Truck Violence, ce n’est pas un band qui te laisse respirer longtemps.
Dès que ça part, ça te rentre dedans.
Pas dans le chaos gratuit, dans quelque chose de travaillé, précis, qui frappe où il faut.

Formé en 2021, autour de Paul Lecours et Karsyn Henderson, après leur arrivée de l’Alberta vers Montréal, Truck Violence s’est rapidement construit une place particulière dans l’underground canadien.

Un projet né dans le déplacement, dans le déracinement, mais aussi dans une volonté de garder quelque chose de vrai malgré le changement de décor.

Autour d’eux viennent se greffer Chris Clegg à la basse et Thomas Hart aux percussions, complétant une formation qui semble fonctionner davantage comme une décharge collective que comme un simple band.

Avant même de devenir Truck Violence, le projet est passé par plusieurs formes.
D’abord sous le nom No Cru5t, puis Truck, le groupe explorait déjà différentes directions plus expérimentales, mélangeant hardcore, électronique et même certaines influences rap, avant de recentrer le tout vers quelque chose de plus organique, plus frontal.

Mais cette évolution-là se ressent encore aujourd’hui dans leur façon de composer.
Truck Violence ne sonne jamais complètement figé.

Installé maintenant dans la scène montréalaise, le groupe traîne avec lui une lourdeur qui dépasse le simple son.

Ça se sent dans l’attitude.
Dans la façon dont les morceaux avancent.
Dans cette impression constante que tout est chargé de quelque chose de plus profond.

L’album

Avec The Weathervane Is My Body, leur deuxième album, à paraître le 26 juin 2026 via The Flenser et Mothland, Truck Violence pousse encore plus loin ce mélange entre hardcore, sludge et racines folks.

Un mélange qui, au lieu de diluer l’impact, le renforce.

Y’a des passages qui frappent fort.
Riffs lourds, batterie qui cogne avec intention, voix qui ne cherche pas à être parfaite, mais juste vraie.

Pis entre ces moments-là, ça respire juste assez pour que la prochaine vague frappe encore plus fort.

Ce qui ressort surtout, c’est le travail derrière.
Rien ne sonne laissé au hasard.

Même dans ses passages les plus intenses, tu n’as jamais l’impression que c’est là pour remplir.

Chaque section a une place.
Chaque montée sert à quelque chose.

La production va dans ce sens-là.
C’est brut, mais maîtrisé.

Assez organique pour garder l’intensité, assez clair pour laisser passer chaque détail.

Un équilibre qui fait que l’album ne s’essouffle jamais.

Mais ce qui rend Truck Violence intéressant, c’est surtout leur capacité à mélanger des éléments qui, normalement, devraient entrer en collision.

Hardcore, sludge, touches folks, passages plus atmosphériques…
Tout coexiste sans jamais sonner forcé.

Et c’est probablement ce qui donne autant de personnalité au projet.

Sur scène, cette intensité prend encore une autre dimension.

Le groupe s’est déjà retrouvé dans plusieurs festivals importants, comme SXSW, Roadburn, Outbreak ou encore Roskilde, construisant tranquillement une réputation de band qui ne laisse personne complètement intact après un show.

Et honnêtement, ça se comprend.

Conclusion

The Weathervane Is My Body, ce n’est pas un album qui te met à distance.
C’est un album qui te frappe, qui te garde dedans.

Intense.
Maîtrisé.
Honnête.

Et surtout, porté par un groupe qui semble avoir trouvé exactement la façon dont il veut faire résonner sa colère.

Rédaction : Sach Gonthier

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

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Le 30 mai dernier, Tempête est annoncé, accompagné de Polonium 309 et Fokyoushima au Bar à Pitons (BaP). Surprenant en cette belle soirée, sous un ciel étonnement dégagé et encore ensoleillé pour l’heure, je me rends à pied au BaP pour assister à ce saccage total organisé par Factory entertainment.

Force est de constater un fait avéré : ailleurs dans la province, on attend avec impatience dans la salle que le show commence; au Saguenay, c’est le contraire. Les groupes attendent l’arrivée du public à l’extérieur. Cependant, au BaP, on a le plaisir d’avoir un feu de camp à l’extérieur, agrémenté de musiciens volontaires créant l’atmosphère. Pour dire, l’attente est très agréable sous les airs punk folk d’un guitariste et d’un joueur de banjo, sous la chaleur invitante des flammes, le temps de voir les gens commencer à arriver. 

Polonium 309 : style radioactif et mutation musicale

Le band est toujours très présent dans mon organisme depuis son dernier passage à Jonquière. J’ai encore quelques cellules saines requérant l’irradiation. Polonium 309 est entré cette année dans ma liste de groupes à ne pas manquer, pour y rester. 

Ce soir, on est en petit comité, juste la crème des crinqués, et une ambiance très conviviale se forme rapidement. Pour dire, entre les chansons, on jurerait être dans un show de garage avec des chums; les musiciens se lancent des piques avec le public. On lève tous ensemble nos verres entre chaque chanson, le fun est solidement pogné.

Encore une fois Polonium 309 affecte tout sur son passage et, comme son homonyme, il laisse une trace indélébile dans tous les organismes qu’il ravage de la puissance de sa musique. Mention spéciale au drummer; ce gars est d’une concentration presque hypnotique aux percussions, c’est malade.

Prochain show : La Ligne Verte

Vous pouvez voir Polonium 309 au Café La Ligne Verte à Montréal le 13 juin prochain. Le Café La Ligne Verte cherche des bands intéressés à jouer dans sa salle cet été (100 places). Si ça vous parle, voici leur adresse courriel : bookinglaligneverte@gmail.com.

Fokyoushima

Enfin ! Et oui enfin ! Fokyoushima, groupe de Saint-Prime, vétérans de la scène punk de ma région, dont nos chemins se sont souvent frôlés, mais jamais croisés. Musicalement, c’est un mélange de métal, punk avec un soupçon de vieux rock, aux paroles dénotant une habilité d’écriture ahurissante.

Fokyoushima rock la place et s’amuse autant que le public. C’est le chaos dans le crowd, et on prend à peine le temps de souffler entre les tounes. Les gens se garochent partout; je me croirais dans un jeu d’Hippo Gloutons. La seule pause notable fut celle pour la solidarité des micropénis entre deux chansons (Ah ! Fallait être là.)

Fierté régionale

Bref, que dire de plus sur Fokyoushima, le band roule depuis plus d’une dizaine d’années, et ce n’est pas sans raison. Le répertoire parle de lui même; aucun relâchement dans la discographie. Chaque album démontre sans conteste leur talent.

Je conclus en une phrase qui résume tout : Fokyoushima, un nom à inscrire dans l’histoire de la musique du Sag-Lac.

Tempête : meilleur dommage collatéral ever !

Pendant l’entracte on est plusieurs à se questionner au sujet de ce qui peut bien nous attendre par la suite. En effet, à l’extérieur, on lit le questionnement dans les yeux de plusieurs. Et pour cause, la majorité ne connait aucunement le prochain groupe, Tempête. Tous semblent dans le même état d’esprit : les deux groupes précédents ont donné tout un spectacle jusqu’ici… Si c’était ça le calme avant la tempête, c’est à se demander si on est préparés à ce qui va suivre.

Ce pressentiment s’est rapidement confirmé. Un départ à 9.5 sur l’échelle de distorsion, la première chanson instrumentale avec deux guitares qu’ils font vaciller devant les amplificateurs, comme un thérémine complètement psychédélique. Plusieurs dans le crowd se croisent du regard, les yeux arrondis à leur maximum, la stupéfaction se lisant sur chaque visage. J’ai même dû aider un ami figé dans sa stupeur, pointant le guitariste Antony Collin Bilodeau, la bouche béante et sans voix. Enfermez les mains de ce guitariste dans la cellule la plus recluse d’un asile abandonné, ses doigts sont fous à lier.

