Qui est Smash Hit Combo ?

SHC est un groupe originaire d’Alsace, en France, et fait partie de la maison de disques québécoise Slam Disques. Leur collaboration dure depuis plus de 10 ans et a donné naissance à six albums. Le groupe offre un savant mélange entre du hip-hop rythmé, du rap et du death métal lourd avec des riffs enivrants. Les plus fins pourront aussi comprendre des références geeks dans les textes à travers les cris et les mélodies. Pour ma part, les arrangements et la variété qu’offre chaque pièce du groupe sont ce qui m’a donné envie de les écouter et réécouter.

La tournée québécoise qui s’amorçait le 17 septembre est suite à la sortie de l’album Deus Ex, paru en mai 2026. Cela faisait neuf ans que Smash Hit Combo n’était pas venu voir le public québécois et ce n’était pas trop tôt ! Jessy Fuchs, qui est à la tête du label Slam Disques, tenait à orchestrer la tournée lui-même, puisque ce groupe lui tient particulièrement à cœur.

De retour au show de Sherbrooke

Je suis arrivée à la salle quelques minutes avant le début. Worst Club a commencé à l’heure, soit à 19 h 30 tapant.

Worst Club est un ajout récent au roster de Hell For Breakfast, un son punk alternatif avec des passes lourdes qui donnent envie de faire du headbanging. L’énergie du groupe a donné une belle entrée en matière. Leur carrière n’en est qu’à ses débuts, mais vous allez entendre parler d’eux dans les prochaines années.

Ensuite vient le groupe Nova Spei, formé en 2017, avec un son métal puissant. Le groupe a connu des changements dans sa formation et la nouvelle chanteuse, Emanuelle Desbiens-Dubois, a offert une performance hallucinante. Leur show était organique et on sentait que la fin de leur performance est arrivée trop vite pour plusieurs.

Place à la pièce de résistance !

L’heure est enfin venue de voir la performance de Smash Hit Combo. La rumeur disait que leur show était digne des plus grands, donc mes attentes étaient élevées et, spoiler, je n’ai pas été déçue.

Leur set a commencé avec la chanson Tyler, qui est la première piste de leur nouvel album. Les premières paroles sont littéralement « Bang ! Bang ! Bang ! », ce qui était un simple avertissement pour ce que le reste de la performance allait nous offrir.

Mise en scène hypnotisante grâce aux écrans qui diffusent des jeux vidéo, des mangas, des films et même des avertissements sur la transhumanité. Tous les membres du groupe ont une énergie débordante. Les deux chanteurs sont actifs sur scène et Paul fait même des tours dans la foule pour chanter en tête à tête avec les fans.

Paul est habité par les textes et les interprète avec passion. Autant on peut y entendre des références aux mangas, animés ou aux jeux vidéo, autant leurs chansons dénoncent la montée technologique, notre dépendance à celle-ci et bien sûr l’avancement de l’IA. Des sujets qui seront de plus en plus d’actualité, n’est-ce pas Anthropic ?

Chaque chanson passait trop vite et le public en redemandait. Quand leur set a terminé, le groupe était comblé par l’amour et les applaudissements de la foule. En espérant que cela les motive à revenir nous voir avant neuf ans la prochaine fois.

La tournée de SHC se poursuit jusqu’au 28 septembre et c’est sûr que le groupe passe pas loin de chez toi. Je te recommande fortement d’aller vivre l’expérience. Je suis repartie avec ma merch et la chanson Paranoid en boucle entre mes deux oreilles.

Rédaction : Camille Charlebois

Correction : Jess Peach

Révision : Val Girard

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Une courte marche dans la ville nous mène à La Nuit des Temps, où plusieurs punks discutent sur le trottoir. Il est presque 21 h 00, l’entame du show ne devrait tarder.

Je croise Dizz (Pils Records) qui se trouve un peu loin de chez eux, tout en étant le bienvenu ici comme chez lui. On tape un peu la jasette avant que je finisse ma “run” des salutations avant de rentrer.

The Defamed, en duo ?

Étonnamment, The Defamed se présente en duo, ce qui n’empêche pas Sara Bells de donner le meilleur du best, accompagnée de Sarcastic Will à la guitare. Les deux comparses occupent à merveille le siège vacant de la soirée, harmonisant les tours de chant et les accords rythmés. Ce « remplissage » marche tellement bien qu’un spectateur ne les ayant jamais vus jouer pourrait s’y méprendre.

L’assistance se réchauffe rapidement au fil du set. Les pas de danse, les chants et les cris se font de plus en plus constants, et l’ambiance est électrique. Les titres de leur album The Secret of the Booze résonnent dans le petit cabaret, malgré le micro tombant et fort récalcitrant de Sara. Heureusement, les membres des autres bands veillent au grain et trouvent une solution sans qu’une note ne soit perdue.

Cette première prestation s’achève sur un mercure montant et plein de faces souriantes. La table de cet anniversaire est définitivement dressée. Enfin, The Defamed se produit le 9 octobre à l’Hémisphère Gauche et le 5 novembre aux Foufs. Soyez-y.

Punk Nation Production, c’est ta fête !

Juste avant Défaillance, Rondeau, de Punk Nation Production, monte sur scène le temps d’un speech. Outre les habituels remerciements aux commanditaires, Richard souligne le parcours de Punk Nation Production : « j’aurais jamais pensé me rendre jusque là ». Évidemment, ces dix années n’auraient pas été possibles sans l’apport d’un paquet de partenaires et du public : vous, moi, les labels, les fans. D’ailleurs, la salle lui lève son verre, souhaitant – au minimum – dix autres années de plus. 

Dans la foulée, il annonce la venue de Dayglo Abortions, le 2 novembre prochain. Manquez pas ça. Pour (re)voir l’entrevue sur Punk Nation Production à Radio-Can, c’est ici.

Le cadeau de Défaillance

Défaillance commence sa performance brutalement, et les notes connues de Doomsday Clock me rentrent immédiatement dedans. C’est de bon augure, juste à voir comment Gagnon (voix) et ses gars sont en shape. Peu après, il lance : « Ce que vous entendez ce soir, c’est presque l’intégralité de notre nouvel, un tout nouveau set ». Génial !

Comme toujours, Défaillance se livre de façon constante et énergique, en maîtrise quasi parfaite de son Art. Une fois de plus, le groupe propose une musique de qualité, à l’image de sa large discographie. Il s’agit d’un beau cadeau d’anniversaire pour Punk Nation Production, et par ricochet, pour nous tous. 

Puis, Défaillance annonce Bloodshot Riot, la première chanson du groupe en anglais. Avant de l’entonner, Gagnon précise qu’elle apparaît sur la compilation pour le 5^e anniversaire de Pils Records, disponible le 11 octobre prochain. Heureusement, Dizz en a apporté quelques copies, en exclusivité. Décidément, les surprises fusent ce soir de fête, où le public est plus que gâté.

Balm Squad et les confettis 

Les six musiciens de Balm Squad occupent la minuscule scène, et portent avec eux cette énergie particulière qui les caractérise. Dès la première chanson, les hourras fusent, le public est désormais réchauffé à fond. Le bruit du cuivre charme mes tympans et ajoute chaleur et intensité à chaque pièce. 

Durant le show, des canons remplis de serpentins et de confettis explosent, et ça ajoute à l’atmosphère déjà très festive qui vit ici. Balm Squad livre d’excellents titres dont Point of no Return et Dark Times avec un dynamisme sans cesse renouvelé. Toutes les galipettes et acrobaties imaginables, et bien plus encore se produisent durant leur prestation. Le crowd ne peut qu’embarquer, gigoter et faire du bruit. C’était à la fois magique et amusant, mais comme on dit : « fallait être là ».

À la découverte de High Society

Je ne connais pas grand-chose de High Society lorsqu’ils prennent le stage d’assaut, sinon qu’ils sont tout droit sortis d’Allemagne.  Ce que j’en découvre toutefois, ne me laisse pas sans voix, mais redouble l’éclat de mes cris. Professionnels jusqu’au bout des studs, ils viennent faire bouger le crowd en mode euro-style avec leur streetpunk rapide, parfaitement exécuté. Ils ont un charisme fou.

D’ailleurs, la foule qui était attentive jusque-là, est littéralement subjuguée par les tonalités et la force d’attraction de High Society. De fait, le trash devient hyperactif, porté par les notes électriques du band. Tout le long, cette formation à la voix vive échange avec le public, présente ses chansons, et va jusqu’à proposer un deal de feu à toute l’assistance : Leurs t-shirts se vendent désormais dix piasses. C’est un excellent moyen de ramener moins de poids dans l’avion. 

J’ai particulièrement accroché sur Ignorance, issue de l’album du même nom.

Komptoir Chaos débarque en ville

En plus d’être une soirée de fête, c’est aussi pour moi l’occasion de découvrir un autre groupe, Komptoir Chaos. Malgré son nom, la prestation de ce band français formé en 2005 est tout sauf chaotique : les instruments semblent en effet n’être qu’un prolongement de leur personne. Il est cependant malheureux de constater que l’assistance s’est amincie de plusieurs personnes.

