivants ma décision change immédiatement. Death from above 1979 est fortement recommandé et attendu par de nombreux adeptes. Ce n’est pas pour rien qu’ils sont sélectionnés pour dominer le stage SiriusXM.

Du talent en paire

C’est parti, pour ceux qui existent depuis 2004. Je remarque d’emblée, effectue un décompte et ils ne sont que deux. Ça promet. J’ai une attirance automatique vers ce type de groupe. Comble de bonheur, c’est le drummer qui assure le chant. Ben oui, ça ne finira jamais de m’impressionner ce genre de setup. Wow!

Autre fait notable, son compatriote utilise une basse et un synthétiseur. Pas de guit, that’s it. « C’est notre deuxième spectacle de l’année… au Québec ». Le duo de moustachus torontois exécutent et domptent un rock agressif, abrasif et incisif. Ils me rappellent l’essence du band Teen Mortgage.

C’est impressionnant comment ses caisses de résonance sonnent comme c’est pas possible. Se défonce ou les défonce tellement qu’il fait un headbang, chevelure dans le peu de vent soufflant. Parfaitement bilingue, fluide, passant du français à l’anglais et de l’anglais au français. « Êtes-vous fiers d’Angine de Poitrine? Quand j’ai entendu ce nom pour la première fois, je croyais que c’était une femme corpulente. »

Le batteur finit par se lever de son trône pour aller chanter avec ses pantoufles ancrées sur le bord avant de son parterre. Il lance ses baguettes, qu’il avait trainé avec lui, dans le bain de foule au grand plaisir d’un ou deux chanceux. Une autre dernière toune qu’il faut donc apprécier davantage.

Je demeure encore sous le choc, j’en suis flabergasté! Je vais assurément en écouter à la maison, dans un avenir proche. Ses baguettes abimées déposées, disposées à ses pieds. Un admirateur de l’avant-scène s’en accapare une. Alors, je me dégêne et je m’approprie la seconde disponible. Beau souvenir ça!

La Pulperie

Tardif il est. 23h à l’horloge et je me dirige vers la scène Ubisoft accompagné de ma conjointe. Nous allons rejoindre un couple d’amis de Montréal qui ne manque aucune édition du Festival la Noce. Notre target est l’after avec les bien-aimés PyPy. En arrivant, nous sommes jetés à terre par cette vue traversant nos pupilles émerveillées. Des jeux de lumières donnant l’impression que les arbres sont en mouvement torrentiel.

Alix Fernz

Je ne connais pas Alix Fernz qui s’en vient. Ce style musical penche vers l’électro appuyé par pas un, mais deux synthés en symbiose. « Méchant festival de séquelles, ça fait cinq ans qu’on m’en parle. C’est la dernière soirée et vous survivez tous. »

Ils sont quatre de Montréal à produire ensemble du pop post-punk. Leur beat part dans un sens pour ensuite revenir dans l’autre. Un parolier francophone efficace. Alix est ben relax, arrivant à fumer sa top tout en chantonnant entre deux phrases ou mots. Microphone enfoncé dans sa gueule avant aussitôt de le revomir. Showman il est. Le temps s’est écoulé si rapidement avec ses préliminaires précédant PyPy.

PyPy

PyPy prend place. En dernier lieu, l’enchanteresse Annie-Claude Deschênes arrive difficilement escortée. « Entorse au dos, on le fait pareil le plus beau festival du monde. » Une productrice de contenu sans égal. Pas moins de trois formations dirigées par cette dame : Duchess Says, PyPy et sa carrière solo.

C’est une expérience

Ça fait un bout que je les ai croisés. Alors, je suis impatient d’entendre le jeu des titres de leur excellent album Sacred Times de 2024. Guitariste habillé d’un veston coloré de splashs de peinture

La tourmente est amorcée sans attente. Les tables à bières chambranlantes à la solidité et stabilité douteuse en ont pour leur compte. Une groove spéciale s’installe parmi nous. Après plusieurs chansons à la voix féminine, passons à un vocal masculin le temps d’une interprétation haute en couleurs. La formation d’un wall of death est réquisitionnée. Il savent animer leur public comme à chaque fois.

« Y’en a tu qui veulent divorcer ce soir? » Un trouple se porte volontaire à notre grande surprise. Annie-Claude procède au divorce des trois insatisfaits au sein de leur mariage paraît-il. Si Jean Divorce de DVTR aurait été présent, ça aurait été malade.

Des bâches d’armée, de chasse aux motifs de camouflage sont dépliées et installées en position de bodysurfing. Elles circulent et donnent un effet original, trippant. Ça ne manque pas, toujours une dose d’originalité injectée rendant leurs performances si uniques et courues.