Les chansons de Tempête sont principalement instrumentales et jouées par trois musiciens hors pair. Peu de paroles, mais des messages forts et très réfléchis. Par ailleurs, je me dois de leur lancer des fleurs et le pot avec; je lève mon chapeau pour leur chanson sur le système de la santé et l’automédication : tout comme le sujet traité dans les paroles, la chanson est une cacophonie bien dosée.

Si Tempête est annoncé près de chez vous, laissez-vous emporter sans hésiter.

Rédaction et photo : Jerry Cherry

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Béton Armé

Comme toujours, Béton Armé captive l’âme de tous les amateurs de hardcore dès les premières notes distortionnées à la guitare. Des fans chantant toutes les paroles en avant étaient suivis par des personnes les voyant pour la première fois. Elles étaient placées timidement en arrière afin de ne pas se faire absorber par le pit assez agressif.

Béton Armé n’est pas Béton Armé sans Dan Prestone. Le frontman est une perle rare du hardcore avec sa présence scénique digne des légendes du punk comme Jello Biafra ou Ian Mackaye. Son corps en action constante, il communique une envie irrépressible de bouger. On ne peut s’en empêcher, dès qu’il descend pour crowdsurfer pendant un refrain, on ressent l’adrénaline coulant dans les veines des partisans du pit.

Véritable à leur inspiration des bands Oi! des années 80, les « woooh » chantés en chœur résonnaient à travers la Place des Arts. D’ailleurs, on y entendait encore des échos après que les amplis se soient éteints.

Groovy Aardvark

Groupe vétéran ensemble depuis maintenant 40 ans, Groovy Aardvark comptait le plus de personnes dans son crowd. Parents avec leurs jeunes enfants, adolescents venus de leur plein gré, personnes âgées, tous étaient venus pour de la musique transcendant les générations. Des cris beuglants qui rebondissaient sur les bâtiments autour avec des lumières stroboscopiques étaient coupés par les discours et échanges du band.

Ayant expliqué que chaque membre choisissait en alternance une chanson à reprendre, le band est parti pour un cover d’une chanson serbe, accompagné d’une violoniste.

« On est un band pacifiste », ils disent. « Les seuls punchs qu’on donne c’est des punchs musicaux »

Et des punchs musicaux, Groovy Aardvark en a donné. Ce groupe a marqué — et marque encore — la scène musicale québécoise. Poussant toujours les limites de la créativité, le groupe se retrouve encore en studio pour la première fois en 25 ans, prêt à s’y attaquer encore.

Les Breastfeeders

Dès 19 heures, le soleil encore levé avec l’été cognant à la porte, les Breastfeeders prennent la scène Spotify des Francos 2026. Charmants comme d’habitude avec leur esthétique yéyé-années 60 et leurs tounes catchy, leur set était un bon mélange d’ancien et de neuf. La ville engloutie, leur récent album sorti en 2024, composait un bon tiers des chansons jouées, avec le reste datant de leurs plus anciennes œuvres
musicales.

Leur iconique tambouriniste et hypeman Johnny Maldoror exécutait, comme toujours, un workout impressionnant en gardant l’énergie pendant le set d’une heure. Grimpant sur les barrières et lançant son tambourin dans l’air pour l’attraper (au moins la majorité des fois), la bizarrerie fait vraiment la beauté des Breastfeeders. La foule s’est réchauffée à temps pour leur chanson finale, Ça Ira, de leur premier album Déjeuner sur l’herbe (2004) où nous étions laissés sur un ensemble dansant.

Des spectacles francophones se poursuivront jusqu’au 20 juin sur la Place des Arts pour les Francos 2026.

Rédaction : Beatrix Hooton

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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Une constante depuis 2024 est que le printemps coïncide avec la sortie d’un nouvel EP du groupe PACE. Le 5 avril 2024, nous avons eu droit à Perfect Storm, un premier EP qui a rapidement fait parler de lui dans la scène montréalaise. Ce projet s’est d’ailleurs hissé au premier rang de mon top 10 des EP de l’année 2024. En 2025, le groupe a récidivé le 4 avril avec MAZE, un deuxième EP paru presque jour pour jour un an après Perfect Storm.

Nous sommes maintenant en juin 2026, et la tradition se poursuit. PACE revient avec son punk rock mélodique dans un troisième EP intitulé Sleep Paralysis. Tout comme pour les deux sorties précédentes, on a droit à quatre nouvelles chansons à se mettre dans les oreilles. J’ai eu la chance d’avoir un accès en primeur à Sleep Paralysis, et je peux déjà vous dire que c’est un trois en trois pour PACE.

Sleep Paralysis débute avec What Can I Say, une pièce qui s’inscrit davantage dans un registre punk rock mélodique, avec des paroles empreintes de vulnérabilité. On y explore les tourments d’une relation amoureuse où l’on peine à se sentir à la hauteur malgré un amour sincère et profond. Le narrateur se débat avec ses propres démons, conscient de ses lacunes, mais déterminé à continuer d’essayer de faire fonctionner la relation. On sent bien le combat contre le risque d’auto-sabotage.

Jess démontre ici un excellent contrôle de sa voix. Par moments, elle semble nous parler, puis, à mesure que l’émotion prend le dessus, l’intensité vocale et musicale augmente. L’utilisation des back vocals en réponse à Jess amplifie encore davantage l’émotion transmise. Le morceau construit ainsi un crescendo chargé de tension, qui culmine lorsque Jess lance un déchirant « Trust me, I care », avant de clore doucement avec « What can I say? ».

On enchaîne avec la chanson Sometimes, qui aborde le thème d’une relation toxique. On y parle de perte de contrôle, d’effacement de soi et du moment où rester devient plus destructeur que simplement partir. Le refrain est simple mais efficace, mettant l’accent sur le besoin de partir. Le propos est empreint de noirceur, mais avec une lueur d’espoir qui naît du fait de quitter une situation, et de suivre sa « guiding star« .

Vient ensuite Tribute, le premier extrait de l’EP, paru le 1^er mai dernier. Pour cette chanson, PACE a invité Roxanne Izzo pour un featuring. Tribute est une confession à un ou plusieurs proches, mettant en lumière l’amour et l’importance de ces personnes. C’est probablement la chanson qui a eu le plus gros impact émotionnel sur moi. Elle m’a fait prendre une pause et réfléchir aux personnes qui ont eu ou ont encore un impact positif dans ma vie. On prend souvent pour acquis les personnes qui nous entourent, et même si elles savent qu’elles sont importantes pour nous, il est toujours essentiel de leur faire savoir avant qu’il soit trop tard. Musicalement, Tribute est une chanson accrocheuse qui reste en tête.

Vient ensuite Your Picture, la chanson qui clôt l’EP. À première écoute, elle évoque une certaine fragilité émotionnelle. Toutefois, en s’y attardant, elle met surtout de l’avant la force que peut procurer l’amour dans les moments difficiles. L’image récurrente « Your picture / Is the last thing standing on my wall » devient le symbole de cette présence stable et rassurante, qui permet de garder espoir lorsque tout semble s’écrouler.

PACE est composé de musiciens d’expérience, et cela se reflète dans un résultat à la hauteur de leur talent. Le groupe a su livrer d’excellents EP trois années de suite, tout en terminant en force avec, selon moi, leur meilleur travail jusqu’à maintenant. Pour souligner la sortie de Sleep Paralysis, PACE s’est associé à Rough Time Records pour mettre ses trois premiers EP sur cassette. Pour l’occasion, le groupe a réordonné les chansons des trois EP afin de créer une fluidité et une expérience d’écoute uniquement disponible sur la cassette.

