Alors que Cryptopsy allait bientôt monter sur une scène de Baltimore ce samedi 2 mai 2026, j’ai eu l’occasion de m’entretenir avec le chanteur, Matthieu McGachy, alias Matt, pour discuter de ses débuts dans le groupe, de leur album trentenaire légendaire None So Vile, de leur tournée actuelle ainsi que de leur spectacle à Montréal qui aura lieu le 28 mai prochain. 

Puisque tu es arrivé en 2007 dans Cryptopsy, comment as-tu découvert l’album None So Vile? Quelle chanson as-tu entendue en premier? 

Matt : Pour être très honnête, je pense que la première fois que j’ai entendu None So Vile, c’était quand je commençais à essayer d’apprendre les chansons quand je suis devenu le chanteur de Cryptopsy. Avant que je sois dans le groupe, j’étais pas vraiment le plus gros fan de Cryptopsy. Je savais que c’était un groupe reconnu à l’international, mais j’étais pas le plus gros fan de death metal. J’étais dans un groupe avant (3 Mile Scream) qui était beaucoup plus metalcore faque on voulait vraiment être Killswitch Engage. Y’avait des refrains chantés puis des couplets où je criais et des breakdowns. Je me souviens que je commençais à apprendre les chansons. C’était très difficile parce que Lord Worm a une façon particulière de crier et de faire des sons avec sa voix mais, en même temps, il est un très bon écrivain. Ses paroles sont très poétiques, sombres et bizarres. Il écrivait des paroles et, après ça, il faisait des sons pis le nombre de syllabes n’était pas toujours juste. Quand j’ai commencé, c’était très difficile, du moins la première année, de découvrir ce qu’il disait pour vrai versus ce qui est écrit dans les paroles. Je me souviens très bien : je regardais les paroles, je l’écoutais, pis j’appelais Alex Auburn, qui était le guitariste avec nous, et il me disait : « Ah, je pense qu’il dit tous les mots… » C’était comme s’il fallait que je monte une montagne pis que j’étais tout en bas. Je savais que j’avais beaucoup de travail devant moi à parcourir avant de pouvoir faire un spectacle. 

Dans ce cas-là, comment est-ce que tu as rencontré Cryptospy? 

Matt : La scène musicale de Montréal est quand même petite et tout le monde pratique à la Cité 2000. Y’a plusieurs locaux où les bands pratiquent et Cryptopsy pratiquait là. Je les voyais passer dans le corridor pis j’étais toujours comme : « Oh wow, eux autres c’est des vrais musiciens qui font des tournées mondiales. » Faque je les connaissais de nom, de vue. Puis j’ai joué des spectacles avec eux, c’est plutôt là que j’ai découvert leur musique. 3 Mile Scream a fait la première partie pour Cryptopsy une ou deux fois, toujours à Toronto, je sais pas pourquoi. 

Maintenant que tu as appris à aimer l’album, c’est quoi ta chanson préférée de None So Vile? 

Matt : Ah, y’en a plein. Pour l’instant, on est encore sur la dernière tournée de célébration des 30 ans de None So Vile. Ça a commencé en Asie, puis en Nouvelle-Zélande, en Australie, et on a fait toute l’Europe. On joue beaucoup de chansons de None So Vile faque c’est difficile d’en choisir une. Mais celle qui fait réagir le plus la foule, que je peux voir la lumière dans les yeux s’allumer quand ça commence, c’est Graves of the Fathers. Y’a vraiment un bon groove dans le milieu et y’a beaucoup d’énergie qui se transfère de la foule à nous, back and forth. Graves of the Fathers, c’est vraiment haut sur ma liste de chansons préférées de None So Vile. L’autre, c’est Orgiastic Disembowelment. J’aime beaucoup, y’a encore un gros groove section où on peut, avec la foule, avoir vraiment une connexion. Pis on se brasse la toupette tous ensemble. J’aime beaucoup les couplets de cette chanson-là et comment c’est écrit. C’est très rythmique, c’est très old school, c’est une chanson que j’aime beaucoup. 

Est-ce que vous allez jouer l’album au complet lors de votre show à Montréal? 

Matt : Non. On a pris la décision de ne pas faire l’album au complet parce qu’on a un set d’une heure quand on est sur la scène. Cryptopsy c’est très intense comme style de musique. C’est une expérience physique pour tout le monde, pour le groupe et pour la foule. Faque None So Vile dure environ, si on jouait toutes les chansons, 35-40 minutes avec les discours. On voulait aussi présenter beaucoup de nouveaux morceaux à la foule aussi parce qu’on vient juste de sortir un album l’année passée, An Insatiable Violence. C’est très important pour nous, comme musiciens, de présenter ce matériel à la foule parce qu’on n’est pas seulement légendaires grâce aux deux premiers albums qu’on a sortis. On est aussi un groupe qui est très à jour musicalement, même si on a un genre de statut de groupe légendaire grâce à None So Vile et Blasphemy Made Flesh. C’est important pour nous de montrer à tout le monde qu’on est plus que juste un album. Faque on a pris la décision de jouer six des huit chansons [de None So Vile]. On joue tous les hits. On joue ceux de None So Vile, une toune de Blasphemy, et beaucoup de nouveau matériel. 

Est-ce que vous avez décidé des groupes [Necrot, Fulci, Blood Monolith, Spirit Adrift] en première partie et pourquoi vous les avez choisis, si c’est le cas? 

Matt : Oui, j’avais fait une liste. Souvent, quand je fais ça, je regarde… On a un booking agent, la personne qui parle avec tous les promoteurs dans chaque ville. Faque je regarde sur le roster, les artistes avec le même booking agent, et je fais une liste. C’est plus facile quand c’est dans la même famille. J’avais mis Fulci sur ma liste, mais malheureusement ils n’ont pas eu leur visa à temps et ils ne sont pas ici. Heureusement Spirit Adrift sont ici avec nous. Ils ont pris la relève en moins d’une semaine avant que la tournée commence. De tout planifier avec leur famille, trouver du transport, pratiquer assez les chansons pour être en mode professionnel pour les jouer… ils ont tout accompli ça! Donc, grâce à eux, la tournée est complète et on continue. 

Est-ce que vous avez choisi délibérément de finir par Montréal? Y a-t-il une raison derrière ça? 

Matt : Non, mais ça tombe bien. Je pense que la tournée a été montée comme ça pour nous. C’est vraiment pratique honnêtement. On a déjà fait une tournée avec Aborted [2019] pis on a joué à Montréal puis après ça à Toronto. Avec Belphegor, en 2017, on avait joué à Montréal puis après ça on avait fini à Rouyn. Faque ça fait plus notre affaire de revenir à la maison. Comme ça mes enfants peuvent venir au spectacle et on rentre à la maison après. Ça, ça nous fait du bien. 

Est-ce que vous réservez quelque chose de spécial pour les fans de Montréal puisque c’est votre « maison »? 

Matt : Non, mais j’aimerais ça que Lord Worm vienne faire une chanson avec nous même si je peux pas trop lui en demander. On a quelque chose de nouveau pour toute la tournée côté production. On a installé deux écrans LED avec des vidéos qui sont synchronisées avec notre musique. C’est du matériel qui a été créé par un artiste en Italie. C’est vraiment captivant, c’est intense et c’est la première fois qu’on fait ça. On monte un show, c’est nous quatre sur scène avec tous les visuels. C’est vraiment next level. On essaye de vraiment donner un criss de bon show. 

Comme tu parlais tout à l’heure de vos nouvelles chansons, est-ce qu’il y en a d’autres que vous préparez présentement? 

Matt : Ça va commencer lundi [4 mai 2026] justement parce qu’on écrit souvent quand on est en tournée et quand on a des jours de congé. Faque on se repose un petit peu le matin pis l’après-midi on s’installe dans une chambre d’hôtel pis on compose des riffs ensemble. On a fait ça sur deux tournées avant An Insatiable Violence et ça nous a vraiment aidé à faire beaucoup de travail dans une courte période de temps. Ça a bien fonctionné. C’est pas toujours facile d’être motivés quand on est fatigués en tournée, mais ça vaut vraiment la peine. 

