La soirée s’annonçait très agréable. Seulement deux groupes à l’affiche. Ce n’est pas que j’aie quoi que ce soit contre les line-ups plus chargés qui permettent parfois de belles découvertes, mais un programme plus léger, ça fait du bien parfois. Nous sommes arrivés juste à temps pour le début du spectacle, et la salle était déjà bien remplie. Ça annonçait un excellent show.

Babe Haven

J’avais pris le temps d’écouter rapidement ce que le groupe proposait. Très vite, j’étais aussi excité de le voir que de voir Die Spitz. La formation est originaire de Boone, en Caroline du Nord. Le son du groupe est un mélange explosif de riot grrrl et de métal. Sa biographie Spotify est d’ailleurs sans détour : “gay and aggressive!”. Cela se reflète sur sa marchandise avec le t-shirt sur lequel est inscrit : I Turned Gay At A Babe Haven Show. Son énergie est contagieuse, et la foule en a eu pour son argent.

Le groupe a surtout joué des chansons de son plus récent album Nuisance (2024), dont la pièce-titre, ainsi que Gas Pedal, Die (and Rot) et Can’t Call This Cat. Cette dernière, qui a conclu la performance, dénonce ceux qui, encore en 2025, se livrent au cat calling. Avant d’entamer la chanson, la chanteuse Lillie Della Penna a demandé à la foule qui avait déjà été victime de cat call ou connaissait quelqu’un qui l’avait été. Sans surprise, presque toute la salle a réagi. Difficile de rester indifférent devant un tel message.

En introduisant une nouvelle chanson intitulée Big Trouble, le groupe a évoqué le climat politique tendu aux États-Unis, affirmant que si les autorités cherchent le trouble, elles finiront par le trouver. À un autre moment, en présentant Kung Pow, Naomi Poesel a parlé des difficultés auxquelles font face les personnes racisées en ce moment aux États-Unis. Étant elle-même une Américaine d’origine asiatique, la situation l’inquiète. Son intervention s’est conclue par un retentissant “Fuck ICE” qui a suscité l’appui de la foule. Babe Haven a livré une performance inspirante, puissante et engagée. Une prestation qui donne envie de suivre attentivement ce que la formation fera ensuite. Je vous recommande chaudement une écoute : Kung Pow, pour son côté punk/riot grrrl, et Gas Pedal, pour le son plus metal.

Die Spitz

Nous étions déjà rendus à l’acte principal avec Die Spitz. Le groupe d’Austin, au Texas, est présentement en tournée pour promouvoir son premier et plus récent album, Something To Consume, paru le 12 septembre. La formation avait déjà attiré l’attention deux ans plus tôt avec la sortie de Teeth. Décrire son style n’est pas simple, mais Die Spitz navigue dans différents styles musicaux. On retrouve principalement un son grunge, teinté de punk, de hardcore, de metal et même d’une touche de shoegaze.

Le groupe a lancé sa performance avec I Hate When GIRLS Die, un single de 2024 qui semble faire référence à une publication de Young Thug datant de 2017. Malgré quelques recherches, je n’ai pas trouvé d’explication plus précise à ce sujet. Ensuite, pour introduire My Hot Piss, Ellie a expliqué vouloir utiliser la plateforme du groupe pour en défendre les valeurs. Elle a souligné l’importance de soutenir le mouvement Free Palestine et, tout comme Babe Haven plus tôt, le public a eu droit à un“Fuck ICE!”.

Lors d’une intervention, Ava a confié avoir attrapé un rhume et ne pas être à 100 %. Mais honnêtement, cela ne s’est aucunement reflété dans la performance. Pendant la chanson Grip, le groupe a demandé à la foule de se diviser en deux, offrant un mini wall of death. Plus tard, lors d’Evangeline, Ellie s’est retrouvée dans la foule ainsi que sur le bar à chanter. Die Spitz a offert une prestation empreinte d’énergie. Les membres du groupe occupaient parfaitement la scène et, par moment, la salle entière.

Pour le rappel, le groupe a demandé que seules les filles viennent à l’avant, un geste tout à fait cohérent avec le message qu’il porte. Il a ensuite livré un rappel de quatre pièces, dont RIDING WITH MY GIRLS et Hair of Dog. Je n’avais pas d’attentes particulières pour ce spectacle, mais j’ai été agréablement surpris et j’ai passé une belle soirée.

Si vous ne connaissez pas encore Die Spitz, je vous invite fortement à une écoute, surtout les pièces Pop Punk Anthem (Sorry for the Delay), Hair of Dog et Groping Dogs Gushing Blood.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Valérie Lapierre

Révision : Julie Fortin

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Malgré la trentaine de degrés Celsius inhabituelle pour une journée du mois d’octobre, une trentaine de punks se sont regroupés au Dominion Tavern d’Ottawa le dimanche 5 octobre 2025. Les quelques amateurs de musique anarchiste sont venus encourager deux groupes ontariens : Skrout et Maldita. Sans oublier la surprise américaine annoncée la veille : Houston and the Dirty Rats. 

Les gens parlaient et buvaient dès l’ouverture des portes vers 20 heures. Dans les alentours de 20 heures 20, j’ai accosté Rosa, la chanteuse péruvienne de Maldita, pour m’entretenir avec elle. Elle invita le guitariste, Matt, à se joindre à nous, ce qu’il fit sans hésiter. Nous allâmes nous cacher dans l’arrière-cour couverte du bar pour faire la très brève interview. Je leur demandai d’abord la signification de Maldita; la traduction française du mot espagnol serait « damnée » ou « maudite ». La moitié des titres joués ce soir-là font partie de leur dernier album Un Mundo en Demencia. Celui-ci est sorti en octobre 2025 sur Cursed Blessings Records de Toronto et Phobia Records de République tchèque. L’album discute de la situation mondiale d’aujourd’hui et de la répétition des mêmes erreurs de l’humanité. Une autre tournée devrait avoir lieu à la fin de cet hiver en support à la réalisation du disque. 

Dès la minute où nous rentrâmes dans le bar, Skrout commença son set avec une musique hardcore sans précédent. 

SKROUT

Le temps que le public rentre, la première tune était déjà presque finie. Il faut dire qu’aucune de ses chansons ne dépasse 1 minute 45 et que plus de la moitié n’atteint pas la minute. Pour passer le peu de temps qu’il a à gueuler, le chanteur, propriétaire de Broken Skull Records, se promenait en faisant les cent pas devant la scène, en se battant avec son fil trop court. La seule pause du spectacle fut pour annoncer les deux autres groupes aussi présents à la soirée, sans jamais mentionner le nom du sien. Entre deux titres hardcore bien bourrins, le batteur crie « 1, 2, 3, 4 » à la Ramones, mais bien plus rapide pour garder le rythme impétueux de la musique.