En terminant, je veux prendre le temps de souligner le superbe artwork de Sleep Paralysis, créé par Édith Boucher. Une image qui encapsule bien les thèmes abordés tout au long du EP. Elle prend le relais de Case Huynh, qui avait fait l’artwork pour Perfect Storm, et de Sara Elbourne pour MAZE. Si vous voulez en apprendre plus sur PACE, je vous invite à lire la tête d’affiche d’avril 2025 qui se trouve ici.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Parfois, les plus belles découvertes ne sont pas seulement musicales. Samedi dernier, direction le Cabaret de Curiosités sur la rue Sainte-Catherine à Montréal pour une soirée métal organisée par Meyden Metal.

Dès notre arrivée, le charme de l’endroit opère. Avec son ambiance intime qui rappelle les cabarets-souper-spectacle, sa proximité avec les artistes et sa grande terrasse, la salle offre une expérience différente des grandes salles de spectacles auxquelles nous sommes habitués. L’accueil chaleureux des propriétaires contribue également à créer une atmosphère conviviale où l’on se sent rapidement à la maison.

Pendant que les groupes déchargeaient leur équipement et procédaient aux derniers préparatifs, une autre découverte s’est imposée à nous : un petit restaurant de sushis situé juste en face de la salle. Tant qu’à être dans les découvertes, nous avons décidé d’aller remplir nos estomacs avant le début des hostilités. Excellente décision. Des sushis délicieux qui ont parfaitement préparé le terrain pour la soirée à venir.

Une découverte culinaire avant la tempête

Comme les groupes étaient encore en pleine installation, nous avons profité du temps disponible pour explorer le quartier.

Juste en face de la salle, un petit restaurant de sushis a attiré notre attention. Une décision spontanée qui s’est révélée être un excellent choix. Fraîcheur, saveurs et service efficace : une belle façon de commencer la soirée avant que les amplificateurs ne prennent le relais.

Mais l’heure approchait. Les balances de son étaient terminées. Les lumières s’apprêtaient à s’éteindre.

Le spectacle pouvait commencer.

Sommdays : l’esprit du rock’n’roll est bien vivant

Originaire de Québec, Sommdays a ouvert la soirée avec une énergie débordante.

Dès leur arrivée sur scène, impossible de ne pas remarquer leur allure rappelant les grandes formations de hard rock et de glam métal des années 80. Cheveux longs, attitude de rock stars et présence scénique assumée : tous les ingrédients étaient réunis pour capter l’attention du public.

Au-delà du look, c’est surtout leur énergie qui a marqué les esprits. Les musiciens occupent la scène avec aisance et livrent une performance dynamique qui fait rapidement réagir les spectateurs présents.

Le groupe réussit à créer un contact naturel avec la foule et donne le ton pour le reste de la soirée. Une très belle découverte qui mérite assurément d’être suivie de près.

https://www.youtube.com/@sommdays

Une scène locale en pleine santé

Ce qui frappe particulièrement lors d’événements comme celui-ci, c’est la qualité des groupes émergents de la scène québécoise.

Loin des grands circuits commerciaux, plusieurs artistes développent leur identité propre et proposent des spectacles professionnels, authentiques et passionnés. Sommdays en est un excellent exemple. Leur performance démontre que le rock et le métal québécois continuent de se renouveler grâce à des formations déterminées à faire leur place.

Matante Mutante : quand le métal rencontre la folie créative

Puis vint le moment tant attendu de Matante Mutante.

Les quatre musiciens du Saguenay n’ont pas simplement offert un spectacle, ils ont présenté un véritable univers.

Costumes colorés, personnages extravagants, énergie débordante et interactions constantes avec le public. Dès les premières minutes, le groupe transporte la salle dans son monde complètement éclaté.

Plus de 20 ans d’expérience au service du spectacle

Actif depuis plus de deux décennies, Matante Mutante possède une personnalité unique dans le paysage du métal québécois.

Le groupe mélange habilement métal, groove, punk et humour dans une formule qui lui appartient entièrement. Cette expérience se ressent sur scène. Chaque mouvement, chaque intervention et chaque chanson semblent parfaitement maîtrisés.

Le résultat est un spectacle aussi divertissant que musicalement solide.

Rien ne remplace le spectacle vivant

J’avais pris le temps d’écouter plusieurs chansons du groupe avant de me rendre au spectacle.

J’aimais déjà ce que j’entendais.

Mais comme c’est souvent le cas avec certains groupes, les enregistrements ne représentent qu’une partie de l’expérience. Sur scène, Matante Mutante prend une dimension complètement différente. L’énergie dégagée, les réactions du public et l’ambiance générale créent un moment impossible à reproduire dans des écouteurs.

C’est exactement le genre de groupe qu’il faut voir en spectacle au moins une fois.

https://www.youtube.com/@MatanteMutanteofficiel

Une soirée qui résume parfaitement l’esprit de la scène underground

Entre la découverte d’une nouvelle salle, la rencontre de musiciens passionnés et deux performances mémorables, cette soirée organisée par Meyden Metal représentait parfaitement ce qui fait la richesse de la scène underground québécoise.

Des artistes accessibles, des organisateurs passionnés, des salles accueillantes et un public présent pour soutenir la musique locale.

Verdict

Le Cabaret de Curiosités est une salle qui mérite d’être découverte.

Summdays a démontré qu’il possède tous les ingrédients pour continuer sa progression sur la scène québécoise.

Matante Mutante a confirmé pourquoi le groupe demeure une référence originale et incontournable après plus de 20 ans d’existence.

Une soirée remplie de décibels, de couleurs et de passion, qui rappelle pourquoi nous aimons tant parcourir les salles de spectacles du Québec à la recherche de notre prochaine découverte musicale.

Galerie photo complète ici :

https://www.facebook.com/share/p/1Cq3CQuRCN

Rédaction : Marie-Lyne Jean

Photo : Marie-Lyne Jean & David Primeau

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Alors que le groupe de rock inhabituel un peu fou nommé Cirrho (anciennement connu sous le nom de Cirrhose et Cendrier) est en pause, trois des cinq membres ont préparé dix titres pour nous faire ouïr la Poussière. Perdre les pétales est leur premier album et, aussi étonnant que ça puisse sembler, il est presque plus sombre et bizarre, dans le bon sens du terme, que ceux de Cirrho. Leur rock intriguant nous plonge dans un univers unique, mais fort agréable à écouter et à tenter de comprendre. (Pour vous donner une idée de la prestation scénique et musicale de Cirrho, vous pouvez lire l’article de Julie Fortin et celui de Patrice Belley qui relatent leurs deux passages au festival Le Délüge.)

Musicalité. Créativité. Fraternité.

Poussière est la création du trio fraternel de Gabriel, Philippe et Simon Le Boulaire. Le premier frère est le guitariste et le chanteur principal ainsi que le parolier et le compositeur. Le second porte une basse et s’occupe des chœurs, de la composition, de la prise de son et du mixage. Le troisième est assis derrière sa batterie tout en composant et en faisant la prise de son. Les frères ont aussi récemment accueilli un second guitariste, Danny Lavergne. Le groupe a appelé leur petite sœur Marianne Bédard pour les accompagner au tuba sur Sans toi et Gardien du fort.

Les trois frères ont commencé à travailler sur ce projet parallèle à Cirrho en 2024. Leur premier spectacle eut lieu le 6 mars 2025 au Quai des Brumes de Montréal devant une salle comble. Poussière se produira de nouveau sur scène le 20 juin 2026 au Ministère de Montréal pour le lancement de Perdre les pétales. D’ailleurs, le titre de l’album est un jeu de mots poétique avec l’expression moins naturelle de « perdre les pédales ».