Elle descend vers le niveau inférieur et s’accroupit en petit bonhomme au centre de l’action. Ensuite, elle demande à toutes les âmes en transe de faire de même. Nous attendons son signal pour s’élancer debout en synergie synchronisée.

Pour leur dernière chanson, leur guitariste a un fantasme d’aller sur la roche situé loin du stage. Il réussit à jouer où il le voulait à l’aide de son fil de guit à la longueur interminable. La finale est rien de moins que la chaise sur laquelle Annie-Claude était assise par moments qui part en voyage au-dessus de la foule, en bodysurf.

Lune de miel

J’ai eu vent de deux prestations surprises à la boutique Planète Claire : Thierry Larose et Elin Hall. Le festival La Noce se conclut comme étant une réussite sur toute sa ligne. Il affichait sold-out et une affluence record un petit peu aidée par l’engouement autour d’Angine de Poitrine on va se le dire. N’oublions pas que de nombreuses personnes sont présentes annuellement coûte que coûte et certains prennent leurs vacances en fonction de ses dates de tenue.

Mes découvertes coups de cœur personnels : Violett Pi et Death from above 1979. Merci aux organisateurs pour leur hospitalité hors-norme. Prochaine noce, pour la dixième édition, sera celle de Faïence. À l’an prochain!

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Mon tableau de chasse est garni de QRBP ayant participé à l’ouverture en 2022. Je me suis aussi pointé à l’after présentant justement PyPy jumelé à DVTR à la Nuit des Temps en 2024. Au final, je ne me suis donc jamais imprégné à 100%, à fond de ce concept éprouvé.

La Noce de Coquelicot

Qui dit noce, dit inévitablement mariage. Des mariages, coûtant 10$, sont célébrés pour ceux désirant se prêter au jeu. Ce qui fait régner l’amour dans l’oxygène inhalé. Sa programmation à en faire plusieurs jaloux livre assurément la marchandise sur quatre scènes et à l’intérieur de la salle du CEM. Ce qui en résulte un décor pourvu d’un cachet imprenable, le bonheur pour les photographes.

Commanditaires nombreux et sans conteste indispensables à cette réussite : SiriusXM, Hydro-Québec, Télé-Québec et Ubisoft. Comme vous l’avez constaté, chaque année porte une appellation propre à elle. Alors, remémorons-nous l’évolution parcourue afin d’en arriver à aujourd’hui :

• 2017 (1ère édition) : La Noce
• 2018 (2e édition) : La Noce de Coton
• 2019 (3e édition) : La Noce de Cuir
• 2020 (4e édition) : La Noce de Froment
• 2021 : Annulée
• 2022 (5e édition) : La Noce de Cire
• 2023 (6e édition) : La Noce de Bois
• 2024 (7e édition) : La Noce de Chypre
• 2025 (8e édition) : La Noce de Laine
• 2026 (9e édition) : La Noce de Coquelicot

Angine de Poitrine

Nous sommes le jeudi 2 juillet, je me faufile pour atteindre le plus imposant stage via la majestueuse zone avant-scène érigée. Le groupe planétaire de l’heure est de retour à la maison, chez eux, par défaut chez nous au Saguenay. Perspicaces vous êtes, vous avez identifiés Angine de Poitrine.

Je distingue plusieurs personnifications de leur univers associé, bricolages maison habillant certains fans et mordus. Bien entendu, j’ai trainé avec moi mon masque de Knh. Il fait excessivement chaud, alors je l’enfile seulement lorsque j’entends leurs micros tonalités initiales.

Deux individus cagoulés de noir et vêtus de vêtements à pois sont occupés à réaliser le soundcheck.

Dès leur introduction, ce qui me frappe le plus est le nouvel instrument détenu par Knh. Une guitare fusionnée à une basse, selon l’idée de départ du luthier Raphaël Breton, fabriquée par Godin spécialement pour lui. Elle est plus légère que son prédécesseur et d’un bleu reluisant en son cœur.

Les 5500 spectateurs regroupés sur le territoire temporaire du Festival la Noce qui passent sous les rayons perçants du soleil sont généreusement arrosés par des boyaux prévus à cet effet. Les frères de Poitrine semblent plus confortables que leurs précédentes apparitions au Saguenay, ils ont grandi et sont plus matures, expérimentés.

Maman, j’ai gonflé le bébé

Des dés géants gonflables sont lancés dans les airs. Knh s’en accapare un pour ensuite le poser sur le top de son chapeau pyramidal. Les deux incongrus s’amusent. Un spectateur se donne en spectacle avec son bodysurfing stylé étant étendu sur le dos et ses mains soudées ensemble formant un solide triangle.

À côté de moi, se dresse un bébé de Poitrine ; il a une mini-pyramide dorée sur sa petite tête.