Alors que je me promenais pour prendre des photos en prévision de l’écriture de cet article, j’aperçus un jeune homme énergique à l’allure sympathique qui était le seul à bouger dans le pit. J’ai donc décidé de m’y frotter le temps d’un microsillon. Malgré mon intention de raviver un peu la place, je m’avançai un peu trop rapidement et lui mis plutôt un coup de boule… Heureusement, rien de grave. Nous avons donc continuer notre danse alors que le band ottavien arrivait à la moitié de son set bruyant. (Désolé l’inconnu pour le coup de tête, si tu lis un jour cet article.)

Comme j’ai déjà mentionné, les titres du groupe d’Ottawa sont tellement courts que le terminus auditif se fit entendre sans crier gare par un simple « Thank you ». Une quinzaine de minutes pour une douzaine de morceaux. Court, mais extrêmement efficace pour débuter un show. 

MALDITA

Après une pause presque aussi longue que la performance de Skrout, la tête d’affiche originale fait son entrée sur le stage, c’est-à-dire le quatuor torontois formé en 2017, Maldita. Le vocal féminin n’était malheureusement pas suffisamment audible pour une partie du spectacle. De plus, lors du premier morceau, une autre chanson qui jouait en arrière-plan interférait. Le problème a été réglé pendant que Rosa évoquait un problème avec leur voiture en arrivant à Ottawa. Odio, une de leurs nouvelles chansons, débuta tout de suite après. Ils enchaînèrent ensuite avec le hit Carne de leur album Maldita de mars 2022. Ils passèrent par la suite à une seconde nouveauté avec le titre Demencia. 

La fin me percuta trop vite lorsque Rosa annonça qu’il ne restait plus que deux morceaux. Le premier était Tres Siglos, une chanson très rapide. Je remarquai qu’un verre de bière tremblotait autant que l’ampli sur lequel il était posé, lorsque terminait le groupe avec Trabajo. Ce titre signifiant « travail » en français est donc une chanson pertinente pour conclure un dimanche et le retour laborieux du lundi matin. 

Mais le spectacle n’était pas fini, comme prévu puisqu’il restait encore le groupe surprise. 

HOUSTON AND THE DIRTY RATS

Si je n’étais pas allé écouter un peu de sa musique avant d’aller au concert, je dois avouer que le look du trio américain de Houston and the Dirty Rats m’aurait plutôt fait pencher vers l’idée d’une musique hippie. Chemise à fleurs, chapeau autour duquel un bandeau est enroulé et collier de perles pour le guitariste-chanteur nommé Houston, chemise à champignon pour le bassiste, Gerard. Avant de débuter, alors qu’ils avaient des problèmes de son, Gerard sentit son micro… Voilà une drôle d’habitude qu’il nous a confiée avant que les musiciens se présentent comme le groupe comique de la soirée. 

Malgré leur dégaine et ce rituel unique, leur prestation commença et ils nous balancèrent du punk mélodique comme je n’ai pas l’habitude d’en écouter. À leur seconde chanson, le chanteur laisse soudainement pendre à son cou sa guitare pour agripper son micro. Lors de la suivante, le type à qui j’ai donné un coup de tête accidentel est accompagné par Rosa et une autre personne dans le mini pogo. S’ensuit une rare disposition pour une splendide interprétation de The Wolf : Houston plaça son pied de micro hors de la scène et y chanta. 

Après s’être démenés une demi-heure, ils ont collectivement pris une légère pause. Je fus ensuite étonné d’entendre un riff reggae entrecoupé par un refrain punk fort sympathique. On comprit que Gerard eut une grande faim lors d’un interlude où il déclara « I like food – Food tastes good ». Il chantonna aussi l’hymne de McDonald’s. Il a maintenant peur de devoir payer 500 $ pour l’avoir chantée sans la permission du fameux restaurant ! 

La chanson, je crois, la plus rapide de la nuit a étonnamment été jouée par le groupe le plus calme. La jovialité est tout de même restée au rendez-vous quand le trio du New Jersey a demandé à la microfoule si elle désirait une tune « Fast or slow? » et que le barman, du fond de la salle, s’exclama « Fast as fuck! ». On a donc eu le droit à un contraste de rapidité, le temps de deux titres. Le batteur, Felix, a poursuivi avec un beau « Go Sens » en hommage à l’équipe de hockey des Sénateurs d’Ottawa. Avant de recommencer, le guitariste chanta la ligne « Can you take me higher » de Creed. Sinon, le bassiste avait définitivement faim : il a fait référence à du gabagool, du capicollo, que le barman semblait être le seul à connaitre. 

Houston and the Dirty Rats ont clos le show en incitant la quinzaine de punks restants à monter sur scène pour chanter une dernière fois avec eux. Les boute-en-train imprévus et imprévisibles, mais excellents, sont donc partis en laissant un sourire aux lèvres des personnes qui restaient encore sur place. 

En bref, l’évènement était super, diversifié et amusant par moment. Un point décevant persiste cependant : il n’y avait déjà pas grand monde au début et il y en a eu de moins en moins au fur et à mesure que la soirée avançait.

Je pose donc cette question aux gens de ma région : où sont les punks de l’Outaouais tabarnac ?! 

Pour encourager les trois groupes de la soirée :

Skrout : HUMAN WORLD | SKROUT

Maldita : Un Mundo En Demencia | MALDITA

Houston and the Dirty Rats : RAT EP | Houston & The Dirty Rats

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Crédit-photo : Dizz Hupé (photos de bonne qualité pour Skrout et Maldita) et Eddy H. Chavaudret (reste)

Correction : Valérie Lapierre

Révision : Julie Fortin

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Pour lire l’entrevue réalisée avec ES (Enfants Sauvages) : c’est ici !

C’est littéralement la tête pleine de paillettes et de plumes que les gens sont rentrés de l’Arquemuse vendredi le 6 juin.

On savait pas toute

À part qu’on s’en allait voir Enfants Sauvages.

En résidence dans une école de musique aux airs d’église déchue.

Dans un opéra punk, rien de moins.

Le groupe nous tease depuis un « boutte« .

L’invitation propose un code vestimentaire noir/blanc/rouge.

Des emojis plus que louches.

Une formule déjantée pour la sortie du disque poignant : Avant la mort.