Les irréductibles dansent parmi les confettis imprégnés de bière, profitant de l’espace ainsi gagné. Pour ma part, je savoure la musique assise, attentive aux paroles de Komptoir Chaos. Les boys du groupe donnent tout jusqu’à la fin, avec des titres tels que Attendre, Toujours là et Loup Solitaire. Avant le départ, je me procure leur album 4 the Eagles of the Road, que je savourerai après une bonne nuit de sommeil. 

Avant de laisser Patrice prendre le relais de la deuxième soirée, je tiens à dire que cette première soirée d’anniversaire était des plus réussies. Merci à Punk Nation Production pour la belle organisation. Bon dixième anniversaire !

Lire aussi :
Le Pils Sessions – Le trip d’une vie – Interview with Balm Squad – Tête d’affiche, juillet 2026 – The Defamed

Rédaction : Julie Fortin

Photographie : Jerry-Cherry

Correction et révision : Jess Peach

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Programmation variée, échelonnée sur deux jours chaotiques. Hier, le vendredi 28 août, c’était l’amorce de ce beau trip avec Défaillance, The Defamed, Balm Squad, High Society et Komptoir Chaos. Je vous invite à lire l’article de Julie sur sa couverture. Pour ce samedi, résolution à adopter : une grosse de moins qu’hier. Cinq moins un égalent quatre. Disons que j’ai ressuscité tard dans la journée, juste à temps en fait.

Punk Nation Production

Punk Nation Production s’efforce depuis dix ans à organiser, planifier soigneusement des shows, majoritairement dans ma région du Saguenay. Son gestionnaire, Richard Rondeau y réside aussi. Il réussit à nous attirer de gros noms et ne manque pas une occasion de leur faire déguster notre célèbre tourtière.

Merci mon ami ! C’est tellement apprécié. Ce n’est pas toujours facile, mais lâche-nous pas. La scène a besoin de toi et de tous ces producteurs acharnés, nous satisfaisant, nous les fans amoureux de musique. De plus, la liste de groupes est internationale, nous sommes choyés.

Nuit Des Temps

L’antre nocturne choisi est la Nuit Des Temps. Bar/salle de concert situé sur la main de Chicout’, rue Racine. Je m’y tiens régulièrement pour admirer les artistes reçus qui frappent juste dans mes goûts musicaux. Nous y ressentons une intimité palpable générée par une proximité avec le public, une certaine connexion.

Justement, mon accompagnateur et conducteur désigné met les pieds dans cet établissement pour sa première fois. Blasphèmes et injures résonneront bientôt entre ses murs pour s’élever dans les hauteurs de sa mezzanine. Je jase tout bonnement des cinq bands qui joueront ce soir et, soudainement, le batteur de Ripcordz surgit pour se joindre à notre conversation. Une chance que je n’ai pas parlé en mal d’eux, mais impossible que ça arrive pour cette figure emblématique du punk montréalais.

Vermine Kaos

Vermine Kaos, groupe anarcho-punk du saguenéen de souche. Ce n’est pas une grande surprise de les retrouver sur le lineup, étant donné que le guitariste est l’organisateur en chef de Punk Nation Production. Ils sont dorénavant un trio après avoir traversé une période tumultueuse. Au final, ses deux membres fondateurs Richard et TJ se sont trouvés un nouveau drummer. « On vous présente Michel. »

Je me rends rapidement compte qu’il assure. Technique à fond, il est. Aucun temps mort, même nous dans la foule, nous ne relaxons pas. Défi physique en cours, à relever. Richard prend la parole « Chus fatigué, brûlé. Les français, ça boit en esti! » en faisant allusion à sa nuit avec Komptoir Chaos.

Double bass drum martelés à vitesse fulgurante, tel un sprinter olympique en pleine course. Il apporte, ajoute sa lourdeur à leur son qui en est redéfini positivement. « Pis? Trouvez-vous qui fait la job? »

Artificial Dissemination

J’ai fait mes recherches pré-shows et les prochains à s’exprimer, je suis impatient de les apercevoir performer live. Je vous présente Artificial Dissemination d’Hamilton en Ontario, un duo homme et femme qui forment un couple. Le batteur/chanteur commence le tout en se mettant à son aise en nous présentant ses boxers jaunes flash.

Ça déménage pas à peu près. Toutes les gueules présentes à l’écoute sont accotées au plancher de la Nuit des Temps. Je n’en reviens pas de ce que je vis et je ne suis pas le seul, c’est unanime comme constat. Le vocal alterne du masculin au féminin pour revenir du féminin au masculin, ce qui apporte une dynamique accrocheuse.

Juste une guitare et une batterie, simpliste dans leur complexité musicale et l’énergie qui en circule. Ils sont enjoués et délivrent avec sourire fendu. « Big beer and I love it. » Wow!

Skull N Bone

SkullNBone débarque de la métropole, mené par leur chanteur Chany. Actif de 1999 à 2011 avec Inepsy en tant que chanteur/guitariste, accompagné de Sam Verville le batteur, qui l’a suivi d’un band à l’autre. Je n’ai pas eu le privilège d’assister à l’une de leurs performances à l’époque.

SkullNBone existe depuis 2008 imposant son style punk brut aux accents rock ‘n’ roll. Inspiration directe des bands UK82.

Micro rapidement extirpé de l’emprise de son pied. On ne le sentait pas à l’aise, pris au piège et maintenant l’animal est libéré de sa cage. Le chanteur trapu n’en a rien à foutre du stage ; il est optionnel.

Aussi savoureux que lors de l’écoute de leur vinyle, voire plus, évidemment. Il y a un ingrédient punk rock que j’aime bien dans ce mélange organique. Pimentez ce cocktail explosif d’une voix rauque que l’on adore tant et vous obtenez une musique qui vous tord la colonne vertébrale.

Mau Maus

Oh ! Inversion de l’ordre de passage des groupes, car ce n’est pas Ripcordz qui s’installe. Mau Maus s’en vient ! Le gros nom INTERNATIONAL attendu, en provenance du U.K. de Sheffield. Ils font la promotion de leur nouvel album The Battle Scars Of Human Debris, récemment paru en juin 2026.

Les gars sont crinqués et startent leur mascarade pour maintenir l’ambiance effrénée festive qui plane sur place. Leur genre est très expéditif avec une livraison de chansons d’une durée d’une minute. La portée est sur le speed.

Le party est pogné ! Participation impromptue du singer de SkullNBone. Il nous est demandé par les membres de Mau Maus de tous monter avec eux sur la scène. Photo de gang en scandant, à l’unisson, « Fuck Trump! »

Ripcordz

Le quatrième et dernier à s’exercer est Ripcordz de Montréal et connu internationalement. Heureux de les revoir. Multitude d’albums salués dans leur bagage musical.

J’ai visité leur table de merch toujours administrée par le charismatique Paul Gott, tellement sympathique. En fait, c’est lui l’entité Ripcordz, son âme. Procuration du nouveau vinyle Are You Feeling Lucky, Punk?, collection de titres parus sur compilations, mais jamais sur leurs albums. Casquette renouvelée après une épopée à Walt Disney menant à sa perte.

Ces punks excellent dans le punk hardcore. Le vétéran s’entoure d’un vent de jeunesse, insufflé par deux jeunes dont il pourrait être facilement leur père. Bassiste à la chevelure rose maquillé, barbouillé à la Joker, décoré de nombreux tattoos et l’équivalent en piercings.

« La prochaine est la meilleure composition punk jamais écrite. Je sais que c’est vrai, parce que je l’ai écrite. » Le batteur s’en donne à cœur joie, sourire de possédé accroché dans face. Il réalise un rêve de jouer dans Ripcordz, Ripcordz désormais c’est lui. Le mec assure tournoyant ses baguettes et frappant violemment ses peaux.

« Time for 1 or 2 more? » Le soundman s’empresse de s’écrier de toutes ses forces « one, one, one! » Directives moches de devoir closer à minuit maximum. Le setlist des deux dernières formations en a souffert.

Tu vieillis donc bien vite

Bonne fête, joyeux anniversaire et bravo à Punk Nation Production ! Mon coup de cœur et celui de pas mal tout le monde va à la formation Artificial Dissemination. Emmène-nous en encore des groupes punk, on est capable d’en prendre.

Après le calme émanant du mois d’août, la tempête est belle et bien levée. Un mois de septembre excessivement achalandé m’attend avec Subhumans, Bad Waitress, Sex Pistols, Guhn Twei, Abitabyss, Skwar…

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Jerry Cherry

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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Le groupe Sincere Engineer était de passage à Montréal dans le cadre de The Probable Claws Tour. Ça faisait sept ans que le groupe de Chicago n’était pas venu au Québec. Leur dernière visite remontait au Pouzza Fest en 2019, pour les chanceux qui y étaient. Pour l’occasion, Stay Inside et SMUG LLC assuraient les premières parties.

À notre arrivée au Bar Le Ritz PDB, il y avait encore assez peu de monde et aucune musique ne jouait, ce qui donnait une drôle d’ambiance à la salle. Nous sommes d’abord allés faire un tour à la table de marchandise, où nous avons eu la chance de rencontrer Deanna, la frontwoman du groupe. En plus de faire quelques achats, nous avons pu discuter un peu avec elle et lui faire signer l’affiche du spectacle que nous venions tout juste de nous procurer.

