Depuis quelques mois, j’ai quelques enjeux de santé qui font que je suis beaucoup moins endurante à ce genre de week-end. La foule, le son et la durée de ce type d’événement me rappellent que je ne rajeunis pas et que je dois m’écouter. Il était donc impossible pour moi d’assister à toute la programmation durant les deux journées. Mais j’avais tout de même envie de vivre l’expérience, modérément bien sûr. Et c’est ce que je fis.

Le festival

Outre les prestations musicales aux Foufounes Électriques les 24 et 25 avril, plusieurs activités de rassemblement étaient organisées en marge : un Sober Meet Up au Fattal, une matinée de shows avec Pist’N’Broke, Reckless Upstarts & Over the Hill du côté du Turbo Häus le dimanche matin, un pré-fest le jeudi du côté du légendaire Yer’mad Bistro ainsi qu’un Dinner Meet Up, pour ne nommer que ceux-là.

Sans oublier le DJ qui jouait du reggae, où les gens allaient et venaient pour danser dans le Cabaret des Foufs.

Faut dire que Baldy Sound Productions a fessé très fort avec une programmation des plus impeccables : des bands de partout, des bands plus actuels et des vétérans, en anglais ou en français. Il y avait là une diversité impressionnante et du talent au pouce carré.

Le festival attire des gens de partout. Même si la très grande majorité des gens était issue de la scène skin, plusieurs punks et autres curieux étaient présents. Les accolades étaient fréquentes, des gens que j’ai l’habitude de voir moins souvent. Bref, c’était comme une belle grosse réunion de famille avec des cousins éloignés qu’on voit moins et ceux qu’on voit tout le temps.

Vendredi 24 avril

Je suis donc arrivée aux Foufounes sans aucune attente. Une fois passées les fameuses grilles, on ressent déjà toute l’énergie. Je me dirige alors vers l’entrée, histoire d’agripper un gin tonic au bar avant de monter. Les Foufs sont déjà littéralement envahies. Faut dire que l’institution montréalaise avait décidé de diffuser la 3^e game des séries du Canadien contre le Lightning, premier match à domicile. Et, il y régnait déjà une ambiance chaotique dominicale. À voir autant de gens devant les écrans, je me disais qu’il ne devait pas y avoir grand monde en haut. Faux !!! C’était plein à craquer.

Je suis arrivée sur la fin de Toledo Panic, band en provenance de Ventura, en Californie. Bon band, mais disons que c’est la prestation du week-end qui m’a le moins charmée. Quelques minutes plus tard, La Gachette foulait la scène et le rock’n’roll envahissait les planches. La Gachette sont littéralement des vétérans de la scène Oi montréalaise. Ils doivent bien rouler depuis près de 30 ans, et Érik était dans une excellente forme. Eux qui sortaient récemment un nouvel album, Une vie à défendre, semblaient réellement contents d’être là. J’étais bien contente de les revoir.

Ce fut le bonheur de voir The Prowlers à nouveau. Eux qui n’étaient pas supposés être du line-up sont venus à la rescousse lorsque Concrete Elite ont dû annuler leur participation. Personnellement, je ne connaissais pas ce dernier band. J’étais alors très heureuse de voir un de mes bands Oi montréalais préférés.

The Newtown Neurotics ! Ce fut l’occasion de se replonger tranquillement dans un son bien british du punk rock/Oi. Un beau mélange de sonorités et d’accents qui caractérise ce que l’Angleterre nous offre de mieux depuis 50 ans. Je n’ai pas assisté au show au complet, un peu de PR s’imposait.

Enfin, l’apogée de cette soirée s’est terminée avec les très attendus The Last Resort. Dignes ambassadeurs de la scène Oi et street britannique, ils ont influencé bon nombre de bands depuis le début des années 80. C’était, si je ne m’abuse, la dernière fois que nous avions la chance de les voir en territoire québécois.

Samedi 25 avril

S’il y a une des deux soirées que je n’aurais manquée pour rien au monde, c’est bien celle du samedi. J’en avais pratiquement pleuré la dernière fois, il y a 2-3 ans, lorsque Cuir était passé en ville et que je n’avais pas pu y assister. Je me devais donc d’y remédier.

Je suis arrivée à la fin de The Lost Legion, juste à temps pour The Young Ones. OMFG !!! Là, j’ai pogné un deux minutes comme on dit, et j’ai eu un putain de coup de cœur. Probablement ma plus belle découverte depuis le début de 2026. Et sans vouloir sembler prétentieuse, des bands, dans une journée, il m’en passe un pis un autre dans les oreilles. Eux, ça a été l’amour instantané. L’énergie, la fougue et l’ambiance qui régnaient étaient parfaites ! Je pourrais même dire que les gars semblaient s’amuser sur scène presque plus que nous dans la foule.

Enfin, mon summum de ce festival : Cuir ! Mis à part la folle qui hurlait comme une fillette de 10 ans dans un show des Backstreet Boys (désolée, mais criss qu’elle était gossante), tout était parfait. Et le micro du chanteur principal qui faisait des siennes. Le quatuor français de synth-punk est une expérience en soi à voir au moins une fois dans une vie.

Si vous les connaissez, vous savez de quoi je parle. Si vous ne les connaissez pas, c’est probablement un des bands les plus uniques de leur génération. Beat box, synthétiseur, guitare électrique et visages cagoulés, Cuir s’impose comme un band totalement unique. Tu ne peux pas te dire : tiens, ça ressemble à ci ou à ça. Non ! Du Cuir, ça ressemble à du Cuir, point barre. Et la prestation était assurément mémorable.

La soirée s’est terminée avec The Chisel, excellent band émergent de la scène Oi britannique.

Ce fut un week-end complètement parfait. C’était mon premier Montréal Oi Fest, mais je peux vous dire avec certitude que ce ne sera pas mon dernier. Déjà hâte de voir la programmation de 2027. Longue vie à eux.

Merci à Baldy Sound Productions de m’avoir accueillie. Un merci particulier à Patrick Meunier, un des organisateurs de l’événement, avec qui j’ai eu la chance d’échanger quelques brefs mots. Merci pour ton accueil et ta gentillesse.

Pour lire tous nos articles : lebadcrew.ca

Rédaction : Claudia Bo

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Il est indiqué que cet évènement regroupant quatre bands est organisé par HELLX et Punx & Bella Kills. En fait, c’est une première pour HELLX qui frappe fort avec The War Lovers de New York et trois solides formations québécoises : Desaxed, The Defamed et Ballistix.

HellX Productions, Ryot Punx & Bella Kills Productions

BellaKills Productions organise à l’occasion des concerts dans le coin de Montréal. La batteuse de The Defamed fait partie de l’équipe.

Les administrateurs de HELLX DIY Productions, qui vient de voir le jour, sont Alex et Mailloux du groupe Desaxed. C’est un nouveau label D.I.Y. Punk/Hardcore situé au Saguenay qui a pour objectif de produire des spectacles de la scène underground. Un petit démon volant s’est perché sur mon épaule et m’a soufflé à l’oreille que leur deuxième essai serait le 6 juin dans le genre métal…

Le Plaza

Hôtel Plaza et Bar Paradox c’est là que ça se passe, la place à être si t’es à La Baie. Minimum un bon show par mois, voir plus. Pis ya dla grosse 50 !

Desaxed

Desaxed fait, bien entendu, partie par défaut du lineup. Groupe hardcore saguenéen qui fait de plus en plus sa place. Je vous invite à lire mon article, critique sur leur album éponyme.

20 heures 20 et c’est parti. Il y a tout de même quatre setlist à clencher. Mailloux, le chanteur imprévisible nous arrive avec un look un brin différent. Son crâne est garni d’une crête rouge.

Surprise ! Un de nos chums de St-Gédéon arrive, après s’être tapé une heure de char en solo. Mailloux poursuit son manège vêtu d’une chemise blanche patchée Cuba, avec laquelle il se fabrique une cape de fortune. Son collègue Alex est en camisole et en shorts. Fuck l’hiver !

Ce dingue amical se garroche dans le trash immédiatement au courant de la première chanson. Filant à toute allure, bousculant tout ce qui se trouve sur son chemin.

« Fuck you! Ce n’est pas un message politique. Je ne vous fusillerai pas tous. C’est de l’Art. Il n’y a pas de morale. »

Ironiquement, la dernière en est une. Ces gars-là se crissent pas mal de tout.

La Baie se réveille, ça se ressent, ça sent. Tolérable jusqu’à un certain point. Nous avons besoin d’oxygène pur, c’est une nécessité. Mon amie pipée règle partiellement la situation ; elle crée un courant d’air frais en tenant la porte extérieure ouverte à l’aide de deux cannettes de bière comme shim. Merci !

The Defamed

21 heures 15 et The Defamed prend place, groupe punk montréalais que je suis depuis un bout. J’ai écouté leur album The Secret of the Booze à maintes reprises. Je vous invite à lire mon article lors de leur participation au Buckfest en mars 2025.

Sara se présente avec une chic robe noire à pois blancs, à la Angine de Poitrine.

Elle est actuellement l’une des meilleurs drummeuses du Québec, imposant sa manière de jouer.

La dernière fois que je les ai vus live, leur formation comptait trois membres. Ce soir, j’en dénombre quatre. Le quatuor des tortues ninjas est désormais complet.

Un petit nouveau, barbu aux cheveux longs à la guitare injectant avec lui son style plus métal. Il apporte son bagage musical et sa touche à l’interprétation suggérée.

Finalisation de leur prestation sans taches avec Get the fuck out.

The War Lovers

22 heures 58 et The War Lovers s’installe, seul band que je ne connais pas à s’exécuter en cette soirée déjà bien entamée. C’est un duo dangereux.

Chanteur et guitariste au mohawk à la double crête.

Batteuse aux teints asiatiques tellement solide, droite et juste avec son adresse impressionnante. Déployant sa coiffure stylée, élégante comme un paon.