On entre dans l’ancienne chapelle

Nous nous dirigeons vers un escalier.

Les marches sont parsemées de photographies des Enfants Sauvages qui se sont affairés toute la semaine à ce projet ROCKambolesque.

Ça part

Comme préambule :

Une gitane, selon ses dires, d’expérience.

Une carte tarot poétique.

Une invitation au confessionnal.

Des cagoulards, des mugshots, des confessions dans une ambiance de bal de promo.

Rick Astley en background.

Des Rox un peu partout.

Pis là, un band surf fait son entrée.

Un vrai film de Tarantino.

Ça part fort.

Crédit photo : Meemi Bonin

ES

Terrés derrière une bâche graffitisée à souhait, le band masqué attend le cue qui sonnera le début de ce que nous attendons tous.

La voix du freak.

Parce que le fantôme de Lucien Francoeur, lui, vibre encore ici après la mort.

Retentissante de tou’é bords, la musique lourde poétisée nous rentre dedans comme un bulldozer qui sort de nulle part pour nous aplatir le cœur.

Entrez dans ma tête qu’à disait.

Outre le chant viscéral de Roxanne et l’album joué en intégral,

On entend : textes bruts, poèmes, claques émotives.

Une partie d’âme nous est délivrée.

Un genre de privilège qu’on n’a pas souvent dans une vie.

Des Rox fusent de partout avec des lampes de poche.

Des mises en scène façon pop-up.

Un bain, un lit, une chambre, de l’échafaudage, des oreillers qui s’éclatent encore plus que nous.

J’peux pas tout voir, je suis pas assez grande.

Crédit photo : Meemi Bonin

Des paillettes

Un genre d’exutoire de folie exposant mille qui r’vole.

Un moment donné, on a même reçu des Joe Louis par la tête.

Imaginez comment c’était fou, vous n’êtes même pas proches de la vérité.

Je n’en suis pas encore revenue, j’pense.

Bravo à tous ceux et celles qui ont travaillé dur pour ce voyage éphémère.

Mention spéciale aux bottes dorées de Maxime, aux bobettes à Doc, au gars qui a gâché le moment à Rox avec son 5 $ et qui se l’est fait dire.

Mais le plus gros shout-out à ceuzes qui ont fait le ménage.

Je compatis, ça a pas dû être facile.

Bref, quand le punk, la poésie et l’art se mélangent, ça percute sur un moyen temps.

Une belle démonstration que l’effort collectif en vaut la peine.

Que de se livrer le fond des tripes, ça en vaut la sueur.

Cet album a été lancé de façon grandiose, pis on l’a tous pris en pleine gueule.

Rédaction : Ste Ph, en collaboration spéciale

Correction et révision : Julie Fortin

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Le mercredi 4 septembre dernier, la formation iconique Bikini Kill s’est arrêtée à Montréal pour leur tournée d’adieu. Ce concert a lieu un an et demi après leur tout premier à Montréal, ayant eu lieu le 12 avril 2023, après avoir été repoussé trois fois. Cette fois… aucun souci, le concert a bien eu lieu. Seule petite ombre au tableau, leur marchandise n’a pas passé les douanes. Les fans ne pouvaient acheter que des vinyles ou des cassettes des albums du groupe.

Un petit fun fact, le concert se déroulait à l’Olympia de Montréal, une salle qui porte le même nom que la ville d’où Bikini Kill est originaire. En entrant dans la salle, on s’est aperçu que la soirée n’afficherait pas « COMPLET », le balcon étant fermé, ce qui contrastait avec leur dernier passage. La dernière fois, on sortait tout juste de la pandémie, et avec le report de la tournée et l’envie des gens de retrouver une vie normale, ils avaient attiré une plus grande foule. La foule présente était très diversifiée : des gens de tout âge, des parents avec leurs enfants, et tout le monde semblait ravi de voir Bikini Kill une dernière fois. C’était le moment d’attraper une bière et de laisser la soirée commencer.

Theee Retail Simps en première partie

Pour un spectacle en milieu de semaine, une seule première partie était au programme. C’est le groupe montréalais Theee ou Thee ou Tha Retail Simps qui a eu cette chance. Ce quintette, composé de Joe Chamandy (voix, guitare), Thomas Molander (clavier, percussions), Chris Burns (guitare), Zakary Slax (batterie) et Obediah Anderson (basse), a offert un solide set. Leur style est difficile à catégoriser, mais on pourrait dire qu’il s’agit d’un mélange de garage, punk rock, et rock des années 70. Par moments, leur son rappelle celui de The Cramps, et à d’autres, des influences comme CCR ou The Doors se font sentir. Ce sont d’excellents musiciens et ils nous ont offert une bonne performance. On a eu le droit à peu d’interaction avec la foule, mais compensé par de la bonne musique.

Je suis content de l’opportunité qu’a eue The Retail Simps, et j’ai passé un bon moment. Cependant, il aurait été intéressant de découvrir une relève dans le mouvement Riot girrrl ou des groupes similaires. On pourrait, par exemple, penser à des formations comme Destroy Boys ou encore plus près de chez nous, Jetsam ou Crachat.

Un adieu dans la joie !

À 21 h pile, Kathleen Hanna (voix), Tobi Vail (batterie), Kathi Wilcox (basse) et Sara Landeau (guitare) ont pris d’assaut la scène de l’Olympia pour une dernière fois. Comme lors de leur précédent passage, la mise en scène était simple : pas de banderole à l’effigie du groupe, aucun artifice. Seule Kathleen, fidèle à elle-même, portait une robe flamboyante. Elle a d’ailleurs plaisanté, en disant qu’elle ressemblait à une robe de Cendrillon qui aurait rétréci au lavage. On pouvait ressentir la joie du groupe à l’idée de se produire une dernière fois et d’offrir de beaux souvenirs à la foule venue pour ce moment unique.

Bikini Kill ayant existé seulement quelques années dans les années 90, leur discographie reste relativement petite (deux albums, quelques EP et des compilations), ce qui a rendu le setlist de la soirée similaire à leur dernier concert. Mais c’est exactement ce que les fans attendaient : entendre les classiques qui ont forgé la réputation du groupe. Et nous n’avons pas été déçus avec des titres comme New Radio, Bloody Ice Cream, Carnival, Sugar, Hamster Baby, Alien She, R.I.P., Jigsaw Youth, Capri Pants et Lil’ Red. À trois reprises pendant le spectacle, Kathleen, Tobi et Kathi, ont changé de place pour un total de six chansons. Tobi prenant le rôle de chanteuse, Kathleen à la basse et Kathi à la batterie. Cela a, chaque fois, revigoré la foule qui a grandement apprécié voir Tobi au vocal.