Quels sont vos plans après la tournée ? Est-ce que vous avez quelque chose de prévu ? 

Matt : On a une autre tournée après cette tournée. On va en Europe pour faire beaucoup de gros festivals en fin juillet et en août. Pis, après ça, on a un autre très gros festival aux États-Unis dont je ne peux pas discuter parce que ce n’est pas encore annoncé, mais c’est quelque chose de très cool et unique et bizarre. Faque ça va être une expérience. On devrait pas être là. 

Merci beaucoup à Matt pour la courte interview et à Will de m’avoir aidé à l’organiser.

Sur ce, procurez-vous vos billets pour le show du 28 mai 2026 au Théatre Fairmount de Montréal pour ne surtout pas rater cette soirée de pur death metal et de célébrations d’un album qui a changé le cours de l’histoire de la musique extrême!

Encouragez Cryptopsy :

Billets pour le spectacle à Montréal : https://www.universe.com/events/the-decibel-magazine-tour-2026-tickets-Z9CBJG?ref=share-widget-buffer

Bandcamp : https://cryptopsyofficial.bandcamp.com/music

Facebook : https://www.facebook.com/cryptopsyofficial

Instagram : https://www.instagram.com/cryptopsyofficial/

Youtube : https://www.youtube.com/user/CryptopsyDeathMetal

Pour d’autres articles portant sur le death metal, c’est ici.

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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Dosage excessif de métal prescrit. Tsé un bon show pour changer le mal de place, dans un autre registre que j’affectionne tout autant. Ça adonne ben, y’a Reanimator et Insurrection que je connais qui passent le vendredi 17 avril dans mon coin à La Baie. Justement, le trio présenté au menu est complété par The Fallen qui s’exerceront donc dans leur ville d’origine, à découvrir…

Port-Alfred

Le présentateur de ces métalleux québécois est la Brasserie Port-Alfred. Établissement maintenant bien établi possédant une cuisine et servant de la succulente nourriture. C’est bon dans yeule !

Je les remercie personnellement de toujours mettre les efforts afin de maintenir une offre de spectacles si grandiose. C’est grandement apprécié. Applaudissons-les !

The Fallen

Le premier band à s’amener est The Fallen avec son death métal mélodique. Ils jouent à domicile, et ça paraît en apercevant la horde de supporters postée en première rangée. Deux caisses de résonance à leur image sont ancrées sur le sol, prêtes à sonner la charge initiale.

Ils sont cinq. À ma droite, je suis confronté à un musicien armé d’une guitare triangulaire noire au contour jaune émettant de douces notes. Facteur apaisant, adoucissant toute la lourdeur de leur musique. Pouilleux, il est.

À ses côtés, un drummer qui pète des baguettes à profusion, et on fait avec. Sur ma gauche, une basse particulière qui look, fabriquée en bois verni.

On nous annonce que c’est le baptême de leur nouveau guitariste, David. Il s’avère être un très solide soliste, et c’est un gars de La Baie. Le chanteur précise lui-même, veut que ce soit clair, qu’il vient du Lac.

Je peux leur trouver des légers airs de mes bien-aimés Children of Bodom, que j’ai eu le privilège de voir live.

Regarde moi l’autre qui s’énarve ! The Fallen a fait preuve d’audace et d’aplomb déstabilisant.

CD procuré de leur album éponyme, paru le 1 juin 2024.

Insurrection

Les seconds crinqués à monter sur le grand terrain de jeu mis à leur disposition sont les énergiques d’Insurrection. Je les avais découverts également en première partie de Reanimator au CEM en décembre passé. Performances remarquables que j’ai couvertes dans mon article Insurrection avec Reanimator et Acetone, métal en fusion au CEM.

Je regarde l’heure sur mon cellulaire qui indique 21 heures 43, et je me fais ramener à l’ordre. « Est-ce qu’il y a une manière de prononcer Baie des Ha Ha? Même nous autres, habitants de cette région, on se le demande… » s’exclame le singer. Insurrection est composé de quatre jeunes loups de l’Outaouais.

Le chanteur se mêle à l’attroupement. Type de personnalité plus dégourdie, plus dégêné que celui l’ayant précédé tantôt. Il amorce un slam intense et le sol tremble, en shake.

Ils savent y faire aussi en français. Titre tiré de leur nouvel album et ça s’appelle Obsession.

He’s here

Jésus de Nazareth est devant nous. Le sympathique bedonnant récidive et descend de nouveau de son stage. Oh ! Il accourt vers le bar et se hisse debout sur celui-ci, le surplombant. Il est nu-pieds !

« Gatineau, c’est cinq heures de route. On est parti a cinq heures dans le brouillard. Silent Hill. » Voilà une autre pièce en français s’intitulant Fracture. Une basse pesante et tellement forte. Trace de violence présente.

C’est la copie conforme de Blanka de Street Fighter qui opère la guitare tout en sautillant. Avec sa longue chevelure, il s’en donne à cœur joie incitant au headbang.

Le chest ambulant s’exprime à nous une dernière fois : « Je viens du Saguenay ». Enchaînement d’une dernière chanson pour conclure brutalement comme l’entièreté de leurs créations.

Reanimator

Il est temps de sauter du death au trash metal avec nos amis de Reanimator. Quintette se déplaçant à partir de Lanaudière pour parcourir le Québec.

Le batteur excelle dans les mimiques faciales. Il a son personnage et l’incarne à merveille. Ça varge son affaire, pas à peu près. Il en est décoiffé et moi de même.

Leur signature est que ça buche en sale. Trash intense assuré. Les voir aller, c’est dingue !

Sérieux, ce quintette sonne ben en tabarnak ! Je me sens comme si j’avais reçu une enclume sur le crâne ou une brique sur la gueule.

De toute beauté est la guitare basse d’un rouge flamboyant. Le frisé, il te les fouette ses cordes tendues.

« Je veux que ça bouge, vous pouvez bouger, mais pas moi. » Je bois leurs paroles, m’abreuve de leurs énoncés démoniaques. Des riffs bien pensés et toujours efficaces. Étincelants, ils sont !

Dans le feu de l’action provoqué, une fille trébuche. On l’aide rapidement à se relever. Tout est sous contrôle. Entraide ! « L’appel du vide, la seule ever écrite en français. » Survoltant !

Déjà rendu à la dernière tune de la soirée, et il n’est que 23 heures 12. « Tout le monde est nice. Le plus gros slam of the night. C’est vraiment la dernière, le temps de vous défoncer. » Je trippe vraiment sur son vocal, timbre de voix qui entre bien dans mon oreille pour ressortir trop rapidement par l’autre.

23 heures 30, finito ! C’est dans la poche, étant épaulé par un setlist mieux qu’espéré. J’ai déjà toute leur discographie en vinyle ou CD. Je me laisse tenter par un sticker donné gratuitement, surplus d’étiquettes de leur bière Anti-Sobriety.

Jamais assez

Pendant l’écriture de ce compte-rendu sur cette visite à la Brasserie Port-Alfred qui m’a si bien accueilli une fois de plus, j’ai appris une triste nouvelle sur Facebook. Via un live du band, le chanteur de Reanimator s’est adressé à nous souffrant d’un mal de dos atroce. Incapable de se tenir debout. La recommandation médicale est du repos. Il a donc dû annuler son spectacle planifié pour le lendemain.

Choyés, nous sommes, d’avoir pu profiter de leur incroyable présence. Je poursuis mon périple métal avec un détour à Québec pour enfin rencontrer Martyr dans ma face !

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Je me présente aux des membres de Fast Food Fairies, l’un des trois groupes qui performera ce soir, entre les excellents Molotov (punk engagé, fâché, qui bûche et qui fait du bien) et les tous aussi excellents 1994 (groupe punk, bien connu sur la rive nord de Montréal, qui fait revivre les bonnes années avec ses covers).