Découverte plus que géniale The War Lovers, des génies musicaux.

Pour surenchérir, rappelons-nous qu’ils accomplissent cet exploit en étant seulement deux. Ça ne sonne pas comme tel. Un cover plus que connu pour leur avant-dernière Punks not Dead.

Ben oui, ils ont un vinyle Best of à vendre sur lequel je me précipite.

Ballistix

Ballistix est là pour son lancement d’album, et moi je l’ai en vinyle tu sais ben. Suivant une chanson démo sortie en 2024, intitulée Ballistix Wounds.

Ils excellent dans le street punk, à partir de leur quartier général à Longueuil.

Il est maintenant l’heure de monter sur le stage. Une tension palpable plane, en suspension dans l’air. Je vois bien qu’il y a quelque chose qui cloche. Le chanteur n’est pas ready. Le bruit court dans la foule qu’il est là, mais qu’il souffre d’une extinction de voix ou d’une gastro.

Finalement, nous apprenons qu’il est malencontreusement en train de vêler, de se vomir le corps dans le backstage. Déception immédiate.

Un plan B inexistant doit être pondu sur le champ. Il est statué que la prestation aura lieu avec des chanteurs invités, improvisés.

C’est Sara Bells de The Defamed qui brise la glace en chantonnant un titre avec les paroles affichées sur son cellulaire, en soutien.

Les punks, toujours partants, embarquent. Ils sont encore crinqués, le plat de résistance n’a même pas encore été consommé.

Le chant continue de s’alterner d’un vocal et un autre. C’est au tour d’Alex, singer de Desaxed d’entrer dans ce jeu musical. Le reste du groupe est sur la coche.

À une prochaine

Bye gang! Je suis rassasié, mais honnêtement pas complètement satisfait. La bonne nouvelle pour eux est qu’ils ont malgré tout assuré, Ballistix. Je retournerai les voir en show, le plus rapidement possible. On est sur semaine, alors je travaille quand même demain matin.

Mon coup de coeur est distribué, sans aucun doute à The War Lovers. Empressez-vous d’aller en écouter, de vous en gaver. En résumé, quatre grands groupes ajoutés à mes écoutes quotidiennes, et que je reverrai assurément avant longtemps.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Annie Freska

Correction et révision : Julie Fortin

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En ce 1er mai 2026, Come Back from the Dead nous déterre une agréable nausée avec son old school death metal espagnol à écouter : Ad Nauseam.

Chronologie d’une exhumation 

En 2008, le guitariste Héctor López (Nashgul, Black Panda, Asedio, etc.) et le batteur Marcos Pazo (Cenotaph, Sepulcro, Ekkaia, etc.) ont débuté un projet studio à A Coruña, en Galicia, en Espagne, pour créer du death metal sans pitié. Quelques chansons avaient alors été composées avant que les deux fassent une pause qui perdurera jusqu’en 2012. Le duo trépassé va se déterrer, à l’instar de ces quelques titres, lorsqu’il se reforme pour forger l’armature toujours intacte des deux membres fondateurs avec leurs nouveaux zombies : Paul Silva à la voix, Miguel Blanco à la seconde guitare et Iago Pardo à la basse. 

La première démo de Come Back from the Dead, sur laquelle sont inclus leurs deux premiers morceaux, vit le jour en 2013 alors qu’un certain Chinín était encore à la place de Iago. Cet opus servit de prélude à leur premier album, The Coffin Earth’s Entrails. Ce dernier est sorti sur BlackSeed Productions en CD et vinyle en 2014 avec le réenregistrement des deux démos auditives de l’année précédente ainsi que huit nouvelles pièces additionnelles. 

À la suite de quelques spectacles effectués en 2017 sur le territoire espagnol, CBFTD enchaîna avec Caro Data Vermibus, quatre chansons réalisées en vinyle 10 pouces en collaboration entre Abstract Emotions et Mono Canibal et en CD et coffret sur Transcending Obscurity Records. En 2019, ce label s’est chargé du disque suivant, The Rise of the Blind Ones, pour toute les versions : numérique, vinyle, CD et coffret.  

Ces 10 morceaux ont été les derniers à sortir de leur tombe avant la fameuse pandémie qu’on connaît tous, la COVID-19, qui les poussa initialement à un hiatus qui se poursuivit par le fait de maladies qui touchèrent certains membres. Heureusement, aucun n’a été amputé.

Ad Nauseam : nausée putride ancestrale

Ils sont par la suite retournés en studio avec un contrôle total sur leur musique puisqu’ils se sont eux-mêmes occupés de l’écriture (forcément) tout en déléguant la tâche de l’enregistrement et du mixage à Héctor au Lucifixion Studio d’A Coruña. De plus, c’est leur propre label, Coffin Entrails Sound, ainsi que celui d’un des morts-vivants du band, Taûme Records (logo ci-dessus), qui réalisent en vinyle Ad Nauseam, leur réincarnation sonore dans laquelle a muté le old school death metal suédois et américain avec des nuances death ‘n’ roll. Le groupe défini même un peu cet EP comme un mix bâtard d’Entombed et d’Autopsy. 

En ce qui a trait aux autres exhumés qui ont contribué à la création de ce disque, Magnus Lindberg de Cult of Luna a masterisé le tout à VRTKL Audio en Suède, El Yeti s’est occupé de la mise en page et du design, César Valladares de Decapited Christ a dessiné l’ensemble des illustrations et le logo est de Anustes. Sans oublier le Camigraphic Lab qui a sérigraphié, sur le côté B du vinyle, l’image suivante de César :

Pour introduire leur retour dans le monde des vivants, CBFTD a graduellement dévoilé chacune des quatre chansons du EP, à coup d’une par mois. Le groupe commença par Sick to Death le 6 février 2026, suivi par Waves of Maggots Over Oceans of Rot le 6 mars ainsi qu’Autopsy of a Genocide le 3 avril et termina par le titre éponyme, Ad Nauseam, le 1er mai. J’ai disséqué pour vous chacun de ces morceaux morbides dans la section suivante. 

Critique moribonde

1. Come Back from the Dead ouvre en force avec Sick to Death. Le groupe a totalement raison de se comparer à Entombed : le son old school death metal et death ‘n’ roll est parfaitement incorporé dans cet amalgame puissant et sinistre. Le riff est digne d’une version extrême d’une musique de film d’horreur et la voix provient nettement des profondeurs d’un cimetière. Les paroles sont blasphématoires comme on l’aime généralement dans le métal extrême.

2. Waves of Maggots Over Oceans of Rot perpétue le sentiment nauséeux avec un rythme lent et une mélodie caverneuse en introduction… Jusqu’à un break à 40 secondes qui repart de plus belle le titre en rapidité avec un mini-solo. Le riff transposé une octave plus haute et les coups de cymbale additionnels amplifient un refrain apocalyptique. Un tsunami d’asticots et de notes nous envahit par la suite jusqu’à la fin du morceau. 

3. Originalement apparu le 24 juin 2025 sur Under the Blade of a Zionist Nightmare Vol IV – And We Have to Fight Back!, une compilation en soutien avec le peuple palestinien, Autopsy of a Genocide est la trame sonore de l’analyse de ce crime destructeur de peuple. Cette chanson est une attaque auditive où la batterie est une arme et où le refrain et le solo représentent un certain calme anxiogène entre chaque frappe annihilatrice musicale. 

4. En clôture du EP, le morceau éponyme, Ad Nauseam, continue l’old school death metal classique avec des riffs répétitifs qui martèlent nos tympans. Un solo ténébreux de guitare intervient après une courte pause où les instruments ont laissé place au soliste. Le disque se finit sur une section parfaite pour déchaîner sa tête, ses cheveux et son cou à coup de headbanging.

C’est probablement la meilleure nausée que j’ai vécue. Le son général du EP nous ramène vraiment au fondement du old school death metal et du death ‘n’ roll sans cependant être une copie conforme de ses prédécesseurs. Come Back from the Dead s’extirpe de sa tombe et j’espère qu’il n’y retournera pas de sitôt, du moins pas avant de faire un petit séjour au Québec afin de découvrir ces morts-vivants en personne.

(Pour d’autres articles qui traitent du death metal, c’est ici.)

Encouragez Come Back from the Dead

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Bandcamp : https://comebackfromthedeadofficial.bandcamp.com/music

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Youtube (Taûme Records) : https://www.youtube.com/@TAUMERECORDS

Instagram (Taûme Records) : https://www.instagram.com/taumerecords

Crédits :

Rédaction : Eddy H. Chavaudret

Photos : Come Back from the Dead et Virginia De

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Soap Charge

Soap Charge est un band de Tulsa, en Oklahoma, né en 2009, simplement pour le plaisir. L’envie de boire des bières tout en apprenant à jouer. S’inscrivant dans la longue tradition street du Do It Yourself, ils ont appris à jouer sur le tas. Ils ont tout de même réussi à se tailler rapidement une place sur la scène underground.

Ayant une approche brute et sans prétention, leur influence est comparable à des bands légendaires comme UK82. Ou encore, plus près de nous, à The Briefs ou The Virus. Dignes rejetons d’un son se prêtant au pogo punk avec des airs légèrement power pop, ils enlignent les riffs énergiques et les refrains fédérateurs. Voici donc ce que j’avais à dire sur ce split.

Lower Class Pleasures

Criss de belles découvertes. Dès les premières notes, j’ai complètement adoré. C’est joyeux, festif, énergique et léger. Beaucoup de sing along et des riffs mélodieux. Des paroles simples et une voix parfois criée, parfois mielleuse. Bref, tous les éléments sont réunis pour me charmer.

Ils vont peut-être me pitcher des roches, mais le son est un parfait mélange entre le street et le skate punk de première génération, à la fin des années 80. Le style et l’attitude sont plus street, avec des riffs et des bridges à la sonorité skate punk. Pas sur toutes les pièces, mais à plusieurs reprises. Au total, sept pièces qui font du bien.