Nous avons ensuite appris que Stay Inside, la formation de Brooklyn, avait dû annuler sa présence pour les spectacles de Montréal et de Toronto en raison d’une maladie. C’est toujours dommage d’apprendre ce genre de nouvelles, mais, en même temps, ça permettra au vieux punk que je suis de ne pas rentrer trop tard.

Smug LLC

La soirée commence avec SMUG LLC. Le projet a été fondé il y a plus ou moins un an par Drew Thomson, de Single Mothers et The Drew Thomson Foundation. Je connais bien Single Mothers, mais je ne connaissais absolument pas SMUG LLC.

Drew arrive seul sur scène. Devant lui, un laptop et un projecteur, et c’est à peu près tout. Avec SMUG LLC, il adopte une approche beaucoup plus personnelle. Comme il nous l’a expliqué pendant le spectacle, le concept est plutôt particulier et il en est bien conscient. Le principe est simple : Drew part une piste sur son laptop tandis qu’il assume le vocal. Les chansons sont accompagnées de vidéos avec les paroles, ce qui donne parfois l’impression d’assister à un énorme karaoké.

C’est définitivement différent de ce qu’on a l’habitude de voir en spectacle, mais j’ai trouvé ça vraiment intéressant. SMUG LLC est un projet plus personnel et engagé qui permet à Drew de s’exprimer comme il le désire, sans avoir de comptes à rendre à personne. J’ai particulièrement aimé l’esthétique qui accompagnait la performance. Les vidéos ajoutaient beaucoup à l’expérience et permettaient de mieux saisir le message derrière les chansons.

Nous avons notamment eu droit à une séquence de Moonstruck, sorti en 1987. Je connaissais le film, mais je ne l’avais jamais vu. Disons que cette performance m’a maintenant donné envie de le regarder.

Sincere Engineer

Les membres du groupe sont arrivés sur scène au son du thème de la série Star Trek : The Next Generation. Aux dernières notes de la pièce, ils ont lancé leur performance avec Twist My Tongue, le premier extrait de leur plus récent album, paru en juin dernier. Le groupe débordait d’énergie. Ils étaient clairement là pour avoir du fun, et c’était contagieux. Le Ritz était maintenant bien rempli en ce dimanche soir, au grand plaisir du groupe.

L’ambiance a monté d’un cran avec Fireplace. Un petit thrash s’est rapidement formé devant la scène et la foule s’est époumonée pour accompagner Deanna au chant. Le groupe a ensuite enchaîné avec Corn Dog Sonnet No. 7, rebaptisée pour l’occasion Pogo Sonnet No. 7. La chanson provient de leur tout premier album, Rhombithian, paru en 2017.

La majorité de la soirée était consacrée aux chansons de leurs plus récents albums, Cheap Grills et Probable Claws. Nous avons tout de même eu droit à deux chansons de Rhombithian, ainsi qu’à Trust Me, tirée de Bless My Psyche, paru en 2021.

Lors de ses interactions avec la foule, Deanna s’est excusée d’avoir pris aussi longtemps avant de revenir nous voir à Montréal. Plusieurs personnes lui ont alors suggéré de revenir dans le cadre du prochain Pouzza Fest. Si jamais quelqu’un du festival lit ceci, je pense que vous feriez bien des heureux en les invitant pour le 15^e anniversaire du festival.

Entre les chansons, les membres du groupe ont aussi mentionné leur envie de rester au Canada, considérant la situation actuelle aux États-Unis. La foule en a également profité pour leur apprendre à « sacrer » correctement. Un classique, mais c’était plutôt amusant. Après avoir terminé leur performance avec Trust Me, le groupe a quitté la scène au son de Believe de Cher. Pour notre part, nous avons donc pu rentrer tôt après une sacrée belle soirée.

Sincere Engineer est définitivement un groupe à voir en spectacle. Je suis fan de ce qu’ils font depuis leur tout début, mais leur musique prend une tout autre dimension sur scène. On se croise donc les doigts pour les revoir rapidement, comme promis.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Val Girard

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Douze ans s’étaient écoulés depuis sa dernière édition montréalaise, en 2014. Pour l’occasion, le parc Jean-Drapeau avait sorti son plus beau outfit afin d’accueillir notre belle communauté punk, skate punk, pop punk, emo, ska, hardcore et metalcore.

J’aimerais vous faire ça bref… mais je ne pourrais même pas. Cinq scènes, des écrans géants, une rampe de skate, 21 stations d’eau, de la bouffe et surtout une ambiance digne d’un gigantesque rassemblement d’anciens punk-emo-scene kids devenus adultes. Je ne vous mentirai pas non plus sur mes intentions : pour une des rares fois, je n’étais pas là pour courir après les petits bands underground. Non, non. Cette fois, j’étais là pour combler mon ado intérieur. Les bands que la petite Mari voulait voir se trouvaient principalement sur les grosses scènes. Of course.

Vendredi : du skate, du punk et une foule bien vivante.

Ma journée au Vans warped tour mtl a commencé avec Escape the Fate, qui a offert un set principalement consacré à l’ère Craig Mabbitt. Petit pincement au cœur : aucune chanson de Dying Is Your Latest Fashion. La petite emo en moi en aurait volontiers pris mais ce ne fut pas cette fois-ci.

Atreyu a ajouté une bonne dose de metalcore à la journée. Après plus de deux décennies de carrière, le groupe sait encore comment occuper une grosse scène. Les riffs, l’intensité et l’énergie donnaient immédiatement envie au crowd de bouger. Silverstein a aussi prouvé pourquoi ses chansons traversent aussi bien les années. Entendre une foule reprendre My Heroine plus de 20 ans après sa sortie, ça reste quelque chose.

Changement complet d’ambiance avec The Planet Smashers. Difficile d’imaginer un Warped Tour à Montréal sans une bonne dose de ska, encore moins sans un groupe qui représente aussi bien cette partie de notre scène locale.

Avec MxPx et Pennywise, on retournait ensuite directement aux racines skate punk du Vans Warped Tour. Ces bands n’ont plus rien à prouver, mais réussissent encore à faire bouger autant les fans de longue date que les plus jeunes. C’était aussi ça, la beauté du week-end : plusieurs générations réunies devant les mêmes scènes.

Taking Back Sunday a ramené sa dose d’emo. Oui, Adam Lazzara reçoit depuis longtemps des critiques pour ses performances vocales. Mais on ne peut pas lui enlever sa présence scénique. Quand la foule reprend You’re So Last Summer ou A Decade Under the Influence, les imperfections deviennent presque secondaires.

A Day to Remember, de son côté, représentait parfaitement le mélange du Warped : assez lourd pour partir un mosh pit, mais assez pop punk pour faire chanter une foule entière et terminer en beauté le vendredi soir !

Mais soyons clairs : vendredi portait réellement un nom, Sublime.

Sublime faisait partie du premier Warped Tour en 1995. Après la mort de Bradley Nowell en 1996, quelque chose s’est éteint avec lui — du moins pour moi. Les chansons, elles, n’ont jamais disparu. Plus tard, Sublime with Rome a permis à cette musique de continuer à vivre sur scène. Puis Jakob Nowell, le fils de Bradley, a repris le micro, et là… mon petit cœur.

Jakob ne cherche pas à devenir une copie de son père. Il chante et bouge à sa manière tout en portant une musique dans laquelle il a littéralement grandi. Quand Wrong Way, What I Got, Badfish et Santeria se sont enchaînées, la foule chantait tout, pas seulement les refrains.

Voir Jakob avec Eric Wilson et Bud Gaugh, devant des milliers de personnes qui reprenaient encore ces chansons près de 30 ans plus tard, m’a complètement rentré dedans. Je ne saurais pas l’expliquer autrement : l’âme de Sublime était revenue. Bradley était là autrement. Voilà. Mon cœur a explosé, mais cela doit être le coté émotif qu’être dans la mi-trentaine apporte…

Samedi : retour direct dans les années 2000

Samedi amenait encore une programmation complètement absurde au Vans Warped Tour avec Four Year Strong, Hawthorne Heights, 3OH!3, Mayday Parade, Ice Nine Kills, Bowling for Soup, Chiodos, Alkaline Trio, Jimmy Eat World, Yellowcard et Simple Plan, entre autres.

Mon premier gros énervement allait vers 3OH!3. Leur set était court, mais efficace. STARSTRUKK, My First Kiss et évidemment DONTTRUSTME ont suffi pour nous ramener directement à la fin des années 2000. La foule sautait, chantait et connaissait encore beaucoup trop bien les paroles. Leur mélange complètement assumé d’electropop et de pop punk fonctionne encore toutes ces années plus tard.

Puis est arrivé Yellowcard. Leur dernier Vans warped tour remontait justement à 2014. Entre-temps, le groupe s’est séparé, a terminé sa tournée d’adieu en 2017, puis s’est reformé en 2022. La prestation était musicalement magnifique : le violon, la voix et ces chansons qu’on connaît encore beaucoup trop par cœur étaient au rendez-vous.

Quand Ocean Avenue est arrivé, on n’écoutait pratiquement plus Ryan Key chanter seul : tout le monde chantait.

Pour clôturer la soirée Du Vans Warped Tour Mtl : qui d’autre que Simple Plan.