C’est une soirée spéciale pour les gars de FFF, c’est le dernier soir de leur batteur, Frank. Sur scène, on retrouve cette complicité entre les quatre membres. C’est un moment privilégié où on voit tout le plaisir qu’ils ont, où ils réussissent à nous faire entrer dans le rythme soutenu de leurs chansons à saveur des Ramones. Enchaînant les morceaux les uns après les autres, c’est un spectacle endiablé et dégoulinant d’énergie qu’ils ont livré, pour le plus grand bonheur de leurs fans rassemblés.

Même si l’ambiance aurait pu être plus maussade, les gars sont souriants, bien fiers d’avoir assuré une performance marquante avec celui qui les aura accompagnés pendant quatre ans. 

J’ai eu le privilège de m’adresser à Danny (lead singer et guitare), Oli (voix et guitare), Guy (voix et basse) et Frank (batterie) afin de prendre leurs impressions après leur performance.

 » Salut Danny, c’était le dernier show de Frank ce soir, t’en as parlé pas mal, j’aimerais savoir comment tu as vécu ça ?

[Danny] Je vais être honnête, je suis quand même très triste parce que Frank, pour moi, c’est plus qu’un musicien, c’est plus qu’un ami dans le band aussi, c’est un ami à l’extérieur du band. Tellement que j’ai un permis de célébrant pour les mariages, à cause de lui ! J’ai marié mon ami.  Donc c’est vraiment une grosse perte, parce que même s’il y a déjà eu d’autre drummers, c’est au moment où lui est entré dans le groupe que c’est devenu sérieux.  C’est le drummer original.

Il était avec vous depuis quand ?

[Danny] Depuis 2022, quand on a eu le droit de faire des shows (NDLR : covid) – on respecte la légalité…  *sourire*

Sinon, comme vous perdez votre batteur, qu’est-ce qui se passe pour Fast Food Fairies ?

[Danny] On a déjà un autre membre, parce qu’on le voyait que Frank commençait à avoir de la misère à suivre avec toutes les dates prévues.  Il a aussi eu des changements dans sa vie, le travail, la routine, etc.  On avait déjà commencé à chercher un remplaçant pour les shows où Frank n’était pas disponible alors le remplaçant est devenu principal et le principal, le remplaçant. C’est Marco, des Rock And Roll Television. Si on est mal pris, on appelle encore Frank !

Non, exact, et c’est super comme ça ! Pour toi Oli, sachant que c’est le dernier soir avec Frank, même si Danny nous en a pas mal parlé, je veux avoir tes impressions aussi.

[Oli] Comment j’ai vécu la soirée? Avec un peu d’émotion quand même, mais ce qui est bien, c’est qu’il n’y a personne de fâché.  Frank, c’est notre chum et ça va rester notre chum.  On s’est arrangés pour que ce soit ça, aussi.  Je pense qu’on a fait ça comme des grands garçons.  On grandit toujours, on vieillit. 

Selon ce que j’ai vu, vous avez une belle tournée en prévision, êtes-vous partis tout l’été ?

[Oli] Écoute, on a quand même pas mal de dates qui s’en viennent, mais on essaie surtout d’accélérer la production du deuxième album.  On aimerait vraiment ça vous le présenter le plus tôt possible.  On essaie pour juillet, on essaie fort !

Super, merci de votre temps les gars, toujours aussi agréables ! Je vais maintenant vous laisser prendre votre bière et je vais maintenant m’adresser au protagoniste de cette soirée d’au revoir…  Salut, Frank ! C’était donc officiellement ton dernier show ce soir, mais j’ai cru comprendre par tes collègues et amis que tu demeurais dans le groupe, juste en poste de remplacement, finalement.

[Frank] Ouais, je n’ai plus assez de temps pour être le principal.  J’ai déménagé, je suis rendu loin dans le Nord, j’ai beaucoup d’obligations.

Comment tu as vécu ta dernière performance avec Fast Food Fairies ?

[Frank] J’ai trippé, je me suis amusé ! Ça reste les meilleurs chums du monde. Ça ne finira pas.

C’est super parce que vous dites tous la même affaire !

[Frank] Ouais, ben c’est ça.  Si on avait parti ça quand j’avais 20 ans, ça aurait été une autre histoire, mais à 40 ans, c’est moins idéal.

Je comprends.  As-tu d’autre projets au niveau de la musique ?

[Frank] C’est sûr que je vais me faire rappeler, c’est sûr que je vais avoir des demandes, mais je vais choisir.  Je vais continuer à faire des shows, je vais continuer de jouer avec du monde, ça reste mon exutoire, je ne peux pas vivre sans musique. Je vais toujours continuer.  Je vais prendre une petite guitare et m’amuser.

Merci pour ton temps, Frank, on te souhaite du bon repos et tout le succès du monde ! »

En souriant, il retourne à sa conversation, sur le bord du trottoir, un samedi soir particulièrement doux.  Le résultat des entrevues cadre avec la douceur de l’air.  C’était doux de voir des musiciens, un peu rough on the edge, avec une si belle entente, une amitié plus forte que les embûches de la vie quotidienne. Les gars du groupe ont tenu à mentionner que Frank avait eu tellement de plaisir… Qu’il a détruit son flare!

Fast Food Fairies prend donc un nouvel envol avec Marco à la batterie…  Un deuxième album et une leçon importante à retenir :

LES BROS PASSERONT TOUJOURS AVANT LES SHOWS

Pour les suivre dans leur tournée prochaine :   (5) Facebook ou (9) Instagram

Rédaction : Sophie Paré

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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Mulch

Honnêtement, c’est un band que je ne connais pas beaucoup. Dominé par Rose Cormier (à la voix et au synthétiseur), ce band montréalais mélange les sons, passant du post-punk au noise rock pour ainsi décliner une sonorité unique et percutante. Hymne psychédélique, apothéose du lyric engagé, porté par une urgence sociale palpable et riffs déjantés, iels sont les ambassadeurs.rices d’une génération qui refuse de se plier. Le groupe érige le chaos en langage et la dissonance en manifeste. J’ai bien aimé. Et à en croire la lourde crowd déjà présente, je n’étais pas la seule.

Enfants Sauvages

Rox Arcand ne règne plus seulement sur la vieille ville, basse ou haute. Elle règne désormais partout où elle passe. N’ayant rien à envier à Amy Taylor (Amyl and the Sniffers) ou à Phoebe Lunny (Lambrini Girls), elle livre à chaque fois un garage punk pur et dur. Un mur de son sale et rapide, entre chaos contrôlé et explosion imminente.

Accompagné par ses garnements habituels, elle est arrivée ceinture de balles au corps, bottes de cowboy aux pieds, et elle a tout arraché. Je n’en étais pas à mon premier rodéo des Enfants Sauvages mais, ce qui me fascine, c’est de voir qu’à chaque fois, ils gagnent des nouveaux fans. Chaque fois que je les vois, il y a quelqu’un dans la foule qui me raconte que c’est sa première fois et que c’est complètement subjuguant. Pis à chaque fois je me demande d’en dessous de quelle crisse de roche le ou la dude dormait pour ne pas avoir connu ça avant. Anyway ! L’ambiance était déjà bien réchauffée voire survoltée, les terribles gamins ont tout livré, comme à l’habitude.

Guhn Twei

Mes amis et ceux qui me lisent régulièrement le savent, mes goûts dans le métal sont assez limités. Mais Guhn Twei, criss que je les aime. Je ne sais pas si c’est le côté sombre et ténébreux de Simon qui le rend charismatique ou si c’est la tonalité lourde et mélodieuse qui me fait sentir comme si je traversais le purgatoire une seconde fois. Ou si c’est simplement ce sentiment profond d’être au bord du précipice chaque fois que leur musique envahi mon âme. Probablement un mélange funèbre de tout ça. Leur musique me laisse un ressenti abyssal qui me déchire l’échine dorsale. Guhn Twei, je me répète, mais je les aime profondément. Telle une masochiste qui cherche à satisfaire son propre plaisir en s’infligeant l’insoutenable.