Unwanted Noise

Unwanted Noise n’a plus besoin de présentation depuis fort longtemps. Le band, malgré le jeune âge de ses membres, peut désormais trôner au sommet des vétérans de la scène street punk québécoise. Dignes représentants de la scène d’ici, ayant même une portée à l’international, il suffit de les voir en prestation live pour attester de leur énergie brute et instinctive.

Bientôt présent depuis une vingtaine d’années, on espère qu’ils garderont cette fougue qui les caractérise encore bien longtemps, et que l’on pourra continuer de les voir fouler les planches encore et encore. Chacune de leurs sorties est vivement attendue et appréciée. Celle-ci ne fera pas exception.

Take Aim Fire | Unwanted Noise

Sauf erreur de ma part, le side de Unwanted Noise compte six titres, dont cinq nouveaux morceaux et une version remastérisée de Prevail, tirée du plus récent album Bury Me On The South Shore.

Ces derniers, connus pour leur son rapide et entraînant aux multiples sing along, semblent avoir atteint une maturité, tant dans la sonorité que dans la voix. Les back vocals apportent une pesanteur puissante aux différentes parties, devenant pratiquement à eux seuls un instrument, se mariant à la perfection avec la voix de Nick, le frontman.

Du début à la fin, on dirait un hymne appelant à la contestation et à la révolte. Et c’est particulièrement vrai sur les pièces The American Way et Same Old Story. Les pièces s’enchaînent les unes à la suite des autres comme une parfaite symphonie, dans une symbiose de rythmes et de paroles remplies d’émotion.

Je ne saurais dire quel morceau est mon préféré sur le side de Unwanted Noise. Peut-être est-ce que je manque d’objectivité. Mais c’est PARFAIT du début à la fin. Cette sortie sera définitivement dans mes préférées de 2026, et elle sera difficile à déloger, du moins, dans ce style en particulier.

Pour lire la critique de l’album de l’album Bury Me On The South Shore, c’est par ici.

Rédaction : Claudia Bo

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

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L’histoire

Klek et Khn de Poitrine sont des frères extraterrestres, atterris en jouant du jam rock microtonal. À leur arrivée sur Terre ils se sont installés à Saguenay. Petit pois noir et blanc, coutumes de signe de triangles et allure mystérieuse, ils ont complétement percé lors de leur apparence à KEXP en février, totalisant maintenant plus de 11 millions de vues sur YouTube. Dans les deux derniers mois, leur popularité a pris énormément d’ampleur. D’ailleurs, le groupe part prochainement en tournée européenne, et les billets se vendent rapidement ! Polka-dots qui apparaissent sur Google à la recherche de leur nom, une mention de la part de Dave Grohl, un article de fond dans le New York Times… on a l’impression qu’on ne peut pas y échapper !

Malgré l’abondance de presse reçue récemment, et les opinions variées des mononcles et matantes après les avoir vus sur Tout le monde en parle, ça reste qu’Angine de poitrine est un phénomène incroyable. Leur importance prouve aussi que c’est possible qu’un groupe du Québec puisse être reconnu à l’international, quasiment du jour au lendemain. Et ce, complètement grâce à leur talent pur et à leur originalité. 

Leur musique

Angine de poitrine jouent ce qu’ils qualifient comme étant du « Mantra-rock dada pythago-cubiste ». Khn à la guitare-basse à double manche microtonale (avec le double de frets), utilise une variété de pédales afin de faire des loops répétitifs. Klek, lui, complète le tout avec des beats complexes et une énorme précision rythmique.

Essayer de décrire la musique d’Angine de poitrine en langage terrestre n’est pas la chose la plus simple. Citer leurs influences ou leurs équivalents me parait superflu parce que, franchement, leur son est unique à eux. Un amalgame de math-rock expérimental avec des parties qui transcendent la réalité. Le genre de musique qui est fait pour être écouté seul, avec une attention exclusive.

Mis-à-part cela, ils sont une des choses les plus originales à devenir virale récemment. Que leur viralité provienne d’un besoin profond de quelque chose d’humain (ou dans ce cas, extraterrestre) dans un monde terni par l’IA; ou bien une simple appréciation pour leur talent artistique, ils semblent avoir frappé la cible de ce dont le monde avait besoin.

Le spectacle

Les grand rideaux rouges ferment. Le suspense monte pendant que le décor de fond descend derrière. Les lumières ont baissé, et Africa de TOTO joue dans la salle. Enfin, Angine de poitrine monte sur la scène du Club Soda.

La messe a commencé. Tel un culte, tout le monde lève leurs mains en forme de triangle pour les accueillir. Les frères réciproquent leur coutume en émettant des grommellements. Le triangle dans la tête de Klek ainsi que les yeux de Khn s’illuminent en rouge et jaune. C’est parti pour l’aventure.

Ils ont joué un set de neuf chansons, bien sûr faisant le tour du Vol II. Entre les tunes, les frères communiquent à cris aigus et étranges, parfois répliquant leur propre nom.

Le crowd, sautillant à chaque chanson, a matché l’énergie sans faute. Le parterre ne cessait de bouger, passant d’un circle pit à une vague de personnes sautant comme des malades, toujours autant remplis de mains en l’air, brandissant le signe triangulaire. Les nez gigotant sous les deux triangles suspendus illuminés, Angine de poitirine a livré une performance inoubliable.

Les charmants extraterrestres ont clos leur spectacle avec leur chanson populaire du Vol I. , Sherpa. Le gospel poitrinien a été partagé à tous, et, comme ça a débuté, c’était fini. Les rideaux rouges se sont refermés sur la mélodie d’Africa et à ce stade, les fans savent qu’ils ne jouent pas de rappel.

Les premières parties

Nous avons eu le droit à deux premières parties surprises, tout d’abord, René Lussier et Roby Kuster, un duo jazz expérimentaliste qui a beaucoup inspiré la musique d’Angine. Dynamiques et d’avant-garde, ils nous ont tous intrigués et impressionnés avec leur technicalité musicale. Les deux musiciens ont sorti leur album, Fiat Lux, en 2025 avec la même maison de disques qu’Angine de poitrine, Spectacles Bonzaï.

Par la suite, Surf Rock Unusual Fantasy, un groupe de – vous l’avez deviné – surf rock, a pris la scène. Ce groupe originaire de Alma a livré une performance énergétique, tous vêtus de chandails hawaiiens. Des riffs tropicaux ont rempli la salle pendant qu’une bouée gonflable en forme de flamant rose circulait dans le parterre. Si ce n’était pas déjà l’été, ce l’est maintenant ! 

Vous pouvez en lire davantage sur Angine de Poitrine dans d’anciens articles du Bad Crew listés ci-dessous.

Angine de Poitrine: Vol. II, les frères de Poitrine contre-attaquent

Angine de Poitrine, le cordon du cœur bien accordé

Angine de poitrine au purgatoire

Rédaction : Beatrix Hooton

Correction et révision : Julie Fortin

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Ce soir 9 avril, Les Cornets Volants et The Meteors brûleront les planches du très connu Café du Clocher. Clairement, les astres se sont alignés pour permettre le passage de ces étoiles anglaises. En ce soir de semaine, la place se remplit à un rythme régulier. Peu à peu, les groupes d’amis se forment à l’extérieur et savourent la première météo clémente depuis longtemps.

De la marchandise surprise

Quelques jours avant le spectacle, j’avais lu quelque part qu’aucune merch’ des Meteors ne serait disponible pour la vente. Quelle ne fut pas ma surprise de voir chandails et écussons étalés à la table de l’entrée !

En discutant avec le sympathique roadie du groupe, j’apprends que le band a parcouru plus de 3300 miles [5311 km], depuis le début de son périple. Enfin, bien que les Meteors aient veillé à garder quelques items pour les dernières dates, la ligne est mince entre tout vendre ou en ramener. Tout de même, il est gentil de réserver ce que je convoite, le temps de faire le plein de billets verts.

À la fin de cette discussion animée, j’apprends que les gars des Meteors sont assez contents de jouer dans l’Est. En effet, ils n’ont que rarement l’occasion de voyager de ce côté du pays. En toute confiance, je lui promets bien du plaisir durant la soirée. Comme prévu, la foule de feu du Saglac a accueilli The Meteors, avec chaleur et énergie.

Les Cornets Volants, décollage réussi

Puisqu’une soirée ne saurait commencer abruptement, Les Cornets Volants préparent leur entrée à partir du perron même du Clocher. Ma meilleure amie et moi rentrons rapidement pour ne rien manquer de ce spectacle sucré. Joe Pistachio (voix), Vanilla Gab (guit’), Choco Stef (basse) et BananAlexis (drums) recréent le yéyé durant tout le temps de leur prestation. De blanc et de rouge vêtus, ils partagent leur version très énergique de Tu ne veux pas de moi et Mon ange blond.

Une fois cette première dose de sucre ingurgitée, Les Cornets entremêlent savamment les covers aux titres originaux. Lors de l’introduction d’Ils iront sur la Lune, sujet ne manquant pas de susciter quelque passion « spatiale », la foule s’émerveille. Évidemment, ce hit bien placé est un clin d’œil à la mission Artémis II, alors en périple du côté du satellite naturel de la Terre.

Atterrissage contrôlé

En cours de route, le band ne manque pas de souligner son petit virage vert : « on est maintenant écoresponsable ». En effet, des couvre-chefs en feutrine remplacent les calots de papier jetable d’avant, préservant leur esthétique de bar laitier jusqu’à la dernière note. On aime. Finalement, Les Cornets Volants garnissent leur sundae musical de Sucre moi les fraises. S’ensuit tout de suite Monster Mash chantée en français s’il vous plaît. Quelle entrée en matière intersidérale.