Knh prend sa célèbre pose en équilibre sur une jambe à la Karaté Kid.

Les shows d’Angine de Poitrine passent toujours trop rapidement. Nous avons absorbé un setlist d’une durée de une heure intense. Prenons le temps de reprendre notre souffle suite à ce sprint musical. Je n’ai pas démordu de mon personnage en conservant mon masque de la première à la dernière chanson galactique.

CEM

Le CEM est un partenaire, allié de cet évènement annuel. Une navette de transport est offerte pour faciliter cette transition. Ils débarquent, des alcoolisés prêts à envahir la place et tripper sur un son lourd. J’entre et me dégotte une savoureuse Tranquilo de la microbrasserie Pie Braque.

Carences

Le premier groupe à ouvrir cette nouvelle phase est Carences. Trio descendu de Montréal.

Du punk post-hardcore, voilà ce que l’on reçoit. Chanteur sur la note et guitarise minutieux à la fois. Batteur aux mouvements très hauts, veut toucher les cieux. Bassiste aux poses spectaculaires dosant leur lourdeur.

Une liste de titres qui a durée 40 minutes très bien remplies.

Mulch

Mulch est un quatuor montréalais qui excelle dans le post-punk à la sauce stoner.

L’énergie composant le groupe est générée et canalisée par leur chanteuse, une frisée à lunettes qui en a dedans. Elle s’écrit beugle ses sombres textes.

Faze

Faze, formation aussi de la grande Métropole. Un ami nous signale qu’il les a déjà vus à l’oeuvre à cinq reprises, c’est donc un incontournable. Leur champ d’expertise est le punk hardcore.

J’allume instantanément que c’est le chanteur à la longue crinière qui incarne l’identité de Faze. Tellement énergique, il court, saute et danse brutalement. Fait tournoyer son gros micro au bout de mousse rouge tel un lasso. Singer dingo!

Qu’est-ce que j’aperçois là, une trompette! Ce morceau sort du lot de leur répertoire infernal. La foule est déjà en extase et ils interprètent un cover du band Blitz grâce à leur synthétiseur qui se met en valeur.

Scène Télé-Québec

Poursuite des hostilités à la scène Télé-Québec avantagée par son paysage époustouflant. J’ai réussi à la trouver de peine et de misère en empruntant un sentier sinueux d’une bonne distance à parcourir. Ça vaut le détour! L’illumination d’un réservoir niché sur une tour surplombant la scène couverte d’un duo de toitures. Spot à photos incroyable, à couper le souffle.

Enfants Sauvages

Je me pointe juste à temps pour Enfants Sauvages. Arrivée remarquée, Rox étalée sur un pickup avec son haut Harley Davidson et ses bobettes rougeâtres. Un orage se joint à la fête sans y être convoqué. Intermission imposée, break time le temps que ça passe. Espérons-le…

Yeah! Ils reprennent leur dévastation musicale. Deux jolies demoiselles dansent langoureusement aux devants de la scène. Le groupe de Québec donnent toujours des delivery uniques, artistiques et punks en criss.

À un certain moment, elles se mettent à nous asperger avec un fusil à l’eau. Au total, ils auront été victimes et interrompus deux fois par la satanée pluie. Presque quatre bombes larguées, ce fût bref, mais satisfaisant comme une tite vite.

Groovy Aardvark

Groovy Aardvark a patienté plus longuement que prévu, car ces éclairs flashant dans le ciel ont provoqué un décalage sur leur heure de début de concert. Le groupe québécois connu de tous célèbre ses 40 ans d’existence. Pourtant, première fois qu’ils sont de la partie pour le Festival la Noce.

La pluie se poursuit, mais nous ne sommes pas faits en chocolat. Je conserve mon sourire, tant qu’il n’y a pas d’autres dangers électriques à l’horizon. Je les ai savourés en live à d’innombrables reprises. Alors, je connais n’importe quel choix pouvant être inséré dans leur setlist, mais coup de théâtre… Vincent Peake annonce que la prochaine en sera une nouvelle! Cette toune se nomme C’est pas facile. Oh, ça sent le nouvel album dans les fourneaux…

Ce soir, je me sens raisonnable, pour une fois. Je prends la rare décision de quitter les lieux avant la fin. Étant sur semaine, je travaille demain matin ce qui me porte à aller me pieuter tôt… à 1h45 du matin. Je repense et rêve à Faze, ma découverte fracassante.