La salle était plus que remplie. Elle était dominée par la foule et le son glacial qui rebondissait partout. J’ai passé une bonne partie du set les yeux fermés. Parce que du Guhn Twei, ça ne s’écoute pas, ça se vit, ça se ressent. Tel un exorcisme qui expie les maux, par le bruit et les mots. L’ajout de la voix de Jeanne sur plusieurs parties apporte une douceur mélancolique déconcertante à ce désordre auditif. Je le dis et redis : Une ville, une mine, un cancer sera inéluctablement consacré une fois de plus  »album de l’année ».

Pour lire la critique de l’album rédigée par Eddy, c’est par ici.

Rédaction : Claudia Bo

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Il faut quelques minutes pour que les yeux s’habituent. Dans l’obscurité presque totale de l’Escogriffe, le concert se devine plus qu’il ne se regarde. Les silhouettes apparaissent par fragments, les visages disparaissent aussitôt qu’ils se laissent entrevoir. Pour ce deuxième soir à guichets fermés, Corridor propose une expérience immersive dans une ambiance feutrée.

Originaire de Montréal, Corridor s’est progressivement imposé comme une figure incontournable de la scène indie locale. Premier groupe francophone à joindre le label de Seattle Sub Pop (ayant produit notamment des groupes légendaires comme Nirvana, Sonic Youth ou encore Soundgarden), le groupe a su attirer l’attention bien au-delà du Québec, notamment grâce à une performance remarquée chez KEXP. En 2020, il remporte le GAMIQ de l’album indie rock de l’année pour Junior. Le quatuor signe quatre albums studio, dont le dernier en date, Mimi, est sorti en 2024.

À Montréal, cela se traduit aujourd’hui par trois soirs complets à l’Esco, une manière d’habiter pleinement un espace devenu presque trop étroit pour eux. Remplir l’Esco, c’est courant. Sold out trois soirs d’affilée, sans même que cela coïncide avec une sortie d’album, beaucoup moins.

La soirée s’ouvre avec Karneef, formation montréalaise de jazz fusion qui installe rapidement une atmosphère dense. Porté par une énergie brute et des textures sonores riches, le groupe capte aussitôt l’attention. Une entrée en matière solide, qui prépare le terrain avec justesse.

Trois soirs, une même intensité : Corridor habite l’Esco.

Lorsque Corridor entre en scène, la salle est déjà pleine et vibrante. L’Esco se transforme en un espace presque clos, où la chaleur s’installe autant que l’attention du public. La lumière, minimale, oblige à deviner plus qu’à voir, renforçant cette impression d’intimité. Très vite, la frontière entre la scène et la salle semble disparaître.

Leur musique, faite de guitares entremêlées et de tensions discrètes, oscille entre mélancolie rêveuse et énergie entraînante. Les paroles évoquent tour à tour des sujets comme l’exposition à l’ère numérique, la difficulté de vivre de son art ou encore la fragilité du couple. Au fil des albums, leur post-punk se teinte de plus en plus de sonorités électroniques.

Les échanges avec le public se font naturellement, sans distance. On ajuste un élément de son en direct, quelques blagues circulent, et l’un des musiciens traverse la salle comme s’il évoluait dans un espace familier. Cette proximité change la dynamique du concert, elle autorise une forme de liberté qui serait plus difficile à atteindre dans un cadre plus vaste. 

Et pourtant, l’intensité ne faiblit jamais. Corridor joue avec une forme de lâcher-prise maîtrisé. 

Parmi les moments marquants, certains éclats viennent rompre cette tension feutrée. Sur Domino, l’un des morceaux les plus attendus, l’énergie monte d’un cran. Au cœur du morceau, des confettis en forme de billets américains sont lancés dans la salle, déclenchant une réaction immédiate du public.

Ailleurs, Dominic Berthiaume grimpe sur une enceinte, basse en main, et laisse éclater une intensité plus brute, presque frénétique. Derrière la douceur apparente, la musique de Corridor reste profondément habitée.

Déjà aperçu dans un contexte plus ouvert, notamment lors d’un passage aux Francos de Montréal en 2025, le groupe révèle ici une tout autre facette. Là où le festival laissait place à une écoute plus diffuse, l’Esco resserre tout : les regards, les gestes, les échanges. Le concert gagne en intensité.

Sur scène, les sourires circulent, une véritable complicité semble relier les musiciens entre eux autant qu’à la salle. Cette familiarité avec le lieu, où ils ont déjà joué, se ressent dans chaque moment. 

Difficile, dans ces conditions, de repartir indemne. On quitte la salle avec l’impression d’avoir assisté à quelque chose de plus intime qu’un simple concert. Une expérience intense, où la musique se vit autant qu’elle s’écoute. Et en sortant, avec quelques souvenirs en poche, l’impression simple, mais tenace, d’aimer encore un peu plus Corridor.

Pour suivre Corridor :
https://corridormtl.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/corridormtl/

Rédaction : Alexandra Stanurski

Crédit photo : Alexandra Stanurski

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

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C’est sur Ontario Est, au Cabaret Lion d’Or, que WD-40 terminait sa série de shows avec Dany Nicolas le 20 mars dernier. De Saguenay à Montréal, la tournée « L’ultime retour » célébrait l’arrivée en vinyle de deux albums emblématiques : Fantastik Strapagosse et Aux Frontières de l’Asphalte.

Que ce soit dans un bar miteux de St-Henri, sur les planches des Francofolies de Montréal ou même à côté de vedettes internationales, les cowboys restent les mêmes. Ce sont des colons sympathiques, des dépravés au grand cœur. Chaque beuglement, chaque sifflement porte une émotion précise et la salle la multiplie comme de l’écho.

L’univers WD-40 est unique. Il s’agit du seul band à avoir eu un greatest hits sans avoir de succès. Un documentaire sans avoir eu de carrière. Ils ont bâti leur popularité dans le cœur du peuple, un show à la fois.

Personnellement, je les ai découverts au Polliwog, à une période où la sobriété n’était pas la priorité de personne. L’époque de Crampe en Masse et Disco Alterno. Quand le band défrichait le chemin pour tous les talents du Saguenay que nous connaissons aujourd’hui, une track à la fois.

Dany Nicolas

Dany Nicolas ne s’est pas fait attendre longtemps. Même si la foule était un peu froide au début, son énergie sur scène a fini par nous rentrer dedans comme une claque au visage. Les deux musiciens donnent l’impression d’improviser tellement les styles partent de tous bords, tous côtés. Ils semblent s’enfarger les pieds dans des rythmes lourds et agressifs pour ressortir avec du folk uptempo et joyeux, comme quelqu’un qui se relève d’une chute.

Le Lion d’Or a fait résonner tous les styles musicaux depuis les années folles. Ses vieux rideaux feutrés ont vite reconnu le jazz dans la musique que Dany Nicolas nous bricole.

Le frontman incarne sa musique avec toutes ses tripes. Il prend des instants pour regarder en l’air et s’imprégner des vibrations. En revanche, son batteur essaie de provoquer des réactions en chaîne. Soit il contourne sa batterie pour faire face au public, soit il joue debout sur son banc. Pouvons-nous passer sous silence cette gigantesque caisse qu’il utilise comme bass drum et qui donne le ton depuis le début ? Le duo est reparti et nous a laissés avec plus de questions que nous en avions au départ. Par ailleurs, il faut très certainement plusieurs écoutes pour décoder toutes les subtilités offertes sans être constamment en état de surprise et d’extase.

WD-40

WD-40 a ensuite pris possession de la scène avec la subtilité d’un 18-roues. Le velours a laissé place à l’asphalte. Soudainement, l’audience s’est retrouvée au coude à coude, juste au bord du stage. À quelques pas de l’irrévérencieux Alex Jones qui porte déjà sa basse Thunderbird Vintage Sunburst et son harmonica.

Sans surprise, le setlist commence avec trois bombes de l’album Aux Frontières de l’Asphalte. Le son et l’éclairage sont au rendez-vous. Dans la salle, la foule hurle les paroles et calque chaque gémissement et chaque lamentation. Les regards s’entrecroisent. La secte chante, sourire aux lèvres, yeux dans les yeux.