The Fkn Metors, la pluie céleste

Quand je rentre après l’entracte, la place est pas mal plus jam pack que tantôt. Sans surprise, les fans sont venus en grand nombre pour apprécier le psychobilly un peu trash dont The Meteors a le secret. Ce band, originaire du Royaume-Uni, en est à sa première présence au Saguenay – la 15e date d’une tournée de 21 spectacles. La foule ne cache pas sa joie et se remue dès les premiers accords.

Immédiatement, la place vibre, respirant au même rythme que les assauts électriques. De plus, Paul Fenech (voix) échange avec le crowd entre les chansons, s’excusant même de sa voix un peu éraillée. Personne dans la pièce ne lui en veut, c’est certain.

OTMAPP – Only The Meteors Are Pure Psychobilly

Force est de constater que les kilomètres ont eu un effet dynamo sur The Meteors, qui aligne les succès presque les uns après les autres. La foule calque son mouvement à même la musique, riche et puissante. Alors résonne le psychobilly pur lors de Maniac ou de Fuck Your World, devant le public conquis. Après une heure bien sonnée, et la chanson I Hate People garochée avec verve peu commune, le set des Metors prend fin. Malgré la générosité du groupe, la foule affamée réclame un rappel, histoire de se rassasier totalement. Malheureusement, cette soirée magique se termine sous les cris d’espoir des « encore » qui retentissent. N’empêche, un événement du genre ne se produit pas souvent.

Rédaction : Julie Fortin

Correction et révision : Jess Peach

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The Meteors : une nuit de psycho aux Foufs. Journal de bord du Bad crew, le 11 avril 2026 aux abords des Foufounes Électriques. J’ai suivi de près la trainée des Meteors lancée depuis Londres. Afin d’être moi-même ébloui, je me suis élancé tête baissée vers la dernière date de leur présence au Québec, aux Foufs à Montréal.

Le spectacle, organisé par les productions Macadam, présente un superbe line up, très loin de l’équipage de fortune. Pour ouvrir la soirée, avant les Meteors : The Lab Ratz, Bloodshot Bill et Déjà Voodoo, un alignement d’étoiles rarement observé. Une curiosité morbide m’habite. Je veux à tout prix être témoin de cette pluie de Meteors, et des groupes sidéraux la précèderont ce soir.

Prémices sur la ligne verte

Durant la journée, je profite de ma saucette dans la métropole pour visiter café La Ligne Verte, rue Ontario. En effet, un événement de vente et d’échange (vinyles, CD, cassettes, t-shirts, etc.) s’y déroule. C’est l’un de ces events où tu réserves un budget en promettant de t’y tenir. Toutefois, ça se déroule toujours comme dans un western : tu rentres, tu dégaines et tu te tires. De mon point de vue d’étranger, je peux vous confirmer qu’on s’y sent comme dans un deuxième salon. La salle à manger déborde d’une clientèle de tous styles, et le staff y est très accueillant. Les quelques kiosques recèlent d’une panoplie de trésors pour les amateurs de musique. D’ailleurs j’ai défoncé mon budget en 35 minutes, mais j’y retournerais n’importe quand.

Avis à la population ! Le café La Ligne Verte est présentement à la recherche de bands intéressés à jouer dans leur salle (100 places) cet été. Si tu as un projet musical, des tunes à tester, bref si le chapeau te fait envoie ta proposition à : bookinglaligneverte@gmail.com

The Labs Ratz : des cobayes contrôlés par le psycho

Cette soirée aux saveurs Rockabilly est animée par The Great Ghoul Arnia, à la présence captivante sur scène. Cette goule réchauffe aisément la salle de quelques blagues. Je ne capte les anecdotes qu’à moitié, car je croise le chemin de Charly Martin, chanteur de Labs Ratz, à qui je donne un coup de main amical.

The Lab Ratz, groupe de psychobilly montréalais enflamme le crowd dès les premiers claquements de basse de Nuke Storm. Tous dansent et se laissent entrainer par la rythmique effrénée du band. En d’autres termes, le contrôle musical est total, et toute résistance est inutile. Une atmosphère de douce folie plane à l’intérieur des murs des Foufs. Tous entrent en collision dans un espace restreint, aucun corps connu ne peut résister au beat entrainant des Labs Ratz. 

Bloodshot Bill, l’homme-orchestre

Quand j’ai vu la file de gens se poursuivre jusqu’à l’extérieur après les Lab Ratz, je me suis à ne pas sortir fumer pendant les entractes. Le temps de rebrousser chemin, le public s’était contracté au point où il était difficile de trouver un bon point de vue. Je décidai de monter sur la mezzanine afin d’avoir une vue en plongée.

C’est alors que Bloodshot Bill s’installe seul sur scène. Il est devant son bass drum en peau de vache, muni de sa guitare. Le public le gave d’une avalanche de cris, impatient qu’il est de se délecter de son son unique. Bill semble appartenir à une autre temps, comme directement catapulté des années 50, pour notre plus grand plaisir.

La vibe Bloodshot Bill

À lui seul, il captive la salle tout au long de son set list totalement éclaté. Son énergie sur scène est indéniable, il bouge et danse en chantant ses chansons sans relâchement. Beaucoup dans la salle l’observent, entraînés par sa vibe qui nous frappe de plein fouet. Bloodshot Bill est une de ces bêtes de scène enjôleuses pour tout amateur de musique. Son style, la puissance de ses prestations et son charisme font de cet artiste un véritable orchestre en un seul homme. 

En résumé, j’attendais depuis longtemps que les planètes s’alignent et me donnent l’occasion de voir Bloodshot Bill, dont la musique à souvent bercé mes journées. Maintenant, j’ai hâte de renouveler l’expérience de me faire brasser au son de Bloodshot Bill, si l’occasion se représente.

Gerard Van Herk et Bloodshot Bill jouent Deja Voodoo

**Léger retour en arrière**

Dès mon arrivée aux Foufs ,je me dirige vers les tables de merch‘ et Gerard Van Herk avec la ferme intention de me procurer au plus vite son vinyle Martian Kiss. Cet homme est un attachant personnage. Tout de suite, il m’a tendu la main avec le sourire en me voyant me diriger vers lui. Très accueillant et proche de ses fans, on l’adopte sans hésitation.

Le duo souhaité

Van Herk à la guitare et au chant est accompagné de Bloodshot Bill aux drums, et ils nous jouent Déjà Voodoo (Van Herk étant un des deux membres fondateurs). Ce groupe canadien de garage rock des années 50 au son psychobilly venu d’ailleurs ou sorti d’un vieux film d’horreur, nous possède par son rythme lent. Pour dire, c’est une musique idéale à écouter chez soi. J’ai ressentie une joie incompréhensible à danser au ralenti.  

Entre certaines chansons, Gerard Van Herk interagit gaiement avec le public, racontant certaines anecdotes de sa carrière. Par ailleurs, je reste encore surpris du nombre de gens qui ont crié leur présence au dernier show de Déjà Voodoo à Montréal, trente ans auparavant. Bref je m’assume, je suis maintenant un grand fan. Foncez sans hésiter si vous voyez passez ce nom dans une salle de spectacle à votre portée.

The Meteors : un passage sidéral.

The Meteors envahissent les cieux de la ville, leur dernier passage à Montréal remontant aux années 80, c’est un spectacle à ne pas manquer. En effet, dès l’annonce de leur venue dans la province, par les productions Macadam, je comptais les jours sur le calendrier.

On sent l’excitation en chaque personne présente quand le groupe monte sur scène. Une légère interrogation de plusieurs, au fait que le drummer reste debout derrière son instrument… peu conventionnel et intriguant.

Pionniers de la fusion du punk rock et du psychobilly, the Meteors, comme leur son, otn traversé les époques et marqué un style musical à jamais. Pour dire, leur set list est si intense qu’il passe en un instant, tous ici dansant au même rythme que la musique. Cela transforme le plancher sous nos pieds en une véritable trampoline, qui swingue en cadence avec le crowd. Le show aurait pu se finir un étage plus bas créant un cratère devant la scène, personne n’en aurait été étonné.

The Meteors sont des légendes vivantes, et le show de ce soir au Foufounes électriques fut épique, avec un line up de premier choix. Ce spectacle est officiellement un moment fort de l’année 2026. Un merci spécial aux Productions Macadam d’accueillir au Québec de tels artistes en permanence.

Rédaction et photo : Jerry Cherry

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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Âmes nocturnes voguant à la recherche de nouveaux beats en loop pour caresser leur ouïe. J’en suis et j’ai téléchargé l’album en format numérique. Ce que je ne fais jamais étant de la vieille école avec le format physique (vinyle/cd/k7), mais j’ai fait exception pour vous lecteurs avares d’informations musicales sur vos artistes préférés. Je ne vous cacherai pas que ça fait joliment mon affaire de pouvoir nourrir mon impatience, m’éviter une attaque.

Bibittes bizarroïdes

Dans cet article, il y a des évidences, vérités, légendes, suppositions, rumeurs et ouï-dire. Ramassis de tout ce mix agencé à ma critique de ce nouveau météore tombé sur le peuple terrien.

J’ai su ce matin que Angine de Poitrine a fait une apparition surprise à 00h01 tapant au Quai des brumes. Ils sont déjà attendus à 20h, ce même jour, au Club Soda où aura lieu le lancement officiel.

Burn-out commercial

Ils retournent le Québec en entier de bord en bord et nous mettent sur la map. Toutes les boutiques en ligne sont à sec de la totalité de leur marchandise. Pendant les petites heures de la nuit, les disquaires affolés préparent les centaines de commandes à gérer.

Les présentations

Angine de Poitrine est un groupe math-rock expérimental et instrumental aux allures clownesques. Duo de chaleureux humanoïdes âgés de 333 ans, au parcours peu commun. Nez cylindriques, picotés de la tête aux pieds et encore en période d’adaptation avec notre race humaine. Suscitent la curiosité, un intérêt immédiat d’en savoir davantage. Démarche artistique complexe et complète, un 360 degrés soigné.

