From Old Town

Pour une première fois à l’intérieur du Caveau, From Old Town, de Québec, nous a livré leur punk rock mur à mur. Ce fut leur première prestation comme trio, mais leur puissance sonore n’a pas été ébranlée. Un automne bien chargé côté shows. Ils seront à Drummondville (Pub La Sainte Paix) et Rimouski (Taverne 666). Ils participeront ensuite à la Tournée 123Punk au Cégep de Matane le 6 novembre prochain. Leur dernier show, avant d’entrer en studio cet hiver, sera à la Microbrasserie Le Ketch à Sainte-Flavie.

Among Legends

Pour une deuxième année consécutive, Among Legends nous a fait vibrer au son de leur punk rock ontarien. Leur nouveau LP, Lose My Grip, paru en juillet dernier, est excellent ! Un son entraînant aux rythmes effrénés, porté par un vocal amical et authentique qui nous donne le goût de passer une soirée à punker avec eux. Une tournée dans l’Ouest canadien a été réalisée en août dernier et ils sont actuellement dans leur tournée dans l’Est canadien jusqu’au 3 octobre pour la promotion de leur LP.

Pour la production Noiseway, c’est la Tournée 123Punk qui sera de retour à la salle de la Maison de la culture à Rivière-du-Loup le 5 novembre prochain.

Crédits photos : Cynthia Côté

Rédaction : Cynthia Côté

Correction : Marie-Joëlle Tremblay

Révision : Val Girard

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Les Shirley ont lancé leur troisième album, intitulé Hail Mary, le 25 septembre 2026. J’ai eu le privilège de correspondre avec le groupe afin d’échanger avec elles sur ce nouvel opus. Mais avant de vous dévoiler ce qu’elles avaient à me dire, permettez-moi de vous faire une brève présentation.

Qui sont Les Shirley ?

Les Shirley, c’est une formation montréalaise qui a fait ses débuts en 2018. Derrière ce groupe, on retrouve Raphaëlle Chouinard au chant et à la guitare. Lisandre Bourdages à la batterie et Sarah Dion à la basse. Toutes deux participent également aux chœurs. Les filles se décrivent comme un band qui n’a aucun intérêt à jouer safe, et ça s’entend clairement à travers leur musique comme dans leurs paroles.

Depuis le début de leur parcours, elles ont notamment joué en Europe et assuré les premières parties de groupes comme NOFX, Green Day, Weezer, Foo Fighters et The Beaches.

L’album Hail Mary

À l’écoute attentive de Hail Mary, j’ai hoché de la tête à plusieurs reprises. Les mélodies sont accrocheuses, malgré le ton revendicateur et girl power qui traverse l’album. Derrière ce son « bonbon » se cachent d’ailleurs des textes parfois beaucoup plus sérieux. Les textes abordent notamment les inégalités de genre, la charge mentale et le besoin de s’affranchir de certaines attentes.

Pour ce troisième album, Les Shirley ont confié la production et le mixage à Graham Walsh, qui a également travaillé avec des groupes comme Metz, Bully, July Talk, Sam Roberts Band et Holy Fuck. Le mastering a quant à lui été réalisé par Justin Perkins, dont le parcours comprend notamment des collaborations avec The B-52s, Carly Rae Jepsen, The Replacements, New Kids on the Block, Screeching Weasel et The Gaslight Anthem.

Maintenant que la table est mise, voici ce que Les Shirley avaient à me dire à propos de Hail Mary.

L’entrevue

Bonjour Les Shirley. Merci de prendre le temps de répondre à nos questions entourant la sortie de Hail Mary, le 25 septembre 2026.

1. Avec Hail Mary qui arrive après toutes ces années, plusieurs tournées européennes et de nouvelles rencontres, qu’est-ce que vous avez l’impression d’avoir franchi comme étape dans l’histoire du groupe ?

Après toutes ces étapes, nous avons enfin l’impression d’avoir des bases solides pour construire quelque chose qui nous ressemble de plus en plus. Que ce soit au niveau des sonorités, des prises de position, de l’esthétique ou de nos carrières en tant que musiciennes, nous sentons que nous avons enfin atteint un autre palier. Nous nous assumons enfin pleinement.

2. Vous dites que Hail Mary est le premier album où vous avez vraiment trouvé votre son. Parlez-moi du moment où vous vous êtes dit : « OK, ça, c’est Les Shirley » ?

C’était vraiment lors de la sélection finale des 12 démos, juste avant d’aller enregistrer les versions finales à Toronto. Ce sentiment s’est confirmé avec le choix du réalisateur Graham Walsh et des prises de son en studio. Tout allait dans le même sens !

3. Est-ce qu’il y a quelque chose que vous vous êtes permis de dire (clairement ou indirectement) sur cet album que vous n’auriez pas osé faire il y a cinq ans ?