Critique

1. Moins que rien est un chef d’œuvre, rien de moins ! Un seul défaut : trop court. Ça, c’est le problème de Cirrho, qu’ils ont malheureusement conservé sur cet album. Bref, la chanson commence un peu mystérieusement et on se demande qu’est-ce qui va arriver. Et c’est une musique exquise qui s’enchaîne. Entre les couplets tranquilles, les refrains accrocheurs et le pont avant le dernier refrain au son étrange, presque horrifique avec la voix légèrement saturée de Philippe, cette chanson est clairement une des meilleures de l’album.
   
2. Avec Sans toi, Poussière semble nous emmener dans un film où le personnage principal est esseulé, en plein milieu d’un désert interpersonnel où aucun oasis n’est à portée d’oreille. Ce titre est à mi-chemin entre un vieux hit rock et la bande sonore d’un western. La présence du tuba de Marianne donne vraiment l’impression qu’une légère brise vespérale effleure les pensées du personnage principal.
   
3. La folie en une chanson, c’est Last Call. L’écho, les dernières syllabes répétées comme des bombes d’une microseconde, ainsi que la voix et la guitare sous distorsion dans le refrain : tout cela crée un court mélange d’intensité mentale.
   
4. Comme l’indique son titre, Mon ombre contient une part sombre dans la musique et les paroles. Les parties de guitare où des notes très aiguës ressortent ou encore les mélodies uniques des couplets et des refrains façonnent une tune d’une grande qualité.
   
5. Gardien du fort nous plonge dans une atmosphère paisiblement aquatique. Il ne faut cependant pas se laisser berner par la tranquillité de la musique, car les paroles sont plus profondes qu’elles n’en ont l’air.

6. La manière dont Gabriel articule les paroles de Top[e] shape est fantastiquement bien pensée et originale. Le refrain avec l’harmonie vocale en arrière plan est envoûtant. Les cris et les moments plus heavy cassent le tout comme pour montrer que les paroles sont ironiques : le bien-être semble plutôt être la façade d’une réalité tourmentée.
   
7. Pour un morceau qui s’appelle Faites du bruit, ce n’est pas si bruyant. En revanche, le groupe a trouvé une tonne de synonymes pour les gens très sonores. J’ai l’impression que Poussière associe le bruit et, par extension, leur musique à une forme de catharsis.
   
8. Gun balloune (encore un jeu de mots) est la tune pour headbanger et mosher de l’album. C’est la chanson la plus courte, mais aussi la plus heavy et la plus déjantée.
   
9. Un riff très intéressant débute Trou blanc. Le son de la voix de Gabriel rajoute une touche fort originale qui transitionne très bien vers le refrain dont l’un des chants me rappelle celui de Billy Talent. Le moment un peu plus tranquille dans la seconde moitié de la chanson la fait progresser très subtilement et intelligemment vers un retour au riff du début.
   
10. Tout comme dans Cirrho, la grande force de Poussière, ce sont les mélodies vocales, mais aussi la façon dont elles sont incorporées dans la musique. Corps mort en est un bon exemple. L’originalité et la manière dont le tout a été pensé transforment le chant en un instrument qui se fond dans un ensemble de sonorités pour donner une piste audio magnifique.

Poussière commence donc en toute beauté une carrière qui est appelée à perdurer. En attendant plus de musique, des t-shirts sont présentement en préparation ainsi que d’autres shows à venir. Mais c’est au Ministère que les trois frères et leur nouveau partenaire lanceront Perdre les pétales, le 20 juin. Une soirée à ne surtout pas rater !

(Opinion très importante pour terminer : après leur avoir demandé : « Préférez-vous la poussière au-dessus des étagères ou celle au-dessous ? », Poussière a répondu : « Au-dessous, parce qu’elle défie les lois de la gravité pour rester dans l’ombre. »)

Encouragez Poussière :

Billet pour le spectacle de lancement au Ministère : https://lepointdevente.com/billets/mns260620001?lang=fr&fbclid=IwY2xjawSG0FdleHRuA2FlbQIxMABicmlkETFybTJPdUVQMTZobEJHRm1pc3J0YwZhcHBfaWQQMjIyMDM5MTc4ODIwMDg5MgABHhHhFtJePkBgzDPdpvo_vGyIFHAEFE_6Qh5g2e0QaMzm-71dq1NT9HACjs5e_aem_-JWcDD8_Vmi0JHmVK7UPPQ

Page Facebook de l’évènement : https://www.facebook.com/events/997408986174893/

Facebook : https://www.facebook.com/Poussieremusique

Instagram : https://www.instagram.com/poussiere.musique

Youtube : https://youtube.com/channel/UCGKfYcLynBGzE4JkwJV9EVg?si=NRpJVUfIMUMTnwnO

Bandcamp : Musique | Poussière

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Malheureusement, concours de circonstances, je me retrouve seul avec mes deux enfants. J’avais donc mis une croix sur ce plan. Rebondissement ! J’obtiens comme information qu’ils acceptent les kids, et en plus une de mes amies y sera avec ses trois rejetons. Let’s go! Je me crinque pour aller au show en famille. Les Planètes se sont bien entourés avec General Chaos qui était avec eux à Alma la veille avec l’addition de Cosmïc.

Vieux-Théâtre

Agréable et savoureux souper improvisé à la Microbrasserie Pavillon Noir à La Baie avec une tablée pour sept affamés. Les portes du Vieux-Théâtre sont supposées ouvrir à 19 heures 30 et nous sommes effectivement les premiers arrivés. Prêts pour dévaliser les tables de merch !

D’autres enfants se pointent sur place. « Une soirée familiale ! » comme Jacques Rougeau le dirait si bien. Le bruit court qu’on totalise 120 billets vendus plus tous ceux qui se décident à la dernière minute. Je croise de nombreuses connaissances que je n’ai pas vues depuis longue date. Cet édifice évènementiel possède une immense scène à occuper. Ça fourmille justement sur le plancher de celle-ci. Chut, ça commence.

Cosmïc

Pas la première et la dernière fois que je vous jase de Cosmïc. Groupe ska punk rock du Saguenay qui sème la joie sur son passage. Le fiting parfait avec The Planet Smashers qui revendique ce titre. Je vous invite à lire mon autre article sur eux.

20 heures 24 et c’est parti ! Je remarque la présence d’un nouveau drummer. Exécution de solos de guitare en se mettant en valeur en se hissant sur les blocs rehausseurs.

Même une machine à bulles sous forme de pistolet fait son apparition remarquée.

Resplendissante guitare triangulaire d’un vert brillant, que Sam a fermement entre ses mains. Style éclatant, il a. « On est de St-Fulgence, mais ce n’est pas nous Angine. »

Rêve réalisé de jouer pour le label Stomp Records, administré par Matt de Planet Smashers.

General Chaos

General Chaos, ce nom de band vous sonne de quoi ? Le Bad Crew en a fait sa tête d’affiche pour le mois de décembre passé. Vidéo publié par Sam, grand manitou pour le Café du clocher qui m’a jeté à terre lorsqu’ils ont foulé les planches de son stage. Une autre raison qui m’a poussé à être ici ce soir.

Je vous rappelle qu’ils ne sont âgés que de 16 ans et proviennent de la métropole. Nous avons sympathisé avec le papa de la bassiste qui occupe le rôle de roadie et merchman. Ils ont grandi en se faisant bardasser les oreilles par Banlieue Rouge, The Sainte Catherines, etc.

Leur musique transpire positivement une naïeveté et innocence sans prétention. C’est brut, un joyau à polir. Un vocal hargneux à la voix rauque. On dirait Tim Armstrong de Rancid. Effectivement, quand on y pense, ça rappelle leur premier album. On reconnaît même pratiquement les mêmes lignes de basse et guitare familières. Éblouis, je suis. Des clins d’œil juxtaposés à leurs savantes compositions. Du style, ils ont les jeunes.