Knh, guitariste et bassiste hors pair présentant sans gêne la nudité de ses pieds. Le fakir des notes de musique tranchantes et épineuses. Ses orteils qui fourmillent sur les nombreuse pédales lui offrent la précision nécessaire à l’exécution de ses spectaculaires accomplissements. Accompagnés de ses savants pas de danse, c’est physique comme performance.

Klek, batteur et responsable de la rythmique ultra pointue devant être soutenue. Lent et chirurgical lorsqu’opportun, rapide et incisif quand la rigueur dictée l’exige. Complétant à merveille son comparse en faisant régner l’ordre. Il s’accroche aux boucles musicales initiées et ensuite répétées. Attachants, ils sont.

Menk, c’est le gars de la merch, troisième frère de poitrine les suivant pratiquement partout. N’oublions pas le concepteur de l’instrument de l’espace alliant physiquement une guitare à une basse pour ne faire qu’un. Raphaël Le Breton, luthier d’Alma et propriétaire de la Lutherie Le Breton. Quant à lui, il ne vient pas d’une autre galaxie.

Symbole universel du triangle

Ils prouvent, démontrent que la musique c’est aussi mathématique. Ce sont des bollés, bêtes, fêlés de calculs. Fixation sur le nombre trois qui revient régulièrement, associé au théorème de Pythagore et aux pyramides. On raconte que leur vaisseau spatial s’est posé sur la Pyramide des Ha! Ha! Lieu touristique de La Baie qui subira une croissance considérable de son taux de visite, achalandage certain à prévoir.

Twilight Zone

Un goût musical qui se developpe, se façonne à la consommation auditive pour devenir ensuite une envie incontrôlable de les écouter en boucle. L’infini nous fait alors face. Sentiment contradictoire que l’on veut que cette boucle finisse par aboutir, mais en contrepartie on ne veut pas que notre buzz mental s’estompe trop promptement.

Éveil de la fibre artistique parfois enfouie profondément, mais existante pour tous. Stimulation de la créativité, réveil d’une inspiration cérébrale qui passe en mode actif. Voyage astral, réalité parallèle idéaliste. Écoute encore plus divertissante et pleine de sens avec support visuel, vidéo éclaté. Tentez l’expérience pour profiter pleinement du trip. Comprendre, saisir la profondeur de leur art.

Larons en foire

Ils ont débuté en répendant, dépeignant leur couleur dans les petites salles. Passant de l’underground à la lumière publique. Un esprit punk se dégage de leurs compositions. Pour les avoir vus à quatre reprises en spectacle, ça slam, un trash amical prend vie à chaque fois.

Je vous invite à lire mes deux autres articles rédigés sur ce super band :

• Angine de poitrine au purgatoire
• Angine de Poitrine, le cordon du cœur bien accordé

Phénomène intergalactique

Performance épique sur KEXP les ayant fait rayonner mondialement. L’actualité se colle à eux, passe par leur visage, marque de commerce. Passage obligé à la célèbre émission Tout le monde en parle. Un vortex s’est ainsi créé et tournoie sans arrêt depuis ce temps.

La société se réveille ; il y a autre chose qui parcourt leurs oreilles, fait vibrer leurs tympans que la musique formatée passée sur les radios dites commerciales. Ils ont carrément brisés l’Internet. Valeur marchande de leurs vinyles qui explose exponentiellement sur les sites de revente. Pubs de commerces, propriété intellectuelle violée. Contrefaçons alarmantes. On ne voit qu’eux!

C’est même devenu un débat social, le Québec se divise! Ça polarise, les gens en déchirent leur poitrine. Les complotistes s’activent, s’en délectent maladroitement. La famille s’en mêle, la belle-famille, unisson ou chicane entre âges vénérables et juvéniles. Pourtant ce sont les mêmes qui idolâtraient Kiss. Des personnes qui vieillissent mal, ne ‘s’adaptent pas. Conflit générationnel qui n’a pas lieu d’être. On a ici seulement deux êtres flyés qui trippent, that’s it!

La trajectoire a également atteint des gros noms de l’industrie qui se sont prononcés positivement. Vedettes, figures emblématiques du paysage musical international. Par exemple, Dave Grohl de Foo Fighters pour n’en nommer qu’un. Les anglophones sont mignons lorsqu’ils tentent de prononcer correctement « Angine de Poitrine ». Ha ha! Je me bidonne à chaque fois.

Rien de moins que le New York Times comme Malajube l’avait fait à l’époque. Angine de Poitrine a vraisemblablement été approché par de grands labels comme Warner Music. Il semble qu’ils désirent conserver leur indépendance, advienne que pourra avec les avantages et inconvénients qui l’accompagnent.

Vol. 1

Leur premier album Vol. 1 renfermait six pépites. Ma favorite étant Sherpa. Ce qui signifie que la barre est haute et l’attente insoutenable risque d’être sévère. Les junkies patientant l’arrivée de leur dose de Poitrine.

Area 51

Maintenant bien installé confortablement dans leur univers particulier, plongeons dans le vif du sujet : ce fameux Vol. II. Profitons de notre passage dans la zone 51 pour disséquer cette paire d’extra-terrestres. Découpons leur six récentes inventions une par une, morceau par morceau…

1. Fabienk

Fabienk est le titre d’ouverture. Hommage à leur premier gérant se prénommant Fabien. Nous nous sentons en territoire connu, zone confortable jusqu’à exactement 3 min 10 sec. Durée de 6 min 31 sec et donc divisée en deux parties. Nous vivons une transition, changement sonore.

On nous invite à exécuter une danse langoureuse loufoque avec nos bras, enseignée par Knh et Klek. Le nom de leur nouveau gérant est entendu, prononcé « Sébastien« . Traçant distinctivement, musicalement parlant, ce moment charnière de leur jeune carrière.

2. Mata Zyklek

Mata Zyklek, « Motocyclette ». Sonorité détectée, orientée vers ce merveilleux jeu de notre enfance Excite Bike au NES. Chanson apparue comme single, déjà cajolée. Une vraie ride de moto en partant du démarrage accompagné du signal de départ.

Motocross dans des dunes de sable, dérapages contrôlés dans bouette. Accélération et décélération, ressenties. Les motards de Poitrine s’offrent et nous font profiter d’une ballade à deux roues, toune d’été.

3. Sarniezz

Sarniezz est une discussion, conversation instrumentale. Knh et Klek se répondent mutuellement. Échanges de notes et riffs.

Abondance de paroles, textes comparativement à l’habitude. Surtout en zone centrale de la composition. Pas un monologue, notons une guitare basse très présente, lourde.

4. Utzp

Utzp, la seule pièce inédite qui n’a pas du tout fuitée. Tout comme son appellation l’annonce, le propose, elle détonne. Elle se démarque dès son amorce. Oh là, avons-nous droit à une polka extraterrestre? Je me laisserai facilement emporter dans la mouvance de cette interprétation tellement vivante. J’imagine une danse joyeuse.

La basse s’amène, s’en mêle de manière autoritaire. Guitar hero initiant de belle façon la seconde complexité de la composition. Ça va pas mal plus vite, c’est intense, effréné. Les deux amis venus d’ailleurs poussent leur langue, moyen de communication peu orthodoxe encore plus loin, transmettent du nouveau vocabulaire. J’ai l’impression d’entendre, distinguer une trompette.

5. Yor Zarad

Yor Zarad, la majestueuse, chic et distingué. Écrite pour son altesse par les deux fous du roi. Un style jazzé raffiné. Nous assistons à la conjuration d’un sort, formule prononcée.

6. Angor

Angor commence excessivement brut. Nous avons droit à 22 fois la même note redondante. Entendons les battements de notre coeur fortement émis de notre thorax. La tension est à son comble pour l’éclatement, l’explosion, l’ébullition. Les jointures de Knh dansent, se trimbalent, dandinent sur ses manches de guitare. C’est cardiaque.

Constat favorable

Cette musique microtonale aux apparences indiennes est aussi succulente qu’un poulet au beurre. Salement inspirée des jeux vidéo vintage, car n’importe quelle composition pourrait se retrouver en tant que trame sonore.

Exploration de d’autres sphères, facettes musicales. Exploitation de l’essence du progressif qui fait sa placer. Cadre suggéré, créé, généré et épaulé par des répétitions complémentaires.

Tour dates

Tournée monstrueuse les attends. 85 spectacles pour 2026 avec couverture mondiale à guichets fermés et pour 2027 ce sera plus fou.

Prochain épisode

Fait remarquable lors de leur passage au Club Soda avec l’ajout de luminosité mettant en évidence leurs triangles. Klek a fait peau neuve, adieu les draps. Il a un drum flambant neuf de couleur noir à pois blancs.

Que nous réserve cet avenir rose? Gagnant au GAMIQ 2025, l’ADISQ ne pourra les ignorer pour 2026. Assurément du Bye Bye en fin d’année. Surveillez une entrevue à venir que j’ai réalisé avec les frères de Poitrine.

Je termine avec une recommandation poitrienne vers un autre groupe saguenéen instrumental : Le parc. Invitation lancée pour le Festival de la musique expérimentale qui a été le tremplin de Angine de Poitrine avant le plongeon vertigineux KEXP.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Je recrute deux autres mélomanes grandement intéressés formant ainsi un trio dangereux. Quelques semaines suite à l’achat instantané de nos billets, un ami de la gang se joint au trip. Team Danger est alors complet avec ses quatre membres.

Les Foufs

Cette expérience à venir se déroule aux Foufounes Électriques, ma salle favorite en territoire montréalais. J’apprends par la bande que Codefendants sera aussi présent. Édifice, entité conçue afin d’être apte à y accueillir deux concerts simultanément. Oui monsieur!

Ce concept maximisé dans leurs grosses années ; quand ça débordait au travers des murs avec la gigantesque terasse à pleine capacité elle aussi. Malheureusement, des sommets qui ne seront jamais atteints de nouveau, selon moi, bien entendu.