Ouf, tellement de choses. C’est notre premier album qui est aussi engagé et politique, tant par les textes que par les intentions. Il y avait comme un trop-plein, une rage qui avait besoin d’être extériorisée et mise en musique. Il y a aussi une volonté de prendre position clairement sur des enjeux qui nous tiennent à cœur. La neutralité n’est plus une option pour nous. Nous avons une tribune et le devoir de faire de la représentation.

4. Vous avez confié la production et le mixage à Graham Walsh, tandis que le mastering a été fait par Justin Perkins. Vous avez maintenant une équipe autour de vous pour la sortie de l’album, alors qu’auparavant, vous avez plus « wingé » les choses. Qu’est-ce que cette collaboration a apporté à l’album que vous n’auriez pas nécessairement pu obtenir en restant dans l’esprit DIY ?

Juste pour clarifier, on n’a jamais « wingé » nos albums (ahah). Sauf peut-être le premier EP qui était vraiment DIY et fait dans un contexte très punk dans un crack house du Mile-End. Les deux albums suivants sont également DIY, dans le sens où on était indépendantes et que nous prenions toutes les décisions autant artistiques que financières. On s’est toujours assurées de s’entourer d’une équipe béton, choisie à la carte, tout en gardant les rênes.

Ce qui a changé avec ce nouvel album, c’est la signature chez Ambiances Ambiguës, la cogérance de Fred Poulin et Eva Rölen et la co-réal de Graham Walsh. Ça nous permet de maintenant partager la charge mentale, les risques et les tâches à accomplir dans le day to day. Ça renforce aussi notre vision d’ensemble autant artistique, logistique, démarchage, etc.

5. Le 26 août dernier, vous avez sorti le single Bad News, que l’on retrouve sur votre nouvel album. Qu’est-ce que vous avez cherché à dénoncer à travers les paroles « pop culture sold us a dream, I swear » et « silence is violence, don’t take my voice away » ?

Cette chanson exprime la dissonance cognitive d’une génération (la nôtre) qui s’est fait vendre du rêve. Le rêve américain, le fameux « garde tes portes ouvertes », « avec un BAC, tu vas avoir du travail », les relations amoureuses sont faciles, tout va bien aller, tout est beau dans le monde de Disney et de ribambelles, etc. Pourtant, aujourd’hui, c’est la désillusion avec les réseaux sociaux qui nous renvoie une bien triste image de notre monde et un flot constant de mauvaises nouvelles. Il est parfois difficile de rester positif dans tout ce bruit. Les droits humains sont menacés partout sur la planète, ce qu’on croyait « acquis » quand on était plus jeune peut changer en un instant. Nous devons donc être plus « vocal » que jamais et prendre position, nous regrouper.

6. Gabe La Rue a collaboré sur la piste Born a Man à la guitare. On y entend « If I was born a man, I could be/do anything ». À quel moment avez-vous su que c’était le bon morceau pour inviter une autre artiste à entrer dans l’univers spécifique de cette chanson ?

Cette collaboration est arrivée naturellement. Elle était présente lors d’un chalet entre amis où nous travaillions sur de nouvelles maquettes. Son style de playing plus 80s fittait très bien dans ce solo.

7. D’ailleurs, dans Jenny Please, on sent un désir de se pousser des responsabilités, de fuir la fameuse charge mentale qui est plus souvent portée par les femmes. Qu’est-ce qui vous a amenées à aborder ce sujet sur Hail Mary ?

Jenny représente un peu une génération qui essaie de joindre les deux bouts avec des responsabilités qui dépassent parfois leurs capacités. Dans la chanson, on parle d’une jeune mère monoparentale de 25 ans, mais ça peut se coller à beaucoup de situations. Le bridge représente plutôt une dernière tentative de s’en sortir, un cri du cœur et non un réel abandon. En live, on crie, on s’époumone et ça touche beaucoup les gens.

8. Sur la piste Same Old, la mélodie et les paroles m’ont particulièrement touchée. C’est comme si j’étais épuisée, après avoir traversé un long combat, qui m’a laissé des cicatrices qui seront là à tout jamais. Est-ce que c’est un peu l’impact que vous vouliez avoir avec cette chanson ?

100 % ! Cette chanson a été inspirée par Gisèle Pélicot lorsqu’elle a décidé d’avoir un procès médiatisé « afin que la honte change de camp ». Il y a effectivement un trop-plein de violence, de féminicides et de misère liée au patriarcat. Notre féminisme crie. 

9. On sent, tout au long de votre album, un ton revendicateur et très « girl power ». Qu’est-ce qu’il nous reste à déconstruire pour les générations futures afin que l’égalité des genres franchisse la ligne d’arrivée ?