Deux albums à leur actif plus un démo. « On finit avec notre préférée du premier album. Chu fucking essoufflé, ç’a passé fucking vite. » En fait, leur deuxième album est paru le 8 mai. Allumez vos radars sur le titré Can’t Please ‘Em All.

« General Tao c’est vraiment bon », s’exprimèrent mes enfants. Hehe !

The Planet Smashers

The Planet Smashers mené par le géant maigrichon Matt Collyer. C’est lui qui était là pour gérer leur table de marchandise. S’exprimant autant en français malgré qu’il soit anglophone. Sympathie est son deuxième prénom.

Ça fait un bail que je les suis à la trace. Sans exagération, j’ai dû les voir 25 fois en spectacle. Détail à considérer : c’est le groupe préféré de l’un de mes amis. Ce qui me pousse régulièrement et naturellement vers eux. J’admets que ce sont des retrouvailles après un bon bout de temps, je m’ennuyais ! Surtout après l’écoute de leur dernier album qui passe le test.

C’est injuste pour toutes les autres formations, car leur musique est tellement entrainante que le party lève à coup sûr. Nous avons une envie soudaine de danser, skanker. Ça change des pas et jeux de jambes exécutés dans les trash.

« C’est samedi soir. » avec son accent francophone cassé si charmant. Les Planètes nous servent des hits à profusion composés de vieilles compositions et de nouvelles. Des entre-deux de carrière, ce qui s’est fait de mieux entre leurs débuts et aujourd’hui. Un best of intelligemment bâti.

Il est demandé à un jeune homme dénommé Dominic de se présenter sur la scène. Par la suite, il invite sa petite amie à le rejoindre pour finalement s’agenouiller. Eh oui ! La grande demande orchestrée avec ce scénario grandiose.

Le moustachu au sax, le ténor.

C’est la fête

Le barbu au trombone qui coulisse plus long que ses bras, c’est à n’y rien comprendre.

Soudainement, la guitare blanche du chanteur est imprégnée d’une couleur rouge. Hey! C’est du sang. Ça ne le dérange pas, aucunement incommodé. Il continue de jouer et ça pisse.

Parlons aussi de la touche de clavier qui change tout. L’ingrédient musical supplémentaire qui modifie le goût final. Fait chaud dans le camp. Je danse le ska avec une petite saucette dans le trash.

Fin nocturne

Je connais le tour de passe-passe à exécuter. Au début de la veillée, je l’avais expliqué à mes enfants lorsque nous sommes arrivés et passés à côté de cette fameuse porte arrière par laquelle les artistes circulent pour entrer et sortir leur gear. Mission accomplie, autographes récoltés de Planet Smashers sur mon nouveau tshirt et mon ancien vintage. Mon garçon est impressionné et les portera aussi.

Dernier show de cette tournée du printemps, si ́l’hiver peut enfin finir. La palme revient, sans hésitation, à General Chaos. The Planet Smashers assure toujours, mais un vent de fraîcheur est encourageant.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Annie Freska

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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Aux Foufounes Électriques, où Les Sheriff figuraient à l’affiche, l’atmosphère était déjà dense avant même la première note. Une salle comble, chargée d’odeurs de bière et d’anticipation : tout indiquait que la soirée ne serait pas tranquille. Plus qu’une simple succession de prestations, la programmation semblait construite autour de l’endurance – des groupes qui ont vécu, tourné, et qui continuent de jouer avec conviction.

Les Ordures Ioniques : une ouverture en progression

Les Ordures Ioniques ouvrent la soirée avec une approche mesurée, presque nonchalante, sans jamais tomber dans le détachement. Leur punk teinté de ska, porté par l’alternance des voix féminines et masculines, témoigne d’une réelle expérience. Plutôt que de chercher un impact immédiat, leur prestation s’installe progressivement et pose les bases de la soirée. On comprend rapidement qu’il s’agira moins de moments explosifs que d’une intensité soutenue.

Les Krostons : théâtralité et chaos maîtrisé

Avec Les Krostons, le ton change nettement. Le groupe impose une présence scénique, à la fois théâtrale et rugueuse. Vêtus à mi-chemin entre travailleurs d’usine de beignes et marins sur les quais, ils brouillent les repères dès leur entrée. L’introduction, lente et lourde, évoque des sonorités doom, avant de basculer abruptement dans un punk français rapide et soutenu.

Leur performance repose sur un sens du spectacle constant : un chanteur qui fait tournoyer son micro à la manière de Roger Daltrey, l’apparition inattendue d’un kazoo, et des textes qui oscillent entre discours anarchiste, propos sociaux et images plus éclatées. Même un problème technique à la batterie est intégré à la prestation sans rupture. Musicalement, leur son convoque des influences variées – du punk classique à des accents plus lourds, en passant par des touches presque folkloriques – tout en conservant une certaine cohérence. La formation du moshpit en fin de set me confirme l’appréciation du groupe de la part du public.

Le Réparateur : une connection directe avec le public

Le Réparateur enchaîne avec une énergie différente, plus directe et dépouillée. En formule guitare-batterie, le duo mise sur l’efficacité brute. Le chanteur, en robe, adopte une présence à la fois provocante et détachée, tandis que le batteur maintient une intensité quasi chaotique.

Ce qui distingue particulièrement leur passage, c’est leur relation avec le public. Les refrains sont repris avec force, parfois plus puissamment que par le groupe lui-même. À plusieurs moments, la frontière entre scène et salle disparaît : la guitare circule dans la foule, le crowd surfing s’impose comme un prolongement naturel de la performance. Leurs interventions à propos de Montréal, sobres, mais sincères, renforcent ce sentiment de partage plutôt que de simple prestation.

Les Sheriff : une clôture sans compromis

Enfin, Les Sheriff concluent la soirée avec assurance. Sans artifices, le groupe s’appuie sur une formation classique – deux guitares, basse, batterie et voix – et sur un répertoire solidement ancré. Leurs morceaux fonctionnent comme des hymnes, non pas dans un sens grandiloquent, mais comme des pièces conçues pour être reprises collectivement.

Des titres comme À coup de battes de base-ball ou Bon à rien, frappent par leur efficacité immédiate, tandis que J’irai jusqu’au bout incarne une forme d’obstination presque identitaire. Les thèmes anarchistes et anticonformistes traversent l’ensemble du set, portés par une conviction qui ne semble pas s’être atténuée avec le temps. La foule répond pleinement : chants collectifs, mouvements constants, corps portés au-dessus du public – un chaos maîtrisé qui ne faiblit pas.

Quand l’endurance devient le fil conducteur

Au final, la soirée offrait bien plus qu’une simple programmation. Elle proposait un aperçu de différentes générations du punk, coexistant et dialoguant entre elles. Les styles variaient – ska, punk français, minimalisme, influences plus lourdes – mais une même ligne directrice se dégageait : une volonté de continuer, de s’exprimer, de persister malgré les temps difficiles, autant au plan économique que politique.

Aux Foufounes Électriques, ce soir-là, le punk ne relevait ni de la nostalgie ni du revival.
Il s’inscrivait pleinement dans le présent.

Rédaction : The Stoned Poet

Photos par : The Stoned Poet

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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C’est District 7 Production articulée par Karl-Emmanuel Picard, qui me fait cet incroyable cadeau. Merci tellement ! Accompagnés de deux autres groupes métal, ils seront. From Dying Suns et Vortex, joyaux également québécois. Pour m’accompagner, je réussis heureusement à motiver trois compagnons fervents de fortes sensations musicales.

