Pour l’occasion, l’excellente formation Thick Glasses avait l’honneur d’assurer la première partie lors des deux représentations. En plus de Thick Glasses, le groupe Somet ouvrait la soirée du 12 mars, tandis que Caniche avait cette responsabilité le 13 mars. Comme la soirée affichait complet, nous sommes arrivés tôt afin d’obtenir une bonne place et de voir ce que les différents groupes avaient à offrir du côté de la marchandise.

Caniche

J’aime toujours faire de nouvelles découvertes, et ce fut le cas avec Caniche. Nous avions pris le temps d’écouter quelques chansons dans la voiture en nous rendant au spectacle, et cela nous avait déjà laissé une bonne impression.

À 20 h tapantes, la formation composée de Charles-Éric Lavoie (guitare et voix), Lou Brassard (guitare et voix), Jonathan Franken (basse), également membre de Charogne, et Laurent St-Pierre (batterie, en remplacement de Julien Daoust absent ce soir-là) est montée sur scène pour livrer une performance solide qui donne envie d’en entendre davantage.

Une bonne foule était déjà présente devant la scène. Lors d’une interaction avec le public, le groupe a souligné l’importance de soutenir la relève. Pour illustrer ce propos, ils ont enchaîné avec la chanson La Relève, une pièce qui se veut une satire avec des paroles comme : « J’haïs la relève / Sont toujours défoncés / Sont toujours pisseux ».

Ce fut un très bon début de soirée, et j’ai bien hâte de recroiser Caniche sur scène lors d’un prochain spectacle. Pour ceux qui comptent aller voir Vulgaires Machins durant leur tournée, je vous conseille d’arriver tôt pour attraper le groupe, qui assurera notamment la première partie le 20 mars à Chicoutimi, le 27 mars à Saint-Hyacinthe et le 28 mars à Granby.

Thick Glasses

La formation montréalaise Thick Glasses, qui se fait tranquillement un nom sur la scène punk et alternative de la métropole et de la province, était la suivante à monter sur scène. Si vous ne connaissez pas encore ce groupe, je n’hésite pas à dire qu’il a, selon moi, produit l’un des meilleurs albums de 2025 avec Dans l’abysse. Ce spectacle représentait donc une excellente occasion pour eux de faire découvrir leur musique à un public plus large qui serait peut-être passé à côté autrement.

Le groupe a principalement interprété des chansons tirées de ce plus récent album. Nous avons notamment eu droit à Mon Accalmie et Eliza, en plus de Mydriase et du désormais classique DOGO. Charles De Villiers, chanteur et guitariste du groupe, a pris un moment pour exprimer sa gratitude face à l’opportunité de jouer en première partie d’un groupe phare de la scène québécoise. On ne peut que lui répondre que cette place est amplement méritée.

Nous avons ensuite eu droit à ce que le groupe appelle le moment Fred Durst. Tous ceux qui portaient une casquette étaient invités à la mettre à l’envers et à se préparer à s’amuser comme si nous étions en 1999. Encore une excellente performance pour Thick Glasses, qui sera également présent au Pouzza Fest 14 cette année pour ceux qui y seront. Le groupe assurera aussi la première partie de Vulgaires Machins à Québec, ainsi que celle de Exterio le 24 avril à Drummondville.

Vulgaires Machins

Sans surprise, Vulgaires Machins a débuté son spectacle exactement comme leur plus récent album Contempler l’abîme, avec les pièces Terminé le fun et On Mani Padme Hum, avant d’enchaîner avec Être un comme. Le groupe a ensuite été accueilli par une ovation chaleureuse qui semblait sincèrement les toucher. Tous les membres du groupe paraissaient en grande forme pour cette seconde soirée montréalaise de la tournée. Ils étaient accompagnés de Lisa Iwanycki au clavier, un bel ajout.

Avant de poursuivre, Guillaume a lancé à la foule : « Chère Montréal, c’est à ton tour de te laisser parler d’amour et de chaos. »  Nous avons ensuite eu droit à Asile, OK et Vivre, tirées de l’album Disruption, ainsi qu’à On continue provenant du plus récent opus. On peut dire que ces chansons mettent effectivement en lumière le chaos qui sévit actuellement dans plusieurs secteurs de notre société. Le groupe a ensuite su nous donner des frissons en demandant notre participation à un classique du groupe. Au lieu de vous décrire le moment, je vous laisse l’écouter.

Un peu plus tard, le groupe a fait plaisir aux nostalgiques avec un medley de trois « vieilles, vieilles, vieilles chansons », comme l’a présenté Guillaume.

Les trois pièces tirées de 24.40 étaient La rue Déragon, Trinitrotoluène et Cocaïnomane. Cela faisait longtemps que je n’avais pas entendu ces chansons en spectacle. Il ne nous a manqué qu’une pièce de Regarde le monde pour couvrir l’ensemble de la discographie du groupe. Je me plains la bouche pleine, mais j’aurais volontiers pris Roméo et Yvette ou Fausse route.

Marie-Ève a ensuite pris la parole, disant espérer ne pas nous avoir trop « décrissés » avec leurs chansons qui parlent parfois de fin du monde. Je tiens à la rassurer : oui, les temps sont difficiles et il n’est pas toujours facile de garder le moral devant les inégalités qui se creusent entre les plus riches et la classe moyenne. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons ensemble, j’ose croire qu’il est encore possible de renverser certaines dynamiques injustes. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons tous ensemble, nous arriverons à renverser ou ébranler l’impérialisme en place. Ils se sont ensuite lancés dans une magnifique version acoustique d’Un peu plus fort, un moment particulièrement touchant de la soirée.

Tout au long du spectacle, la participation de la foule a été sollicitée ce qui ajoute à l’expérience.  À titre d’exemple, des « olé! olé! olé! » ont été lancés durant un intermède pendant Puits sans fond. La foule montréalaise, fan de hockey ou non, est toujours partante pour ce genre de moment. Avant d’entamer les dernières chansons, le groupe a pris le temps de remercier les membres de leur équipe. Il est important de souligner le travail de ces artisans de l’ombre qui rendent de telles soirées possibles, et j’ai pris soin d’en capter un extrait.

La performance de Vulgaires Machins avait débuté comme l’album Contempler l’abîme, et s’est terminée de la même façon en enchaînant Libérer la foudre, Faire sécession et Me croire seul à me croire inutile. Ces trois chansons forment un tout, et il aurait été difficile d’imaginer le spectacle se conclure autrement.

Un rappel avant de rentrer à la maison

Au grand plaisir de la foule, Vulgaires Machins est revenu sur scène pour un rappel de trois chansons. Le groupe a entamé ce segment avec L’effondrement qui vient. Nous avons eu droit à une grande surprise lorsque Jenny Salgado s’est jointe à eux sur scène. Voici une vidéo de ce moment :

Jenny Salgado a ensuite quitté la scène, et nous avons eu droit au classique Dieu se pique, durant lequel le groupe s’est permis un clin d’œil è un autre classique de la musique québécoise avec un extrait de Sous le vent de Garou et de la grande Céline.

La soirée s’est finalement conclue avec Et même si, offrant une finale à la hauteur de l’intensité du spectacle. Difficile d’en demander davantage pour un concert de Vulgaires Machins, des premières parties bien choisies, une scénographie simple mais efficace, et une généreuse setlist de 23 chansons qui a su satisfaire les fans de longue date ainsi que les nouveaux venus. Une soirée réussie, fidèle à la réputation du groupe.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Unis pour contempler l’abîme avec Vulgaires Machins est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Dix ans. Dix ans que les Zoo débarquent chaque mois de décembre pour réveiller nos partys de famille, faire danser nos « matantes », rocker nos « mononcles » et nous faire découvrir ou redécouvrir des bands québécois qui n’ont clairement pas peur de réinventer des classiques.

Je suis une fan finie de cette série de compilations. Je les attends chaque année, comme le sapin, le chocolat chaud et les questions passives-agressives de ma tante Monique. Et encore une fois, Slam Disques/Hell for Breakfast livrent la marchandise avec un Zoo 10 festif, punk, nostalgique, actuel, surprenant… et surtout en français.

Voici mes impressions, chanson par chanson.

Attache ta ceinture, on part pour une joyeuse ride de 13 pistes.

1. Francbâtards – B.Y.O.B (System of a Down)

Une entrée en matière explosive, comme Zoo sait si bien le faire. Francbâtards ouvre l’album comme on ouvre une porte pendant un party : à grand coup de pied, sans avertir.

Ça garroche l’énergie, ça explose de partout, les guitares mordent, les voix frappent comme un réveil qui crie.

C’est exactement ce qu’il faut avant d’aller répondre aux 42 questions identiques de tante Monique.

Une entrée en scène qui t’arrache un sourire, même si ton Bailey’s n’a pas encore kické.

https://www.facebook.com/Francbatards

2. Rouge Pompier – Maniaques (Maniac, Flashdance)

Rouge Pompier ramène les années 80 avec sa drive habituelle, son grain sale, son énergie contagieuse. De la nostalgie pure qui fait du bien, qui ramène à la fois Flashdance, l’adolescence… et un peu le désir de faire un solo de danse dans la cuisine.