Arrivés sur les lieux de notre destinée musicographique, achalandage plus élevé qu’à l’habitude remarqué. J’ai alors des flashbacks de mes visites lointaines ici-même avec cette ambiance décrite. Je ressens un peu le même feeling qu’à l’époque.

Tu montes les escaliers et tu te retrouves face à un choix, ta destinée. Deux types de clientèle et style musical différent. Es-tu plus The Boys ou Codefendants? L’un joue au Cabaret des Foufs et l’autre dans la salle avec Mezzanine. Concours de circonstance, je me ramasse dans les deux clans. Tatoué des deux allégeances

Street Panther

Pas Steel Panther, j’ai dit Street Panther. Le band de Montréal annonce ses couleurs ainsi : Muscle Rock Bad Boy Bovver Boogie style of Rock’n’Roll. Je me suis conditionné avant leur prestation avec l’écoute de leur bandcamp. Pour moi, c’est un groupe glam punk empli sans conteste de rock ‘n’ roll.

Toute cette musique explosive est canalisée, dirigée par un trio.

Le vocal peut rappeler du bon vieux hard rock. La guit qui torche l’excellence ; elle lui sort par le bout de ses ongles accérés. Hallucinant!

Premier entracte aux côtés de Conflit Majeur

J’effectue un passage éclair de l’autre côté, The other side. Je tombe face à face, nez à nez avec quatre flots en action. Je ne sais pas si je suis arrivé après leur première toune, mais c’est un moment de répit ben timé. Ils annoncent qu’ils portent le nom de : Conflit Majeur.

Une jeunesse talentueuse qui joue avec enthousiasme leur punk francophone. Ils réussissent à nous faire partager leur joie d’être ici ce soir.

Brillant avenir à l’horizon, à watcher!

J’apostrophe un vinyle pour moi et un de plus pour mon ami qu’un des membres autographie avec le sourire accroché au visage.

Dany Laj and The Looks

Le trio power pop de Dany Laj and The Looks s’installe sur scène.

Bassiste féminine fabuleuse. Batteur en complet, sur son 36. Il doit faire chaud dans le camp!

Ça rocke! Je détecte, décèle des influences de plein de vieux bands qui convergent conjointement pour aboutir à ce son.

Leurs compositions sont imprégnées de nostalgie. On jase d’amour, d’engagement, de sens à sa vie. Parfois, nous avons une folle envie de tout quitter, laisser en plan. Cette angoisse est déconstruite au fil de leurs séduisantes mélodies.

Deuxième interlude avec Codefendants

Je décide de passer cette intermission à mon programme principal dans l’autre party en cours. Rejoignant Codefendants que j’aime beaucoup aussi. Le chanteur tellement énergique en débitant son raggae punk.

Je me réjouis et me régale des trois morceaux que je réussis à pogner illico presto. Je me réconforte de ne pas voir leur spectacle dans sa totalité aujourd’hui, car j’ai profité à fond d’eux au NOFX Final Tour en 2025.

The Boys

The Boys roule sa bosse depuis le début de la vague punk, soit en 1976. Fait notable pour ce soir, deux membres sur cinq sont originaux : les deux chanteurs. Il manque malheureusement le claviériste Casino Steel qui s’est fait opéré il y a peu de temps.

Power-pop

Ils oeuvrent dans la power pop, qui elle est née à la fin des années 60. Style musical qui forme le pont entre les ballades dont on devient accroc directement dans les traces des Beatles, Beach Boys… et la puissance du hard rock. Dénotons-y une guitare saturée, une voix propre et tout est joué d’une précise rapidité.

Dans The Boys, la guitare rugueuse est tellement bonne et distincte parmi la masse assurant le tonus de tous leurs morceaux. Le bassiste et le batteur se relancent aimablement à répétitions. Des chansons, pour la plupart, courtes et directes.

Entrée en la matière avec TCP, issu de leur deuxième album Alternative Chartbusters (1978).

Terminal Love (1979) tirée de To Hell with the Boys suit, très appréciée des fans. Positionnés direct en face du stage aux premières loges. Nous scrutons chaque mouvement, détail dévoilé. L’ambiance est décontractée. Soudainement, un gars tel un bonhomme à ressort surgit proche de nous direct en avant du stage. Il se met à sauter et initier un trash relax peuplé de vieux punks.

En avant ou en arrière, telle est la question? Un choix déchirant entre du gros fun en étant à proximité de mes vedettes en se contentant du son des moniteurs ou la qualité sonore, le confort, l’espace, une vue d’ensemble. Weekend datant de 1980, pas le choix. Accrocheur il est, cet hymne power-pop punk.

Je décèle, entends des tracks tapés pour les passages avec du clavier. Avec ces préenregistrements, on dirait qu’il est davantage audible à ma surprise et satisfaction. Leur boisson ingurgitée est ma sorte la Labatt 50 pour leur cinquantième anniversaire. Retour en 1977 avec I Don’t Care constituant, en fait, leur premier single.

Is back

Bonhomme à ressort de retour, en pleine forme sinon plus crinqué. On s’amuse ensemble. Je sers de bouclier humain au reste de l’assistance stashée plus loin en retrait. Brickfield Nights (1978) n’est pas oubliée, l’une de leurs chansons parmi leurs plus connues du public. Sans ralentissement, la délectable First Time (1977), succès instantané. La définition, l’affirmation de leur mariage du son punk et pop.

La liste

Damn Those Eyes! Leur setlist est nourri de vieux classiques inmanquables, mais également des albums plus récents. Notons deux titres du dernier album de 2014 Punk Rock Menopause ont été interprêtés. Méconnus, mais valant le détour.

Fait cocasse, The Yobs est leur nom lorsqu’ils font des tounes de Noël. Leur nom de band à l’envers.

Directement croisé à notre sortie des Foufs, le grand Matt Dangerfield. Nous réussissons à se décoter une superbe photo, souvenir impérissable de ce spectacle intime épique.

Finale

Au lit, pas si tard. Réveil pas trop brutal avant une longue route vers la maison qui nous attend. Pour se remettre de la veille, déjeuner colossal décevant, mais copieux à souhait.

N’ayant pas eu le temps requis pour accomplir notre quête habituelle de collectionneurs à Montréal, visite sur le chemin du retour à Le Knock-Out. La boutique dans la ville de Québec a fait peau neuve et maintenant située au 47, St-Joseph Ouest. J’avais hâte de venir sentir, constater de mes yeux vus les allures du nouveau local. Toujours une sélection enviable d’albums et de choix en grande quantité. Je suis vendu! The Boys!

Le Knockout satisfaisant.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

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Né en 2016 dans le bouillonnement underground de la grande couronne montréalaise, Thousand Islands Records n’est pas le genre de label à chercher les projecteurs, mais plutôt à les fabriquer lui-même. À une époque où l’industrie musicale semble de plus en plus formatée, le label apparaît comme une réponse directe pour la scène punk skate/mélodique : indépendante, brute, et profondément ancrée au sein de son public. Leur fanbase qui ne cesse de grandir, exprime ce besoin.

À l’origine du projet, une idée simple mais essentielle : donner une voix à des groupes punk qui n’ont ni les contacts, ni les moyens, mais de l’énergie à revendre. Très vite, Thousand Islands Records devient plus qu’un simple label. Il devient un point de ralliement pour une scène qui refuse de se lisser.

De Montréal au reste du monde

D’abord concentré sur le Québec et le Canada, le label ne tarde pas à élargir son terrain de jeu. Grâce à une série de sorties solides et à une crédibilité qui se construit sur le terrain non pas de manière marketing, Thousand Islands attire l’attention à l’international.

Les collaborations avec d’autres labels indépendants se multiplient, permettant aux groupes de circuler entre les continents, sans perdre leur identité. Une croissance organique et rapide.

Une ligne musicale sans compromis

Musicalement, la ligne est claire : du punk rapide, mélodique, parfois technique, souvent viscéral. Skate punk, melodic punk, hardcore et parfois même du folk. Pas de compromis sur l’énergie ni sur l’authenticité.

Chaque sortie semble guidée par la même exigence : sonner vrai !

Un label à taille humaine

Mais ce qui fait vraiment la force de Thousand Islands Records, c’est son approche. Pas de machine industrielle, pas de distance froide entre label et artistes. Ici, on parle d’accompagnement, de confiance, et d’un vrai esprit de communauté. TIR, c’est une grande famille tissée serrée entre le label, les bands et leurs publics.

Distribution, promo, pressage vinyle : tout est fait pour soutenir les groupes, sans les enfermer. Une manière de fonctionner qui rappelle que cette scène est avant tout une affaire de liens humains.

Une place à part dans la scène punk

Aujourd’hui, le label s’est imposé comme une valeur sûre sur la scène internationale, tout en gardant les deux pieds dans la scène locale. Une rareté à une époque où beaucoup oublient d’où ils viennent.

Thousand Islands Records, c’est la preuve qu’on peut encore construire quelque chose de solide sans trahir ses valeurs.

Et pourquoi pas fêter ça en grand !

Le samedi 28 mars dernier, les Foufs ressemblaient à un party de retrouvailles des finissants du secondaire. Tout le monde était heureux de se retrouver à la fin de cet hiver vigoureux qui s’éternise. Ça ressemblait presque à un party post-confinement où tout le monde était en mode accolade et levée de drinks. Une soirée parfaite. Je suis arrivée juste à temps pour voir Curbside. Mais j’ai malheureusement manqué la belle gang de Dutch Nuggets. Ma plus grande attente était pour le très excellent band de la Côte-Nord : Killing Diaisies. N’ayant jamais eu la chance de les voir encore en prestation, j’ai été complètement pulvérisée. Je me sens privilégiée de pouvoir les avoir en tête d’affiche pour le Crew au mois d’avril, place qu’ils méritent amplement. Que dire de la justesse des musiciens et de la voix trop parfaite de Nadia. Heureuse également d’avoir pu voir The Speakeasy qui, à notre grande surprise nous annonce un LP un peu plus tard cette année. Enfin, le plat de résistance : Belvedere. Un band que je ne connais absolument pas mais qui, à voir l’inflammation de la foule, a totalement livré la marchandise.