Salle Montaigne

L’emplacement sélectionné est la Salle Montaigne étant celle du cégep de Limoilou. Justement, on dirait que un explique l’autre. Présence abondante de jeunes têtes d’intrépides cégépiens.

From Dying Suns

From Dying Suns est un band qui navigue entre le death et le trash métal.

Sont cinq mecs de la ville de Québec : Mathieu Roy-Lortie (guitare), Maxime Rochefort (guitare), Christian Pacaud (basse) et Antoine Baril (batterie). Et oui, voilà les quatres premiers et voici le cinquième…

Chanteur dynamique

Mathieu Dhani, le vocaliste, est un personnage en soi. Le frisé moustachu a l’air de rien, mais il s’avère être un excellent showman. Ses cordes vocales sont des jouets pour lui. Capable d’interpréter trois timbres de voix différents selon ce que la composition demande.

Montréal en 6

Je manque un autre match de mes Canadiens de Montréal en séries. Au moins, j’ai un grand partisan qui compatit avec moi, devant mes yeux. Le colosse batteur expédie sa colère chirurgicalement. Ils nous garochent leur nouvelle toune Crystallized, parue tout récemment le 29 avril 2026. À bien y penser, je crois que c’est ma préférée de leur répertoire exécuté.

Maudite belle découverte ! J’achète leur album en CD avec une pochette style Playstation.

Vortex

Aussi en provenance de la ville de Québec : Vortex. Quatre crinqués qui nous prennent d’assault.

Du death metal pur et dur. Sont épeurants, violents et effrayants.

Des maîtres

Mérite va à la qualité de leurs textes. Maîtrise parfaite de riffs compliqués et d’orchestrations rocambolesques. Puissance dégagée via leurs mélodies techniques à fond.

Solos épiques. L’auditeur est guidé dans leur univers bien à eux.

Fort de quatre albums produits, dont le petit dernier Alien Realms en avril 2025, pour From Dying Suns.

Martyr

Martyr, c’est avant tout le projet de Daniel Mongrain avant qu’il ne joigne le bataillon du groupe Voivod. Il était âgé de 15 ans lorsqu’il a fondé son groupe. Ils sont originaires de Trois-Rivières. Disparus de la map, mais font des comebacks de temps en temps et c’est apprécié !

Sculpture sonore

Ils défoncent, écartèlent, réinventent les styles musicaux tels que le progressif, le trash métal, le death métal. Ils ajoutent une couche supplémentaire de subtilité et adresse : leur sombre couleur.

Divertissement garanti

Mimiques à répétition modelées sur le visage de Daniel. Intense et expressif, il est. Martin Carbonneau gère la deuxième guitare alignant les accords ardus. 

Le bon, la brute

Bassiste à la voix basse, grave, assurant le deuxième vocaliste. Je vous présente François Mongrain, frère de l’autre du même nom. Membre fondateur inébranlable, de glace, peu importe la tempête.

Pourquoi faire simple

Ce qui les distingue, leur ADN, c’est une musique d’une complexité très élevée. Peu de musiciens qui peuvent se vanter d’être aptes et en mesure de jouer du Martyr.

De retour à la théorie

« Une chance que l’on a sorti un livre de tablature de notre album bleu, nous autres aussi il nous a servi. » Aux drums, le performant Patrice Hamelin harmonisant la frénésie musicale de Martyr.

Face à face satisfaisant

Tellement des bons jacks. Près de leur public et prennent soin de leurs fans. Des gentlemen du métal qui se donnent, se livrent totalement à nous. Quelle performance !

Suite à ces aurevoirs, nous avons eu droit à un rappel. Oh yeah!

De retour au paradis

Pas fâché de quitter le chemin des limbes. De retour à ma réalité tranquille, apaisante. Check, sur ma liste de bands que je voulais voir à tout prix.

Ma croisade musicale se poursuit ce lundi 4 mai avec mes $heriff chéris, au Café du Clocher. Pour l’instant, j’affronte le Parc des Laurentides m’offrant une route enneigée en ce 2 mai 2026.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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La scène Oi montréalaise étant plutôt tissée serrée, lorsqu’on y pense, un des premiers noms qui nous vient en tête est bien souvent La Gachette. Véritables piliers du mouvement, ils trônent aujourd’hui parmi les vétérans les plus respectés de la scène locale. Et ils le prouvent encore une fois avec la sortie de leur tout nouvel album : Une vie à défendre.

Actifs depuis 1998, les gars ont fait leur chemin. D’un punk rock plus brut à leurs débuts vers un son Oi/street beaucoup plus assumé au tournant des années 2000. Au fil des années, ils ont affiné leur identité sans jamais renier leurs racines. Résultat : un band solide, authentique, qui résonne autant ici qu’à l’international. Presque 30 ans plus tard, l’attitude est toujours la même : insoumise, fidèle, et résolument rock’n’roll.

Dans les tranchées

Leur dernier album, Dans les tranchées (2022), avait frappé fort avec ses thématiques de guerre et de conflits. Sur Une vie à défendre, le ton change légèrement. On sent un virage vers quelque chose de plus introspectif, plus personnel, sans pour autant perdre cette hargne caractéristique qui les définit si bien. À l’exception de Louisbourg 1758, qui replonge dans un contexte historique inspiré de la Guerre de Sept Ans, l’album semble davantage ancré dans des réalités vécues, des convictions profondes et des valeurs qui tiennent à cœur.

Une vie à défendre

Dès Appelle la police, le ton est donné : riff efficace, énergie directe, et cette manière bien à eux de planter le décor sans détour. Ça frappe vite, ça frappe juste. Boomerang enchaîne avec une vibe plus mordante, presque revancharde, comme un rappel que tout finit toujours par revenir. Un thème classique, mais livré avec conviction.

Avec Ça n’ira pas, le band ne ralentit pas pour autant mais laisse place à une ambiance plus lourde, plus pesante. On sent une tension, une frustration qui s’accumule. Probablement un des moments les plus chargés émotionnellement de l’album. Fraudeur, de son côté, repart la machine avec un côté plus frontal, presque accusateur. Ça sent le règlement de comptes, sans flafla.

La familia apporte une touche plus rassembleuse. C’est le genre de pièce qui risque de lever en show. Refrain accrocheur, esprit de gang, solidarité. Clairement un clin d’œil à la scène, à leur monde. Dans la même veine, Le serment sonne comme une déclaration. Quelque chose de plus posé, mais chargé de sens, comme un engagement envers leurs valeurs et leur parcours.

Puis vient Louisbourg 1758, qui détonne un peu dans l’ensemble, mais de la bonne manière. Le band revisite un épisode historique avec une intensité qui cadre parfaitement avec leur approche. Ça ajoute une dimension narrative intéressante à l’album.

Finalement, la pièce titre Une vie à défendre agit comme une conclusion logique. Elle résume bien l’esprit du disque : une prise de position claire, assumée, sans compromis. C’est probablement là que tout converge : identité, loyauté, vécu.

Au final, Une vie à défendre s’inscrit parfaitement dans la continuité de La Gâchette, tout en montrant une certaine maturité dans l’approche. Moins thématique que son prédécesseur, mais plus personnel, plus incarné. Un album qui ne cherche pas à réinventer le genre, mais qui le maîtrise assez pour le rendre encore pertinent.

Et honnêtement, après toutes ces années, c’est exactement ce qu’on attend d’eux.

L’album est disponible en version physique chez Randale Records. Pour le moment, aucune date n’est disponible en version numérique.

Rédaction : Claudia

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Alors que Cryptopsy allait bientôt monter sur une scène de Baltimore ce samedi 2 mai 2026, j’ai eu l’occasion de m’entretenir avec le chanteur, Matthieu McGachy, alias Matt, pour discuter de ses débuts dans le groupe, de leur album trentenaire légendaire None So Vile, de leur tournée actuelle ainsi que de leur spectacle à Montréal qui aura lieu le 28 mai prochain. 