Dans les festivals, en plus de ressentir la vibe des groupes présents et leurs fans, chacun a sa personnalité assumée. La Noce est fusionnelle avec la musique et ne font qu’un. Matching parfait. Mariage voué à l’éternité. Je vous invite à lire mon autre article faisant état de la suite de mon trip au festival La Noce.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Crédit-photo : Samuel Gauvin (Groovy Aardvark)

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Ces montréalais promeuvent leur guépardeau, né en septembre 2025. Il porte comme nom Buzz Cult et sera présenté le 23 mai. Je brûle d’envie d’entendre ces nouveaux tubes live, depuis que je l’ai en vinyle. Mise en marché et en valeur grâce à la magnifique affiche dessinée par Stéphane Côté.

Productions Colimason

Qui de mieux placé pour s’assurer de la réussite de ce tour de force? Productions Colimason, qui était également l’organisateur leur participation saguenéenne précédente. C’était dans le cadre de la deuxième édition du festival Taverne fest, s’écoulant sur une période de deux jours, réunissant une multitude de bons bands judicieusement sélectionnés.

Le big boss c’est Michel Cantin, là pour se dévouer à la scène musicale en effervescence. Permettant à des idées et projets d’ainsi devenir tangibles, réalistes et réalisables. Il est fondateur de son groupe Bauxite, dans lequel il est le chanteur et bassiste.

BaP

Pour ce samedi, le 23 mai, je m’aventure au BaP. Arrivé sur place, je salue et jase avec les amis impatients de voir ou revoir Dirty Cheetah. Visite du bar et notre sélection s’arrête sur une bière faite de Matière rose!

Bauxite

Bauxite s’élance sur le stage suite à la fin de la game des Canadiens de Montréal. La stratégie à adopter en temps de séries éliminatoires afin d’avoir un auditoire à votre spectacle. « On casse la glace. »

Du peuple, pour le peuple

Ce qu’ils jouent, c’est du punk ouvrier bien fort. Michel, l’ogre qui grogne, fait savoir sa manière de penser et ses observations sur notre triste réalité sociale. Cordes vocales graves générant une voix rauque scandant des textes francophones parsemés de vérité et d’exagération.

J’observe attentivement le guitariste Yohan, qui déploie tout son talent, et il en a vraiment énormément à livrer. 22h22 est la prochaine composition enlignée vers nos tronches. « Une fois, on a réussi à la jouer à la bonne heure, c’était malade. »

Une société dépeinte

Voisin Gonflable nous est servi comme dernière envolée musicale. « Last one. » Le trio du Saguenay a du plaisir et il nous le communique aisément. Leur mandat est accompli, les deux autres groupes ont la pression d’accoter ce niveau.

Goth Pop

Goth Pop a même son propre drapeau, c’est dire comment ils sont rendus big. Seconde prestation scénique pour la troupe saguenéenne, après avoir fait la première partie de DVTR à Port-Alfred en mai. Les cinq compatriotes sont alignés à droite du flamboyant synthé rouge, prêt à éjecter ses notes.

Nous y retrouvons Pierrot (basse/vocal), Ghislain (synthé/vocal), Johnny (guitare), Samuel (guitare) et Sébastien (batterie). EP apparu en septembre 2025, intitulé First Fix et construit autour de trois titres renversants.

Fusion proposée

Association réfléchie du rock avec le post-punk dans une ambiance gothique, la résultante en est splendide, un spécimen rare. Le claviériste se joint au public pour chanter la suivante, il est déchaîné. Tout le monde s’en sort avec brio. Facile à constater en voyant la réponse des spectateurs qui dansent, suivant leurs rythmes soutenus. Band à surveiller… Répétez avec moi : Goth Pop.

Dirty Cheetah

Les Dirty Cheetah, vous les connaissiez bien, en tant que lecteur du Bad Crew, qui en a fait entre autres sa tête d’affiche pour le mois d’octobre 2024. Les quatre punk rock n’ rollers arrivent de la savane montréalaise pour étendre leur férocité partout où ils passent, et ce depuis 2017. Territoire marqué parmi chaque environnement hostile visité. Aux aguets!

Une question de subsistance

Se vidant les tripes comme si leur survie en dépendait. Vivre ou mourir, la loi de la jungle où le plus fort l’emporte et triomphe. « Mes cils tombent ». Léger problème technique, contrôle repris en les crissant au bout de ses bras. Un fan s’empare d’un tambourin pour accompagner les félins rugissants.

La guéparde

Lyn se précipite à l’avant-scène pour se dégourdir les tibias et afin d’assurer le chant le temps de l’une de ses chansons. La rockeuse du Québec est en feu. Je l’ai croisée au Pouzza FEST lorsqu’elle s’exécutait pour Taxi Girls. Pat assure son poste pendant cette période. Ils sont versatiles ces artistes, un instrument n’attend pas l’autre.