Toujours aussi revendicatrices

Le groupe a conclu le concert avec Suck My Left One. C’est un classique qui exprime bien la frustration envers les hommes aux comportements de prédateur. Cette chanson a été inspirée par la sœur de Kathleen, qui utilisait cette expression face aux hommes qui la harcelaient. Kathleen en a d’ailleurs profité pour mentionner que sa relation avec sa sœur n’est pas des plus joyeuses. Notamment parce qu’elles ont des idéologies très différentes, sa sœur soutenant, entre autres, le candidat à la présidence américaine à la peau orange.

Nous avons eu droit à plusieurs interventions de Kathleen tout au long du concert, notamment avant la chanson Feels Blind. Elle a exprimé sa satisfaction de voir que des comportements comme le « mansplaining » et le « gaslighting » sont désormais reconnus et nommés, ce qui n’était pas le cas au moment où elle a écrit cette chanson. Plus tard dans la soirée, elle a aussi partagé sa joie de se produire à l’Olympia, une salle permettant d’accueillir un public de tout âge, créant ainsi un espace sécuritaire et intergénérationnel pour ce spectacle d’adieu.

Kathleen a également raconté une anecdote sur la définition moderne de la famille. Elle a évoqué l’idée que, bien que nous soyons habitués à la définition classique de la famille, liée par le sang, ce n’est pas toujours ce qui la définit réellement. Elle a introduit le concept de la « chosen family » – ces personnes avec qui nous nous sentons en sécurité et avec qui les liens sont parfois plus forts que ceux du sang. Ce principe n’a visiblement pas été accepté par le YMCA alors qu’elle tentait d’obtenir un tarif familial « nouveau genre »..

Conclusion

Pour bien terminer le spectacle, Bikini Kill est revenu pour un court rappel, et comme vous l’avez sûrement deviné, ils ont joué le classique Rebel Girl. Une magnifique façon de clôturer la soirée, tout en rappelant l’impact et l’héritage de ce groupe sur la scène punk, ainsi que leur contribution à la place des femmes dans ce milieu. En quittant la salle, on pouvait sentir une foule comblée par la soirée exceptionnelle que nous a offerte Bikini Kill.

Rédaction : Maxime Isabelle

Photos : Ema Riot

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Ce groupe féministe formé en 2014 et inspiré du mouvement Riot grrrl est composé de quatre musicien(ne)s de la diversité sexuelle et de genre.

Jo

Vous reconnaitrez probablement Jo Franken (il, iel en alternance) à la basse qui fait aussi partie des groupes The Friendly Frogs Freak Show, Caniche et Bouge pas. Sur scène, Jo est un chien qui ne peut qu’aboyer pour s’exprimer. Durant le show, pendant qu’il improvisait un solo à la basse, la batterie a embarqué, suivi de Nas à la guitare pour l’accompagner, ce qui en a donné, l’instant d’un moment, une belle progression artistique.

Catherine

Catherine Jeanne-D’Arc (iel, il, elle en alternance) au chant et à la guitare rythmique, est diplômée de l’École supérieure de théâtre, ainsi qu’en création littéraire à l’UQÀM, en plus d’avoir étudié en chant jazz et d’être drag king. Catherine occupe bien tout l’espace sur scène pour capter l’attention et ne se gêne pas pour aller faire un tour dans le public.

Nas et Sara

Nas Ganon (iel) à la guitare lead, docteur en musicologie, a également reçu une formation musicale en jazz et musique populaire au conservatoire d’Aix-en-Provence (France). Cette dernière qui a passé tout le long du show avec une cagoule sur la tête (ouff ça ne devait pas être facile avec cette chaleur) a su exécuter des solos très intéressants qui donnaient sa couleur dans les tounes. Sara Blair (elle), à la batterie, est musicienne autodidacte depuis l’âge de six ans.

Un show qui pique notre curiosité

Je n’avais aucune attente envers ce show et je ne connaissais pas ce groupe. J’ai été surprise par la qualité des pièces jouées, on sent que se sont des musicien(ne)s avec un bon bagage musical. Leur spontanéité sur scène, l’enchaînement des tounes et les rôles de chacun forment un tout plaisant à voir et à écouter. C’est devant une foule participative qui dansait et bougeait constamment que Chârogne a joué des tounes en anglais et en français avec parfois une sonorité plus jazzé, parfois plus groovy, parfois plus punk et parfois plus rock. Un très beau mélange de style avec des paroles engagées propulsées par une voix juste qui donne le ton aux tounes. Comme Catherine l’a mentionné, Chârogne a interprété pour la toute première fois sur scène, un cover Marcia Baila de Les Rita Mitsouko qui fût un très bon choix.

Trigger Warning

Leur dernier album lancé en mai 2023, Trigger Warning, s’est glissé au numéro un du palmarès CHOQ.FM un mois seulement après sa sortie. Celui-ci évoque des thématiques féministes comme la diversité sexuelle et de genre, le droit à l’avortement, l’objectivation du corps des femmes, le non-consentement, les blessures intergénérationnelles et plus encore. Ces thèmes sont abordés de sorte à amener une possible guérison et une force pour l’auditoire, le tout en gardant le côté satirique, dérisoire et provocateur propre à Chârogne.

Pour terminer, le groupe a un beau parcours de scène ayant participé aux festivals Pop Montréal, Gamiq, Pouzza Fest et Les Filminites, en plus d’avoir assuré la première partie d’Hubert Lenoir. La formation continue leur tournée un peu partout au Québec jusqu’au 23 août et le 18 novembre à Saint-Hyacinthe.

Lien pour lire un article d’un autre show de Chârogne : ici

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photos : Cynthia Côté

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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L’histoire

Premièrement, parlons du nom. Riot qui veut dire émeute et Grrrl, vous vous en doutez bien, est une référence à girl, femme. Ça a commencé quand certaines féministes ont décidé que ça en était assez. Elles voulaient offrir un safe-space ou espace sécuritaire pour les femmes allant dans les shows. Parce qu’on sait tous qu’il y a encore des mains baladeuses et des gestes ou des paroles déplacés dans pas mal de spectacles.

Cette alliance se veut pour les femmes et par les femmes. En général, les groupes qui font partie de cette association dénoncent tout ce qui concerne les injustices face aux sexes ; viol, violence, racisme et j’en passe. C’est donc au début des années 1990, en particulier dans le coin d’Olympia à Washington et Portland en Oregon, que le mouvement révolutionnaire Riot Grrrl prenait forme.