Puisque tu es arrivé en 2007 dans Cryptopsy, comment as-tu découvert l’album None So Vile? Quelle chanson as-tu entendue en premier? 

Matt : Pour être très honnête, je pense que la première fois que j’ai entendu None So Vile, c’était quand je commençais à essayer d’apprendre les chansons quand je suis devenu le chanteur de Cryptopsy. Avant que je sois dans le groupe, j’étais pas vraiment le plus gros fan de Cryptopsy. Je savais que c’était un groupe reconnu à l’international, mais j’étais pas le plus gros fan de death metal. J’étais dans un groupe avant (3 Mile Scream) qui était beaucoup plus metalcore faque on voulait vraiment être Killswitch Engage. Y’avait des refrains chantés puis des couplets où je criais et des breakdowns. Je me souviens que je commençais à apprendre les chansons. C’était très difficile parce que Lord Worm a une façon particulière de crier et de faire des sons avec sa voix mais, en même temps, il est un très bon écrivain. Ses paroles sont très poétiques, sombres et bizarres. Il écrivait des paroles et, après ça, il faisait des sons pis le nombre de syllabes n’était pas toujours juste. Quand j’ai commencé, c’était très difficile, du moins la première année, de découvrir ce qu’il disait pour vrai versus ce qui est écrit dans les paroles. Je me souviens très bien : je regardais les paroles, je l’écoutais, pis j’appelais Alex Auburn, qui était le guitariste avec nous, et il me disait : « Ah, je pense qu’il dit tous les mots… » C’était comme s’il fallait que je monte une montagne pis que j’étais tout en bas. Je savais que j’avais beaucoup de travail devant moi à parcourir avant de pouvoir faire un spectacle. 

Dans ce cas-là, comment est-ce que tu as rencontré Cryptospy? 

Matt : La scène musicale de Montréal est quand même petite et tout le monde pratique à la Cité 2000. Y’a plusieurs locaux où les bands pratiquent et Cryptopsy pratiquait là. Je les voyais passer dans le corridor pis j’étais toujours comme : « Oh wow, eux autres c’est des vrais musiciens qui font des tournées mondiales. » Faque je les connaissais de nom, de vue. Puis j’ai joué des spectacles avec eux, c’est plutôt là que j’ai découvert leur musique. 3 Mile Scream a fait la première partie pour Cryptopsy une ou deux fois, toujours à Toronto, je sais pas pourquoi. 

Maintenant que tu as appris à aimer l’album, c’est quoi ta chanson préférée de None So Vile? 

Matt : Ah, y’en a plein. Pour l’instant, on est encore sur la dernière tournée de célébration des 30 ans de None So Vile. Ça a commencé en Asie, puis en Nouvelle-Zélande, en Australie, et on a fait toute l’Europe. On joue beaucoup de chansons de None So Vile faque c’est difficile d’en choisir une. Mais celle qui fait réagir le plus la foule, que je peux voir la lumière dans les yeux s’allumer quand ça commence, c’est Graves of the Fathers. Y’a vraiment un bon groove dans le milieu et y’a beaucoup d’énergie qui se transfère de la foule à nous, back and forth. Graves of the Fathers, c’est vraiment haut sur ma liste de chansons préférées de None So Vile. L’autre, c’est Orgiastic Disembowelment. J’aime beaucoup, y’a encore un gros groove section où on peut, avec la foule, avoir vraiment une connexion. Pis on se brasse la toupette tous ensemble. J’aime beaucoup les couplets de cette chanson-là et comment c’est écrit. C’est très rythmique, c’est très old school, c’est une chanson que j’aime beaucoup. 

Est-ce que vous allez jouer l’album au complet lors de votre show à Montréal? 

Matt : Non. On a pris la décision de ne pas faire l’album au complet parce qu’on a un set d’une heure quand on est sur la scène. Cryptopsy c’est très intense comme style de musique. C’est une expérience physique pour tout le monde, pour le groupe et pour la foule. Faque None So Vile dure environ, si on jouait toutes les chansons, 35-40 minutes avec les discours. On voulait aussi présenter beaucoup de nouveaux morceaux à la foule aussi parce qu’on vient juste de sortir un album l’année passée, An Insatiable Violence. C’est très important pour nous, comme musiciens, de présenter ce matériel à la foule parce qu’on n’est pas seulement légendaires grâce aux deux premiers albums qu’on a sortis. On est aussi un groupe qui est très à jour musicalement, même si on a un genre de statut de groupe légendaire grâce à None So Vile et Blasphemy Made Flesh. C’est important pour nous de montrer à tout le monde qu’on est plus que juste un album. Faque on a pris la décision de jouer six des huit chansons [de None So Vile]. On joue tous les hits. On joue ceux de None So Vile, une toune de Blasphemy, et beaucoup de nouveau matériel. 

Est-ce que vous avez décidé des groupes [Necrot, Fulci, Blood Monolith, Spirit Adrift] en première partie et pourquoi vous les avez choisis, si c’est le cas? 

Matt : Oui, j’avais fait une liste. Souvent, quand je fais ça, je regarde… On a un booking agent, la personne qui parle avec tous les promoteurs dans chaque ville. Faque je regarde sur le roster, les artistes avec le même booking agent, et je fais une liste. C’est plus facile quand c’est dans la même famille. J’avais mis Fulci sur ma liste, mais malheureusement ils n’ont pas eu leur visa à temps et ils ne sont pas ici. Heureusement Spirit Adrift sont ici avec nous. Ils ont pris la relève en moins d’une semaine avant que la tournée commence. De tout planifier avec leur famille, trouver du transport, pratiquer assez les chansons pour être en mode professionnel pour les jouer… ils ont tout accompli ça! Donc, grâce à eux, la tournée est complète et on continue. 

Est-ce que vous avez choisi délibérément de finir par Montréal? Y a-t-il une raison derrière ça? 

Matt : Non, mais ça tombe bien. Je pense que la tournée a été montée comme ça pour nous. C’est vraiment pratique honnêtement. On a déjà fait une tournée avec Aborted [2019] pis on a joué à Montréal puis après ça à Toronto. Avec Belphegor, en 2017, on avait joué à Montréal puis après ça on avait fini à Rouyn. Faque ça fait plus notre affaire de revenir à la maison. Comme ça mes enfants peuvent venir au spectacle et on rentre à la maison après. Ça, ça nous fait du bien. 

Est-ce que vous réservez quelque chose de spécial pour les fans de Montréal puisque c’est votre « maison »? 

Matt : Non, mais j’aimerais ça que Lord Worm vienne faire une chanson avec nous même si je peux pas trop lui en demander. On a quelque chose de nouveau pour toute la tournée côté production. On a installé deux écrans LED avec des vidéos qui sont synchronisées avec notre musique. C’est du matériel qui a été créé par un artiste en Italie. C’est vraiment captivant, c’est intense et c’est la première fois qu’on fait ça. On monte un show, c’est nous quatre sur scène avec tous les visuels. C’est vraiment next level. On essaye de vraiment donner un criss de bon show. 

Comme tu parlais tout à l’heure de vos nouvelles chansons, est-ce qu’il y en a d’autres que vous préparez présentement? 

Matt : Ça va commencer lundi [4 mai 2026] justement parce qu’on écrit souvent quand on est en tournée et quand on a des jours de congé. Faque on se repose un petit peu le matin pis l’après-midi on s’installe dans une chambre d’hôtel pis on compose des riffs ensemble. On a fait ça sur deux tournées avant An Insatiable Violence et ça nous a vraiment aidé à faire beaucoup de travail dans une courte période de temps. Ça a bien fonctionné. C’est pas toujours facile d’être motivés quand on est fatigués en tournée, mais ça vaut vraiment la peine. 