Dirty Cheetah attaque à l’aide de ses notes, accords, riffs, emportées musicales… Prédateur poursuivant sa proie, la sélection naturelle opère. Ils somment les gagnants, des dominants se hissant encore plus haut dans la chaine alimentaire underground, s’imposant dans le lot. Un son crasseux, garage de qualité, car il est tellement bien servi. Je m’en délecte!

Il ne faut pas vendre la peau du guépard avant de l’avoir tué

Dirty Cheetah, j’en écoute et je le ferai davantage sous les chaleurs de l’été qui est à nos portes. Sans oublier de souligner le travail remarquable des Productions Colimason. Deux bands du Saguenay nous en ont envoyé plein la gueule. Bauxite et Goth Pop, à continuer de suivre leur puissance s’émettre. Je m’en vais au lit, cette chasse animale m’a essoufflé et épuisé. Imagine, ce n’est même pas moi qui jouait.

À l’horizon, je distingue un calendrier de spectacles très mince en juin. Pour ma part, le prochain show auquel j’assisterai sera encore ici au BaP avec Tempête, Fokyoushima et Polonium 309. Ce vendredi 29 mai sera couvert par Jerry Cherry du Bad Crew.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Marie-Joëlle Tremblay

Révision : Marie-Eve Landry

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Les rois du downtempo deathcore gatinois de Beyond Deviation fracassent nos tympans une deuxième fois en moins d’un an avec leur EP Entities. Environ 11 mois après la sortie de Kanashimi, leur précédent EP se basant sur le thème de l’horreur japonais, celui-ci est un retour aux sources portant sur de l’horreur plus traditionnel et la dépression.

Histoire d’une musique infernale

En 2013, après une succession d’autres groupes, le guitariste dénommé Kris Chayer a créé Beyond Deviation avec une bande de chums, notamment avec le chanteur à la voix aussi stridente que d’outre-tombe, Guillaume Villeneuve. Leur renommée débuta dès leur premier EP de 2015 avec la chanson éponyme titrée White Noise. Guillaume quitta le groupe par la suite, mais il y revint en 2020.

Entre temps, quelques changements de line-up se produiront et Beyond Deviation sortira un EP, The Plague King, un album, Dark Passenger, et un split avec Martyrs intitulé Bridge of Extinction. Son retour est annoncé avec le titre Identity Crisis alors que Fred Nylist était encore à la voix. Ils ont donc formé un duo de vocalistes pour ce single et pour le record du monde du plus grand nombre de solos de chanteurs sur une seule chanson avec 400 (et tout autant de screamers). Emmanuel Jean les rejoignit à la batterie pour cette dernière réalisation.

Suivant le départ de Nylist qui ne se consacra qu’à son propre projet solo du même nom, Beyond Deviation sortit la peur des fonds marins, Thalassophobia, avant de prendre une pause de septembre 2023 à mai 2024. Kanashimi voit ensuite le jour. Il s’agit, en réalité, de la réécriture du EP qui devait sortir avec Nylist et Guillaume au cri.

(Si vous désirez en apprendre d’avantage sur l’histoire de Beyond Deviation, j’ai écrit un fanzine nommé Viande Liquide qui inclut ce super groupe de chez moi. Vous pouvez me contacter via ma page Instagram ou Facebook pour vous procurer une copie digitale gratuitement.)

Les créateurs de monstres

Le 27 avril dernier, deux autres membres se sont officiellement greffés au groupe pour le compléter : Martin Knight à la seconde guitare et Vince Campeau à la basse. Le premier single d’Entities, Extinct, émergea le 12 juin sur les plateformes d’écoute en ligne et le second, le titre éponyme, le 26 juin.

Kris s’est entièrement occupé de la composition et de l’écriture des paroles. Il a aussi fait la pochette du single d’Extinct sous le nom de Skincarve Artworks. Celle du EP est de Andik Godfinger et il porte bien son surnom puisque son art est magnifiquement monstrueux. Enfin, la production, le mixage et le mastering sont de Matt Schmidt.

Critique apocalytpique

1. L’EP accueille les auditeurs avec violence avec Melancholy. Les 18 premières secondes sont réservées à des cris viscéraux qui nous transportent tout de go dans un univers horrifique. Beyond Deviation défonce ensuite le standard des chants aigus avec le whistle scream reconnaissable de Guillaume, qui est souvent comparé au son d’une bouilloire ou d’un ptérodactyle, suivi par celui plus acéré de Travis Gunnels de I’ Shapeshifter. La musique qui les accompagne est apocalyptique entre les rythmes saccadés, les mélodies inconventionnelles et le bruit grave des instruments à cordes.