On dirait que Flashdance a été tourné dans un garage de Saint-Lin, avec plus de disto, plus de sueur, plus de fun.

C’est réconfortant, c’est énergisant : du Rouge Pompier dans toute sa splendeur.

https://www.facebook.com/rougepompier

3. Kamakazi – Briller (VF de « Golden » de Huntrix)

Le film préféré de ma fille et de ses amies… ok, j’avoue, je chantais moi aussi !

Kamakazi offre ici une version punchée, lumineuse, super accessible et qui va probablement tourner dans nos autos plus souvent qu’on veut l’admettre.

Une twist punk sucré-salé.

Un morceau feel-good, impossible à écouter sans sourire.

https://www.facebook.com/Kamakazirock

4. The Matchup – Aimes-tu la vie (Boule Noire)

The Matchup ont ce talent magique : prendre un classique, le secouer, l’envoyer dans le mur et en ressortir quelque chose de meilleur.

Fidèle à eux-mêmes : ils pourraient faire groover un jingle de pub, pis on aimerait ça !

Il fallait The Matchup pour me faire apprécier une chanson de Boule Noire, vieille de 13 ans ! Ils gardent l’âme de Boule Noire, mais lui greffent leur énergie brute, leurs harmonies explosives, et cette finale complètement imprévisible avec « Ta yeul, vis ta vie pis reste en vie » de KC LMNOP.

Du pur Matchup ! Imprévisibles, attachants, efficaces.

https://www.facebook.com/thematchupband

5. Noé Talbot – Va donc te trouver une job (The Offspring)

Imagine The Offspring réinterprété par un musicien folk qui arrive au party avec un banjo, un harmonica et un sourire croche.

Noé Talbot réussit ça, et avec une aisance désarmante.

C’est une version qui sent la cabane, la bière froide et les cuillères en métal qui se tapent sur les genoux.

Du banjo ? De l’harmonica ?

Pourquoi pas !

Noé Talbot nous amène direct dans le coin du salon avec mononcle Gérard et son kit de cuillères.

C’est festif, ça feel « québ’ » en tabarouette.

https://www.facebook.com/noetalbot

6. Fred Booster – Le sergent recruteur / la 153 / St-Tite Express (The Pogues)

Ça sent les bottes poussiéreuses, les routes longues et le vent qui fouette le visage.

Festif comme on le connait, Fred Booster nous donne l’envie de partir à l’aventure, boussole à la main et… pourquoi pas une bouteille de rhum ?

Larguez les amarres ! On déploie les voiles !

Une reprise qui transporte, qui sent la fête, qui donne envie de bouger.

C’est festif, c’est vivant, ça respire la liberté.

On embarque sur le St-Tite Express dès la première seconde.

https://www.facebook.com/FredBoosterMusique

7. Pépé et sa guitare – Heille heille (Hey! Hey! Baby de Broonzy)

Pépé garde tout le charme vintage du morceau original, mais lui donne ce côté bon enfant qu’on lui connaît.

Une petite chanson simple, chaleureuse, presque douce, qui pourrait très bien accompagner un moment familial important…

Ou un malaise total si quelqu’un décide de faire une demande en mariage dans le salon.

Cute, léger, parfait.

Pépé se faufile souvent dans les Zoo avec un naturel désarmant, et cette année ne fait pas exception.

https://www.facebook.com/pepeetsaguitare

8. Mange la Machine – Te retourne pas (Vilain Pingouin) feat Rudy Caya

Cette collaboration, c’est de l’or.

Rudy Caya débarque avec son timbre reconnaissable entre mille, et Mange la Machine lui répond avec puissance.

Les deux voix se complètent comme si c’était écrit d’avance.

La rencontre parfaite.

Deux voix, zéro fausse note, une chimie qu’on sent à travers les speakers.

Une reprise qui frappe fort et qui respecte totalement Vilain Pingouin.

https://www.facebook.com/mangelamachineqc

9. Ripé – J’veux sniffer d’la colle maintenant (Ramones)

Ripé rend hommage aux Ramones avec une énergie brute et adolescente.

Ça sent le chaos, le bricolage qui tourne mal, les neveux surexcités qui courent partout dans le party.

Simple, rapide, efficace, comme les Ramones, mais avec un accent québécois assumé.

https://www.facebook.com/rockdebadass

10. Hate it Too – Rien à faire (Marie-Pierre Arthur)

Un beau moment de respiration dans l’album.

Hate it too livre une reprise douce, enveloppante, un peu mélancolique, mais parfaitement maîtrisée.

Ça berce, ça rappelle des souvenirs, ça donne envie de regarder par la fenêtre pendant qu’il neige.

Une vibe nostalgique magnifique.

Un beau contraste parmi le chaos festif du Zoo.

https://www.facebook.com/hateittoo

11. Slater et fils – Le p’tit monsieur pas d’cou (Bruno Blanchet)

Une reprise qui sent la bière renversée, les fous rires et les classiques québécois qu’on ressort juste pour tester la mémoire du monde.

Slater et fils respectent l’esprit original : c’est absurde, c’est drôle, et ça finit en chorale familiale déchaînée.

Tu vas savoir exactement qui dans ta famille a trop bu.

Un CLASSIQUE.

Une reprise fun, sans prétention, qui va faire rire tout le monde.

https://www.facebook.com/SlaterEtFils

12. Hipshot – Tu dis rien (Louise Attaque)

La voix féminine change complètement le mood.

Hipshot apporte une nouvelle sensibilité, plus fragile, mais plus incisive aussi.

La chanson devient presque intime, avec un feu qui brûle doucement, mais intensément.

Grosse révélation : j’aime cette version.

La voix féminine apporte un relief, une douceur dure, un côté brut qui change toute la dynamique.

Une des plus belles surprises de l’album.

https://www.facebook.com/hipshotrock

13. Oktoplut – Insomniaque, partie 4 (Green Day)

WOW !

6 minutes 49 secondes de pur bonheur.

C’est long, c’est riche, c’est travaillé, et c’est impossible à ignorer.

Oktoplut livre un coup de circuit, une finale grandiose, travaillée, unique.

Mon gros coup de cœur de Zoo 10.

Une claque ! Ça monte, ça explose, ça respire, ça revient, ça frappe.

Un voyage sonore complet, maîtrisé, puissant.

On a clairement gardé le meilleur pour la fin.

https://www.facebook.com/Oktoplut

Bilan : Zoo 10 frappe fort – encore

Comme depuis dix ans, Slam Disques et Hell For Breakfast concoctent une compilation de reprises punk/rock en français juste à temps pour nos partys du Temps des fêtes.

Zoo c’est :

• Parfois nostalgique
• Parfois actuel
• Toujours créatif
• Éclectique, mais cohérent
• Et une vitrine incroyable pour nos artistes d’ici.

Chaque année, je découvre de nouveaux bands grâce à ses compilations.

Et cette année ne fait pas exception.

Zoo 10 arrive à point.

Ça donne envie de chanter, danser, rire, fêter, se rappeler… et d’en redemander.

UN MÉCHANT PARTY!

Une belle manière de célébrer dix ans d’un projet devenu incontournable.

Sortie : 18 décembre 2025

Rédaction : Marie-Lyne Jean

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

L’article Zoo 10 : Dix ans de chaos, de reprises et de bonheur est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Le 18 septembre dernier, nous apprenions que Vulgaires Machins allait présenter un nouvel album le 14 novembre, intitulé Contempler l’abîme. Une excellente nouvelle pour conclure cette année qui, avouons-le, a été particulièrement singulière à plusieurs niveaux. Les sujets de société ne manquent pas pour nourrir l’inspiration de Guillaume Beauregard (guitare et voix), Marie-Ève Roy (guitare, voix et piano), Maxime Beauregard (basse) et Pat Sayers (batterie).

Pour ce nouvel opus, le groupe s’est une fois de plus associé à Gus Van Go, collaborateur fidèle depuis l’album Compter les corps. Ils ont également travaillé avec l’orchestre symphonique de Budapest pour les parties orchestrales de l’album. Quant à la pochette, la photo de couverture est l’œuvre de Renaud Philippe. J’adore ce qu’apporte cette image. Elle traduit bien les messages véhiculés dans l’album. On y voit un conducteur en train de faire le signe du diable dans un nuage de fumée. L’interprétation est libre, mais j’y perçois un sentiment d’abandon, on se dit : « À quoi bon tous ces efforts, je brûle de l’essence et des pneus, et fuck it ! »

Première partie

L’album débute avec Terminé le fun. La pièce commence avec voix et guitare, auxquelles s’ajoutent progressivement le piano et l’orchestre en crescendo, avant de laisser place au groupe. J’adore la structure de cette chanson. L’introduction cède ensuite la place à un son plus classique, fidèle à ce que Vulgaires Machins nous a habitué, avant de se conclure à nouveau au piano accompagné de l’orchestre. Un seul mot me vient à l’esprit en l’écoutant : épique. Cette chanson me donne des frissons.