Un show : ★★★★★

Belvedere

Véritable institution du skate punk canadien, Belvedere traîne derrière lui près de 30 ans de vitesse, de technicité et de mélodies ultra efficaces. Formé en 1995, le groupe s’est bâti une solide réputation avec un punk rapide et précis, quelque part entre NOFX et Strung Out. Après une séparation en 2005, leur retour en 2012 a confirmé leur statut culte. Aujourd’hui encore, ils restent une référence incontournable du melodic hardcore.

The Speakeasy

The Speakeasy représente bien la scène punk québécoise actuelle : active, DIY et bien ancrée dans le circuit local. Habitué des shows et festivals underground (notamment au Music4Cancer), le groupe évolue dans un punk mélodique efficace, taillé pour le live et les petites salles surchauffées. S’ils se retrouvent sur un lineup, on peut être assuré que le party va lever, comme on dit.

Killing Daisies

Killing Daisies s’inscrit dans la nouvelle vague de melodic punk avec une touche plus moderne, notamment portée par un chant féminin qui apporte une dynamique différente au genre. Entre énergie brute et refrains accrocheurs, le groupe incarne bien le renouveau du punk mélodique actuel. Et que dire de la voix de Nadia !

Curbside

Originaire de l’Ontario, Curbside joue un punk mélodique rapide et chargé d’émotion, directement hérité des années 90. Après une longue pause, le groupe est revenu avec une énergie intacte, prouvant qu’il n’a rien perdu de sa fougue. Leur son combine des riffs rapides, des refrains solides et une vraie sincérité dans le propos.

Dutch Nuggets

Dutch Nuggets représente la scène locale dans ce qu’elle a de plus direct : un punk rapide, brut et sans détour, quelque part entre skate punk et hardcore mélodique. Moins connu que certains autres noms de l’affiche, le groupe s’inscrit néanmoins parfaitement dans l’esthétique Thousand Islands : efficace, honnête, et taillé pour le live.

Un gros  »Bonne fête » à Cynthia et Bruno qui tiennent ce label à bout de bras de manière totalement humaine. Que ce soit en tant que bands, médias ou en tant que personne, ceux qui les connaissent savent à quel point ce sont deux humains magnifiques, et on peut se considérer chanceux lorsqu’on croise leur route. Lâchez pas ! On vous aime et on a besoin de vous. ❤

Rédaction : Claudia Bo

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

L’article Thousand Islands Records : 10 ans de punk rock est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Oubliez tout ça. Je ne suis pas là pour vous raconter cette histoire, car j’ai revendu mon billet lors de l’ajout de leur passage à Québec le 6 mars. De plus, Megadeth est encore accompagné d’Anthrax et changement de joueur avec Exodus qui se joint à la gang. J’en suis comblé de bonheur, satisfaction maximale. Tsé, je verrais ces trois bands pour une première fois live.

Tournée au Canada présentée par Live Nation & Gestev. Organisation orcherstrée dans le cadre de la promotion du nouvel album de Megadeth, jumelé à des invités de marque.

Centre Vidéotron

Cette date fatidique enfin atteinte, nous pénétrons en trio vers 18h45 dans l’amphithéâtre indiqué sur nos tickets. Domicile des Remparts de Québec de la LHJMQ, avec une bière lager spécialement à leur effigie que je déguste.

Je vais rejoindre mon siège bien positionné pour être en mesure d’admirer chaque détail de mes artistes préférés, mes idoles. La veille, cette trinité métal performait à Moncton. Ce soir, ça va brasser dans un Centre Vidéotron occupé presqu’à pleine capacité.

Exodus

Exodus, groupe que j’ai découvert plus tard, après Megadeth et Anthrax. Ce sont également de vieux routiers, toujours là à leur poste après tant de générations écoulées.

Deux membres qui étaient de la formation en 1985 lors de la sortie de leur premier album fracassant Bounded by Blood, demeurant à ce jour leur plus grand accomplissement, sont encore présents en cette jeune année 2026. Tom Hunting à la batterie et Gary Holt à la guitare sont d’une fidélité exemplaire, avec Exodus tatoué sur leur coeur bien battant.

Goliath

Démarrage de la machine infernale métal avec un titre tiré de leur nouveau venu qui paraitra le 20 mars prochain. 3111 est jouée, véritable réveil-matin venant de sonner pour m’indiquer à moi et aux spectateurs en attente : « Hey le grand, c’est commencé! »

Siamois

Ils nous clanchent drette dans marboulette l’ultime Bounded by blood, de leur album du même nom.

Charisme

Rob Dukes assure haut la main le chant de 2001 à 2015 et est de retour depuis 2025. Il est également membre du groupe crossover Generation Kill. Le singer trapu demande à sa foule de former un circle pit. Gourmand il est, ne cessera d’en redemander à son regroupement de fans domptés au quart de tour. Dès que le tempo ralentit, s’arrête pour les inciter à repartir avec animosité.

Mur de la mort

S’en suit un wall of death que la bande d’Exodus semble grandement apprécier et prend goût à toute cette violence en offrande. Un homme muni d’un masque de chimpanzé et d’un jersey de hockey des Remparts de Québec surgit sur scène. Se baladant au travers des différents musiciens en action. Qui est cet hurluberlu sous cet attirail? Je mettrais un vieux deux sur Joey Belladonna, chanteur d’Anthrax à la shape maigrichonne et au dos légèrement courbé.

Sagesse

Les métalleux d’expérience réussissent à me tenir en haleine, sur le bout de mon siège. Un garçon est invité à grimper les rejoindre. Guit remise entre ses mains menues. LE trip d’une vie, et ce devant rien de moins qu’un aréna ; chanceux il est. Ce trop court setlist de six chansons se finalise avec Strike of the Beast.

J’ai bien aimé la voix du chanteur en spectacle et son style imposant, sa prestance.

Anthrax

Place à nul autre qu’Anthrax! Encore bons et pas passés date depuis 1984 avec Fistful of Metal étant littérallement un coup de poing sa yeule! Jamais je n’aurais pu imaginer, oser rêver de les voir live. Faisant partie du Big Four tout comme Metallica, Megadeth et Slayer, imaginez-vous?

Date d’expiration indéterminée

Scott Ian tient la guitare rythmique, Charlie Benante aux percussions, Frank Bello à la guitare basse, Joey au vocal. La vieille école, quoi?

Petit nouveau, intégration pas si récente. Je vous présente Jonathan Donais, guitariste solo depuis 2013.

Hurlement

Cri aigu, strident pouvant réveiller les morts-vivants enfouis au plus profond des ténèbres. Du trash metal de pure laine, son essence musicale fidèlement représentée. La voix hargneuse atteignant des sommets vertigineux en maintenant longuement son intonation, la faisant vibrer. Galopant d’un bout à l’autre de l’espace lui étant accordé, armé de son micro sur pied, mais sans fil pour sa plus grande aisance.

Les reprises

Got the Time est interprétée, originalement de Joe Jackson. On va jaser un peu des covers, en général. Chacun son opinion, mais moi je déteste quand mes artistes s’aventurent sur ce terrain glissant. « Fais tes tounes à toé! » Les setlists présentés sont déjà, à chaque fois, trop courtes à mon goût personnel.

Cependant, je dois avouer qu’Anthrax est sur la coche avec les siens meilleurs que la composition originale. C’est davantage des appropriations, couronnées de succès.

Coincé

Arrivante de marque : Caught in a mosh. Je m’en délecte, tellement succulent! Bombardement, fusillade de notes bien connues, rassurantes nous comblant. L’extase!

T’as du style

Il sont en forme, looks différents ou pas tant en fait si on regarde des photos de 1984 que l’on compare à aujourd’hui. Scott Ian et barbiche traditionnelle surplombant sa splendide guitare électrique.

Antisocial, qui est un cover de Trust, a levé pas mal. Accompagné d’un logo lumineux jaune vif voguant sur le stage. Spotlight sur ce fabuleux hit!

« New song. » Après 30 secondes de jeu, tout stoppe raide sec. Il nous explique, bien amusé, qu’elle n’est pas terminée. Ils finaliseront cette composition au cours des prochains mois…

Nous reconnaissons Indians et soudainement un sixième individu se joint à eux : Rob Dukes, chanteur d’Exodus.

Drapeau de notre belle province du Québec qui fait son entrée dans le party. Attention appréciée.

Hymne national de notre pays chanté haut et fort, tous en choeur. « Ô Canada! » C’est un aurevoir, peut-être à une prochaine fois…

Toute une performance notable!

Megadeth

Megadeth a tracé, pavé la route du trash metal et chemin emprunté par de nombreux groupes inspirés par leur musique. Une carrière glorieuse segmentée par une ribambelle discographique d’une immense envergure étalée sur 17 albums.

Nouvel album homonyme de 2026 qui boucle la boucle. En plus de se conclure avec sa version de Ride the lightning, flèche ou clin d’oeil envoyé à Metallica. Il reste qu’à bien y penser, cette séparation au sein du groupe aura été profitable pour nous, les fans. Donnant naissance au deuxième plus grand band trash metal au monde.

Énorme

Un colossal rideau blanc nous fait face, ne laissant seulement transparaître l’ombre des quatre membres. À bas la magie visuelle, au tour de Megadeth d’enflammer le Centre Vidéotron!

Du neuf

Première interprétation Tipping Point provenant du nouvel album. Cette pépite nous réserve bien entendu un solo de la bête en liberté non surveillée habilement inséré pour notre plus grand bonheur, satisfaction au rendez-vous.

Au front

J’aperçois dix privilégiés sur la droite du stage qui ont probablement payés le gros prix ou avantage du fan club. Chance inouïe de s’approcher si près de leur idole, prodige des cordes de guitare.