Des groupes tels que Bikini Kill, Bratmobile ou Huggy Bear, pour n’en nommer que quelques-uns, furent fondateurs de ce mouvement qui devint de plus en plus populaire. C’est d’ailleurs Allison Wolfe et Molly Neuman du groupe Bratmobile qui ont défini le terme Girl Riot. Un peu plus tard, Jen Smith, issue du même groupe, a créé Grrrl au lieu de Girl. Ensuite arriva Riot Grrrl qui venait de « angry grrrl zines » par Tobi Vail. Tous ces participants ont alors décidé que Grrrl plutôt que Girl serait une meilleure manière d’exprimer la rage qui se trouve derrière le mouvement et pour éviter d’associer le côté passif qui est relié avec le mot Girl.

Aujourd’hui

Nous avons, à cette ère, encore d’excellents bands punk considéré comme Riot Grrrl. Je pense à Bad Cop Bad Cop ou Bad Skin. Composés de femmes uniquement, ces groupes ont su percer dans le difficile monde musical qu’est le rock. Et c’est tout à leur honneur. Bravo mesdames ! Il y a de plus en plus de membres de la gent féminine qui participent à faire grandir notre merveilleuse scène du punk rock. Et, on va se le dire, il y a même des artistes masculins qui sont aussi féministes. Ça prouve qu’on ne doit pas lâcher le morceau, on continue d’avancer.

La cause

Pour toutes ces féministes, c’est très important de souligner les injustices sociales faites par les hommes aux femmes, et elles ont tout à fait raison. Elles disent tout haut ce que plusieurs pensent tout bas. La musique est à mon avis, le meilleur moyen de militer pour la cause. Par contre, Riot Grrrl c’est beaucoup plus que simplement de la musique. On le retrouve dans les actions politiques, les zines et autres formes d’arts.

Dans les années où ça a commencé, il n’y avait plus autant de militantes que dans les années quarante pour le sujet. Il y avait aussi très peu de femmes sur la scène punk, rock ou métal. Elles ont donc décidé de faire valoir les droits de la femme en criant et en chantant leurs idéologies. Des artistes comme Courtney Love, Beyonce ou Miley Cyrus chantent elles aussi le Girl power. Elles vont dans la même direction, mais avec des styles de musique différents.

Rappelons-nous

La chronique mélodique Riot Grrrl est là pour vous remémorer. Ce n’est qu’un petit texte pour se souvenir de ce que ces femmes ont fait et font encore à ce jour. Je voudrais aussi souhaiter à toutes les femmes ou toutes autres personnes vivant des injustices, une journée de la femme digne de ce nom. Ça ne devrait pas être souligné seulement une journée par année. Nous devrions tous les jours nous rappeler que les femmes ont des droits et que certaines luttent pour leur vie simplement parce qu’un homme a décidé qu’elle ne valait rien. Ce n’est qu’un bref aperçu de toute l’histoire derrière ce mouvement révolutionnaire.

Clique sur le lien des textes sur la scène Riot Grrrl par Le Bad Crew si tu veux en lire un peu plus sur les groupes influents. Tu peux aussi cliquer pour mes deux autres Chroniques mélodiques : Chronique mélodique Anarcho-Punk et Chronique mélodique Punk Celtique.

Rédaction : Mélissa Magne

Correction : Val Girard

Révision: Marie-Eve Landry

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LR : Steph – Merci à vous de nous avoir donné cette opportunité. En fait, Jen joue de la basse dans Electric freaks et moi je chante dans Chevrotine. Mon chum joue dans les deux bands et comme on s’est construit une maison avec un studio de répet dedans, on jam souvent chez nous.

Avec Jen on s’entend vraiment bien. Elle arrivait souvent plus tôt pis on jasait. On s’est dit qu’on pourrait se partir de quoi toutes les deux et tant qu’à y être on pourrait être juste des filles. 

J’avais un drum qui traînait pis ça me tentait vraiment de m’essayer. Je l’ai donc gossé. On a pensé à Marylène pour jouer du clavier.  Au début on était les trois. Au premier jam ç’a vite viré de bord. Mary a emprunté une basse et Jen a pris la guitare. Marylène joue dans Grand Chef Bandit aussi pour plugger son autre band aussi héhé.

On a joué comme ça avant l’arrivée du covid à gosser sur Kéveun parce que je trouvais ça vraiment drôle de chanter « y graines des verres » sur le riff que nous avions. Andréa s’est rajoutée un peu après.

Pour lire l’article de la tête d’affiche du mois précédent, c’est ici.

BC : Pourquoi teniez-vous à avoir un band exclusivement féminin ?

LR : On voulait essayer entres filles pour faire différent de ce qu’on connaissait déjà. Le faire à notre manière. Ne pas se faire juger pis apprendre à se débrouiller nous-mêmes.

BC : Vous vous êtes rencontrées comment ?

LR : On a beaucoup d’amis.es et au moins un membre aussi dans chacun de nos autres groupes en communs.

Nos goûts musicaux qui sont, je dois dire vraiment diversifiés, se rejoignent au fond. Comme on est dans une petite ville Marylène est ma coiffeuse depuis un bout. Je l’ai référée à Jen. Ç’a cliqué.

Mary a toujours voulu avoir un band depuis ses années dans un marching band au secondaire.

Comme on n’avait pas abandonné l’idée d’avoir une claviériste, un soir, Andréa est venue souper chez nous. On se connait depuis longtemps pis son chum est drummer de Chevrotine…Tsé toute est dans toute. Bref, elle a joué du piano, pis ça m’a littéralement sciée.

Je l’ai gossée elle aussi (coudonc chu bin gosseuse hahaha) pendant vraiment longtemps. J’en ai parlé à Jenny. Elle s’est mise de la partie aussi quand elle la rencontrait dans des shows.

Pis, bin… on a fini par l’avoir à l’usure haha.

BC : Pouvez-vous nous parler des modèles féminins ou des autres artistes féminines qui vous ont inspirées en tant que groupe ?

LR : Steph– Dans mon cas, j’ai toujours côtoyé des musiciennes. J’ai toujours suivi la scène locale de près. Mon amoureux depuis 27 ans était dans les Vautours (pour ceux qui connaissent), c’est moi qui lui ai présenté Azure. Ce sont elles qui m’ont le plus donné le goût de faire de la musique.