D’un côté, elle m’emplit d’espoir, car elle me rappelle que je ne suis pas seul à constater ce monde en désarroi, mais elle nourrit mon angoisse face à la situation actuelle. Elle dépeint un monde largement détruit par l’homme, dans lequel nous tentons malgré tout de garder espoir, même après avoir franchi un certain point de non-retour. Un monde rempli d’injustices et d’horreurs, dans lequel nous avons l’impression d’être dans « une salle d’attente de fin du monde », comme le chantent Guillaume et Marie-Ève. La chanson se conclut par une citation de Bernard Stiegler.

L’album se poursuit avec Om Mani Padme Hum, un mantra bouddhiste signifiant « le joyau dans le lotus », symbole de l’union de la compassion (le lotus) et de la sagesse (le joyau). Une sonorité plus classique que ce que nous a habitué Vulgaires Machins dans le passé. Cette chanson est une continuité de Terminé le fun. Le thème abordé est à nouveau celui de la fin ; la fin du drame, d’une époque, du futur, du punk et plus encore. Mais le véritable message n’est pas tant la fin que la prise de conscience. Le monde tel que nous l’avons connu n’est plus viable. Il est nécessaire d’agir face aux changements qui s’opèrent actuellement.

On enchaîne avec Travail à la chaîne, qui adopte une sonorité rétro, un peu « années 70 ». La chanson est plus calme, mais s’intègre parfaitement dans le flow de l’album. À travers ses paroles, on ressent le poids du travail comme un boulet qui nous brise et nous déshumanise, laissant le travailleur prisonnier, abattu, sans joie.

L’Effondrement, sur laquelle collabore Jenny alias J. Kyll Salgado, est probablement l’une de mes pièces préférées. Le groupe explore de nouvelles sonorités, et la voix de Jenny renforce le message véhiculé. On parle de la société, à la solde de nos gouvernements qui tentent de façonner la pensée collective, mettant en avant les riches pour faire rêver, tandis que nous, la plèbe, tentons de survivre dans une fausse démocratie. Dans On continue, la mélodie et le ton est plus joyeux, mais le message reste sombre, dénonçant les maux qui sévissent dans notre société. Mais au final, « On lâche pas la gang ! On continue ! » nous chante ironiquement le groupe. La pièce Encore le soleil pour quelques heures sert d’interlude, nous offrant un moment pour souffler avant la seconde moitié de l’album.

Deuxième partie

Cette deuxième partie débute avec Tout recommence, aux sonorités new wave, faisant écho à l’album Disruption. Les paroles explorent les pensées intrusives qui tournent en boucle dans notre esprit et qui nous guident au quotidien. Avalanche poursuit sur un registre plus rock et exprimant une détresse émotionnelle. Les paroles parleront à quiconque a déjà vécu une forme de dépression. Il faut se jeter à l’eau est la balade de l’album. On y évoque le changement, l’affrontement de l’inconnu et la peur qui y est associée, mais aussi la possibilité d’un renouveau. Une belle pièce émouvante.

Les trois dernières chansons de Contempler l’abîme soit Libérer la foudre, Faire sécession et Me croire seul à me croire inutile, forment un bloc unique, me rappelant quelque peu The Decline de NOFX, notamment la version avec Baz’s Orchestra. Le mélange punk et orchestral y est très efficace. Dans Libérer la foudre, on évoque le combat face à l’absurdité de la vie moderne. Dans Faire sécession, on dénonce le fait de répéter le discours imposé par la société et on fait appel à se détacher de celui-ci. Enfin, dans Me croire seul à me croire inutile, on dépeint une personne qui tente de faire la paix avec sa peine et sa colère, tout en se débattant dans un chaos intérieur et social, incessant et paralysant.

Au final

Encore une fois, les Vulgaires Machins nous livrent un album brillant où chacun des membres du groupe excelle. La longue pause après Requiem pour les sourds a permis à chacun de se consacrer à d’autres projets, et le groupe revient en force avec deux excellents albums coup sur coup. J’aime comment le groupe évolue et la qualité des paroles et la poésie de Guillaume et Marie-Ève ne cesse de s’améliorer. J’ai hâte de découvrir ces nouvelles pièces sur scène en mars prochain. Voici les dates où vous aurez la chance d’attraper le groupe au printemps prochain.

4.5/5

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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PASMORT

Originaire de Rivière-du-Loup et se décrivant emo punk absurde, ce quatuor a ouvert le show sans attendre, avec les tounes expéditives de leur mini-album intitulé C’est arrivé près de chez vous sorti l’an dernier. Nous avons également eu la chance d’entendre cinq nouveaux morceaux enregistrés le mois dernier. Selon eux, ça devrait sortir quelque part au printemps 2026. J’aime bien ce style, intégrant des paroles en français qui sont drôlement bien choisies. J’aurais bien aimé que leur set dure plus longtemps : à une prochaine fois !

En faisant une recherche sur leur page Facebook, j’ai trouvé une description très humoristique de leur groupe, démontrant bien leur essence : Jo– guitare, voix suave, Louis-basse, voix fatigante, Oli-guitare, Church of Leslie Nielsen et François–drums, figure paternelle.

CHOU

Souvent, je me garde la surprise de découvrir des bands que je ne connais pas lorsque je me présente pour une couverture médiatique. Ce fut le cas pour Chou, ce soir-là. J’ai réalisé qu’on risquait de passer une pas pire soirée avec eux lorsque j’ai partagé l’événement sur Facebook et qu’ils ont répondu : « On va sûrement passer ! » J’ai adoré leur réponse !

Se décrivant arachno-punk de bonne famille de Montréal, ils ont livré une solide performance. C’est à coups de « PROCHAINE TOUNE » crié au micro que leur enchaînement s’est lancé. Chapeau au technicien de son qui a fait une good job, car je pouvais entendre les paroles même si je ne connaissais pas les tounes. Belle interaction du chanteur avec la salle ; certains spectateurs étaient très participatifs et chantaient leurs tounes.

Pour continuer, le groupe est en nomination au GAMIQ dans la catégorie album ou EP punk avec leur album Blanc !

J’ai bien ri en voyant leurs t-shirts : ils en ont de toutes les couleurs, ou presque. C’est malade ! Je n’ai pas eu le choix de m’en acheter un – j’adore !

LE KETCH

En terminant, le Ketch offre une belle programmation diversifiée au courant de l’année, mais il n’y a que très peu d’underground pour le moment. J’ai adoré ma soirée dans ces lieux : c’est un endroit à découvrir lors de votre visite en Gaspésie ! Vous pouvez lire mon article sur l’établissement réalisé en juin dernier ici.

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photo : Cynthia Côté

Correction: Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Soirée punk franco aux portes de la Gaspésie ! est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Je ne connaissais pas l’histoire du Buckfest, ni de son fondateur StarBuck. J’allais simplement voir Défaillance et BALM Squad sans savoir à quel point ce festival allait m’interpeller. Plus centré sur le punk pur et dur qu’auparavant, l’événement met tout de même encore la diversité sous les projecteurs sans avoir peur de booker des groupes francophones. Cette fois-ci c’est Inside Crew Productions, Punk Nation Production et Punx Make Noise D.I.Y Productions qui travaillent main dans la main pour nous offrir ce BuckFest #16.

Le premier spectacle de l’histoire du Buckfest n’était qu’un simple party pour souligner l’anniversaire de Starbuck. En 2016, 15 ans plus tard, le festival comptait plus de 100 bands sur 30 soirs. Cette année, pour sa 16^e mouture, le Buckfest se réinvente un peu. Débutant à l’Escogriffe de Montréal les 14 et 15 mars, le party continue le 21 et 22 mars au Bar Paradox à La Baie et se conclut les 28 et 29 mars à Québec au Scanner Bistro. Neuf formations annoncées sur six soirées dans trois villes. The Defamed, Vermine Kaos, Stoner Conspiracy, Jetsam, The Lookout, Vas-y Line et Guillotine s’ajoutent aux deux headliners. Mon collègue a d’ailleurs déjà fait un compte-rendu détaillé des bands présents. Il ne manquait que Gerbia. Que le diable consume leurs pauvres âmes déchues. R.I.P. 

Si l’organisation peut se vanter d’avoir été une des dernières commandites de Labatt 50 dans le passé, c’est la Microbrasserie St-Pancrace et la Distillerie Québec North-Shore qui s’occupaient de la soif de tout le beau monde présent cette fois-ci. J’ai pu goûter plusieurs bières puisque Starbuck arrivait avec une consommation pour moi à chaque fois que je m’apprêtais à commander au bar. Je vous conseille la rousse « Super Sans-Plomb » pour agencer votre street punk.

Premier soir

Stoner Conspiracy

Le coup d’envoi s’est donné de belle façon avec Stoner Conspiracy qui nous ont précisé d’entrée de jeu, avec un sourire en coin, être un band métal. C’est certainement lourd, mais ça groove tout autant. La voix est si précise. Un fry scream à s’y méprendre avec les pneus qui crissent d’une voiture qui dérape. Les enchaînements instrumentaux sont magistralement planants. Le crowd commence à peine à arriver et ne retourne pas la moitié de l’énergie fournie par les musiciens. Stoner Conspiracy nous a donné la performance la plus juste du week-end.