*Aux Frontières de l’Asphalte  *Café Chrétien  *Jour de Paye  *Là où les Chiens Jappent du Trou d’Cul  *La Forêt  *Fantastik Strapagosse  *Mouche à Marde  *Caisse de Douze *Né Pour Être Sauvage  *Du Diesel sur le Prélart  *Souvenir d’Amos  *Mourir la Face dans Slush  *La Mer des Tourments  *Gramme de Mort  *Tout pour le Rock *Immortel  *Y’en Aura pas de P’tite Culotte  *Femme tout Nue  *Enfant de Chienne

De nos jours, le chanteur est plus sobre et plus énergique que sa crowd. Il maîtrise son instrument comme jamais. Nous sommes loin des performances de jadis, à l’époque où il fallait plusieurs arrêts aux toilettes pour assouvir sa dépendance. Les interprétations sont fidèles aux versions enregistrées. Le band passe du punk de garage à la finesse du blues en un clin d’œil, sans renier ses racines country.

Jean-Loup et son frère connaissent leur répertoire du bout des doigts et occupent la scène comme leur deuxième domicile. Le guitariste s’offre de véritables poses de rockstar. Ses lunettes de soleil et sa Gretsch rouge lui donnent toute la crédibilité pour appuyer son attitude. Il s’approche des gens pour performer comme s’il offrait chaque solo à quelqu’un en particulier dans la salle. De son côté, le bassiste saute et s’agenouille sans manquer une note. Pendant ce temps, le moshpit est bien établi. Les fanatiques de country-punk s’en donnent à cœur joie et le verre cassé est dispersé sur le plancher comme dans un squat. Le Lion d’Or a perdu son côté épuré pour devenir une arène de vieux punks.

Tout juste arrivé au sein du groupe à la batterie, Miguel frappe fort, littéralement. Il connaît la discographie du band comme s’il en faisait partie depuis toujours. La puissance de ses floor toms se fait ressentir jusqu’au restaurant d’à côté et se distingue du swing auquel Hugo Lachance nous avait habitués. À la guitare, Patrick Mainville n’a plus rien à prouver. Il a 10 ans de WD-40 derrière la cravate et son rôle est bien défini. Il apporte sa touche très académique à ce band si trash. Au fil du temps, sa place au sein de la formation s’est clarifiée. Si nous étions satisfaits qu’il remplisse simplement le vide à la rythmique pendant les solos de Jean-Loup, maintenant nous ne pourrions imaginer WD-40 sans son agilité et sa prestance unique.

Puisque ce rituel devait se terminer, nous devions absolument en immortaliser quelques instants. Voici deux extraits qui témoignent de l’énergie brute de la soirée :

• Femme tout nue (Vidéo)
• Caisse de Douze (Vidéo)

Pour voir l’intégralité de la soirée en images, l’album photo complet est disponible juste ICI!

Enfin, si vous avez manqué le début de cette épopée, replongez dans notre revue du spectacle de WD-40 à Chicoutimi présenté le 11 octobre dernier.

C’est avec les semelles collantes que nous sommes allés engloutir nos hot-dogs all-dressed sur Papineau pour conclure notre périple dans l’Est.

Rédaction : Frosty Pat

Photos : Frosty Pat

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Le 7 mars dernier, les amateurs de show du SagLac auraient affronté un enfer météorologique pour assister à la prestation des Fast Food Fairies (FFF). Naturellement, Michel Cantin (Bauxite) des Productions Colimason est à remercier pour avoir entendu le public pour l’élaboration du lineup. Ce soir, Bauxite partage la scène avec les Fairies et Polonium 309 en guise de gueuleton. Par ailleurs, ce dernier groupe au son corrosif a frappé directement le point G de mes tympans.

Dès notre arrivée, on voit le coin de trottoir devant l’Envol envahi de punks, chacun abordant fièrement ses plus belles guenilles à patch. Telle une grande famille rassemblée pour la Soirée Canayenne, l’enthousiasme de chacun se ressent. On quitte enfin l’engourdissement presque muet de la saison froide, puisque voilà un événement qui pousse n’importe quel punk des tavernes à sortir de son hibernation.

Polonium 309, passage irradié

Avertissement : Plusieurs études révèlent que le corps humain est incapable d’excréter le polonium 309 rapidement de l’organisme, ce qui laisse un temps suffisant à la radioactivité d’endommager l’ADN ou de tuer les cellules. Tenez-vous le pour dit.

Une onde de choc se fait sentir dès les premières notes de Polonium 309, et le crowd se trouve dans la zone de déflagration du hardcore.  Bref, l’entrée est servie, garrochée dans le « gargoton » et les portions sont plus que généreuses. 

Par ailleurs, je fus immédiatement irradié sinon irrémédiablement infecté par l’ensemble de leurs rythmes. En effet, les riffs puissants et mélodieux accompagnés d’un chant ravageur définissent bien le son radioactif du band. Polonium 309 est le cauchemar de n’importe quel compteur Geiger. De fait, leur album On s’criss a rapidement contaminé ma playlist. De telles retombées sont attendues en présence d’un setlist de destruction massive tel que celui-là.

Polonium donne une représentation thermonucléaire. Rétrospectivement, si leur intention était de donner un boost pour starter la machine, c’est réussi. Le crowd est solidement décollé.

Ceux du SagLac qui voudraient les voir ou les revoir, notez qu’ils seront au Bar à Pitons avec Fokyoushima le 30 mai prochain.  

Du Bauxite dans l’air

Durant l’entracte, à l’extérieur, le pouls de la foule s’emballe et électrise l’air. Pendant ce temps, Bauxite s’installe tranquillement sur scène, dans le sillage même de l’enthousiasme du public.  

L’entrée a ouvert l’appétit des affamés. À leur retour, les gens ont rapidement occupé l’avant-scène. Tous sont prêts à bouffer du Bauxite, et à en redemander. Il y longtemps que je les avais vus. Tout comme le public ce soir, ils pètent littéralement le feu. Je remarque au passage une nouvelle composition, Liquidateur, qui traite de ce que l’on laisse en héritage aux futures générations. Le refrain m’a trotté dans la tête jusqu’à épuisement.

Par conséquent, l’ambiance festive est palpable, le festin musical se laisse manger, Bauxite y ajoutant sa sauce. Le thème entrecroisant semaine de relâche et fast-food, c’est bon, ça passe vite et j’en veux encore ! Michel Cantin et ses acolytes ont agacé nos papilles auditives en cette fin d’hiver avec quelques titres de leur album Momie de fer… et ça ouvre l’appétit.

Fast Food Fairies livre la manchandise

Une fois les amuse-gueules consommés, c’est le temps du plat de résistance. C’est là qu’arrive Fast Food Fairies, pour un premier service au SagLac. Avec le flamboyant Danny Duke au lead, FFF séduit autant par son punk’o’pop old school que par l’énergie qui s’en dégage. Guy Deschenes et Olivier Houde tous deux à la guitare et Marco De Grandpré aux drums complètent ce portrait dynamique.

Au menu, les chansons de l’album Can’t agree on anything (2024) servies sur un plateau. Le pit avale son lunch musical comme un take-out, et s’en délecte : les uns chantent, les autres dansent. Le plaisir est total. She don’t know I love her so ou I wanna be with you rappellent la sonorité des Ramones : c’est rythmé, connu et contagieux. Le set passe à la vitesse de l’éclair et la soirée s’achève…  Les Fast Food Fairies firent une carrière heureuse et eurent de nombreux fans. 