2. L’intro d’Extinct est semblable à celle de Alles für die Kinder de Till Lindemann ; elle produit un sentiment étrange et dérangeant. En revanche, la musique qui la suit est vachement plus lourde et violente de la part de Beyond Deviation. Extinct peut aussi rappeler leur titre White Noise avec le côté anxiogène que procure cette mixture de sonorités où se rencontrent la brutalité et la répétition de la mélodie sombre du début. La conclusion est un breakdown sans pareil avec encore l’intro et le son strident de la voix de Guillaume.

3. La batterie d’Emmanuel martèle nos tympans dès les premiers instants de Cold. Il réussit très bien à augmenter la tension durant le titre en fracassant ces baguettes sur ces tambours et cymbales, il y arrive particulièrement bien à partir de 54 secondes. Au même moment, les guitares et la basse jouent des notes à très basses fréquences alors que Guillaume rugit. Ce n’est qu’un peu moins d’une minute plus tard que Bryce Schedlbauer de Divine Destruction se joint à lui.

4. Si vous vous demandiez comment sonne l’enfer, Lucifer vous ferait écouter Entities. Ce titre est du chaos à l’état pur malgré un début très similaire à celui de Be Quiet and Drive (Far Away) de Deftones. Elle est heavy en tabarnak et prouve le talent du quintet pour la création de musique extrême, particulièrement celui de Kris qui a réussi à reproduire cette apocalypse en bruit écoutable. Il faut aussi souligner la performance vocale puisque Guillaume a encore chanté une des notes les plus aiguës que j’ai entendue.

Beyond Deviation est sans équivoque l’un des groupes de deathcore qui maîtrise le mieux le secret de la musique extrême horrifique. Ils sont tous les cinq des professionnels qui méritent une plus grande renommée.

Vous pourrez retrouver ces talentueux Gatinois le 4 juillet au Heavy Fest 2 de Toronto et le 26 juillet au El Gros Fest de Cantley. N’oubliez d’aller écouter Entities dès mi-juillet pour entendre leurs toutes nouvelles pièces extraordinairement bruyantes !

Merci à Kris de m’avoir permis d’écouter cet excellent EP en avance et de m’avoir permis d’écrire cet article.

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Youtube : https://www.youtube.com/@beyonddeviation

Spotify : https://open.spotify.com/intl-fr/artist/6bGhlZE9y0X5Gm8eJUbQP1?si=Ao3NaRE3RpeHs_3sb5RXhw

Bandcamp : https://beyonddeviation.bandcamp.com/

Pour d’autres articles portant sur le death metal/deathcore, c’est ici.

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Truck Violence, ce n’est pas un band qui te laisse respirer longtemps.
Dès que ça part, ça te rentre dedans.
Pas dans le chaos gratuit, dans quelque chose de travaillé, précis, qui frappe où il faut.

Formé en 2021, autour de Paul Lecours et Karsyn Henderson, après leur arrivée de l’Alberta vers Montréal, Truck Violence s’est rapidement construit une place particulière dans l’underground canadien.

Un projet né dans le déplacement, dans le déracinement, mais aussi dans une volonté de garder quelque chose de vrai malgré le changement de décor.

Autour d’eux viennent se greffer Chris Clegg à la basse et Thomas Hart aux percussions, complétant une formation qui semble fonctionner davantage comme une décharge collective que comme un simple band.

Avant même de devenir Truck Violence, le projet est passé par plusieurs formes.
D’abord sous le nom No Cru5t, puis Truck, le groupe explorait déjà différentes directions plus expérimentales, mélangeant hardcore, électronique et même certaines influences rap, avant de recentrer le tout vers quelque chose de plus organique, plus frontal.

Mais cette évolution-là se ressent encore aujourd’hui dans leur façon de composer.
Truck Violence ne sonne jamais complètement figé.

Installé maintenant dans la scène montréalaise, le groupe traîne avec lui une lourdeur qui dépasse le simple son.

Ça se sent dans l’attitude.
Dans la façon dont les morceaux avancent.
Dans cette impression constante que tout est chargé de quelque chose de plus profond.

L’album

Avec The Weathervane Is My Body, leur deuxième album, à paraître le 26 juin 2026 via The Flenser et Mothland, Truck Violence pousse encore plus loin ce mélange entre hardcore, sludge et racines folks.

Un mélange qui, au lieu de diluer l’impact, le renforce.

Y’a des passages qui frappent fort.
Riffs lourds, batterie qui cogne avec intention, voix qui ne cherche pas à être parfaite, mais juste vraie.

Pis entre ces moments-là, ça respire juste assez pour que la prochaine vague frappe encore plus fort.

Ce qui ressort surtout, c’est le travail derrière.
Rien ne sonne laissé au hasard.

Même dans ses passages les plus intenses, tu n’as jamais l’impression que c’est là pour remplir.