Jetsam

Le « powerviolence » trio de Montréal prend la scène d’assaut. Leur dernière présence remonte au MadHouse de Montréal en janvier. Comme d’autres bands de l’histoire du punk, la guitare ne sera pas nécessaire pour passer le message. Une basse saturée à fond qui joue des accords pleins. Une voix qui prend toute la place courant de gauche à droite directement dans la fosse. Le groupe parle beaucoup entre les chansons et laisse redescendre l’atmosphère. La foule de son côté « dort encore au gaz », mais donne quand même toute son attention lorsque Jetsam défile ses riffs qui surprennent et sortent de l’ordinaire.

The Lookout

Le guitariste de The Lookout ramène le son original du punk avec son ampli Vox et sa vieille guitare Univox des années 70. Il s’agit de l’ingrédient magique qui fait toute la différence pour moi, mais que plusieurs n’auront pas remarqué. Il faut aussi prendre le temps d’apprécier notre troisième voix féminine de la soirée. Trois voix différentes qui « torchent » autant l’une que l’autre. Ça commence un festival du bon pied ! Le rock ’n’ roll s’agence au hardcore sans préjugés. Le band ne laisse aucune miette d’énergie pour demain. Les festivaliers arrivent lentement mais sûrement pendant le set. The Lookout n’a pas eu droit à son moshpit, mais laisse le crowd bien crinqué pour les headliners du vendredi.

Défaillance

Défaillance était occupé pour commencer l’année 2025. En janvier, ils nous présentaient un album intitulé Se rendre malade… (pour des malades), puis partaient tourner en Europe pour donner neuf shows dans neuf villes en février. Je peux vous dire qu’ils sont quand même arrivés au Buckfest disposés à tout déchirer comme à leurs habitudes. La chanson Défaillance Système reste la meilleure ouverture de show possible pour eux. La table est mise, nous avons même un mini trash devant la scène. Le band street punk saguenéen varie le setlist d’un album à l’autre et propose même des covers. Bien sûr, 1 Beu 3 Punks s’y retrouvait. La soirée s’est terminée de belle façon avec le plus gros moshpit que l’assistance pouvait offrir.

Deuxième soir

The Defamed

Pour débuter ce soir, nous aurons droit à un trio avec deux guitares et une batterie. Les deux amplis grondent le meilleur tone de street punk possible en ayant chacune leur signature distincte. Deux voix rocailleuses qui se relaient une phrase chacune comme le font si bien The Ruffianz dans Pissed and Proud. Le groupe revient d’une hibernation de 18 ans et nous promet un album sous peu. Entre-temps, je vous invite à écouter celui sorti en 2006 pour comprendre l’attitude et l’agressivité de The Defamed.

Vas-y Line

Vas-y Line n’a pas encore joué une note et les insultes se mettent à voler de partout. Le band fait comprendre au crowd à quel point il est insignifiant. La foule ne se gêne pas pour leur rappeler qu’ils jouent, de toute façon, de la musique de marde. De mon côté, je ne peux qu’être impressionné de voir à quel point les moments de malaises de leur setlist sont orchestrés à la perfection. Une chorégraphie d’injures, d’erreurs et d’accidents. La prestation de Vas-y Line déboule comme un Olivier Guimond dans des escaliers. On réfléchit, on rit aux éclats et on se laisse emporter par les riffs qui déchirent. Il reste neuf dates d’ici la fin de leur tournée, vous pouvez les consulter ICI.

Guillotine

Le quatuor de la Haute-Côte-Nord s’est fait accueillir en grand par les spectateurs. La gratitude se fait sentir, la foule veut faire entendre son appréciation à l’organisateur du Buckfest. Musicalement, nous sommes transportés dans un autre monde. Autant d’hymnes punk en français que de « whammy » de guitare tout en respectant les codes du hardcore. Le frontman donne tout un show, il est partout en même temps. Starbuck chante avec ses tripes et tout son langage corporel le démontre. Il déclenche, en laissant ses émotions sur les planches, le premier moshpit respectable soutenu du week-end. Par respect pour les headliners en tournée qui doivent jouer après, Guillotine a écourté son set. C’est punk en criss ça !

BALM Squad

Bien entendu, chaque membre était déjà bien expérimenté avant le projet BALM Squad. Cependant, leur aisance et leur chimie en tant qu’unité musicale ne cessent de croître. La différence entre leur première performance et celle d’aujourd’hui est majeure. Les améliorations entre l’enregistrement de l’album Point of no Return en 2022 et Dark Time en 2024 sont flagrantes. Le setlist ne surprend pas, à moins d’en être à son premier show de BALM Squad. Par contre, ils ont su me surprendre avec la présence d’un saxophoniste. Le chanteur utilise des canons à confettis à profusion pour alimenter la braise dans la fosse. La camaraderie est à son comble. Les punks d’Ottawa avaient la recette parfaite pour clôturer cet événement.

Ne manquez pas votre dernière chance d’assister au Buckfest au Scanner Bistro de Québec les 28 et 29 mars prochain pour la finale. Préparez votre foie !

Rédaction: Frosty Pat

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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De la poésie qui te rend heureux d’être triste

Quel concept étrange ! Pourtant, cette combinaison unique est addictive. Les paroles douces-amères et la voix basse de Charles De Villers qui chante des paroles « bummantes » qui se marient avec un instrumental punk un peu plus slow et fudgy auquel on ajoute un aspect synthétique langoureux qui nous transporte dans un mood inévitable.

Étrange comme cette chanson donne envie de se lever de sa chaise et d’aller les voir la jouer en live.
Étrange comme cette chanson nous donne envie de la chanter fort.

Thick Glasses, encore une fois, réussit à nous offrir quelque chose de différent et d’authentique. C’est un groupe qui ne semble pas arrêter de se réinventer et qui le fait toujours avec un peu plus de profondeur chaque fois. Je ne peux même pas calculer la distance entre et En orbite. Si Thick Glasses était déjà un groupe à connaître absolument, c’est maintenant plus vrai que jamais. Ils ont annoncé un nouvel album en début 2025 et je l’attends avec grande impatience.

Mon accalmie – 9 / 10

Rédaction : Charlie Anderson

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

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Mais en l’espace de moins d’un mois (soit début octobre), le groupe profite d’un hype sur leurs médias sociaux suite à l’annonce de leur retour, eux qui nous ont informés d’une série de singles ainsi qu’un nouvel album pour 2025.

Il faut croire qu’ils ne voulaient pas perdre une seconde, car déjà, leur premier single, Compter les secondes, frappe les plateformes de streaming le 25 octobre. Étant un grand fan du groupe, mais ayant aussi la chance d’être en contact direct avec leur record label, j’ai eu la chance d’écouter la chanson avant sa sortie – et le fan de Kamakazi en moi, que je croyais depuis longtemps enterré, a subitement refait surface.

Clean, moderne, mais authentique

Il y a deux façons pour moi de percevoir Compter les secondes – la première est en tant que fan nostalgique, alors que la deuxième demande le point de vue de nouvel auditeur.

Dès le début, c’est électrisant. J’ai l’impression d’y retrouver un petit clin d’œil à Rien entre les deux oreilles.

Puis le refrain embarque, et ça y est, on est dans du « good old » Kamakazi. Il y a un côté un peu plus « liché » et électronique que dans le reste de leur catalogue, mais ça reste, sans équivoque, une chanson qui satisfait les fans par la mélodie, des paroles en français et d’un instrumental « punché » et énergique.

Nick, Gab et Ryan semblent au sommet de leur forme. Le résultat répond aux attentes. Malgré mon point de vue mitigé à propos du pop punk, je pense que Kamakazi est le genre de groupe que l’on veut voir. C’est une scène surchargée de clichés, de vus et revus, mais certains le font avec un naturel désamorçant, et c’est ce que j’entends dans Compter les secondes. Comme quoi au final, tout ce qui compte, c’est d’avoir du plaisir. Ce que, d’ailleurs, Nick exprime clairement dans ce morceau.

Le retour de Kamakazi, c’est quelque chose dont j’avais besoin, mais que je ne savais pas que j’avais besoin. La table est mise pour la suite, singles ou albums, vidéoclips ou prestations live, je suis prêt.
Les gars m’ont servi une très belle entrée, j’ai déjà hâte au dessert.

Compter les secondes : 8 / 10

Rédaction : Charlie Anderson

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Je n’étais pas à la Brasserie Port-Alfred pour voir les prestations de Jenny Woo et d’Alex Paquette. En revanche, j’ai dégoté cet extrait sur le profil de Michel Cantin (Productions Colimason). 

Les Banlieusards : plongeon vers le passé

Le parterre et le bar du Plaza sont remplis de gens venus voir Les Banlieusards, groupe hommage à Banlieue Rouge. Dès la première chanson, la foule, choriste, ne manque pas une réplique du célèbre groupe des années 90.  “La prochaine, va avoir 35 ans” est un indice certain à l’introduction du titre Tchernobyl. Dès lors, tout le monde danse, dans une joyeuse frénésie. 