J’avais tellement peur de me lancer. Le stress est encore un gros combat les soirs de show.

On en a beaucoup parlé hier et on dirait qu’on est pas mal influencées par la scène actuelle aussi. Les NOBRO et cie… Elles ont tellement l’air à avoir du fun.

Pour ce qui est des classiques, on te name drop une couple de femmes qu’on admire à l’international : Debby Harry, Siouxie, Cyndi Lauper, Rachel Nagy des Detroit Cobras, L7, Joan Jett. Pour ne nommer que celles-là.

BC : Vous êtes originaires du Saguenay. La scène semble bien vivante dans votre coin de pays. Comment voyez-vous la scène en ce moment, tant dans votre région qu’au Québec en général ?

Pour notre coin de pays la scène underground s’élargit pis on est un beau noyau de crinqués.es qui s’encourage le plus qu’ils peuvent. Mais, qui manquent de places pour jouer.

Il y a quatre bars, aucune place all ages… ça manque terriblement.

On dirait que c’est souvent les mêmes bands qui sont bookés même si ça ne fitte pas avec l’autre partie… Sinon bin faut payer pour jouer dans certains bars. Ça prend des moyens pour jouer de la musique pour le fun de nos jours. Pis ça prend des ressources qu’on a pas pour aller jouer ailleurs 😉

BC : Avez-vous remarqué des changements dans la perception des groupes de musique féminins au fil des ans ?

C’est certain qu’avec les réseaux sociaux etc.., les collectifs comme Les Insoumises,  les radios internet avec des émissions qui passent des groupes undergrounds émergents, les podcasts et les webzines comme le vôtre qu’on en est plus consciente.

BC : Croyez-vous qu’il y ait plus ou moins de place pour les bands féminins dans la scène ?

Ces derniers nous donnent une belle visibilité. C’est vraiment trippant. Est-ce qu’on leur offre la place qu’elles méritent ? C’est sûr qu’on veut être sélectionnées parce que les gens aiment ce qu’on fait pas, parce qu’on est un band de filles pis que c’est de la diversité qui est recherchée… si c’est ça le sens de la question 😊

BC : Comment voyez-vous l’évolution de votre groupe dans les années à venir ? Vos projets à venir ?

Pour l’instant on voit ça un jam à la fois. On essaye de dealer avec nos jobs, nos familles, les bris d’ordis pis notre amour de la musique pour éventuellement enregistrer nos autres compos qui sont prêtes. On veut surtout que ce soit le plaisir qu’on a à être ensemble qui prime. C’est ce qu’on veut garder. C’est notre priorité.

Pour les suivre sur Facebook – Pour les suivre sur Bandcamp

Rédaction : Claudia Bo

Correction : Josée Marcoux

Révision : Marie-Eve Landry

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Je les avais découverts autour de 2020 lorsque je faisais de la recherche de contenu pour le P’tit Moment Thrash. C’est de cette manière que j’avais été mettre mes oreilles sur leur premier album Crève ton cœur (2018). En 2022, j’avais été invitée à assurer l’animation du côté du Festival La Bardasse et j’avais produit une série d’entrevues avec les bands présents sur le line-up, dont Rox d’Enfants Sauvages. J’étais tellement stressée!

Rox Arcand est pour moi un modèle. Le portrait type de la femme engagée, assumée, passionnée, féministe. Le parfait exemple de la Riot Girl. Véritable icône de la scène punk depuis bon nombre d’années, co-propriétaire du disquaire le Knock Out à Québec et enseignante d’arts, j’étais très enthousiaste de pouvoir la voir avec son band lors de mon passage à La Bardasse. Cette prestation fût, sans contredit, l’une des plus marquantes que j’ai eu la chance de voir: Rox reprenant à sa manière un discours légendaire de Diane Dufresne.

Mais la raison première de ce papier n’est pas de vous dresser la biographie de Rox. Car dans son band, les Enfants Sauvages, se regroupent cinq talentueux musiciens aussi excellents les uns que les autres. Mais débutons avec Rox. Vétérane de la scène de la vieille ville de Québec depuis plus de 20 ans, Rox (maman punk) a été drummeuse dans le défunt band Molly’s Decline, ainsi que dans Machinegun Suzie. Sa voix unique, qui rappelle un croisement entre Exene Cervenka (Band X), Patti Smith et Poly Styrene (X-Ray Spex), mais empreinte d’une émotion indescriptible, accaparante et dérangeante. Lorsqu’elle nous gueule ses textes, on peut ressentir une partie de ses tripes, de son vécu et de sa sagesse. Harmonieuse, fluide et enivrante, c’est ainsi que j’entends les notes de sa voix transpercer les arrangements pour devenir à elle seule, un instrument.

Vint ensuite Steve. Je dois l’avouer, c’est un peu mon crush dans le band. Ex-guitariste de Xavier Caféine, de Burger Boys et bassiste pour The Hacked (un de mes bands chouchous de la relève), vous pouvez aussi voir Steve performer à titre de DJ au Scanner Bistro.

Deux basses s’entremêlent au cœur des Enfants Sauvages, celle de Justine Beaulieu et de Max Be Te. On peut entendre Justine collaborer dans plusieurs autres projets, notamment accompagnée de sa guitare sèche, alors que l’on peut entendre Max performer dans le band The Death Wheelers. Enfin, au drum, c’est Charles-Antoine (Garant) qui assure le rythme. Étudiant en musicologie et artiste solo, Charles est un musicien accompli dont le nom se fera entendre de plus en plus au cours des prochaines années, j’en suis persuadée.

Maintenant que les présentations sont faites, revenons au but initial de cet article, soit la critique de l’album Arythmie. Arythmie est le deuxième album studio du groupe. Un album de dix-huit tracks plus hallucinantes les unes que les autres. J’ai l’habitude de faire une review de chacune des pièces, mais cette fois-ci, c’est pratiquement impossible vu la durée relativement courte de chacun des morceaux. Ce que je peux te dire par contre, c’est que ça garoche sur un esti de temps. Des intros distorsionnées, du drum rapide et saccadé. On dirait que le band s’était fait presser d’enregistrer, comme si la fin du monde venait cogner à leur porte.