Lire aussi :
Un franc succès pour le Taverne Fest 2 – Du monde à messe pour le Taverne Fest 2

Rédaction : Julie Fortin & Jerry Cherry

Photographie : Jerry Cherry

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Je me retrouvais dans l’autobus 57 en route vers le Bâtiment 7, un ancien centre de recyclage devenu espace communautaire et là où le show de ce soir aura lieu. Truck Violence, récemment revenus d’une tournée européenne, se retrouve à jouer plus rarement à Montréal, leur ville natale. Il y a encore plus d’excitation envers leur retour en conséquence de leur succès international- même avant mon arrivée à la venue, on remarquait que leur fanbase avait grandi exponentiellement. La preuve: le groupe de personnes au fond de mon bus racontaient qu’ils étaient venus de Connecticut juste pour les voir!

Au Bâtiment 7, des spectateurs de tous âges se faufilaient à travers la foule; certains des vétérans de la scène locale, d’autres assistant à leur tout premier show. La salle était complètement sold-out, avec des personnes regardant les sets du cadre de la porte d’entrée.

Soirée vibrante aux couleurs locales

J’ai assisté à un lineup chargé, composé complètement de groupes locaux. Computer Science (screamo), Sietch (noise) et inheadlights (midwest emo) ont pris la scène en tant que premières parties. L’excitation de la foule augmentait toutefois à l’attente de la tête d’affiche. Auto-décrit comme étant un mélange poignant des sonorités amères du hardcore et du folk de l’Ouest canadien moderne, Truck Violence se démarque dans la scène montréalaise par leur amalgame poétique de genres musicaux, une identité mélodique complexe.

Une communion entre l’évolution et les racines

Ayant assisté à leurs shows depuis quelques années, ça m’a fait chaud au cœur de voir autant de monde qui se sont présentés pour eux. Le band a grandi et évolué, mais leur cœur et leur esprit restent les mêmes, fidèles à leurs racines. Leur son distinct et l’émotion crue rayonnaient à travers le set, montrant pourquoi ils vivent autant de succès. Pendant Guns buried in the front yard, seule la voix de Karsyn Henderson et le banjo mélancolique de Chris Clegg résonnaient dans la salle. La centaine de spectateurs assis à terre, attentifs – hypnotisés par la prouesse poétique du band. Malgré la soirée mouvementée, on a vécu un moment de calme.

J’étais nostalgique dans le moment même, une sorte de rappel de profiter du présent qui sera certainement qu’une mémoire tendre plus tard. L’instant fut pourtant éphémère – rapidement coupé par d’autres chansons de leur album Violence (2024), plus orientés vers un son hardcore que la précédente. Inspiré par les prairies canadiennes et abordant des thèmes tels que la dépendance et les dysfonctionnements, Violence nous emporte dans un état de conscience émotionnellement cru. Vous pouvez écouter leur premier album sorti avec la maison de disque montréalaise Mothland ci-dessous.

Une authencité qui transcende la scène

Ce qui rend Truck Violence spécial n’est pas seulement leur originalité, mais leur capacité à captiver l’attention de tous, à vivre dans le moment et d’être eux-mêmes, sans vergogne. Ils maîtrisent la vulnérabilité malgré l’intensité – la violence de leur musique. L’atmosphère pendant leurs performances est quelque chose qui se communique seulement par l’expérience d’être là. C’est pourquoi je conseillerais à tous de profiter de leurs shows- quoique occasionnels- à Montréal quand on le peut.

Rédaction: Beatrix Hooton

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour l’occasion, l’excellente formation Thick Glasses avait l’honneur d’assurer la première partie lors des deux représentations. En plus de Thick Glasses, le groupe Somet ouvrait la soirée du 12 mars, tandis que Caniche avait cette responsabilité le 13 mars. Comme la soirée affichait complet, nous sommes arrivés tôt afin d’obtenir une bonne place et de voir ce que les différents groupes avaient à offrir du côté de la marchandise.

Caniche

J’aime toujours faire de nouvelles découvertes, et ce fut le cas avec Caniche. Nous avions pris le temps d’écouter quelques chansons dans la voiture en nous rendant au spectacle, et cela nous avait déjà laissé une bonne impression.

À 20 h tapantes, la formation composée de Charles-Éric Lavoie (guitare et voix), Lou Brassard (guitare et voix), Jonathan Franken (basse), également membre de Charogne, et Laurent St-Pierre (batterie, en remplacement de Julien Daoust absent ce soir-là) est montée sur scène pour livrer une performance solide qui donne envie d’en entendre davantage.

Une bonne foule était déjà présente devant la scène. Lors d’une interaction avec le public, le groupe a souligné l’importance de soutenir la relève. Pour illustrer ce propos, ils ont enchaîné avec la chanson La Relève, une pièce qui se veut une satire avec des paroles comme : « J’haïs la relève / Sont toujours défoncés / Sont toujours pisseux ».

Ce fut un très bon début de soirée, et j’ai bien hâte de recroiser Caniche sur scène lors d’un prochain spectacle. Pour ceux qui comptent aller voir Vulgaires Machins durant leur tournée, je vous conseille d’arriver tôt pour attraper le groupe, qui assurera notamment la première partie le 20 mars à Chicoutimi, le 27 mars à Saint-Hyacinthe et le 28 mars à Granby.

Thick Glasses

La formation montréalaise Thick Glasses, qui se fait tranquillement un nom sur la scène punk et alternative de la métropole et de la province, était la suivante à monter sur scène. Si vous ne connaissez pas encore ce groupe, je n’hésite pas à dire qu’il a, selon moi, produit l’un des meilleurs albums de 2025 avec Dans l’abysse. Ce spectacle représentait donc une excellente occasion pour eux de faire découvrir leur musique à un public plus large qui serait peut-être passé à côté autrement.

Le groupe a principalement interprété des chansons tirées de ce plus récent album. Nous avons notamment eu droit à Mon Accalmie et Eliza, en plus de Mydriase et du désormais classique DOGO. Charles De Villiers, chanteur et guitariste du groupe, a pris un moment pour exprimer sa gratitude face à l’opportunité de jouer en première partie d’un groupe phare de la scène québécoise. On ne peut que lui répondre que cette place est amplement méritée.

Nous avons ensuite eu droit à ce que le groupe appelle le moment Fred Durst. Tous ceux qui portaient une casquette étaient invités à la mettre à l’envers et à se préparer à s’amuser comme si nous étions en 1999. Encore une excellente performance pour Thick Glasses, qui sera également présent au Pouzza Fest 14 cette année pour ceux qui y seront. Le groupe assurera aussi la première partie de Vulgaires Machins à Québec, ainsi que celle de Exterio le 24 avril à Drummondville.

Vulgaires Machins

Sans surprise, Vulgaires Machins a débuté son spectacle exactement comme leur plus récent album Contempler l’abîme, avec les pièces Terminé le fun et On Mani Padme Hum, avant d’enchaîner avec Être un comme. Le groupe a ensuite été accueilli par une ovation chaleureuse qui semblait sincèrement les toucher. Tous les membres du groupe paraissaient en grande forme pour cette seconde soirée montréalaise de la tournée. Ils étaient accompagnés de Lisa Iwanycki au clavier, un bel ajout.

Avant de poursuivre, Guillaume a lancé à la foule : « Chère Montréal, c’est à ton tour de te laisser parler d’amour et de chaos. »  Nous avons ensuite eu droit à Asile, OK et Vivre, tirées de l’album Disruption, ainsi qu’à On continue provenant du plus récent opus. On peut dire que ces chansons mettent effectivement en lumière le chaos qui sévit actuellement dans plusieurs secteurs de notre société. Le groupe a ensuite su nous donner des frissons en demandant notre participation à un classique du groupe. Au lieu de vous décrire le moment, je vous laisse l’écouter.

Un peu plus tard, le groupe a fait plaisir aux nostalgiques avec un medley de trois « vieilles, vieilles, vieilles chansons », comme l’a présenté Guillaume.

Les trois pièces tirées de 24.40 étaient La rue Déragon, Trinitrotoluène et Cocaïnomane. Cela faisait longtemps que je n’avais pas entendu ces chansons en spectacle. Il ne nous a manqué qu’une pièce de Regarde le monde pour couvrir l’ensemble de la discographie du groupe. Je me plains la bouche pleine, mais j’aurais volontiers pris Roméo et Yvette ou Fausse route.