Comme chacun, je suis absolument ravie de retrouver le son de Banlieue. L’énergie du pit est intense. Le crowd gueule et répond aux invectives d’Olaf. C’est une tune bien connue “qui parle de l’armée”, tout en disant “ce qu’on en pense”. Les succès du band jouent les uns après les autres : Kassandra, Le Serment, L’Auberge des trépassés, Au cœur de la tempête… Comme dirait l’autre, ça “rappelle des bons moments […] quand on mettait la cassette dans notre Walkman jaune”. Honnêtement, chaque chanson listée était comme un voyage, direction nostalgie. D’ailleurs, la prestation des Banlieusards était tout simplement débile. Ça donne le ton, le bon, aux festivités de la soirée. La punkette de 16 ans en moi trashe encore cet épisode “banlieusard” du Taverne Fest 2.

La forme d’enfer de Défaillance

Après un intermède agrémenté de conversations dans le stationnement ensoleillé, nous rentrons. Puis, quelques ajustements au son, et Défaillance garoche la première tune d’un set qui s’annonce de feu. Tout de suite, on est comme saisi par l’énergie et par la verve qui se catalysent dans ce premier tube. « Vous pouvez pas savoir comment qu’on est content d’être icitte après quasiment cinq mois pas de show” déclare Gagnon (chant). Il questionne la foule : “z’êtes-tu prêts?”, au départ de DIY. Ensuite, la magie du punk opère, le pit devient fou et s’enfle pour envahir toute la pièce… Malade. L’énergie galopante de la foule monte constamment au son de chansons telles que Se rendre Malade ou  Punk ‘79.

Un demi temps mort plus tard, Sam et son accordéon se retrouvent sur le stage pour Bêtise humaine. Aux dires de Pierre-Luc, c’est une chanson qui “n’a pas été jouée depuis bien longtemps”. On se régale. Durant la prestation de Défaillance, je ne quitte la fosse que pour aller me désaltérer, contaminée comme les autres par ce flot de musique. Finalement, Sans contrôle et Morts-vivants viennent mettre fin à un set pour le moins agité. C’est certainement le meilleur numéro de Défaillance que j’aie vu.

Barricade mentale et Out of Order captivent

Après une longue absence sur les planches de la région, les gars de Barricade Mentale embarquent sur scène. Les gars sont fébriles, comme teintés de l’énergie caractéristique de la soirée. Ils donnent une prestation agressive, où s’entremêlent les compos et les covers, tels que Bébé braillard – bébé broyé, Apparence jugée (Charge 69) et Les deux doigts dans la prise (Les Shériff). De ce fait, je me laisse emporter par l’euphorie du moment, et me mêle aux autres danseurs devant le stage. Je sors un peu avant la fin du set, fatiguée mais énergisée.

Le son du groupe Out of Order, que je n’avais jamais entendu jusqu’alors, m’attire en-dedans. Mes pas me portent automatiquement devant le stage; je suis comme hypnotisée par cette énergie musicale pure. Au début, le crowd semble prendre une pause et être plus tranquille, mais je me trompe. À l’image de l’œil d’un ouragan, l’accalmie laisse bientôt sa place à la fougue des pas, des poings dans les airs et des cris. 

Durant sa performance enflammée, Out of Order joue plusieurs titres de son plus récent album Under the knife, comme Saints and sinners, Valley of the wolves  and Stay with me. D’autres tunes plus anciennes comme Berlin Wall et Saint James agrémentent aussi le set de ce band au son retentissant. Quand la musique finit, je suis médusée de ne pas les avoir découverts avant. Out of Order est clairement mon must en cette deuxième soirée. 

Lire aussi

Entrevue avec Barricade Mentale et Interview with Out of Order

Ripcordz, coup de grâce du Taverne Fest 2

La réputation de Ripcordz n’est plus à faire depuis longtemps. Voir leur nom, en tête d’affiche est la garantie d’un spectacle de qualité. Paul Gott (voix) est un être généreux et passionné et roule sa bosse dans le punk depuis plus de 40 ans. Durant les shows, il jase abondamment avec le public entre les tunes, faisant des blagues ou situant le contexte des pièces jouées par Ripcordz. 

Ce soir, Paul lance, entre autres, une dédicace hilarante qui déride la foule : “Thanks to Donald Trump […] for being such a good inspiration for punk bands”. Blague à part, c’est quand même une vérité : la musique punk s’inspire d’aspects de la société qu’elle dénonce dans sa musique.

Durant Tear it down, Riot ou All gods must die, quelques enthousiastes s’amusent dans le pit, trashant avec un entrain certain. Ripcordz se donne à fond pendant la dernière partie du show, où résonnent d’excellents titres tels que Punk Nation, Girls in the pit et Youth war. Par après, le Taverne Fest 2 se clôt sur un bar encore rempli de gens; la fête s’éternisera certainement un peu… Je ne sais pas s’il y aura une troisième édition du Taverne Fest. On m’a laissée entendre que si tel est le cas, l’événement pourrait fort bien se centraliser à Chicoutimi. Qui vivra verra.

Rédaction : Julie Fortin

Photographie : Jerry-Cherry et Annie Freska Blackburn

Correction et révision : Marie-Eve Landry

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Tout d’abord, il y a eu Dorothée est une salope, ensuite les Dorothée et aujourd’hui, Les Lynx… j’aimerais savoir, c’est qui Dorothée ? Et pourquoi ce n’est plus une salope ?

– C’est vraiment une niaiserie, ça date d’il y a 23 ans, c’était des post-ados buzzés qui trouvaient ça drôle d’imaginer le magicien d’Oz en porn, rien de plus songé que ça haha. Quand on a signé pour le deuxième album, la compagnie de disque nous a dit : « vous avez le choix d’en vendre 40 ou d’en vendre 10 000 ». Donc, on a fait un move de Sell out et on a enlevé le « est une salope ». On en a quand même vendu quelques milliers, mais avec du recul on ne referait pas ce move.

Êtes-vous exactement tous les mêmes membres qu’avec Les Dorothée ?

– Non, deux membres des Dorothée ne sont pas dans les Lynx. Nous on était tannés de jouer certaines chansons. Ça fait un bon dix ans qu’on n’a pas fait de show. On ne s’ennuie pas tant que ça de jouer ces tunes là. Par contre, on s’ennuie l’un de l’autre et on aime ça faire de la musique ensemble. Aussi, quand on a parti les Lynx, on voulait essayer autre chose, on voulait des drums un peu plus square. Natasha est super forte, c’est toute une drummeuse, mais ce n’était peut-être pas le meilleur mixte pour faire le genre qu’on voulait. On voulait moins de longueur et de tune ska de cinq minutes. C’est plus genre Billy Idol, Generation X.

Donc, ça répond un peu à ma prochaine question qui était : quelle est la différence entre les deux groupes ?

– Il y a aussi le fait que dans les Dorothée on était très jeunes, avec les Lynx, on est plus vieux et on en parle beaucoup dans nos chansons comme quoi on vieillit. On parle de la réalité de maintenant avec les Lynx tandis qu’avec les Dorothée, on était des p’tit criss de baveux. Par exemple, dans une des tunes Mathieu parle de calvitie, il y a 23 ans, on n’aurait jamais parlé de ça.

Vous faites un show Pré-Pouzza et Pouzza, c’est assez malade, est-ce le dernier show des Dorothée ?

– Avec les Dorothée, on est ouvert à refaire des shows une ou deux fois par année pour le fun. Mais on a pas le goût que ça devienne comme Lara Fabian, toujours les mêmes tunes depuis 20 ans. Le focus est vraiment plus sur les Lynx. On ne trip pus tant que ça faire les tunes mais on trip de se réunir toute la gang, ça rappelle de beaux souvenirs.

Qui serait d’après vous votre plus grande inspiration ?

– Les Dorothée c’était ben gros NOFX, Blink 182 et dans ces genres-là, tandis que les Lynx, c’est plus comme on disait plus haut, Generation X, les Buzzcocks.

J’ai l’impression d’avoir entendu un peu une inspiration Rancid, mais de leurs tunes un peu plus trash, corrigez-moi si je me trompe ?

– Ben ça c’est un classique, c’est un band qu’on aime beaucoup. On n’avait pas pensé à ça, mais maintenant que tu en parles, ça a bien du sens. Les guitares à J-P sont très « Tim Armstrong ». J-P qui était le bassiste dans les Dorothée est maintenant guitariste pour les Lynx. C’est Vincent qui pond pas mal toutes les tunes. Au début, j’avais vraiment Dancing with myself dans la tête, je voulais vraiment que ça sonne années 80. Mais au final, je me suis rendu compte que je me tirais un peu dans le pied. J’essayais trop de faire un mixte qui n’est pas vraiment moi.

Est-ce que vous envisagez de faire un album ?

– En ce moment, on est sur Spotify et YouTube. Pour ce qui est de l’album, on y a pensé, mais on se pose la question à savoir si c’est pertinent en 2024 de faire des albums. On pense qu’on peut faire des mini-albums, les sortir en ligne et rendre ça accessible presque gratuitement. Donc, ça se propage, les gens l’écoutent et viennent te voir en spectacle.

Ce qui m’emmène à ma prochaine question : vous pensez quoi de cette nouvelle manière d’être de la musique ? Internet au lieu de vendre des albums ?