Chaque section a une place.
Chaque montée sert à quelque chose.

La production va dans ce sens-là.
C’est brut, mais maîtrisé.

Assez organique pour garder l’intensité, assez clair pour laisser passer chaque détail.

Un équilibre qui fait que l’album ne s’essouffle jamais.

Mais ce qui rend Truck Violence intéressant, c’est surtout leur capacité à mélanger des éléments qui, normalement, devraient entrer en collision.

Hardcore, sludge, touches folks, passages plus atmosphériques…
Tout coexiste sans jamais sonner forcé.

Et c’est probablement ce qui donne autant de personnalité au projet.

Sur scène, cette intensité prend encore une autre dimension.

Le groupe s’est déjà retrouvé dans plusieurs festivals importants, comme SXSW, Roadburn, Outbreak ou encore Roskilde, construisant tranquillement une réputation de band qui ne laisse personne complètement intact après un show.

Et honnêtement, ça se comprend.

Conclusion

The Weathervane Is My Body, ce n’est pas un album qui te met à distance.
C’est un album qui te frappe, qui te garde dedans.

Intense.
Maîtrisé.
Honnête.

Et surtout, porté par un groupe qui semble avoir trouvé exactement la façon dont il veut faire résonner sa colère.

Rédaction : Sach Gonthier

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

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Le 30 mai dernier, Tempête est annoncé, accompagné de Polonium 309 et Fokyoushima au Bar à Pitons (BaP). Surprenant en cette belle soirée, sous un ciel étonnement dégagé et encore ensoleillé pour l’heure, je me rends à pied au BaP pour assister à ce saccage total organisé par Factory entertainment.

Force est de constater un fait avéré : ailleurs dans la province, on attend avec impatience dans la salle que le show commence; au Saguenay, c’est le contraire. Les groupes attendent l’arrivée du public à l’extérieur. Cependant, au BaP, on a le plaisir d’avoir un feu de camp à l’extérieur, agrémenté de musiciens volontaires créant l’atmosphère. Pour dire, l’attente est très agréable sous les airs punk folk d’un guitariste et d’un joueur de banjo, sous la chaleur invitante des flammes, le temps de voir les gens commencer à arriver. 

Polonium 309 : style radioactif et mutation musicale

Le band est toujours très présent dans mon organisme depuis son dernier passage à Jonquière. J’ai encore quelques cellules saines requérant l’irradiation. Polonium 309 est entré cette année dans ma liste de groupes à ne pas manquer, pour y rester. 

Ce soir, on est en petit comité, juste la crème des crinqués, et une ambiance très conviviale se forme rapidement. Pour dire, entre les chansons, on jurerait être dans un show de garage avec des chums; les musiciens se lancent des piques avec le public. On lève tous ensemble nos verres entre chaque chanson, le fun est solidement pogné.

Encore une fois Polonium 309 affecte tout sur son passage et, comme son homonyme, il laisse une trace indélébile dans tous les organismes qu’il ravage de la puissance de sa musique. Mention spéciale au drummer; ce gars est d’une concentration presque hypnotique aux percussions, c’est malade.

Prochain show : La Ligne Verte

Vous pouvez voir Polonium 309 au Café La Ligne Verte à Montréal le 13 juin prochain. Le Café La Ligne Verte cherche des bands intéressés à jouer dans sa salle cet été (100 places). Si ça vous parle, voici leur adresse courriel : bookinglaligneverte@gmail.com.

Fokyoushima

Enfin ! Et oui enfin ! Fokyoushima, groupe de Saint-Prime, vétérans de la scène punk de ma région, dont nos chemins se sont souvent frôlés, mais jamais croisés. Musicalement, c’est un mélange de métal, punk avec un soupçon de vieux rock, aux paroles dénotant une habilité d’écriture ahurissante.

Fokyoushima rock la place et s’amuse autant que le public. C’est le chaos dans le crowd, et on prend à peine le temps de souffler entre les tounes. Les gens se garochent partout; je me croirais dans un jeu d’Hippo Gloutons. La seule pause notable fut celle pour la solidarité des micropénis entre deux chansons (Ah ! Fallait être là.)

Fierté régionale

Bref, que dire de plus sur Fokyoushima, le band roule depuis plus d’une dizaine d’années, et ce n’est pas sans raison. Le répertoire parle de lui même; aucun relâchement dans la discographie. Chaque album démontre sans conteste leur talent.

Je conclus en une phrase qui résume tout : Fokyoushima, un nom à inscrire dans l’histoire de la musique du Sag-Lac.

Tempête : meilleur dommage collatéral ever !