C’est rapide, harmonieusement névrotique avec un son parfaitement déstabilisant. Arythmie est un savoureux mélange de rock’n’roll et de garage punk sur des riffs rappelant les bands anarcho-oldschool des années 80’. On y entend, tout au long de l’enregistrement, une comptine qui apporte un sentiment mêlant l’angoisse, le lugubre et la nostalgie. Aussi, c’est intéressant d’entendre Rox commenter la prise des tracks tout au long de la captation. Il faut dire que cet album a été enregistré dans un one-shot-deal, en une journée. Du génie, tout simplement, qui apporte une touche intéressante et particulière. Et même si tout l’album surpasse la perfection, je dois bien l’admettre, ma pièce préférée est Vodka Vendredi. Chose certaine, j’ajoute cet album à ma liste des meilleures sorties de 2023 et il sera difficile à déclasser.

Je te laisse les liens des différentes plateformes pour les suivre, ainsi que les prochaines dates de shows un peu partout en province.

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Bandcamp

19 mai à Montréal (TraXide) – lancement d’album

21 mai à Montréal (Pouzza fest)

26 mai à Québec (Pantoum) – lancement d’album

3 juin à Rimouski (L’Underground)

22 juillet à Baie-St-Paul (Le Festif)

29 septembre à Québec (L’Anti-Bar et Spectacles)

Collaboratrice: Claudia Beaudoin

Correctrice: Mélissa Noël

Révision: Marie-Eve Landry

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Un mois avant la date officielle j’ai commencé à voir des articles en lien avec cet événement et l’affiche m’a tout de suite interpellé : un fort contraste de noir et blanc sur lequel on peut voir des membres d’un groupe marchant dans une ruelle avec le line up d’inscrit sur le coté droit. Les artistes ayant participés à la création de cette affiche sont d’autant incroyables @lisaczech et @pewpewkid. J’avais déjà entendu parlé des groupes, mais jamais que je les avais vu en live, alors c’était ma chance!

Tracas c’est qui? C’est Kate au chant, Pesca à la batterie (plus voix), Pete à la basse (plus voix) et on compte deux guitaristes et choristes, Alex et Germ. Groupe punk francophone avec des paroles et des rimes très accrocheurs, une chose que j’ai vraiment aimé et qui m’a surpris du groupe, c’est que sur scène, chacun des membres ont la parole ce qui, selon moi, fait en sorte qu’ils s’unissent encore plus. C’est en 2018 que le groupe c’est formé avec Pete et Marie aux vocaux, mais malgré la perte de Marie et toutes les péripéties qu’ils ont vécu, Tracas sortent leur premier EP  »L’autre bord » en 2020. Deux ans de pandémie leur a permis de travailler sur un deuxième EP qui va s’enregistrer en février ou mars avec Kate, le premier depuis son arrivée dans le groupe. Si l’envie vous pogne d’aller les découvrir, ce que je vous conseille fortement, leur prochain concert se fera au Verre Bouteille à Montréal le 11 mars.

https://tracas.bandcamp.com/album/lautre-bord

https://www.instagram.com/tracas.mtl/

En second lieu, il y a eu Sweetmess, nous rappelant clairement les années 90′ avec leurs mélodies et riffs qui nous rendent tous nostalgiques! Nouvelle formation qui a vu le jour ici à Montréal en 2019 par Fabie, également en pleine pandémie, fun fact de la part d’un des membres << We have played only six shows so far and have had to cancel 4 du to covid>>, triste réalité! Très belle prestation de la part des membres qui sont; Fabie comme chanteuse, Chris Riopel à la guitare (aussi ancien membre de Harriers et Kennedy), Alexandre au drum et Guillaume Nadeau à la basse. En mars 2022, ils nous sortent leur premier EP  »Keeping us apart » avec des airs de The Breeders et The Cardigans, ce groupe va te faire faire un petit retour en arrière assurément. Quelques date à ne pas manquer le 24 mars à St-Jean-sur-Richelieu avec Oktoplut ainsi que le 28 avril à Sherbrooke.

https://sweetmessband.bandcamp.com/album/keeping-us-apart

https://www.instagram.com/sweetmessband/

En troisième, Boar God a pris place sur scène. Originaire de Montréal et inspiré du genre  »cold wave » des années 70′ et 80′, on peut sentir la froideur dans leurs sons, parfois un peu plus rapide qui rappel aussi le  »post punk » touchant également différents styles. Très belle découverte qui, depuis une semaine joue en boucle dans mon casque d’écoute. Depuis leur premier EP sorti en 2018, on peut compter trois autres albums, dont  »Forma » qui a particulièrement attiré mon attention avec un style plus  »Shoegaze ». Le groupe a été forme par Éric en 2016 grâce à des petites annonces sur Kijiji, on peut retrouver Sabrina à la basse, Julian à la batterie et Éric à la guitare et au chant. En ce moment, les membres se concentrent sur l’écriture de nouvelles chansons, de recommencer à produire des spectacles et éventuellement planifier une tournée. C’est en repoussant les limites du genre que Boar God se frayera une place sur la scène underground de la ville.

https://boargod.bandcamp.com/album/forma

https://www.instagram.com/boargodband/

Tout nouveau, tout frais! Whoredrobe, groupe Montréalais qui a vu le jour l’an dernier et déjà, on sent un avenir prometteur pour eux, leur dynamique et la synergie qu’elles ont entre elles était parfaite! Utilisant des influences punk, métal et riot, les trois combinés ensemble font d’eux un groupe à ne pas passer à coté. On retrouve Tara à la guitare, Julia à la basse, Toosh au chant et Magali au drum, leur premier single  »Get in my van » frappe très fort. Plusieurs concerts déjà produits à travers la ville et même à l’extérieur en jouant aux cotés de différents groupe punk locaux, les membres s’inspirent de The Distillers, Bowie, Peter Gabriel, Genesis et pour Julia, son cousin Brennan jouant de la guitare pour Hips of Lilith lui est source d’inspiration. Soyez à l’affût de leurs prochaines date si vous ne voulez pas les manquer.

https://www.instagram.com/whoredrobeband/

En dernière partie, Chârogne a fait son apparition en commençant en force avec leur intro  »À vendre ». S’inspirant du mouvement  »Riot grrrl » des années 90′, Chârogne ont commencé à tout casser et c’était excellent! Leurs prestance m’a tout de suite captivé, par leurs paroles, leurs gestes et leurs vêtements sur scène était incroyable. En gros, le groupe s’est fondé en 2014 avec Catherine, la chanteuse principale, puis le reste des membres sont arrivés en 2019 à l’exception de Sara au drum qui a rejoint le groupe en 2018. Nous avons aussi Nas à la guitare ainsi que Jonathan Franken à la basse. Les influences du groupe sont d’autant plus intéressantes, la grosseur du drum est très marquante par ces 7 rototoms qui rappel celui de Rush, la façon dont le tout est amené peut aussi nous rappeler des airs de Les Rita Mitsouko (un groupe français très populaire dans les années 80′) ainsi que Jean Leloup, comme si Catherine nous racontait une histoire. Un groupe qui sait définitivement mettre leurs pieds à terre sur un sujet qui, encore aujourd’hui mérite de se battre! Prochaine date à ne pas manquer, le 23 mai où aura lieu leur lancement d’album aux Foufounes Électriques ainsi que par la suite une tournée provinciale.

https://charogne.bandcamp.com/album/mange-moi-album

https://www.instagram.com/charogne_band/

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Dizz Hupé To begin, I would like to thank you for accepting this interview for the webzine Le Bad Crew. I will let you introduce your band name and what you do in the band.