– On a tous des emplois donc faire de l’argent avec ça honnêtement on s’en fou un peu. C’est vraiment DIY de notre côté. Toute la musique aujourd’hui est gratuite. Rien ne dit qu’on ne printera pas un vinyle un moment donné. Ce qu’on trouve cool dans tout ça c’est que ça pousse les artistes à se produire en live.

C’est vraiment le fun de voir que depuis le début vous avez des femmes dans vos groupes. Avez-vous remarqué une différence entre il y a 20 ans versus aujourd’hui par rapport aux femmes dans la scène punk ?

– On ose espérer sérieusement que oui parce qu’on se souvient dans le temps, beaucoup ne nous croyaient pas que c’était Natasha la drummeuse. La yeule leur tombait par terre quand ils la voyaient jouer en show. Oui ça semble avoir changé si on regarde les Shirley ou autres groupes du genre. Il y a beaucoup plus de bands avec des femmes aujourd’hui. Juste avec, par exemple, The Interrupters, c’est carrément une femme qui mène un groupe connu internationalement. A Giant Dog, un band du Texas, est, selon Vincent, une des meilleures voix punk féminines.

Pourquoi Les Lynx ?

– Parce que Lynx de luxe était pris. Galaxie ont sorti un album qui s’appelait Super Lynx de luxe faque on était ben déçu parce qu’on trouvait ça vraiment nice Lynx de Luxe. Donc, on s’est dit, « bon ça va être juste les Lynx ». Ça fait genre équipe collégiale de ringuette.

Avez-vous des conseils pour les jeunes musiciens qui veulent se partir un band ?

– Faites-le, that’s it ! La beauté avec Internet aujourd’hui comme on disait plus haut, le DIY. Pour 60 $ en enregistrant toi-même tu peux avoir quelque chose de vraiment nice. Pus besoin d’avoir 25 000 $ pour enregistrer. Le recording n’a jamais été aussi accessible. Faites aussi attention de ne pas tomber dans le panneau de signer avec des compagnies de disques. Parce qu’on deal souvent avec les compagnies et des fois on dirait que ce sont juste des middle man qui sont là juste pour prendre des cotes. Et au fond, ce n’est pas si difficile de tout faire soi-même. Il faut évidemment travailler fort et de la persévérance, mais ça vaut la peine.

Pouzza

Pour conclure tout ça, parce que oui on en a dit pas mal plus que ça, mais j’ai dû écourter la discussion malheureusement. Les Dorothée seront en show Pre-Pouzza au Vieux palais à l’Assomption le 15 mai. Et au Café Cléopâtre pour le Pouzza Fest le 17 mai avec plusieurs autres excellents bands. Voici le lien de l’événement. On a donc pu être un peu mieux éclairé à savoir la différence entre Les Dorothée vs Les Lynx. Vous pouvez aussi consulter un superbe article sur les raisons d’aller au Pouzza ici.

Voici d’ailleurs les noms des membres des deux bands :

Les Dorothée :

Mathieu Genest : voix et textes

Vincent Dargis : guitare et compositeur

Jean-Philippe Dargis : bass

Christina Tzournavelis : keyboard et voix

Sébastien Gouger : guitare

Natasha Chénier : drum

Les Lynx:

Mathieu Genest : voix et textes

Vincent Dargis: guitare et compositeur

Jean-Philippe Dargis : guitare

Christina Tzournavelis : keyboard et voix

Maxime Cormier : bass

Martin Lefebvre : drum

Si vous avez l’occasion d’aller les voir, ne manquez surtout pas ça. Ils vont vous offrir toute une performance.

Rédaction : Mélissa Magne

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Avant-goût du Pouzza : Les Lynx vs Les Dorothée est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Le premier show de Volcano Bloom

Le premier acte de la soirée était Volcano Bloom. Composé de Nicolas Bourdeau (voix et guitare), Mathieu Caumartin-Rivest (guitare et voix) et Francis Paquette (batterie et voix), le groupe a commencé avec énergie. Malgré un petit faux départ; les micros étaient éteints au moment où le groupe s’est lancé dans la première chanson.  De plus, personne ne se trouvait à la console de son. Nous avons donc dû attendre le retour du gars de son avant que le groupe puisse y aller de nouveau. Une situation cocasse, mais vite corrigée. Une fois les ajustements faits, Volcano Bloom a livré une prestation solide. Bien que parfois le vocal ait été un peu étouffé, probablement dû au stress et au manque d’expérience, cela n’a pas gêné l’appréciation globale du spectacle.

Pour les amateurs de punk de la scène de Gainesville, en Floride (comme Against Me! et Hot Water Music), Volcano Bloom saura vous plaire. Je suis impatient de voir ce que l’avenir leur réserve. En attendant, je vous invite à écouter leurs morceaux Good Start et SPEAK! enregistrés avec William Lavoie Gagnon de Frontrow qui sont disponibles sur leur Bandcamp.

La faute des autres

Après avoir manqué le lancement de leur premier EP à L’Escogriffe le 24 novembre dernier, j’étais ravi de les voir enfin performer. Composent le groupe: Charles-André Chamard (voix et basse), Thomas Caron (guitare), Jean-Philippe Bruneau (guitare) et Gabriel Bouvette (batterie et voix). Le groupe semblait un peu tendu au début, mais une fois sur scène et le show commencé, toute cette tension semblait s’être dissipée.

La Faute des Autres semble puiser ses influences dans le punk, l’emo et le post-hardcore des années 2000. Comparativement aux autres groupes, le tout est fait en français. La voix rauque de Charles, parfois soutenue par la voix plus claire de Gabriel, créent un excellent mélange qui nous permet de bien ressentir les émotions véhiculées.  Au final, malgré quelques problèmes de feedback, qui n’ont pas été trop dérangeants, leur performance a été excellente. Ne manquez pas de suivre La Faute des Autres sur leurs différents réseaux sociaux pour connaître leurs prochaines dates de spectacle. Allez écouter leur premier EP sur Bandcamp en attendant !

Le grunge selon Frontrow

La jeune formation Frontrow de Montréal était la prochaine à se produire dans cette soirée.  Le groupe, composé de Mathieu Lavoie-Hétu (batterie), William Lavoie-Gagnon (guitare), Samuel Bourgeois (voix), Jean-David Lafontant (guitare) et Maxime Martin (basse), a sorti son premier EP Living Room, le 26 juin 2023. En plus des morceaux de cet EP, le public a eu droit à plusieurs nouvelles chansons, qui seront bientôt enregistrées, espérons-le.

Frontrow qualifie leur son d’alternatif, grunge et rock. Ce qui n’est pas faux, mais je sentais beaucoup d’influences emo et post-emo. Si vous avez été, comme moi fan de la vague emo/punk du début des années 2000, vous saurez apprécier Frontrow.  Le son du groupe me rappelle par moments The Get Up Kids ou des œuvres plus récentes de Thrice. Le groupe aborde des sujets tels que la maladie mentale avec Nothing et la drogue avec Took a Trip. Ils ont même demandé l’aide du public pour nommer l’une de leurs chansons. Le choix a été: Embarque Ma Belle, inspiré par la formation Kaïn. Pour savoir si l’une de leurs chansons portera ce nom, je vous invite à suivre Frontrow et à écouter leur premier EP Living Room.

Silentafterdark pour la première fois sur scène

Une autre baptême en cette soirée était le tout premier spectacle du groupe Silentafterdark. Originaire de Montréal, le groupe nous a livré une bonne première prestation. Le seul point négatif était l’équilibre sonore. Cela faisait en sorte que nous perdions, par moment, le vocal qui sonnait plat et manquait de modulation. Ayant écouté les morceaux disponibles sur Spotify, je pense que cela était davantage lié à l’acoustique du Petit Campus qu’à la qualité vocale du chanteur du groupe.

En observant le groupe sur scène, j’ai reconnu des influences post-hardcore et emocore. Cependant, les enregistrements actuellement disponibles donnent également des impressions de la scène rock et métal du début des années 2000. Un mélange agréable entre des groupes comme Korn et Disturbed, ainsi que des éléments de la scène emocore tels que Atreyu et parfois post-hardcore comme Touché Amoré. L’identité de ce groupe reste encore un peu floue pour moi, mais je suis très curieux de découvrir ce qu’ils nous réserveront à l’avenir. Je vous recommande entre temps d’aller écouter leurs morceaux Electric Dream et Tunnel Vision sur Spotify.

Slown Drain Goes 2000s emo

Maintenant au tour de Slow Drain, les organisateurs de cette soirée dédiée à la sortie de leur EP Days When You Felt Strong. Comme l’indique clairement le groupe sur leurs réseaux sociaux, et comme nous avons pu le constater tout au long de la soirée, leur son est fortement influencé par la scène emo et emocore des années 2000. On peut clairement percevoir les inspirations de groupes tels qu’Alexisonfire, A Day To Remember, Funeral For A Friend et Underoath. D’ailleurs, leur excellente reprise de la chanson Reinventing Your Exit d’Underoath en est un parfait exemple.