Pour comprendre mon niveau d’excitation, il faut retourner au début des années 2000. J’ai découvert le groupe grâce au décompte de MusiquePlus. J’avais enregistré I’m Just a Kid sur une VHS uniquement pour pouvoir remettre le clip et sauter partout dans le salon familial. Oui, oui, une VHS. Et malgré toutes ces années à les écouter, je ne les avais jamais vus en concert. La petite moi qui est toujours un peu là était donc officiellement en train de vivre SON moment au Vans Warped tour Mtl.

Simple Plan a enchaîné les classiques que la foule connaissait évidemment par cœur, dont I’d Do Anything, Welcome to My Life et I’m Just a Kid. Ajoutez quelques reprises, les Scooby-Doo sur scène, Jaret Reddick de Bowling for Soup, les confettis, la pyrotechnie, les feux d’artifice, l’anniversaire de Jeff Stinco et une quantité franchement déraisonnable de crowd surfers.

J’étais tellement concentrée à photographier et à regarder le show que plusieurs personnes autour de moi m’avertissaient lorsqu’un humain complet arrivait vers ma tête. Mon appareil photo et moi avons donc survécu de justesse à quelques pieds, jambes et êtres humains qui nous passaient au-dessus.

Puis Perfect a commencé et, encore une fois, toute la foule chantait. Des milliers d’adultes reprenaient ensemble une chanson qu’ils avaient probablement déjà écoutée seuls dans leur chambre à 13 ans. C’est là que j’ai réalisé que je pensais aller au Warped pour revoir des bands que j’attendais depuis des années, mais que j’y avais surtout retrouvé une époque de ma vie.

Pendant deux jours, plusieurs générations ont chanté les mêmes chansons, sauté dans les mêmes mosh pits et partagé la même nostalgie. J’ai pu chanter trop fort, éviter quelques coups de pied et constater que les chansons que j’ai aimées n’avaient finalement jamais vraiment vieilli.

Moi, peut-être un peu. Elles, non.

Mon ado intérieur voulait son Vans Warped Tour Mtl. Il l’a eu. Et tout semble indiquer que l’on se revoit peut-être 2027 !

Site officiel du Warped Tour 

Rédaction : Mari

Crédit-photo : Kalia by Mari

Correction : Marie-Joëlle

Révision : Marie-Eve Landry

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J’étais au bureau le 25 août dernier, lorsque j’ai vu la nouvelle : Dolly Parton, grande dame du country s’est éteinte à l’âge de 80 ans. Reconnaissable à ses perruques, son accent chantant du Sud et à ses ongles en acrylique, Dolly était plus que le stéréotype de la blonde plantureuse. Intelligente et débordante de créativité, cette femme issue d’un milieu plus que modeste a passé sa vie et sa carrière à rendre au prochain.

Qui était Dolly ?

Dolly Parton naît au Tennessee en 1946, dans un milieu extrêmement pauvre. Quatrième d’une famille de 12 rejetons, elle goûte la musique dès sa tendre enfance. Déjà à 8 ans, elle apprend la guitare. Mentorée par son oncle Bill Owens, elle est introduite à la radio à 10 ans, pour se produire à la télé trois ans plus tard, aux côtés de Johnny Cash. Quand même.

Lorsqu’elle atteint sa majorité, Dolly trace la route vers Nashville dès la fin du lycée. Dans la capitale du country, Dolly se fait rapidement une place en tant qu’autrice-compositrice. En 1967, son single Dumb Blonde lui ouvre les portes du Porter Wagoner Show, qu’elle co-animera jusqu’en 1973. À partir de là, Dolly vole de ses propres ailes de sa carrière solo. Elle rencontre rapidement le succès avec sa chanson Jolene, avant de développer un côté plus pop à sa musique, ce qui lui permet d’atteindre les scènes internationales. Le reste s’inscrit de lui-même dans l’histoire, avec des succès comme I Will Always Love you, 9 to 5 ou l’album The Grass is Blue.

Dolly : “Spread the kindness”

Mis à part sa carrière musicale et télévisuelle, la femme d’affaires avisée qu’est Dolly bâtit son empire commercial dès 1986, avec l’acquisition de ce qui deviendra Dollywood. Certains sourient peut-être à lire le nom de ce pastiche d’Hollywood. Toujours est-il que cette entreprise contribue encore aujourd’hui à la prospérité économique d’un paquet de monde au Tennessee. De plus, l’investissement d’une partie de son capital au bénéfice des communautés démontre à tout le moins l’humilité et la volonté de Dolly à aider son prochain. 

À ce propos, saviez-vous que Dolly contribue à l’alphabétisation et au développement de l’amour de la lecture avec son Imagination Library ? En effet, ce programme fut mis sur pied en hommage à son père illettré. Il permet l’envoi de livres aux personnes qui s’y inscrivent, et ce, tout à fait gratuitement. Plus de 30 ans et 300 millions de livres plus tard, des enfants de cinq pays – dont le Canada –  profitent encore de ce plaisir mensuel.

Au cours des années, Dolly se montre présente pour la population lors de diverses catastrophes, comme lors des inondations au Tennessee en 2021. De plus, elle a contribué à la préservation du pygargue à tête blanche et du monarque. C’est bein pour dire.

Dolly : aimante et solidaire

De par ses textes et ses prises de position publiques, Dolly appuie les luttes portées par les femmes et la communauté LGBTQ+. D’ailleurs, elle a toujours maintenu que tout le monde, peu importe son genre ou orientation, mérite l’épanouissement et l’amour de Dieu. Bon, je paraphrase un peu, mais on comprend l’essence. 

Femme d’abord, cette Backwoods Baby autoproclamée contribue à briser les stéréotypes par ses textes mais aussi par son style sexy assumé, fait de perruques, de paillettes et de maquillage soutenu. C’est avec cette apparence souvent relayée au cliché de la poupée qu’elle casse les a priori, tout en devenant un modèle de femme puissante. Plusieurs femmes après elle ont profité de la voie qu’elle a tracée, parfois défrichée.

Par ailleurs, sa sensibilité, ses chansons et les caractéristiques uniques de son image et de son style en général ont fait d’elle une véritable icône Drag Queen. Fait notable, Dolly a participé une fois à un concours de personnification d’elle-même… et a perdu. Elle a relaté cette anecdote cocasse à plusieurs reprises au fil du temps. 

Enfin, il est digne de mentionner que, le jour de sa mort, l’état du Texas a reconnu comme étant inconstitutionnel le décret interdisant les spectacles drag. Fait étonnant, le juge a cité le nom de Dolly plusieurs fois dans son verdict, afin d’appuyer certains de ses propos par des exemples. Brigitte Bandit, qui personnifie Dolly à l’occasion ne saurait être plus ravie de ce revirement de situation.

L’après-Dolly

Une fois de plus, et même par-delà la mort, Dolly rassemble encore plus qu’elle ne divise. Les échos d’amour fusant de toutes parts depuis son décès sont autant de témoignages de l’impact de son existence sur le monde. Dolly est aimée par toutes les scènes et sur tous les continents : c’est un peu la preuve qu’avoir le cœur à la bonne place c’est la base de tout. Décidément, sa perte est aussi grande que l’héritage qu’elle laisse, puisque des artistes de la jeune génération et d’autres aussi portent son message de gentillesse et d’acceptation.

Dolly, I will always love you.

Rédaction : Julie Fortin

Révision : Marie-Eve Landry

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Les techniciens italiens du thrash/death metal de Miscreance inventent un nouvel univers avec Reminiscence.

Souvenirs d’une dizaine d’années

À l’origine, Miscreance se nommait Atomic Massacre. Le trio d’adolescents vénitiens d’une quinzaine d’années Emiliano Zinà (basse et voix), Andrea Feltrin (batterie) et Tommaso Cappelletti (guitare et backing vocals) forme ce groupe de thrash traditionnel en 2013. Il sort une démo éponyme l’année suivante ainsi que l’EP Dark Sadistic Path en 2016. D’autres musiciens se joignent à eux entre 2016 et 2018 dont Andrea Granauro à la guitare et Gregorio Bitossi à la voix principale qui sont tous les cinq dans la première mouture de 2018 de Miscreance.

Le quintet enregistre la démo From Awareness to Creation la même année en 100 cassettes avec Red Wine Rites Records. Dès cette réalisation, le groupe emprunte le chemin du old school technical thrash/death metal à la Death et Coroner qu’on connaît aujourd’hui. En 2021, Andrea Feltrin prend le relais buccal tout en continuant de frapper à toute vitesse ses tambours sur le split avec Vile Apparition. Moins d’un an après, en 2022, le band sort son premier album, Convergence, à l’aide du label Season of Mist. C’est cet album qui les fait connaître davantage à l’international.

Nouveauté antique

Après l’album Convergence, Emiliano laisse sa place à Jean-Claude Rossignol. Le quatuor a travaillé avec Marino De Angeli du Majestic Studio pour la production, le mixage et le mastering ainsi qu’avec Bridge Produzioni Audio pour l’enregistrement de Reminiscence. La pochette est une interprétation moderne des fresques de l’âge de pierre créé par l’artiste iranien Mona Shiraz. Leo Di Angilla a aussi enrichi le son de l’album en y ajoutant des percussions, du didgeridoo, de la flûte et du berimbau.

Tous ses instruments tribaux permettent une immersion plus profonde dans le concept de l’album. Comme mentionné par le nouveau bassiste, celui-ci consiste en l’exploration d’« un monde inconnu autant futuriste qu’extrêmement primitif ». Entre une langue complètement étrangère, une capacité télépathique ou encore des envies meurtrières et luxurieuses de prédateur, Miscreance nous fait découvrir les habitants d’un univers auparavant inexistant.