Quels sont vos plans après la tournée ? Est-ce que vous avez quelque chose de prévu ? 

Matt : On a une autre tournée après cette tournée. On va en Europe pour faire beaucoup de gros festivals en fin juillet et en août. Pis, après ça, on a un autre très gros festival aux États-Unis dont je ne peux pas discuter parce que ce n’est pas encore annoncé, mais c’est quelque chose de très cool et unique et bizarre. Faque ça va être une expérience. On devrait pas être là. 

Merci beaucoup à Matt pour la courte interview et à Will de m’avoir aidé à l’organiser.

Sur ce, procurez-vous vos billets pour le show du 28 mai 2026 au Théatre Fairmount de Montréal pour ne surtout pas rater cette soirée de pur death metal et de célébrations d’un album qui a changé le cours de l’histoire de la musique extrême!

Encouragez Cryptopsy :

Billets pour le spectacle à Montréal : https://www.universe.com/events/the-decibel-magazine-tour-2026-tickets-Z9CBJG?ref=share-widget-buffer

Bandcamp : https://cryptopsyofficial.bandcamp.com/music

Facebook : https://www.facebook.com/cryptopsyofficial

Instagram : https://www.instagram.com/cryptopsyofficial/

Youtube : https://www.youtube.com/user/CryptopsyDeathMetal

Pour d’autres articles portant sur le death metal, c’est ici.

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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Dosage excessif de métal prescrit. Tsé un bon show pour changer le mal de place, dans un autre registre que j’affectionne tout autant. Ça adonne ben, y’a Reanimator et Insurrection que je connais qui passent le vendredi 17 avril dans mon coin à La Baie. Justement, le trio présenté au menu est complété par The Fallen qui s’exerceront donc dans leur ville d’origine, à découvrir…

Port-Alfred

Le présentateur de ces métalleux québécois est la Brasserie Port-Alfred. Établissement maintenant bien établi possédant une cuisine et servant de la succulente nourriture. C’est bon dans yeule !

Je les remercie personnellement de toujours mettre les efforts afin de maintenir une offre de spectacles si grandiose. C’est grandement apprécié. Applaudissons-les !

The Fallen

Le premier band à s’amener est The Fallen avec son death métal mélodique. Ils jouent à domicile, et ça paraît en apercevant la horde de supporters postée en première rangée. Deux caisses de résonance à leur image sont ancrées sur le sol, prêtes à sonner la charge initiale.

Ils sont cinq. À ma droite, je suis confronté à un musicien armé d’une guitare triangulaire noire au contour jaune émettant de douces notes. Facteur apaisant, adoucissant toute la lourdeur de leur musique. Pouilleux, il est.

À ses côtés, un drummer qui pète des baguettes à profusion, et on fait avec. Sur ma gauche, une basse particulière qui look, fabriquée en bois verni.

On nous annonce que c’est le baptême de leur nouveau guitariste, David. Il s’avère être un très solide soliste, et c’est un gars de La Baie. Le chanteur précise lui-même, veut que ce soit clair, qu’il vient du Lac.

Je peux leur trouver des légers airs de mes bien-aimés Children of Bodom, que j’ai eu le privilège de voir live.

Regarde moi l’autre qui s’énarve ! The Fallen a fait preuve d’audace et d’aplomb déstabilisant.

CD procuré de leur album éponyme, paru le 1 juin 2024.

Insurrection

Les seconds crinqués à monter sur le grand terrain de jeu mis à leur disposition sont les énergiques d’Insurrection. Je les avais découverts également en première partie de Reanimator au CEM en décembre passé. Performances remarquables que j’ai couvertes dans mon article Insurrection avec Reanimator et Acetone, métal en fusion au CEM.

Je regarde l’heure sur mon cellulaire qui indique 21 heures 43, et je me fais ramener à l’ordre. « Est-ce qu’il y a une manière de prononcer Baie des Ha Ha? Même nous autres, habitants de cette région, on se le demande… » s’exclame le singer. Insurrection est composé de quatre jeunes loups de l’Outaouais.

Le chanteur se mêle à l’attroupement. Type de personnalité plus dégourdie, plus dégêné que celui l’ayant précédé tantôt. Il amorce un slam intense et le sol tremble, en shake.

Ils savent y faire aussi en français. Titre tiré de leur nouvel album et ça s’appelle Obsession.

He’s here

Jésus de Nazareth est devant nous. Le sympathique bedonnant récidive et descend de nouveau de son stage. Oh ! Il accourt vers le bar et se hisse debout sur celui-ci, le surplombant. Il est nu-pieds !

« Gatineau, c’est cinq heures de route. On est parti a cinq heures dans le brouillard. Silent Hill. » Voilà une autre pièce en français s’intitulant Fracture. Une basse pesante et tellement forte. Trace de violence présente.

C’est la copie conforme de Blanka de Street Fighter qui opère la guitare tout en sautillant. Avec sa longue chevelure, il s’en donne à cœur joie incitant au headbang.

Le chest ambulant s’exprime à nous une dernière fois : « Je viens du Saguenay ». Enchaînement d’une dernière chanson pour conclure brutalement comme l’entièreté de leurs créations.

Reanimator

Il est temps de sauter du death au trash metal avec nos amis de Reanimator. Quintette se déplaçant à partir de Lanaudière pour parcourir le Québec.

Le batteur excelle dans les mimiques faciales. Il a son personnage et l’incarne à merveille. Ça varge son affaire, pas à peu près. Il en est décoiffé et moi de même.

Leur signature est que ça buche en sale. Trash intense assuré. Les voir aller, c’est dingue !

Sérieux, ce quintette sonne ben en tabarnak ! Je me sens comme si j’avais reçu une enclume sur le crâne ou une brique sur la gueule.

De toute beauté est la guitare basse d’un rouge flamboyant. Le frisé, il te les fouette ses cordes tendues.

« Je veux que ça bouge, vous pouvez bouger, mais pas moi. » Je bois leurs paroles, m’abreuve de leurs énoncés démoniaques. Des riffs bien pensés et toujours efficaces. Étincelants, ils sont !

Dans le feu de l’action provoqué, une fille trébuche. On l’aide rapidement à se relever. Tout est sous contrôle. Entraide ! « L’appel du vide, la seule ever écrite en français. » Survoltant !

Déjà rendu à la dernière tune de la soirée, et il n’est que 23 heures 12. « Tout le monde est nice. Le plus gros slam of the night. C’est vraiment la dernière, le temps de vous défoncer. » Je trippe vraiment sur son vocal, timbre de voix qui entre bien dans mon oreille pour ressortir trop rapidement par l’autre.

23 heures 30, finito ! C’est dans la poche, étant épaulé par un setlist mieux qu’espéré. J’ai déjà toute leur discographie en vinyle ou CD. Je me laisse tenter par un sticker donné gratuitement, surplus d’étiquettes de leur bière Anti-Sobriety.

Jamais assez

Pendant l’écriture de ce compte-rendu sur cette visite à la Brasserie Port-Alfred qui m’a si bien accueilli une fois de plus, j’ai appris une triste nouvelle sur Facebook. Via un live du band, le chanteur de Reanimator s’est adressé à nous souffrant d’un mal de dos atroce. Incapable de se tenir debout. La recommandation médicale est du repos. Il a donc dû annuler son spectacle planifié pour le lendemain.

Choyés, nous sommes, d’avoir pu profiter de leur incroyable présence. Je poursuis mon périple métal avec un détour à Québec pour enfin rencontrer Martyr dans ma face !

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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