J’ai été profondément impressionné par la présence sur scène du groupe. Ils dominaient la scène avec assurance. La voix du chanteur Ben est particulièrement adaptée au style emo. Sa voix est magnifique et il la contrôle très bien. Si, comme moi, vous ressentez une certaine nostalgie pour le son emo des années 2000, je vous recommande vivement d’écouter Slow Drain. En plus de nous avoir offert les morceaux de leur dernier EP et cette reprise d’Underoath, ils ont également proposé une performance acoustique ainsi qu’une reprise de The End de Linkin Park. Je tiens également à souligner le travail remarquable effectué, au niveau de l’éclairage, qui a grandement contribué à l’ambiance de la soirée. J’ai passé une soirée fantastique tout en découvrant de nombreux excellents groupes de musique. Restez attentifs aux prochains concerts des groupes locaux et soutenez ainsi la scène musicale d’ici !

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Josée Marcoux

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Slow Drain – EP Release party + invités est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Jessica – ou Jess pour les intimes – est une vétérane de la scène hardcore montréalaise. Elle a été chanteuse du quintuor Our Own Justice. On l’a dernièrement aperçue lors d’une apparition surprise au mythique Foufs, aux côtés de One Last Threat chanter sur le morceau Sisterhood. Elle est aujourd’hui traductrice pour le Bad Crew – promis, il n’y a pas de convergence médiatique, ni de collusion – et chanteuse du groupe Pace qui donna sa première prestation le 17 février dernier. Elle n’est pas la seule vétérane de la scène hardcore dans ce groupe, on y retrouve un ancien membre de Enforcers, ainsi que deux ex-membres de Tomahawk Carrier fondé en 2004. Qui plus est, leur page est toujours active sur Quebec Punk Scene : https://www.quebecpunkscene.net/tomahawkcarriers/ – celle de Ma Grand-Mère En Bikini aussi, tenez c’est cadeau : https://www.quebecpunkscene.net/magrandmereenbikini/ – leur courriel est toujours actif, aussi. 

Pace a donné le coup d’envoi et a aussi donné le bon ton pour cette soirée haut en punk ! Pace est un savant mélange de pop-punk et de hardcore mélodique. Ça paraît que Jess a de l’expérience de voix et de scène. Idem pour les musiciens, ce n’est pas leur premier rodéo. Certains de ses growls rappellent son passé hardcore. C’était leur premier spectacle et c’est sans l’ombre d’un doute, l’un des groupes à surveiller. 

Phil Vai du Clash Podcast, qui est derrière l’organisation de la soirée, a suivi avec La Dérape. C’est un son peu commun, dans le bon sens du terme. C’est la fusion des inspirations de chacun qui donne ce son unique. C’est assez rare pour être nommé, mais la bass est mise de l’avant. Certaines rythmiques rappellent le vieux Anti-Flag.

Dutch Nuggets ont eux aussi une page active sur Quebec Punk Scene : https://www.quebecpunkscene.net/dutchnuggets/. Par contre, pas de courriel à tester. Dommage. Qui plus est, c’est un groupe qui roule sa bosse depuis 2008. L’expérience se fait sentir. Ils ont une aisance décomplexée sur scène. Leur inspiration flagrante du skate-punk californien est palpable. C’est efficace et droit au but, tout comme leur prestation !

Pour les plus vieux d’entre vous, vous reconnaîtrez sans doute certains membres de Bring the light. Plusieurs membres étaient dans le groupe Subb, jadis. Ce sont des musiciens de talent, la foule était fébrile, quand Bring The Light a pris la scène. Ils ont un son hardcore-punk qui rappelle le vieux AFI. Le son sonne comme à l’époque où la frontière entre emo et hardcore était assez trouble. La soirée s’est terminée en beauté, les gens ont ensuite regagné leur foyer. 

Pour contrer la hausse des loyers, et de facto l’exode, il y a une manière bien simple d’y remédier : refuser la hausse et rester dans votre logement. Suite à la réception de votre avis de hausse, vous avez un mois pour la refuser. L’avis doit vous être remis de 3 à 6 mois avant la fin de votre bail. Il y a un autre moyen de freiner la flambée des loyers. C’est le registre des baux. Ainsi, le bloc G du bail, qui porte sur le prix payé par l’ancien locataire pourra être plus facilement confirmé ou contester. Pour le reste, le mot de la fin revient au fondateur des “Industrial Workers of the world – IWW« , Big Bill Haywood :  “Je n’ai jamais lu Le Capital de Marx, mais je vois les marques du capital tout partout autour de moi.”

PS : Les crédits des photos reviennent à Ondes Chocs, merci pour les photos.

Rédaction : Charles Loco

Correction : Charlotte Claeys

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Exode du punk à Boucherville est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Il s’appelle Benjamin Piette. Principalement connu sous le nom de Noé Talbot avec son projet solo, il est membre dans les groupes Fortune Cookie Club, Super Punk, Col Rouge. Il fait également partie d’un projet hip-hop appelé Salmine. C’est un artiste ainsi qu’un humain que j’apprécie beaucoup. J’ai saisi l’occasion de la sortie de son nouvel EP, en août dernier, Avant qu’on se déteste, pour lui poser quelques questions.

Salut Noé! Dis, entre tes milliers de projets musicaux, as-tu ça du temps libre?

Honnêtement, beaucoup trop. J’ai pas d’enfants. Moi, j’admire les gens qui ont des enfants. Si un jour j’ai un enfant, tu peux être certain que m’a pas faire 2 albums et 70 dates par an.

Comme mentionné dans l’introduction, ton dernier EP, Avant qu’on se déteste, est sorti en août dernier, soit deux ans et quelques jours depuis l’album précédent. Comment s’est passé le processus d’écriture?

En fait, ce EP-là, c’était des chansons qu’il me restait de Remercier les accidents que j’avais déjà enregistrées, sauf pour les pistes « Secrétaire de ma vie » et « Résonner avec toi », qui avaient été écrites dans la même période. Je suis retourné en studio pour rec ces deux-là avec mes nouveaux musiciens.ennes (Vincent Ravary et Lauriane Pothier). Je tiens à spécifier que toutes les chansons n’étaient pas des B-sides, mais on pensait qu’elles fittaient plus ensemble puisqu’elles parlaient toutes de séparation (et que y’avait déjà 15 tracks sur Remercier les accidents deluxe [argument non négligeable]).

Pour l’occasion, tu as travaillé avec qui?

Avec Vincent Ravary, un super drummer, Golden Retriever. Lauriane Pothier, ma complice de tournée à la contrebasse depuis plusieurs années maintenant. Maxime Racicot, ami guitariste, pro de Instagram. À la board, on a eu Frank Joly, partner invétéré d’Escape Game! Pour les autres chansons, ce sont les mêmes personnes que sur Remercier les accidents.

Tu joues avec ton projet solo depuis quoi?… 2010, 2011? Quoi qui t’a poussé à partir en cavalier seul à ce moment?

Faire de la tournée! Je pensais même pas sortir grand-chose pour vrai. J’avais pu de band aussi motivé que moi pour tourner. J’ai donc, comme plusieurs, décidé d’entreprendre ça à la guitare acoustique pour pouvoir faire des shows et voyager.

Tu écoutais quoi comme groupes/artistes à ce moment précis?

Bonne question. Les Vulgaires Machins, définitivement. Un peu plus tard, Frank Turner. Une chiée de bands punk rock, les bands des amis.es surtout et des bands qui n’existent pu (genre Le Monsieur). Pis j’écoutais beaucoup de François Perrusse.

Puis aujourd’hui?

C’est tellement varié. Je pense que l’époque déteint sur moi. J’écoute de la musique par petites phases, mais dans les dernières années j’ai gros écouté : Orelsan, Nekfeu, Northcote, Les Cowboys Fringants, Louis-Jean Cormier, Les Sœurs Boulay, le dernier de Blink-182, Intenable et plein d’autres auxquels je pense pas…

Tu viens de mettre en ligne, y’a quelques jours, un nouveau single qui est une collaboration avec Alex Paquette. Comment vous est venu l’idée de co-écrire une chanson ensemble?

On passe quand même beaucoup de temps ensemble. J’ai pas full d’autres amis au Québec qui font de la musique de leur vie, pis je pense que lui non plus y’en a pas des dizaines, faque on se comprend bien. Pis on a beaucoup joué ensemble y’a 2-3 ans de ça. On tournait vraiment beaucoup pis entre deux shows, on s’est parlé de faire une chanson ensemble. J’ai eu l’idée rapidement. Le texte ça a été super long. Pis après, les deux on était toujours partis, donc on n’a pas pris le temps de donner vie à ça. À un moment donné, on a fini par se dire qu’il fallait pousser un peu plus et, en quelques mois, on a réglé ça.

Quoi qui s’en vient prochainement pour Noé Talbot?

Une 15^e tournée solo en Europe (20^e en carrière!!), pas mal de dates au Québec et un nouvel album. J’ai mes maquettes. J’suis rendu à booker le studio.

Lorsque tu composes quelque chose, comment tu fais pour savoir que telle ou telle chanson va aller dans quel projet?

Ça se feele je trouve. Mais de moins en moins. Surtout entre Salmine et Noé, des fois, je trouve ça dur de départager. J’ai un bon hook, une envie de groove, et j’hésite. Généralement, quand ça sort, c’est vraiment clair. Mais c’est vrai que ça arrive de plus en plus que c’est moins clair. Des fois, y’a des chansons que je fais et que je maquette en Noé. Pis au cours du processus, je réalise que ça serait biiin meilleur plus vite, faque je la garde pour FCC.