Critique d’un univers sonore inconnu

1. Miscreance débute son album avec les tambours tribaux de Trait d’Union. Cette courte introduction mène au premier riff thrash qui s’accélère rapidement. La voix du batteur, similaire à celle de la défunte légende Chuck Schuldiner de Death, est ensuite révélée. Ses paroles introduisent le monde créé par les Italiens par ce qui semble être un rituel. Ils ont même nommé des personnages fictifs tels qu’Astride Anuhihna, le chef de la tribu.

2. Le son de la basse sur Vision est magnifiquement grave. Comme le titre l’indique, le groupe explore sur cette chanson les visions et hallucinations du peuple inconnu. Le refrain l’évoque aussi bien par les mots que par le son. La ligne « Revelations absorbed by the forest’s gifts » est particulièrement bien articulée. Suivant le deuxième refrain, les mots chantés comme provenant du ciel et la musique sont envoûtants.

3. Scalp Ceremony est le premier single de l’album; et avec raison ! Avec une vidéo filmée comme dans les années 80, probablement la meilleure utilisation de flûte sur un album metal et les percussions de la fin, cette chanson fait un parfait parallèle entre le thrash old school et le death progressif.

4. Après un début relativement tranquille, soyez rassurés si vous ne comprenez pas tout ce qu’Andrea Feltrin chante dans Synaptic Cortex Dissection. Le groupe commence à incorporer quelques néologismes provenant du langage de leur monde lointain. Peut-être serez-vous aussi surpris que moi lorsque vous entendrez la mélodie de 1min15 sûrement jouée sur un berimbau. Plus tard, une invasion de notes de guitare crée un magnifique solo.

5. Oracle’s Rift commence directement par un bon riff bien grave et les premiers mots sont déjà prononcés. Dès le deuxième couplet terminé, un premier solo est lancé avant même 40 secondes ! Pour clore ce single, un second solo très mélodique aux notes longuement tenues est entamé par les guitaristes.

6. C’est dans le titre le plus court, The Moaning Hill, que le band a inséré dans les paroles le plus de mots de la langue qu’ils ont créée en écrivant un couplet complet. Après celui-ci s’ensuit un moment un peu étrange où la guitare semble crier et perdre son souffle comme les victimes agressées par le peuple imaginé par Miscreance.

7. Un ingénieux drum fill nous plonge dans le liquide amniotique de Symbiosis, le titre de la renaissance et de la réminiscence. Les quelques mots répétés en écho ainsi que l’interlude doux juste avant le début de la deuxième minute qui réintroduit un riff novateur au berimbau représentent parfaitement l’idée du déjà vu.

8. Le retour des tambours tribaux en introduction mêlé avec la guitare qui joue des notes allongées mène au titre le plus agressif de l’album : Zenith of a Dying Sun. Cette violence annonce la fin du monde englouti par le soleil brûlant qui déforme les sons. Le contraste avec les quelques lignes chantées et les moments plus lents permet un plus grand impact avec le reste de la musique. « Through the darkness, life rejoins / […] / Through brightness, death rejoins. »

9. Tel un Mirage, une intro clean résonnante ouvre le bal des riffs tonitruants et rapides. En arrière plan, on peut parfois entendre la voix de M. Feltrin et une autre plus féminine. Malgré cela, aucune parole ne peut être comprise. Ce n’est cependant pas un désagrément puisque ses bruits vocaux se transforment en un instrument supplémentaire à cette symphonie chaotique qui se termine similairement à la manière dont elle a débuté.

Cet album est un clair chef-d’œuvre musical et créatif de la part de Miscreance. Non seulement ces Italiens ont créé un univers complètement nouveau, mais ils ont aussi innové le thrash et le death metal avec leurs riffs diversifiés et l’utilisation inattendue d’instruments tribaux. Je pense que Reminiscence va faire avancer Miscreance jusque dans le peloton des pointures de leur genre. Espérons-le afin que le groupe traverse l’océan Atlantique pour une tournée québéco-canadienne sous peu !

Merci à Will de Season of Mist de m’avoir fait découvrir ce super groupe et de m’avoir permis d’écrire cet article.

Encouragez Miscreance :

Merch (Season of Mist) : https://shopusa.season-of-mist.com/collections/list-miscreance-reminiscence

Bandcamp : https://miscreance.bandcamp.com/music

YouTube : https://www.youtube.com/channel/UC09Rq5Qo2p914wCf7PVFjqQ

Instagram : https://www.instagram.com/miscreance_official?utm_source=ig_web_button_share_sheet&igsh=ZDNlZDc0MzIxNw==

Facebook : https://www.facebook.com/Miscreance/

Pour d’autres articles portant sur le death/thrash metal, c’est ici pour le death et ici pour le thrash.

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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C’est le festival Le Festif! qui fait toujours de la grosse pêche. Il est maintenant de renommée mondiale et réussit à attirer de grandes vedettes avec sa programmation éclectique. J’y serai le vendredi 24 juillet, après deux ans d’absence. Ça se passait en 2023 avec Amyl and the Sniffers. De plus, je suis chanceux, car ce spectacle visé est présenté parmi les shows gratis. Merci beaucoup!

Je dois attaquer les détours sinueux et montagnes russes du petit parc de la galette. Ma destination est Baie-St-Paul…

Le Festif!

J’arrive à une belle heure aux environs de 17h30, mais tous les parkings sont pleins depuis le début du festival qui était mercredi. Très chanceux je suis. Place de choix pour parker ma minoune. Il est fort intéressant et agréable de se pointer assez tôt afin de s’imprégner, avoir Le Festif! dans la peau. Vivre le buzz! La ville vibre littéralement au rythme du battement de cœur de ses visiteurs mélomanes.

J’assiste à la 17e édition, se tenant du 23 au 26 juillet. Commanditaires tapissés dans les rues : Hydro-Québec, Radio-Canada et SiriusXM. Le principe de ce festival est d’offrir des artistes payants nécessitant la passe permettant d’accéder aux quatre jours ainsi que de la gratuité. Ajoutez aussi de visites surprises s’ajoutant à l’horaire. Expériences uniques offertes à bord d’un mini-bus et une virée au pit de sable, habité par Les Goules cette année.

35 scènes dispersées aux quatre coins de la ville en action. Je vous le dis tout de suite, c’est mêlant! J’installe immédiatement l’appli, idéale pour s’y retrouver, se situer. Nous allons rejoindre une bande d’amies qui séjourne au luxueux hôtel Le Germain. Elles nous racontent leur folle expérience musicale vécue hier soir avec Otoboke Beaver, quatre punk girls du Japon.

Mean Bean et Russell Quan (The Mummies)

Le premier objectif se trouve à la Gare Menaud, de 18h à 19h. Deux DJ nous propose un set. Le concept est simple avec deux tables tournantes à leur disposition. Chacun est arrivé sur place avec sa petite valise à vinyles 7 pouces, leurs 45 tours. Improvisation d’une sélection s’alternant l’un et l’autre à impressionner, ravir.

C’est cool de pouvoir contempler Russell Quan de The Mummies. Sans ses bandelettes il est. Il ne cesse de danser, s’amusant tel un gamin Un bon vivant quoi? Il a vraiment l’air sympathique.

La musique est bien accueillie sous cette belle température estivale, verre à bières réutilisable à la main. Menu garni d’une variété de styles musicaux : budget Rock, freakbeat, garage 60s/nuggets et soul.

Monsieur Quan n’a jamais arrêté de bouger une minute.

Ravenspell

Déplacement vers le Garage du Curé pour 19h30. Des habitants de la place ont monté le groupe Ravenspell qui remet au goût du jour le heavy speed power metal. Récits épiques, batailles sanguinaires, épopées fantastiques et incantations magiques vous attendent.

Les quatre membres entreprennent une marche chevaleresque tous vêtus d’un bonnet en cotte de mailles. Ils s’en sortent très bien avec un vocal à la Iron Maiden.

Ils ont signé avec Fighter Records et sorti leur premier album Obsidian King en mars 2026.

Fulu Miziki

Le prochain groupe à s’exercer pique ma curiosité. À 20h30, devant nous se tiendra Fulu Miziki sur la scène de la micro de Charlevoix. Ils jouent du afro-futuriste-éco punk. Le voyage a été long à partir de leur Congo.

Pas évident à cerner. J’ai de la difficulté à me décider si j’adopte ou pas… Le trio en habits post-apocalyptiques réussit à entraîner la foule dans son délire. Il y a attroupement qui danse.

The Mummies

Direction le Garage du Curé dès 21h15 pour une place de choix, près de la clôture. The Mummies sont attendus pour 22h, depuis leur arrivée de Californie. Je vais vous faire un aveu sur le fait que je ne raffole pas des bands de covers. J’en suis moins friand, mais eux ont trouvé la recette convoitée. Ils s’approprient des vieux hits qu’ils remettent à la mode. Ajoutez à l’équation des costumes marquants avec un sens du spectacle hors norme.

Bruyants

Ils dominent dans le punk garage, full distorsion, low-fi à fond. Même que leur album Tales form the crypt ayant une qualité de production trop élevée à leur goût a été sorti comme étant un bootleg, un vinyle pirate. Je distingue leur arrivée de par leurs costumes immanquables. Les voilà!