Hangar 18, de mon album favori Rust in peace, reconnaissable dès ses premiers accords lancés. Ils frappent fort. Oh yeah, greatest hit alert! Chanson tellement connue, ayant contribuée à leur ascension et reconnaissance de leurs pairs.

Je me pince, je n’en crois pas mes yeux. Je suis vraiment en train de vivre ce moment!

Un tout

Chimie indéniable entre les musiciens actuels de la formation, qui a subi à maintes reprises des va-et-vient au niveau de son personnel. Le seul, l’unique colonne vertébrale infracturable est son leader Dave Mustaine.

Un guerrier

Mustaine possède un vocal bien à lui. C’est comme si la faucheuse en personne s’adressait à nous, voix d’outre-tombe machiavélique et assassine. Nous sommes choyés de l’avoir avec nous ce soir. Relevé de son satané cancer de la gorge qu’il a combattu. Quelle chance, merci la vie!

Chevelure au vent

Drum martelé par un pilote des baguettes incisif dans son jeu. Ses deux marteaux se font aller intensivement de droite à gauche, de haut en bas, de gauche à droite, de bas en haut. Il met la table afin que les autres instruments de musique se joignent harmonieusement à lui, le suive.

« First time? Thank you to join family. »

Nous l’attendions tous. C’est rare qu’un groupe anglophone a dans son répertoire et joue une toune en français. « À Tout le Monde, à tous mes amis ». Les adeptes de métal chantent parallèlement avec Megadeth, chorale morbide.

La recrue

Je remarque le jeunot surdoué Teemu Mäntysaari au manche à guitare depuis 2023. Baby face constrastante avec les autres.

Vic

Riff bien exécuté sonnant l’arrivée de la mascotte emblématique personnifiée par un géant, un gars avec le profil de l’emploi. Tête squelettique à la mâchoire brochée, prédominante ainsi que ses mains gigantesques.

Orchestre

Pour leur treizième offre de service, Megadeth enligne l’incontournable Symphony of destruction. Solo essentiel, présence assurée dans chacune de leurs compositions soigneusement conçues. On peut qualifier cet aspect primordial comme étant leur étiquette, marque de commerce reconnaissable.

Que dire de cette performance de Megadeth. Moi j’ai été ébahi par le maître Mustaine, mais je n’ai pas de comparatif. Pour ma part, premiere expérience immersive dans son univers.

3/4

Anthrax a volé le show. Pas peu fier de pouvoir biffer deux groupes sur quatre dominants la scène musicale trash metal. J’ai déjà vu Metallica à trois reprises. Alors, il ne me manque que Slayer à ajouter sur ce tableau de chasse. Ben oui, je les ai loopés au FEQ. Partie remise, je l’espère.

Merci à Gestev pour leur accueil!

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Camille Charlebois

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Megadeth, Anthrax et Exodus, éternels pionniers du trash metal est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Tu t’es tristement envolé vers une autre galaxie musicale en rendant l’âme, le vendredi 13 mars 2026, âgé de 64 ans. Ce n’est pas seulement le grand homme Phil Campbell qui quitte cette existence, mais également le coeur du formidable groupe Motörhead. Le musicien au chapeau n’est plus…

Monsieur Campbell en était l’un des membres initiaux, donc fondateurs. Il a constitué continuellement sa colonne vertébrale dès ses débuts en 1983, et ce jusqu’à son extinction en 2015. Année correspondant à celle sonnant violemment la mort du grand Lemmy Kilmister. Il aura été son plus fidèle compagnon avec 31 années d’amitié derrière la cravate, son complément adéquat.

Motörhead

Motörhead est un groupe rock ‘n’ roll, ce que Lemmy a sans cesse proclamé jouer. Il en incarnait l’esprit et sa définition en totalité, sans compromis ni demi-mesure. Cet être charismatique ne possédait qu’une vitesse : à fond. Jamais suffisamment fort. Le volume de ses amplificateurs ne demandait pas beaucoup d’ajustements et de calibrage, car il crissait tout dans le fond.

Il n’est pas faux et mal avancé d’affirmer que Motörhead est un groupe dont la sonorité renferme du métal et du punk, pas nécessairement comme du crossover. Mélange efficace des deux styles et non une fusion. Éloignons-nous de cette technicalité, je m’égare…

Immortalité

Ce band a marqué les générations passées, celle en cours, puis les prochaines qui suivront… Pour obtenir une recette aussi réussie, tu as besoin de nombreux ingrédients à point. Phil Campbell était le complément idéal à la férocité de l’homme Kilmister.

J’en suis encore plus affecté et déçu de n’avoir malheureusement jamais eu le privilège de vous voir en spectacle. C’est dire votre emprise et votre impact monstrueux sur nous, les amoureux de la musique de qualité.

Phil Campbell and the Bastard Sons

Phil Campbell forme en 2014 son groupe Phil Campbell’s All Starr Band, renommé Phil Campbell and the Bastard Sons suite à la disparition de Motörhead. Reprenant des titres de Motörhead, mais aussi leurs propres créations.

Il laisse dans le deuil ses trois fils avec lesquels il donnait vie à ce projet musical. Todd à la guitare, Dane à la batterie et Tyla à la basse. Proches ils étaient, récemment en tournée ensemble, en famille. Quelle épreuve !

Maîtrise absolue

Considérant le fait que le chanteur tient une basse entre ses énormes mains, ses pattes d’ours, la guitare y est encore plus importante, prédominante. Le talent lui sortait par le bout des jointures mises en harmonie avec les extrémités de sa guitare. Phil Campbell a amorcé ses prouesses à l’âge de 10 ans et ses fortes influences que nous ressentons proviennent de Jimi Hendrix, Tony Iommi de Black Sabbath et Jimmy Page avec Led Zeppelin.

Son jeu agressif, lourd et recherché traduit à merveille la rage à faire exploser. Notes musicales identifiables par leur justesse chaotique. Le canaliseur vers des compositions hors normes, qui ont rehaussé les standards de l’industrie. Motörhead en était, en quelque sorte, son leader dans son domaine d’expertise.

Bye !

Au final, ton enveloppe charnelle est décédée, disparue, mais ton empreinte sociale et musicale vivra à jamais dans les annales. Ça n’enlève rien au fait que tu es très regretté de tout ce beau monde. Prends un shooter de whisky avec ton chum, en haut !

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Pep Bonet (photo de couverture)

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

Salut Phil,

Tu t’es tristement envolé vers une autre galaxie musicale en rendant l’âme, le vendredi 13 mars 2026, âgé de 64 ans. Ce n’est pas seulement le grand homme Phil Campbell qui quitte cette existence, mais également le coeur du formidable groupe Motörhead. Le musicien au chapeau n’est plus…

Monsieur Campbell en était l’un des membres initiaux, donc fondateurs. Constituant continuellement sa colonne vertébrale dès ses débuts en 1983, et ce jusqu’à son extinction en 2015. Année correspondant à celle sonnant violemment la mort du grand Lemmy Kilmister. Il aura été son plus fidèle compagnon avec 31 années d’amitié derrière la cravate. Son complément adéquat.

Motörhead

Motorhead est un groupe rock ‘n’ roll, ce que Lemmy a sans cesse proclamé jouer. Il en incarnait l’esprit et sa définition en totalité, sans compris ni demi-mesure. Cet être charismatique ne possédait qu’une vitesse : à fond. Jamais sufisamment fort. Le volume de ses amplificateurs ne demandait pas beaucoup d’ajustements et calibrage, car il crissait tout dans le fond.

Il n’est pas faux et mal avancé d’affirmer que Motörhead est un groupe dont sa sonorité renferme du métal et du punk, pas nécessairement comme du crossover. Mélange efficace des deux styles et non une fusion. Éloignons-nous de cette technicalité, je m’égare…

Immortalité

Ce band a marqué les générations passées, celle en cours, puis les prochaines qui suivront… Pour obtenir une recette aussi réussie, tu as besoin de nombreux ingrédients à point. Phil Campbell était le complément idéal à la férocité de l’homme Kilmister.

J’en suis encore plus affecté et déçu de n’avoir malheureusement jamais eu le privilège de vous voir en spectacle. C’est dire votre emprise et impact monstrueux sur nous, les amoureux de la musique de qualité.

Phil Campbell and the Bastard Sons

Phil Campbell forme en 2014 son groupe Phil Campbell’s All Starr Band, renommé Phil Campbell and the Bastard Sons suite à la disparition de Motorhead. Reprenant des titres de Motörhead, mais aussi leurs propres créations.

Il laisse dans le deuil ses trois fils avec lesquels il donnait vie à ce projet musical. Todd à la guitare, Dane à la batterie et Tyla à la basse. Proches ils étaient, récemment en tournée ensemble, en famille. Quelle épreuve!

Maîtrise absolue

Considérant le fait que le chanteur tient une basse entre ses énormes mains, ses pattes d’ours ; la guitare y est encore plus importante, prédominante. Le talent lui sortait par le bout des jointures mises en haronie avec les extrémités de sa guitare. Phil Campbell a amorcé ses prouesses à l’âge de 10 ans et ses fortes influences que nous ressontons proviennent de Jimi Hendrix, Tony Lommi de Black Sabbath et Jimmy Page avec Led Zeppelin.

Son jeu agressif, lourd et recherché traduit à merveille la rage à faire exploser. Notes musicales identifiables par leur justesse chaotique. Le canaliseur vers des compositions hors normes, qui ont rehaussé les standards de l’industrie. Motorhead en était, en quelque sorte, son leader dans son domaine d’expertise.

Bye!

Au final, ton enveloppe charnelle est décédée, disparue, mais ton empreinte sociale et musicale vivra à jamais dans les anals. Ça n’enlève rien au fait que tu es très regretté pour tout ce beau monde. Prends un shooter de Whisky avec ton chum, en haut!

Pat

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Pep Bonet (photo de couverture)

Correction :

Révision :

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