Tu fais souvent référence à Rouyn-Noranda dans tes chansons (bon, juste deux fois, mais c’est plus que n’importe quelle autre ville dans le monde). Quoi qui te relie autant à la capitale du cuivre?

Les souvenirs, je pense. Y’a eu une période où, chaque fois qu’on allait jouer là-bas, c’était toujours des super belles soirées. On revenait et on se disait : « si ça pouvait toujours être comme ça les gigs!». La première impression reste, je crois! J’ai encore et toujours énormément de fun à aller jouer en Abitibi, et particulièrement à Rouyn. Y’a une vibe relaxe et amicale… Je sais pas exactement pourquoi, mais un peu de tout ça en même temps.

Avec un nombre incalculable de concerts à travers le monde, quels sont tes plus beaux souvenirs?

C’est dur à dire. Les premières fois sont souvent les plus belles. J’ai des dizaines de petits moments qui me reviennent en tête, genre jouer au mini-hockey à 4h du matin en Suisse. Jouer Wonderwall à un douanier. Brosser avec des Ukrainiens trop smattes qui nous faisaient boire le moonshine de leur grand-mère. Les moments dans la van à découvrir ce que c’est que s’ouvrir pour vrai aux gens. Les rares flings après les shows avec des filles où tu finis par frencher. Les running gags de tournée avec les boys. Les trips de mush. Les hot-dogs géants. Les snacks d’après show. Les premières fois que tu vois des gens chanter tes paroles… Tout ça, c’est magique. J’ai eu vraiment de la chance de vivre autant de belles choses.

Et les pires?

Les pires sont souvent les plus beaux. Mais il fut un temps où j’ai fait énormément d’anxiété en tournée pis je n’étais pas heureux dans ma vie. Je te dirais que ce n’est pas des moments particuliers, mais plus des restes de comment je me sentais qui me font encore de la peine.

Pis dédicace particulière à tous les gens qui nous ont invités à dormir, dans leur appartement pas propre, pis qui ont décidé de faire le party tout seul jusqu’à 6h du matin, avec nous qui ne sommes pas capables de dormir à côté.

Segments que tu as chantés :

« Par les 10 mêmes personnes à Rouyn » – Le d​é​jeuner de l’h​ô​tel

Est-ce que tu connais par cœur le prénom de ces personnes?

Évidemment 😊. Pas les noms de famille par exemple.

« J’ai même pas pu sauver les meubles
Parce que t’es partie avec » – Sauver les meubles

As-tu réussi à te remeublé depuis le temps?

Bon, je sais que c’est pas ça la question. Mais cette phrase-là vient de mon ex. Elle avait pensé à ça, j’avais trouvé ça bon, pis je l’ai enjointe à écrire les paroles de cette toune-là avec moi. C’est drôle parce que c’était comme prémonitoire. Maintenant, je chante cette chanson-là et j’ai l’impression que ça parle d’elle, alors qu’on l’a écrite ensemble.

« Y’a des nuages dans ma chambre » – Mauvais Timing

Dors-tu dehors?

Juste quand je joue à Rouyn et que tu m’invites chez toi (« viens dormir chez moi, y’a juste un bébé de 6 mois, tu vas voir tu vas bien dormir…! » C’est ça ouais!)!

Puisse que j’ai ton attention, nous ne pouvons pas passer à côté de la dernière sortie de Fortune Cookie Club, qui, soit disant, est un excellent l’album. Diviser dans les nuances est sorti en janvier dernier, soit presque cinq ans depuis la sortie de Passer l’âge d’or.

Quoi qui explique un temps aussi long entre ceux-ci?

Les bébés. Tout le monde sauf moi a des enfants. Ça fait pas mal de périodes de breaks sans jam. Ajoute à ça mes tournées, les voyages… On s’en sort pas. Ahah!

On retrouve beaucoup de featuring dans l’album. Quoi qui te/vous pousse à inviter autant des gens à chanter avec toi/vous?

Parce que ça ajoute de la diversité à l’album. Nous, en plus, c’est un peu un vieux rêve de jouer avec toutes ces personnes-là. Ce sont tous.tes des artistes qu’on aime. Les retrouver sur nos disques c’est tellement cool. On est rendus à presque une quinzaine de featuring. C’est quelque chose qui se fait beaucoup dans le rap, mais pas dans le punk et c’est dommage. En plus, généralement, les gens sont trop contents qu’on leur demande.

Quoi qui s’en vient du côté de FCC?

J’espère quelques shows. On a prévu aussi de recommencer à composer. Donc, que du bon!

Le 11 septembre 2020, Super Punk droppait une bombe atomique en ligne avec la sortie de Kim Jong Goes To Cégep et puis silence radio.

Quoi qui explique ceci?

Les vies occupées à tout le monde. On voulait vraiment faire des shows, pis ça s’est arrêté. On était trois qui voulaient vraiment faire un autre album, mais il nous manquait un GO pour faire ça. Donc, c’est sur la glace en ce moment, et peut-être définitivement, même si je trouve ça poche. Mais on s’est dit qu’on commencerait à intégrer des chansons de Super Punk dans FCC. C’est-à-dire faire des chansons de 45 secondes avec le band sur des sujets cons. J’ai eu plein d’idées au cours des années et les boys de FCC ont envie qu’on le fasse, donc il devrait y avoir de nouvelles chansons « genre » Super Punk dans FCC éventuellement.

En 2019 tu lançais ton projet Salmine. Depuis, deux albums ont paru, des spectacles à la ronde et un méga-hit radiophonique avec la chanson « Rap de gentil ».

As-tu commencé à faire du hip-hop pour arrêter de jouer dans les bars miteux de punk rock qui sentent toujours la pisse?

Absolument pas. Sinon, ça aurait été un échec sur toute la ligne. Tsé, avant de faire de la musique, je ne me pose pas beaucoup de questions. J’aime faire de la nouvelle musique, différente de ce que j’ai fait. Même que j’ai vraiment de la misère à comprendre les artistes qui font cinq fois le même album ou qui restent dans une direction musicale toute leur vie. Moi, ma question de tous les jours en musique c’est « comment je peux faire différent de ce que j’ai déjà fait ». Tant que je pourrai répondre à cette question, je vais continuer. Sinon, je pense que je n’y trouverai plus trop d’intérêt.

Sérieusement quoi qui t’a poussé à faire du hip-hop?

Je fais du slam depuis que j’ai 16-17 ans. Ça a été comme une suite logique. J’étais meilleur en slam qu’en hip-hop cela dit, ahah! Mais je m’améliore pas mal. J’ai des nouvelles maquettes pour un nouveau EP de Salmine et finalement je commence à être satisfait de mon flow, des enchaînements, etc.

Quoi ce style de musique te permet d’exprimer que tu n’arrives pas avec tes autres projets?

C’est une question à deux réponses :
Sur du rap avec des flows définis, plus trap/cloud, je te dirais que ça me permet de faire des jeux de mots beaucoup trop compliqués, mais qui m’amusent.

Sur du rap avec des flows plus libres, genre boom-bap et slam, je te dirais que c’est de vraiment creuser les sujets et de dire les choses plus crûment.

Quoi qui s’en vient avec ce projet?

Un mini EP avec les beats de Master Chon.

En dehors de la musique, j’ai cru voir que tu étais en processus d’écriture d’un nouveau livre?

Boah, j’essaie, j’essaie… Mais ça ne me vient pas naturellement comme pour le premier. Bientôt, je vais m’y mettre. Prendre quelques mois pour bien faire ça. Marie (ma partenaire illustratrice) attend après moi pour ça depuis des années ☹.

Et j’ai cru voir, dans une story Instagram, que tu étais en train de créer un jeu de société!

OUI! Et c’est vraiment le fun. C’est le 3^e sur lequel je travaille, mais le premier qu’on est pas mal sûr de sortir. Ça va être avec mon 4^e album de Noé. Je vous en dis pas plus, mais j’ai bien hâte de montrer ça au monde.

Pour être honnête, c’était une facette de ta personnalité que j’ignorais! Tu peux nous en parler un peu?

Je passe au moins 1-2h par jour à jouer à des jeux de société en ligne sur BGA. J’aime les défis, donc je m’étais donné le défi de faire un jeu pendant la pandémie. J’ai aimé ça. Pis j’avais une idée de jeu qui me trottait dans la tête depuis trois ans. L’album de Noé était le bon prétexte pour rendre ça concret. Je me suis associé avec un ami en France (Tendre Plume) qui tripe autant que moi et on fait ça à distance.

Merci de ton temps Noé, je te laisse le mot de la fin.

Merci à toi !! On se voit bientôt, tu passes à Montréal dans une semaine avec ton band Radiology. Peux-tu nous en dire plus sur vos projets?

Haha, merci de me retourner l’appel! Faire des spectacles, composer des nouvelles chansons et avoir du fun, c’est pas mal ça!

Entrevue : Antonio Geraldo

Correction : Céline Montminy

Révision : Marie-Eve Landry

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