Pendant l’entracte on est plusieurs à se questionner au sujet de ce qui peut bien nous attendre par la suite. En effet, à l’extérieur, on lit le questionnement dans les yeux de plusieurs. Et pour cause, la majorité ne connait aucunement le prochain groupe, Tempête. Tous semblent dans le même état d’esprit : les deux groupes précédents ont donné tout un spectacle jusqu’ici… Si c’était ça le calme avant la tempête, c’est à se demander si on est préparés à ce qui va suivre.

Ce pressentiment s’est rapidement confirmé. Un départ à 9.5 sur l’échelle de distorsion, la première chanson instrumentale avec deux guitares qu’ils font vaciller devant les amplificateurs, comme un thérémine complètement psychédélique. Plusieurs dans le crowd se croisent du regard, les yeux arrondis à leur maximum, la stupéfaction se lisant sur chaque visage. J’ai même dû aider un ami figé dans sa stupeur, pointant le guitariste Antony Collin Bilodeau, la bouche béante et sans voix. Enfermez les mains de ce guitariste dans la cellule la plus recluse d’un asile abandonné, ses doigts sont fous à lier.

Les chansons de Tempête sont principalement instrumentales et jouées par trois musiciens hors pair. Peu de paroles, mais des messages forts et très réfléchis. Par ailleurs, je me dois de leur lancer des fleurs et le pot avec; je lève mon chapeau pour leur chanson sur le système de la santé et l’automédication : tout comme le sujet traité dans les paroles, la chanson est une cacophonie bien dosée.

Si Tempête est annoncé près de chez vous, laissez-vous emporter sans hésiter.

Rédaction et photo : Jerry Cherry

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Béton Armé

Comme toujours, Béton Armé captive l’âme de tous les amateurs de hardcore dès les premières notes distortionnées à la guitare. Des fans chantant toutes les paroles en avant étaient suivis par des personnes les voyant pour la première fois. Elles étaient placées timidement en arrière afin de ne pas se faire absorber par le pit assez agressif.

Béton Armé n’est pas Béton Armé sans Dan Prestone. Le frontman est une perle rare du hardcore avec sa présence scénique digne des légendes du punk comme Jello Biafra ou Ian Mackaye. Son corps en action constante, il communique une envie irrépressible de bouger. On ne peut s’en empêcher, dès qu’il descend pour crowdsurfer pendant un refrain, on ressent l’adrénaline coulant dans les veines des partisans du pit.

Véritable à leur inspiration des bands Oi! des années 80, les « woooh » chantés en chœur résonnaient à travers la Place des Arts. D’ailleurs, on y entendait encore des échos après que les amplis se soient éteints.

Groovy Aardvark

Groupe vétéran ensemble depuis maintenant 40 ans, Groovy Aardvark comptait le plus de personnes dans son crowd. Parents avec leurs jeunes enfants, adolescents venus de leur plein gré, personnes âgées, tous étaient venus pour de la musique transcendant les générations. Des cris beuglants qui rebondissaient sur les bâtiments autour avec des lumières stroboscopiques étaient coupés par les discours et échanges du band.

Ayant expliqué que chaque membre choisissait en alternance une chanson à reprendre, le band est parti pour un cover d’une chanson serbe, accompagné d’une violoniste.

« On est un band pacifiste », ils disent. « Les seuls punchs qu’on donne c’est des punchs musicaux »

Et des punchs musicaux, Groovy Aardvark en a donné. Ce groupe a marqué — et marque encore — la scène musicale québécoise. Poussant toujours les limites de la créativité, le groupe se retrouve encore en studio pour la première fois en 25 ans, prêt à s’y attaquer encore.

Les Breastfeeders

Dès 19 heures, le soleil encore levé avec l’été cognant à la porte, les Breastfeeders prennent la scène Spotify des Francos 2026. Charmants comme d’habitude avec leur esthétique yéyé-années 60 et leurs tounes catchy, leur set était un bon mélange d’ancien et de neuf. La ville engloutie, leur récent album sorti en 2024, composait un bon tiers des chansons jouées, avec le reste datant de leurs plus anciennes œuvres
musicales.

Leur iconique tambouriniste et hypeman Johnny Maldoror exécutait, comme toujours, un workout impressionnant en gardant l’énergie pendant le set d’une heure. Grimpant sur les barrières et lançant son tambourin dans l’air pour l’attraper (au moins la majorité des fois), la bizarrerie fait vraiment la beauté des Breastfeeders. La foule s’est réchauffée à temps pour leur chanson finale, Ça Ira, de leur premier album Déjeuner sur l’herbe (2004) où nous étions laissés sur un ensemble dansant.

Des spectacles francophones se poursuivront jusqu’au 20 juin sur la Place des Arts pour les Francos 2026.

Rédaction : Beatrix Hooton

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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