Cimetière vivant

Ils démarrent avec Dangerman, leur cover de Looking for danger par The Pack. Je reconnais Russell Quan, le bout de ses cheveux longs gris le trahisse sous son costume. Je l’ai facilement identifié après l’avoir vu en plein jour. J’observe attentivement son jeu de batterie fascinant.

Spectaculaire

Place à un cover The Rascals, Come On Up. Le chanteur est tout simplement déchaîné sur son synthé, c’est monstrueux! Son clavier se fait varloper, malmener. Se lançant dans la pratique d’un saute-mouton répété suivi du grand écart tenté.

Momification

Au tour de Red Cobra #9, compo momifiée. Il y a un sceau métallique rempli d’eau en plein centre de la scène. Tantôt il s’abreuvera à l’aide d’un gobelet et plus tard il y plongera sa tête pour s’y tenir à la verticale! Impressionnant!

Une momie colosse

Guitariste format géant trop cool qui se trémousse, tellement à l’aise qu’il déguste un gros Mr. Freeze entre quelques accords. Il nous gâte avec Big Boy Pete de Don & Dewey. La quatrième momie martèle sa guitare basse du bout de ses lambeaux pendants.

Qu’est-ce qui voyage dans l’air de Baie-St-Paul? C’est Just One More Dance. C’est comme dans mes souhaits les plus fous, mes rêves mouillés. Je ne le crois pas, je vois The Mummies ou bien je me trouve dans le monde des morts.

J’ai décelé un setlist délivré incroyable, inoubliable. Ne vous inquiétez pas, ils ont interprété avec brio Food Sickles and Girls, Little Miss Tee-N-T, Stronger Than Dirt (cover de A. Jacks & the Cleansers), One by One.

Je suis tellement choyé qu’ils aient joué Uncontrollable Urge de DEVO, un groupe que je vénère. Ces chansons y ont aussi passé : On the Planet of the Apes, That’s Mighty Childish, The Fly et That Girl.

Retour à la vie

The Mummies au Québec, c’était légendaire! Je spotte une table de merch qui s’est installée à la sortie du site. 7 pouces inattendu et 2 splendides gros macarons. Une belle récolte respectable. J’entreprends la route du retour à 23h45.

Bon ben, mon prochain show se passera au dixième anniversaire de Punk Nation Production qui organise deux soirées de malade le 28 et 29 août.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Nous sommes trois potes à franchir les kilomètres du Parc des Laurentides, traditionnel pèlerinage vers Québec ou Montréal pour profiter des shows qui y sont offerts. Un animal traverse la route lentement, ça s’avère être un coyote. Un des passagers reçoit un appel et se fait demander où il est rendu. « Chu rendu au coyote. » Aussi simple que ça.

Festival d’Été de Québec

La dernière fois que mes semelles ont foulé les terres du FEQ, j’étais là pour Rage Against the Machine en 2022. J’ai trouvé mon expérience très éprouvante. Je n’avais vraiment pas envie de revivre le même genre de chaos déplaisant. Alors, je me suis gâté avec l’achat d’une passe dans la zone Argent pour une seule soirée, celle de Limp Bizkit. Soulignons l’apport des commanditaires Coors Light et Bell.

Les 2000

Nous arrivons sur les lieux un peu avant l’ouverture des gates prévue pour 18 h 00. La file n’est pas très longue, et dix minutes plus tard, j’accède au paradis. Je suis accueilli avec une coupe de champagne bien fraîche, une queue de homard comme appetizer, échauffement avec massage du dos, toilettes sans attente au trône en or… OK, j’en mets à peine.

À vrai dire, ici au moins, on a de la place afin de préserver notre bulle personnelle, deux bars facilement accessibles et un nombre raisonnable de cabines bleues. 2000 choyés, nous sommes.

Cleopatrick

Nous patientons confortablement dans notre divan en cuir, jusqu’à 19 h 00. Cleopatrick déclare le Festival d’Été de Québec officiellement lancé. Pour se faire, ils utilisent leur maîtrise du laptop rock directement de Cobourg en Ontario.

Cypress Hill

20 h 00 et c’est au tour de Cypress fucking Hill de s’illustrer. Je les avais pognés en première partie de Slipknot au Centre Vidéotron et je n’avais pas été du tout impressionné; et pourtant, c’est un gros nom.

Ça commence bien, il a l’air crinqué et heureux d’animer autant de spectateurs.

Tous ses succès y passent. Les vétérans comme nous, et également les jeunes, chantent les titres dévastateurs connus de toutes les générations. Il se fume un gros bat, un classique à ne pas omettre.

Décors et mise en scène de grande envergure. Le rendu visuel est à point, et bien visible au loin.

Je dois avouer que cette fois-ci, Cypress a amplement livré la marchandise. La foule est en délire, prête à se défoncer sur du Limp Bizkit.

Limp Bizkit

Allons au vif du sujet : Limp Bizkit. Fred Durst et sa bande ont réussi, dans les années 90 et 2000, à unir deux styles musicaux : le rap avec le métal. Ils définissent ce qu’ils créent comme étant du pimp-rock. Leur arrivée sur la scène musicale du nu métal a été fracassante, une véritable bombe.

Ils emmerdent tout le monde et personne ne les fait chier, telle est leur devise de bad boys. Regain de popularité dernièrement, ils n’ont pratiquement jamais pogné autant qu’aujourd’hui. Affiliations au genre musical s’apparentant au rap qui est en vogue ces temps-ci auprès des jeunes oreilles.

Compte à rebours interminable

Un peu avant l’heure fatidique qu’est 21 h 30, un décompte est projeté sur les écrans géants qui surplombent les plaines.

Un deuxième décompte s’affiche… Bon, il ne fallait pas espérer que ça start un peu avant, c’est réglé au quart de tour. 21 h 31, pas une minute de plus de retard, Fred Durst et ses talentueux amis grimpent sur la scène gargantuesque.

Les vrais

Tous les membres originaux s’y trouvent, excepté le bassiste décédé il y a peu. Sam Rivers nous a malheureusement quittés il y a peu de temps, le 18 octobre 2025. La première tuerie à être exécutée est Hot Dog. Sélection bien vue, enivrante elle est. Ils ne perdent pas de temps et s’aventurent immédiatement avec Break Stuff. Je bave et je ne suis pas le seul.

Pourquoi chu là ?

Le son est encore extraordinaire comme à son habitude. Mes félicitations au FEQ ! C’est l’une des raisons qui attire tant de guerriers à leurs multiples shows. C’est déjà le temps d’une pause santé. Interlude bizarre, weird, qui s’installe avec une petite musique presque d’ascenseur en guise de répit.

Okay! Limp Bizkit is back! Ils en ont encore dans le carburateur ces sages hommes maintenant âgés de 55 ans. Nous la revendiquions tous : Faith. Cover de George Michael, très réussi, et ce qui n’est pas toujours le cas. Ils se la sont carrément appropriée positivement, cette pièce.

Musique torentielle

Un peu de pluie se présente sur mes épaules. Ce n’est pas grave, on n’est pas faites en chocolat. Fred Durst est en forme, allumé, arrogant comme on l’adore. « Nous ne sommes plus en fucking 1999. Les zones VIP et leurs stages sont beaucoup trop imposants. »

Il a toujours eu du style, du goût vestimentaire. Ce soir, il se trimbale avec son petit manteau imperméable à carreaux excessivement colorés, sa chemise de baseball et sa casquette bleue poudre… Il sait bouger, rapper comme pas d’autre. De toute beauté à admirer. Content d’être là !

Wes Borland, guitariste de Limp Bizkit, est un artiste complet accompli. Couramment costumé, y’en manque pas une. À chacune de ses présences scéniques, nous avons hâte de découvrir son look. Pour cette nuit spéciale, il revêt un habit noir à la samouraï, jonché d’un masque freakant et d’une bavette dorée. Sans oublier la minuscule peinture nichée sur le dessus de son front ; difficile de l’ignorer. Excentrique, il est.

The new guy

Le nouveau bassiste Richie Buxton alias Kid Not remplace un irremplaçable. Malgré tout, il se débrouille à merveille. Pour ce qui est de moi, je ne vois pas de différence à l’oreille lors de l’interprétation de mes chansons espérées.

Oh ! Changement du background présenté. Les pauses, interludes imposés entre les chansons se répètent comme pattern. Living’ It Up, My Way, Eat You Alive, Rollin’, Nookie… Ils les font toutes !

Fred a tendance à sélectionner, pendant chacune de ses prestations, un fan qu’il invite à monter sur scène. Une fille de 19 ans est pointée et aidée par la sécurité afin d’atteindre les hauteurs du stage. Elle empoigne le micro et profite de son moment de gloire en s’exprimant en français. Fred rétorqua qu’il ne comprenait rien, mais est d’accord avec tout ce qu’elle a pu dire. Il a certainement choisi la bonne. Elle est trop une mordue finie allant même jusqu’à son style vestimentaire similaire à celui de monsieur Durst, son idole. Il la complimente justement sur ses vêtements à son goût personnel.