Marie-Ève a ensuite pris la parole, disant espérer ne pas nous avoir trop « décrissés » avec leurs chansons qui parlent parfois de fin du monde. Je tiens à la rassurer : oui, les temps sont difficiles et il n’est pas toujours facile de garder le moral devant les inégalités qui se creusent entre les plus riches et la classe moyenne. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons ensemble, j’ose croire qu’il est encore possible de renverser certaines dynamiques injustes. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons tous ensemble, nous arriverons à renverser ou ébranler l’impérialisme en place. Ils se sont ensuite lancés dans une magnifique version acoustique d’Un peu plus fort, un moment particulièrement touchant de la soirée.

Tout au long du spectacle, la participation de la foule a été sollicitée ce qui ajoute à l’expérience.  À titre d’exemple, des « olé! olé! olé! » ont été lancés durant un intermède pendant Puits sans fond. La foule montréalaise, fan de hockey ou non, est toujours partante pour ce genre de moment. Avant d’entamer les dernières chansons, le groupe a pris le temps de remercier les membres de leur équipe. Il est important de souligner le travail de ces artisans de l’ombre qui rendent de telles soirées possibles, et j’ai pris soin d’en capter un extrait.

La performance de Vulgaires Machins avait débuté comme l’album Contempler l’abîme, et s’est terminée de la même façon en enchaînant Libérer la foudre, Faire sécession et Me croire seul à me croire inutile. Ces trois chansons forment un tout, et il aurait été difficile d’imaginer le spectacle se conclure autrement.

Un rappel avant de rentrer à la maison

Au grand plaisir de la foule, Vulgaires Machins est revenu sur scène pour un rappel de trois chansons. Le groupe a entamé ce segment avec L’effondrement qui vient. Nous avons eu droit à une grande surprise lorsque Jenny Salgado s’est jointe à eux sur scène. Voici une vidéo de ce moment :

Jenny Salgado a ensuite quitté la scène, et nous avons eu droit au classique Dieu se pique, durant lequel le groupe s’est permis un clin d’œil è un autre classique de la musique québécoise avec un extrait de Sous le vent de Garou et de la grande Céline.

La soirée s’est finalement conclue avec Et même si, offrant une finale à la hauteur de l’intensité du spectacle. Difficile d’en demander davantage pour un concert de Vulgaires Machins, des premières parties bien choisies, une scénographie simple mais efficace, et une généreuse setlist de 23 chansons qui a su satisfaire les fans de longue date ainsi que les nouveaux venus. Une soirée réussie, fidèle à la réputation du groupe.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Vous avez eu très peu de changement de lineup, (sauf Mathieu, qui a remplacé Yan) si je ne me trompe pas.  Comment expliquez-vous cette relative stabilité ?

On a eu quatre drummers en fait. Mais deux départs étaient déjà prévus. Notre objectif commun est clair. Tout le monde pousse également et on va tous dans la même direction. Et on est un band démocratique dans nos décisions, alors pas de chicane ! Juste un ti peu 🙂

Vous avez maintenant à votre actif quatre EP et un LP. Déjà avec Un peu crust un peu emo, on sentait bien l’énergie. Une sonorité beaucoup plus punk garage qui s’est peaufinée au fil du temps pour adopter une sonorité un peu plus pop punk. Est-ce une progression qui s’est faite naturellement ?

On est tous devenus meilleurs avec le temps, on prend plus le temps de travailler les chansons. C’est sûr que la qualité de l’enregistrement change aussi pas mal la sonorité, comme sur Le Désordre Organisé où nous avons aussi travaillé avec l’avis extérieur d’Hugo Mudie. Les EP ont tous été enregistrés en live, donc on peut sentir une énergie différente et un son moins léché. Pour nos 10 ans, on voulait justement donner une deuxième vie à la chanson Papier Panier Piano qui est parue sur notre premier EP. On a donc réenregistré la chanson qui sortira au mois de mars.

Depuis le dernier album (LP) Le Désordre Organisé, vous êtes signés sur Stomp Records. Qu’est-ce que cela a changé pour vous ?

Un label, c’est comme un outil supplémentaire pour nous. Ça nous apporte beaucoup de nouvelles opportunités de shows et nous donne plus de visibilité. Mais en même temps, on garde la latitude de faire ce que l’on veut. On est vraiment content d’être sur un label sur lequel on “trippait” étant jeune.

Pour lire la critique de l’album Le Désordre Organisé, c’est ici.

En l’espace de 10 ans, vous vous êtes créé une solide fanbase. Comment expliquez-vous cela ?

On pense que la combinaison d’être smatt avec le monde qui vient nous voir, d’avoir tourné un peu partout dans le Québec et de chanter en français des paroles auxquelles les gens peuvent s’identifier a bien contribué à ça.

Vous célébrez votre 10^e année d’existence. 10 ans, ça passe vite, mais il y a des p’tits bouttes plus longs parfois. Vous, il me semble que ces 10 ans là, vous les avez runné à fond. Qu’est-ce que vous retenez de cette première décennie ?

Petit train va loin. À chaque phase du band, nous nous sommes fixés des objectifs ambitieux mais réalisables, toujours en visant plus grand, que ce soit un enregistrement ou jouer avec un band qu’on aime. Lentement mais sûrement, c’est, selon nous, la clé du succès.

Les bands émergents actuels qui impressionnent Capable! ?

Chire, Service Conseil, Conflit Majeur, General Chaos, Somet.

Comment trouvez-vous la scène actuellement ?

La scène est en santé. C’est vraiment cool de voir une vague de bands de jeunes se mobiliser pis faire des shows. On pense aussi que des initiatives comme le Pouzza et le Phoque Off, avec leur grande diversité, aident les gens à s’intéresser à la scène et à vouloir se partir des bands.

Si vous pouviez parler au Capable! de 2015, qu’est-ce que vous leur diriez aujourd’hui ?

Continuez de jammer à chaque semaine. Ça va bien aller, pis investissez en achetant des actions de Zoom en 2019.

Est-ce qu’on peut espérer vous voir virer encore un autre 10 ans ? Commencez-vous à vous essouffler ou la passion et l’inspiration y sont encore ?

On est déjà en train de composer un prochain album. Ce que l’on veut, c’est continuer à faire des spectacles comme on l’a toujours fait, lentement mais sûrement. On veut prochainement tenter de jouer dans des villes où on n’est encore jamais allés. Et si jamais quelqu’un lâche, Za continuera avec de jeunes musiciens fougueux et les gens se diront : on aurait dû aller les voir quand c’était nice en 2026.

On se donne rendez-vous le 11 avril prochain au Cabaret des Foufs pour un party de fête aux côtés de Guilhem & The Bamboo Bones, BONVIVANT et Oh My Snare. Est-ce qu’il y aura autre chose cette année pour célébrer vos noces d’étain, haha ?

On vous l’annonce en primeur : nous avons engagé un crew pour filmer le spectacle et faire des vox-pop dans le pit. On en fera un documentaire. Alors si vous avez des mots d’amour ou des anecdotes à nous raconter, ce sera une occasion en or de les immortaliser.

Rédaction : Claudia Bo et Capable!

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour le centenaire de la ville de Noranda le 11 mars 2026, Guhn Twei, le groupe québécois alliant hardcore, death metal et grindcore dans un alliage lourd tant par le son que par le sens, nous a concocté un analgésique auditif contre le vecteur de cancer nommé Glencore, sous-titré la fonderie Horne. Ce troisième album, Une ville, une mine, un cancer, explore des thèmes sombres autour du poison qui ronge la ville de Rouyn-Noranda, particulièrement dans le premier côté, Une ville, une mine…, tandis que le second, … un cancer, relate plutôt le côté humain derrière la maladie et la noirceur qui accompagne son porteur. 

C’est Simon Turcotte qui a écrit les paroles de ces chansons remplies de (dés)espoir. Il est le bassiste et chanteur du groupe. Il est entouré de David Alisich-Bérubé à la guitare, Jeanne Perrin, également à la guitare et à la voix, et Étienne Pelchat à la batterie.