Sarah– Thanks for interviewing us! It was great to meet you at the show. We’re Wet for Days. I’m singer and guitarist. Steph plays bass, Deirdre plays drums and we all do vocals. We started jamming just before covid hit so its been almost two years since we got to play our first show at House of Targ on August 31. We couldn’t wait to get on stage!

Dizz–Have you played in other punkrock bands before? If, so which bands have you played before?

Sarah: Deirdre and I used to play together in another all-girl punk band from Ottawa called RawRawRiot. We were active from 2011-2015. I’ve been in a handful of bands before, One Night Fux and GOAT!. When I had my son Nikola in 2018, I took a break from performing. But the itch came back quick! I wanted to start another all-girl band and Deirdre was the first person I asked to start it with me.  Steph recently played in Neonera, an Ottawa metal band, and also plays in a neighbourhood cover band called Never 2 Late

Deirdre– My first punk rock band was Knives and Forks For Freedom (KAFFF) roughly 15 years ago. There was a brief time where I was playing in both KAFFF and RawRawRiot. I am also currently playing with Cúlturåł Treåsøn for 6 years.

Dizz– I read that you all have children. How do you combine your time between being a mother, working and being part of a band (practice,shows)??

Sarah: Its definitely a juggle but you do it because you’re passionate about it. Music is in your soul and it never leaves. I practice at home with my son as much as I can and he’s growing up to love music so much, so it’s a benefit to him. It’s amazing to see his love grow for it. He’s born with rhythm coursing through his veins. He’s super into the drums and singing. I’ll shred on the guitar and he’ll run around the room screaming in a mic. It’s great.

Steph: Honestly I didn’t play much at all when my kids were young, they take so much energy! I’m lucky they are of an age now (8, 12 & 14) where it’s much easier for me to do my own thing. I’m so amazed by what Deirdre and Sarah have been able to achieve with this band as their kids are much younger. As Sarah mentioned, when you’re passionate about music, you push through the tired and busy schedules to make the time to practice and it’s always worth it.

Deirdre: Playing percussion keeps me sane. I was performing at shows when my son was 3 months old, making time for myself to play and perform makes me a better mom. I’m happy to have my kids growing up hearing ‘Moms going to play music tonight’.

Sarah: Deirdre is a rockstar mama, juggling two kids and two bands. Her daughter is still a baby! One reason why I wanted to start a band with other moms is so that we can all understand the difficulties in balancing personal time/work and just the realities itself in being a mother. Identity crisis and all that. I know I experienced it when I first had a child and had to put music on the backburner. We all get it and are there for each other. We understand that there are moments when family life comes first, so there’s no resentment. We try to create a pressure free zone to create.

Dizz–when you created Wet For Days, did you have a primary goal with this band? Where does the name come from and what are the topics covered in your song lyrics?

Sarah: I think the main goal was to join a band with other females and moms as I mentioned and being able to understand similar struggles we face. It’s such a different dynamic when you’re with women. We want to create music that’s empowering and passionate. And also just want to have fun while doing it! Also, having a name like Wet for Days help to normalize otherwise taboo topics. We want to create safe spaces for everyone to express themselves, desires and all.

Steph: Agreed, it’s new for me to play in a band entirely of women and the dynamic is definitely different but in a positive and energizing way! We all have similar goals and values which come through in our writing, making change, bringing light to issues that are sometimes brushed under the rug, making people feel less alone.

Deirdre: We are a group of sexy moms and hard-working musicians. We are embodying and owning it. Sarah came up with the name, we thought it would be fun and be a hot topic of conversation.

Dizz–Honestly, I had never heard of your band before seeing the flyer for the rAdolescent show which took place on August 31st at House of Targ. After some research, I found that this was your first show. How did you like the experience of a first show as a new band but in addition to opening for rAdolescent?

Sarah: We had literally just announced ourselves in the scene this past summer, so no one knew we existed until then. It felt so good being back on stage! It had been 3 or 4 years since I had last played a show so my adrenaline was super high! Plus, opening for a band that was so influential in the punk scene- it was just an honour to be asked. I was nervous as hell too, not only for those reasons, but Wet. For Days is the first band where I’m leading it- singing and playing guitar. Nerve wracking as hell! I swear I almost passed out on stage.

Deirdre– I adored the fact that the singer of the rAdolescents was on stage with our band shirt on. That kind support for a first show is memorable and I deeply appreciated it. 

Steph: Incredibly honored to open for them as our first show. It gave us that push to really solidify our songs and be confident with our set.

Dizz–People who want to discover you can find you on bandcamp but there are only 2 songs from a jam recording. Will something be recorded soon? An album or a EP ?

Sarah– Our goal is to record a full-length album over winter to be released soon. Gotta sell some merch and make money to make that happen. In the meantime, we plan to do some demos from our jam space.

Dizz– After recording this album, what are your plans? Local shows (Ottawa) or do you think it is possible to go on tour for 1 or 2 weeks to play in a few cities in Quebec and Ontario??

Sarah– Going on tour would be amazing. I’d love that! But it’s hard to coordinate currently with our children/ school schedules/ work, etc. Deirdre’s baby is still so young, and I have shared custody of my son. I’m sure we could manage it but it’ll take some time before we do a whole week. It would be great to do a weekend tour in the new year. Maybe Ottawa, Cornwall (where I lived for 10 years), and Montreal.

Deirdre– We have a few shows booked in Ottawa before the new year and would love to tour in the future!

Dizz– For the final words, I leave it to you. What Wet For Days would like to say?

Wet For Days– Thanks again and we look forward to playing at a venue near you in the future!

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Pour continuer la réflexion :

https://www.lapresse.ca/arts/musique/entrevues/201508/17/01-4893206-femmes-de-rock.php

Crédit photo: https://www.facebook.com/nobrocity

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