Bon, attaquons-nous aux choses sérieuses ! La musique de Full Nelson démarre et ils forment un duo qui assure. Se répondant l’un à l’autre pour ensuite assurer le chant ensemble simultanément. Situation tellement touchante et appréciée. J’apprendrai le lendemain que c’était une saguenéenne qui a eu cette chance inouïe de réaliser son rêve.

S’ensuit le triomphe Boiler ainsi que Behind Blue Eyes. Limp Bizkit a signé la soundtrack du film Mission Impossible et ça a été un coup de circuit, avec le mythique vidéoclip qui passait en boucle à Musique Plus. Je reconnais Take a Look Around dès son amorce, son allumage interprété. Récidive de Break Stuff comme offrande d’adieu.

Ce message s’autodétruira

Je me suis reconcilié avec le FEQ. Vive la zone argent ! Peut-être même la zone or l’an prochain. Je vais pouvoir écœurer ma cousine dont j’étais jaloux, car elle a vu Limp Bizkit à Woodstock 99. Je peux me péter les bretelles que moi aussi je les ai vus live.

Avec cette performance, les prochains groupes des neuf jours suivants ont besoin de s’atteler. La marche à gravir pour les accoter ou surpasser est haute. De mon côté, si je revenais (ce qui n’arrivera pas), il y a aussi Municipal Waste d’intéressant. Je vais me contenter de mon face à face avec eux aux Foufounes Électriques, qui marquait la rédaction de mon premier article pour le Bad Crew.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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FROM OLD TOWN

C’est le band punk rock de Québec, From Old Town, qui a eu l’opportunité d’ouvrir le show. Comme les membres l’ont mentionné sur scène, c’est durant un show de X-Large, qui avait eu lieu à l’Anti en février 2024, que les gars ont jasé et décidé de faire de la musique ensemble.

« Nés dans la brume d’une petite ville saline. Séparés par la vie. Rassemblés par le vacarme. Le varech. Le cri des mouettes. Et une distorsion qui refuse de s’éteindre. Ils sont de retour. Pour la première fois… »

Depuis 2024, ces quatre musiciens passionnés, provenant des bands Nut for Sale, Triple-X, Scare, Still My Queen et 30 secondes Before You Die, nous propulse des riffs accrocheurs et entraînants ainsi que de bons vers d’oreille. À l’écoute, on perçoit bien leur influence de No use for a Name, Lagwagon, Propagandhi, Face to Face, 88 Fingers Louie et The Flatliners pour ne nommer que ceux-ci.

Ils entreront en studio à la fin de l’été. Pour l’instant, vous pouvez écouter leurs singles, sorties au cours de 2025. Comme mentionné dans mon article publié en juin l’an dernier au Bad Crew, lorsque je les ai vus en prestation pour la toute première fois : c’est un band à surveiller !

STRAIGHTLINE

Ayant la chance de me retrouver déjà sur les lieux pour assister aux tests de son en fin d’après-midi, j’ai pu me présenter à Bart (vocal et guitare) qui se trouvait sur le trottoir. Il m’a saluée en premier et c’est avec un high-five que nous terminions notre échange. C’est dans ces moments-là que je regrette d’en arracher (en bon québécois) avec mon anglais, car ce fût une très courte discussion. À l’intérieur, je me suis présentée aux autres membres tout aussi sympathiques.

J’ai été conquise par les rythmes rapides, l’aisance de Bart à la guitare avec diverses manières de jouer et les différents tons vocaux utilisés. Une belle énergie brute sur scène, qui vibrait par l’entremise d’un excellent son et d’un beau jeu de lumière.

L’été dernier, ils ont performé au mythique festival Punk Rock Holiday en Slovénie. Vous pouvez entendre leur dernier album, Keep Your Cool, paru en 2022 sous Thousand Islands Records.

L’ANTI BAR & SPECTACLES

Habitant dans le bas du fleuve, me déplacer pour venir voir des shows à l’Anti a toujours été des moments mémorables. Ce type de salle, à cachet unique, se fait de plus en plus rare au Québec. Ces salles regroupent des années de prestations musicales et vivent entre ses murs. J’ai toujours trouvé qu’il y avait une ambiance conviviale. Une sortie publique de Karl-Emmanuel Picard, propriétaire des lieux, dénonce les enjeux futurs de l’accessibilité à se rendre sur place due aux travaux prévus pour le tramway. Ici un extrait de son entrevue sur les ondes de BLVD 102.1, au début du mois de juin.

En terminant, continuez d’encourager votre scène locale où que vous habitiez, car vous contribuez à sa pérennité !

Rédaction : Cynthia Côté

Crédit photos : Cynthia Côté

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Pour leur spectacle, Snõõper avait invité deux formations montréalaises, Pressure Pin et Alix Fernz. Le groupe avait donc choisi de partir en tournée sans première partie officielle et de collaborer avec des artistes locaux à chaque arrêt. Nous sommes arrivés une quinzaine de minutes avant le début du spectacle et la salle était pratiquement vide. Il faut dire qu’au même moment se déroulait le septième match de la série opposant les Canadiens de Montréal au Lightning de Tampa Bay, ce qui a clairement retardé l’arrivée de plusieurs spectateurs.

Vu les circonstances, le début de la soirée a été légèrement retardé afin de laisser le temps à la foule d’arriver et d’éviter que Pressure Pin ne joue devant une salle presque vide.

Pressure Pin

Tout comme Snõõper, Pressure Pin est issu de la scène egg-punk. Ce terme, souvent associé au Devo-core, désigne une branche du punk rock lo-fi fortement influencée par Devo. Pressure Pin est à l’origine le projet de Kenny Smith, également connu comme batteur du groupe La Sécurité. Le groupe est complété par Daniel Howse à la basse, Adam Tiller à la guitare et Steven Cowan à la batterie.

Une bonne foule s’était finalement massée devant la scène et plusieurs personnes semblaient prêtes à danser dès les premières notes. Après des années passées dans les salles de spectacle, je crois que c’était la première fois que je voyais quelque chose qui ressemblait autant à la définition pure de la pogo dance. Devant nous, un groupe de spectateurs performait une danse qui ressemblait presque à une course. L’ambiance était festive.

Je connaissais encore peu Pressure Pin avant le spectacle, même si ce que j’avais entendu dans les jours précédents m’avait plu. Le groupe n’a jamais laissé paraître qu’il s’agissait de son premier spectacle en plus de six mois, livrant une performance énergique et très solide. Si vous aimez le devo-core ou si vous avez besoin d’une musique pour aller courir, Pressure Pin mérite définitivement une écoute.

Alix Fernz

Alix Fernz est arrivé sur scène en lançant un enthousiaste « On a gagné! », en référence à la victoire du Canadien qui venait tout juste d’assurer sa place au deuxième tour des séries éliminatoires. Je ne connaissais pas sa musique avant ce spectacle et j’ai été agréablement surpris.

Sur scène, Alix Fernz s’occupe du clavier de chanter et par moment de la guitare, accompagné d’un batteur pour ses performances live. Musicalement, le projet navigue entre le synth-punk, la synthwave et certaines textures plus alternatives, tout en intégrant des parties empruntant parfois aux codes de la pop. À plusieurs moments, j’avais l’impression d’assister à une version d’Hubert Lenoir plongée dans la scène new wave des années 80.

Même s’il doit gérer ses séquences et ses pistes à partir de son clavier, Alix Fernz réussit tout de même à transmettre énormément d’énergie à la foule, qui a dansé presque sans arrêt pendant toute la performance. Pour ma part, ce fut une très belle découverte et une sorte de retour dans le temps. S’il avait existé à la fin des années 80 ou au début des années 90, je suis convaincu qu’Alix Fernz aurait été une première partie idéale pour des artistes comme Indochine ou Les Rita Mitsouko. Dans le contexte de cette soirée, sa présence assurait une belle continuité musicale et contribuait parfaitement à l’ambiance de la soirée.

Snõõper

La formation de Nashville a ensuite pris d’assaut la scène et le terme est parfaitement choisi. Côté décor, nous avions droit à une projection de vidéos au grain rappelant les minis DV du début des années 2000. À droite de l’écran se trouvait un panneau noir décoré de disques d’aluminium munis de filtres colorés en leur centre. De l’autre côté, un feu de circulation soutenait le mixer servant à déclencher certaines pistes d’accompagnement. L’ensemble dégageait une esthétique extrêmement DIY, à la fois simple et rafraîchissante.

Je trouve d’ailleurs intéressant de voir la génération Z replonger dans l’esthétique numérique du début des années 2000, autant pour son aspect visuel que pour le plaisir très tactile et imparfait qu’offraient les technologies de cette époque.

Je dois toutefois avouer que le début du spectacle a été plutôt chaotique sur le plan sonore. La voix de la chanteuse était presque inaudible et le reste du mix formait un énorme bloc compact dans lequel il était difficile de distinguer les instruments. Heureusement, cela n’a aucunement ralenti le groupe et le technicien de son a réussi à corriger la situation après deux ou trois chansons.

Pour le reste, Snõõper nous a offert une performance fulgurante de 19 chansons en environ 45 à 50 minutes. Le groupe vend souvent de la marchandise qui donne l’impression qu’il s’agit d’un club de course et, honnêtement, assister à un spectacle de Snõõper ressemble effectivement à une course à pleine vitesse.