Lisez ici l’entrevue faite par Claudia Bo avec Simon pour découvrir davantage l’histoire derrière l’album et d’autres sujets liés au groupe.

Crédits malades

Le paysage hivernal du cimetière Notre-Dame de Rouyn-Noranda ainsi que les autres éléments visuels ont été peints par Juliette Lemieux. Slam Disques, le label qui s’autoproclame « un échec depuis 2002 » fondé par Jessy Fuchs (Rouge Pompier, ex-Exterio), s’occupe de la promotion et de la réalisation de ce disque. De son côté, Christian Donaldson, guitariste de Cryptopsy et ingénieur du son, a masterisé l’album. L’infographie est signée Jeanne, tandis que l’enregistrement et le mix sont l’oeuvre de David. L’ensemble des chansons a été enregistré entre décembre 2024 et janvier 2026 à La Punk House à Rouyn-Noranda. 

Critique essoufflée

Côté A : Une ville, une mine…

1. Ville fantôme, l’introduction de l’album, nous plonge d’emblée dans une atmosphère sombre et froide avec une mélodie perturbante à la basse suivie d’une guitare électrique clean. Simon expose la face sombre de leur ville dès la première distorsion du disque. Comme pour mieux nous faire comprendre la déchéance de la ville polluée et mourante, la chanson se termine avec une interférence sonore avant de brutalement se lancer dans les Coquerelles. 

2. On retrouve notre Guhn Twei habituel avec Coquerelles. Le morceau frappe en pleine figure par le son grave des guitares et l’attaque des tambours de la batterie. Lors du refrain, Jeanne dit quelques mots en arrière-plan pendant que Simon gueule. Un breakdown growlé apparaît vers la fin : la lourdeur est au rendez-vous. 

3. “Une mine empoisonneuse, une ville malade”, ces premières paroles d’Une ville, une mine, un cancer résument bien la bataille du groupe. S’ensuit un petit moment électro/industriel légèrement semblable à Parasite ou encore Infanticide qui débouche une nouvelle fois sur la voix de Jeanne et Simon. L’électro revient pour terminer la chanson. 

4. Cette fois-ci, c’est Jeanne qui introduit les paroles “joyeuses” d’À bout de souffle. Du scream incompréhensible continue avec violence. Après un couplet et un interlude, le début est reproduit avant d’entendre la voix presque fantomatique de Marc-André Boucher, le chanteur invité de Barre à Clou, un autre groupe de Rouyn-Noranda, mais de stoner/sludge metal. 

5. Un riff de guitare et des coups de cymbale débutent Culture du Silence. La lenteur et le son grave (ainsi que les paroles) du morceau relatent la censure dont le band a entre autres été victime. Malgré tout, ça donne le goût de danser, ou mosher, c’est selon. (Vous pouvez lire l’article de Charles Loco pour approfondir le sujet de la censure vécue par le groupe.)

6. Malgré la brève durée de 101 avenue Portelance, on s’en prend plein la gueule à son écoute. 

7. Dans Les oiseaux vont mourir au Lac Osisko, Guhn Twei semble s’être donné le défi de faire une chanson puissante avec des riffs hypnotiques. Ils ont totalement réussi avec leurs couplets agressifs et une minute finale instrumentale envoûtante.

Côté B : … un cancer

8. Nous voilà au moment bien dépressif de l’album. Même si ce n’est pas un morceau rapide, la musique, le chant et le poème sont agressifs. La ligne “Je dormirai rendu à la morgue” donne une bonne idée du sujet avec le titre de la chanson, Neige noire, nuits blanches. 

9. Le prochain titre est simplement un interlude de basse avec toujours autant de joie de vivre dans l’histoire narrée du Patient no.1852606. 

10. Les riffs de guitare death metal et le son grave de la basse bien perceptible créent une atmosphère funeste digne de Doux souvenirs de l’abattoir. Froid comme une morgue, le chant de Jeanne rajoute une touche douce comme la faucheuse à 48 secondes. 

11. Tel un sentiment d’alerte constant, Code blanc martèle sans cesse (ou presque) l’auditeur par la puissance de sa musique. 

12. La tension monte en même temps qu’on avance dans la Phase terminale jusqu’à ce qu’on arrive au nec plus ultra, alias le breakdown de “La criss de paix”. S’ensuit la déchéance en slide de guitare distorsionnée, style doom metal, en guise de transition vers le terminus mortuaire de l’album. 

13. L’intro à la guitare classique a été enregistrée par Simon avec son phone une nuit à proximité de la fonderie Horne. C’est donc le ronronnement malsain de la fonderie qu’on peut entendre en arrière-plan. Le prélude laisse par la suite place à un bruit assourdissant répété qui restera en fond presque jusqu’à la fin de la chanson comme un son constant après un Suicide collectif. Entre-temps, les guitares de David et Jeanne, la basse de Simon, la batterie d’Étienne, les chants de Jeanne, Simon et Philip Roy (chanteur invité de Scare et Bhatt) et des sons électroniques se réunissent pour clore de manière assommante, brutale, mutilante un album lourd, dénonciateur, sombre dont seul Guhn Twei est capable. 

Après Glencorruption et Capital de l’arsenic, il est très probable que Guhn Twei soit une nouvelle fois couronné au GAMIQ pour l’Album metal de l’année pour une troisième participation consécutive. Chaque réalisation montre un rare talent francophone de la musique extrême québécoise en plus de dénoncer et militer contre un fléau cancérigène, insouciant, meurtrier et honteux.

Fuck Glencore

Encouragez Guhn Twei

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Toys of Disharmony Distribution (vinyle et cassette de Capitale de l’arsenic) : https://www.toysofdisharmony.com/en/search?search=guhn%20twei&

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Quand les Union Thugs ont débarqué dans la scène montréalaise vers 2017, ils n’ont jamais prétendu être autre chose que ce qu’ils étaient : une gang de travailleurs qui jouaient de la musique. Pas des rockstars. Pas des vedettes. Juste du monde qui croyait encore que les chansons pouvaient servir à quelque chose.

Leur recette était simple, mais redoutablement efficace : prendre les chants ouvriers, la tradition folk militante et l’énergie brute du punk Oï! Puis tout mélanger pour ensuite gueuler les inégalités, les fiascos patronaux, la misère de ceux et celles qui louent leur force de travail.

Le résultat sonnait comme une soirée trop arrosée où Woody Guthrie se serait mis à chanter avec une bande de skins antifascistes.

Des premières démos jusqu’à Coup de grisou en passant par Folklore ouvrier, ils ont remis en circulation quelque chose que la scène oublie parfois : les chansons qui se chantent à plusieurs. Pas des morceaux pour regarder un band sur scène, mais des pièces pour participer. Pour lever le poing. Pour reprendre le refrain même quand on ne connaît pas toutes les paroles.

Les Union Thugs n’ont jamais été seulement un groupe. Ils ont été une présence. Dans les shows bénéfices, dans les salles communautaires, dans les bars trop pleins, dans les soirées où la politique et la musique se confondaient. Ils rappelaient que le punk n’était pas juste une esthétique, mais aussi une mémoire. Celle des luttes, des solidarités et des histoires qu’on se raconte pour tenir debout.

Comme toutes les bonnes histoires de taverne, celle-ci a fini par se terminer. Mais les chansons, elles, ne disparaitront pas. Elles continueront de circuler, tout comme leur mémoire et leur lègue.

Hier soir, on n’a pas seulement dit aurevoir à un groupe. On a levé notre verre à ce qu’ils ont représenté : un rappel que la musique peut encore être collective, bruyante et profondément humaine.

Aux Union Thugs, merci pour les chansons, les soirées et les refrains qu’on va continuer de chanter bien après que les amplis se soient éteints.

Perso, vous allez me manquer en criss xx

Toujours en lutte

Toujours Antifascistes

Toujours Redskins

Pour toujours Union Thugs

Rédaction : Claudia Bo

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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