Nous avons eu droit à un spectacle réglé au quart de tour, avec très peu d’interactions entre les chansons, hormis la chanteuse qui répétait à quelques reprises : « We love this show ». Cela dit, le groupe dégageait une énergie absolument contagieuse. À un moment, la chanteuse est descendue dans la foule en l’une des mascottes du groupe, créant beau moment de la soirée. Le compte À l’affiche Montréal a d’ailleurs capté une excellente photo de cette scène.

Snõõper nous a offert un spectacle explosif, puisant autant dans le matériel de leur plus récent album que dans celui du précédent. Après une performance aussi intense et efficace, j’ai déjà hâte de les revoir sur scène.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Je spot la merch sur la page Facebook du Pouzza FEST et je m’exclame « Hey, y’a un macaron, ah non c’est un ballon, ah non un macaron. » C’est là que l’expression t’es ben ballon-macaron est née et nous a suivie au cours de notre aventure.

Lors de notre marche vers un resto pour déjeuner, nous croisons un passant accompagné d’un lapin habillé en Canadiens de Montréal. Ça pue la victoire à plein nez en demi-finale contre les Hurricanes ce soir, avec tous ces signes encourageants. Notre cible est Eggspection et nous ne regrettons pas notre choix culinaire. C’est succulent ! Nous sommes flambant neufs pour attaquer la ville de Montréal.

DON’T TRY

Le commencement de ce récit est encore au Jardin des Bières pour un show offert gratuitement et généreusement de DON’T TRY. Les quatres amis embarquent sur la grande scène, pour notre plus grand plaisir. « Nous sommes de la ville de Québec, juste à côté. Faites du bruit ».

Le chanteur crinqué est constamment en mouvance sur le stage qui leur appartient. Ça transpire le punk. C’est chaud et humide pour le filet de porc.

Tellement du bon punk hardcore. Ils m’impressionnent grandement. « La dernière chance, CIRCLE PIT ! » La foule lui répond, de par ses actions et réactions agressives tout en ayant ben du fun.

Capable!

J’avais hâte de voir Capable! après avoir écouté en boucle leur vinyle Le Désordre Organisé, paru en 2024. « Pour qui, c’est une first time ? » Je lève ma main, et fiou, je ne suis pas le seul. Justin, orné d’une boucle d’oreille en forme de trombone, est équipé d’une jolie guitare blanche sur laquelle il est inscrit La bienveillance c’est punk en criss. Best slogan ever!

Pendant la pandémie, il avait sorti un album nintendo synth punk, intitulé Mange le cendrier. Les interprétations voyagent avec une sélection de leurs pistes les plus récentes, mais il y a des vieilles au travers du lot.

« Sixième fois que l’on participe au Pouzza. Mon fils et ma conjointe sont présents. » C’est ce qui est cool avec ce festival, c’est familial et formateur pour la jeune relève. Justement, un kid se lance en bodysurf – peut-être sa première expérience du genre – et après rien de moins que le pit qui l’attend.

Blood Command, prise 2

Il est temps de bouger, quitter les lieux vers notre destinée qui se trouve Chez Cléopâtre. Set surprise de qui ? Blood Command, remet le couvert pour un copier-coller dans une salle différente. J’ai appris entre-temps que la chanteuse fait partie d’un autre groupe punk, du nom de Pagan. Ils nous ont tombés dans l’œil lors de la veillée précédente. Encore plus déjanté et ayant la même énergie qui les animait.

La chanteuse s’amuse en crachant pour ensuite lancer sa bave dans la foule survoltée. L’objectif d’un photographe y goûte également. Pourtant, si je ne m’y me trompe pas, ce nest pas le band Crachat qui est devant nous.

« You are the best fucking crazy fans« . Un wall of death s’en suit. Nikki grimpe sur les épaules d’un spectateur pour affronter l’action en cours. De retour sur le stage, la vipère se dirige vers moi et je crains le pire. Je m’imagine la taille de la morve, clam que je vais recevoir en pleine tronche. Je suis sauvé ; elle liche sa tignasse.

Se laissant porter par ce public en body surfing gracieux. Sur scène, la dominatrice se tortille sur le dos, s’écarte et envoie un baiser soufflé. Finissant par se mettre à genoux aux pieds de son talentueux guitariste, pour le frapper de plein fouet avec sa main. Je ne sais pas si c’est dû au fait que nous nous trouvons à la base dans un bar de danseuses, mais elle donne tout à ses fans. Même son linge et ne s’en garde pas épais pour elle.

Deecracks

Déplacement majeur coûtant en temps, vers le Turbo Haüs. Deecracks, un trio autrichien qui revendique un nouvel album Brain Drain, créé il y a deux ans. Le concept est que 2024 marque le 50^e anniversaire des légendaires Ramones. Pour rendre hommage à leur groupe fétiche, ils revisitent l’intégralité de cet album de 1989 qui fête ses 35 ans.

J’assiste à une performance époustouflante débordante de puissance musicale. Ils jouent à une vitesse fulgurante, comme leur idoles en fait. Droits, ils sont. À récouter assurément.

Frida Kill

Nous retournons au Cabaret du MEM. Lieu faisant penser à l’espace, car le son meurt ici. Il est aspiré, abasourdi et contraint au silence. Sensation bizarre, je vous dis. Frida Kill nous y attend.

Quatuor féminin de Brooklyn à New York. Rapidement, je constate que l’on va entendre trois voix se mettant en valeur mis-à-part la batteuse. Ça groove !

Elles ont fait du bruit avec leur nouvel album City Gurl, en novembre dernier. Band à retenir.

The Holy Mess

Efforts consacrés à l’atteinte de l’entrée des Foufounes Électriques pour y apprécier The Holy Mess. Groupe jouant du death rock juxtaposé à un punk rock, de leur Pennsylvanie

J’aperçois le sympathique chanteur de The Boolweevils dans le slam. C’est lourd et rapide, bien exécuté.

The Sainte Catherine’s

The Sainte Catherine’s, groupe phare qui roule depuis longtemps, traversant les époques punk. Premier band québécois à avoir signé avec le géant label Fat Records. Je les vois en spectacle pour une seconde fois, suite à leur passage chez nous au Saguenay en 2021.

« Chus plus hot que Xhekaj des Canadiens. » J’utilise mon avantage avant-scène pour m’approcher de cet acte. Tout est pensé en incluant une jolie femme qui tient une pancarte à bout de bras affichant le score du CH, on se croirait dans un gala de boxe. Même Youpi est présent, de la fête.

Ballon de plage qui circule, voyage et je réussis à lui asséner un smash. Hugo s’en sort à merveille, malgré qu’il a le stress du festival à gérer en parallèle de sa prestation sans faille. Merci monsieur Mudie!

School Damage

School Damage sont trois torontois qui jouent à la Ramones. Un rejeton des maîtres, du punk pur et dur.

Des riffs qui restent figés dans notre tête. Morceaux qui défoncent finement les tympans et nous donnent envie d’en redemander. C’est une tuerie, ce trio ontarien.

Christy Costello

Christy Costello, c’est elle la reine directement de Minneapolis. Entourée pour notre soirée de quatre musiciens de haut calibre. Je fixe, porte mon attention sur le saxophone envoûté.

Du microphone léopard, une voix si douce et sans malice jaillit. Rien de comparable, leur couleur exprimée est teintée de post punk et parfois du soul. Vibrante, est leur musique.

The Anti-Queens

The Anti-Queens, band punk rock n roll d’Ontario, que j’ai croisé au Delüge Fest dans mon Jonquière. Les torontoises sont démentes, tellement que je tenais impatiemment à les contempler de nouveau.

Un punk plus garage et crasseux. Oh, que j’aime ça. Contraste évident entre leur beauté sauvage et leur rendu qui est sale, quant à lui. Mes amis qui m’accompagnent ont la gueule à terre, conséquence d’être vierges. Leur show a passé beaucoup trop rapidement. « Merci beaucoup ! »

Dead Bob

Nous allons faire nos épaves à dérive se dirigeant vers Chez Cléopâtre. Dead Bob nous y accueille avec le sourire. Formation difficile à cerner et de définir leurs styles. Cocktail festif et éclaté composé de cinq membres excentriques.

Parfait comme conclusion du jour, pour terminer allumé. Nous repartons de bonne humeur, absolument rien ne peut saboter ces moments impérissables.

2 accomplis sur 3

Je me sens presque comme dans Les 12 travaux d’Astérix, sauf que moi je n’en ai que trois à accomplir avec succès. Le jour 2 du Pouzza FEST 14 a également été mis KO. Mon groupe favori du 16 mai 2026 est Don’t Try. C’est bien parce que je me dois de n’en nommer, n’en souligner qu’un seul, mais je me suis gavé de plusieurs autres délicieuses compositions musicales à saveur punk. Prenez un long instant afin d’admirer la magnifique photo de Rémi Deschênes utilisée comme couverture de cet article.

De plus, j’ai mangé et dégusté le meilleur bol au poulet d’une existence au Central. Il est temps d’aller dormir afin de recharger ma batterie interne. Demain nous attend de pied ferme avec sa brochette bien garnie d’une panoplie de bands.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Rémi Deschênes (Don’t Try, Capable)

Crédit-photo : Patrice Belley (Blood Command, Deecracks, Fridakill, Holy Mess, The Sainte Catherines, Oktoplut, School Damage, Christie Costello, Anti-Queens, Dead Bob)

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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