On ne prétend pas détenir la réponse, mais ça passe par le respect d’autrui et par l’éducation. L’égalité nécessite une humilité et un ego death de la part de celleux qui ont plus de privilèges pour en donner aux autres. Notre réalité, en tant que femmes queer, est une parmi tant d’autres. Nous nous efforçons de faire de la représentation pour les causes qui nous tiennent à cœur. Ça commence par là, un geste à la fois.

10. Maintenant que vous avez trouvé votre son, qu’est-ce qu’on peut vous souhaiter pour la suite ?

Que la musique se rende aux oreilles des gens, qu’ils viennent aux spectacles ! Back to the roots baby !

Lancement officiel

Les Shirley feront leur lancement officiel à Québec le 13 novembre 2026, au Pantoum (billets : https://www.lepantoum.com/programmation/lesshirley). Pour Montréal, c’est le 19 novembre 2026 dans le cadre de M pour Montréal au Théâtre Plaza (billets : https://mpourmontreal.com/billetterie-festival/)

Rédaction : Jess Peach et Les Shirley

Correction : Jess Peach

Révision : Val Girard

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À mon arrivée, le site a des allures de kermesse paroissiale, tellement l’assistance et les kiosques sont variés. Il va sans dire qu’un tel événement fait rayonner tout le Saglac, et bien plus encore.

Les retombées visibles du Culte

Les efforts déployés lors des trois premières éditions ont visiblement payé, puisque des travaux sont en cours sur le bâtiment. À ce propos, sachez que Patrimoine Saint-Édouard a acquis l’église en 2025, pour un symbolique dollar. Depuis lors, la réfection du toit et de la fenestration est allée bon train, pour un résultat aussi éblouissant que brillant. D’ailleurs, un des vieux pinacles est exposé au pied de la flèche, son jumeau flambant neuf trônant déjà sur le toit.

De ce que j’en ai lu, Ville de Saguenay acquerra l’église pour la même somme symbolique, une fois ces travaux réalisés. Plusieurs projets sont présentement sur la table, notamment celui d’y aménager une bibliothèque. Qui vivra, verra.

GFK, Le hardcore à son meilleur

GFK commence sa seule prestation de 2026 sous un ciel boudeur, aucunement impressionné par la grisaille d’après-midi. Immédiatement, le band garoche ses accords vigoureux sous les hourras de la foule, parmi laquelle courent des enfants et des chiens. Un jeune métalleux déploie le drapeau du Saguenay parmi les bulles qui volètent allègrement dans les airs. Cela ajoute à la magie du jour. « Merci d’être présent avec nous autres, on est vraiment chanceux », de dire Jessy (voix) en introduction. On est content aussi, aucun doute.

Le groupe, formé en 1996, est dans une forme olympienne. Le drum propose un beat rapide, l’audience en redemande. Que demander de mieux pour atteindre le bonheur ? GFK nous conduit de titre en titre, survolant ainsi l’ensemble de sa discographie. Globaliverne et Rethinking Basic Antiracism me font bondir en arrière direction 2004, me rappelant au passage leur show de 2006, pour la sortie de Thanatopolicy. Mais je m’égare…

Malgré les ans, le son de GFK n’a rien perdu de sa superbe : c’est percutant et distorsionné avec une voix forte. J’adore. Le band chante les thèmes qu’il a toujours portés : la lutte contre l’homophobie, le racisme, le totalitarisme, etc. Tous ces sujets sont d’autant plus actuels, au vu de la situation mondiale… Toujours est-il que GFK frappe les esprits de ses justes revendications.

Fernando, le gars d’show

En guise d’introduction pour Power Is Invisible, Jessy présente Fernando au public. Mais qui est Fernando, me direz-vous ?  Ce n’est ni plus ni moins qu’un mannequin gonflable tagué de multiples autographes. Il suit GFK partout dans le Québec, et possède même sa propre page Facebook. Le band propose un bodysurfing pour Fernando, tout en précisant qu’il n’est destiné qu’à cet usage. Évidemment, cette tirade suscite bien des gloussements dans le crowd. Enfin, la chanson New World Orchestra sonne le glas de la prestation. Franchement délicieux.

Finalement, force est de constater que Fernando s’est bien envoyé en l’air, puisqu’il a aussi été aperçu dans le pit lors de Necronomicon.  C’était fabuleux.

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Au cœur de la tempête

Comme une accalmie au cœur de la tempête, s’élèvent les notes doucereuses d’Eléonore Dessureault. Sa prestation calme, presque tendre, vise assurément à calmer les enfants avant le souper. Et ça fonctionne : ses rythmes lents et doux enjoignent la foule à un apaisement certain, et les courses enfantines s’espacent de loin en loin.

Promenade au cœur de l’Art

Durant cet intermède, je déambule parmi les kiosques afin d’étancher ma soif d’Art. De facto, mes yeux se régalent des œuvres humoristiques de Lormand Namour et s’écarquillent devant la fresque de Joëlle Gobeil. Les stands de tatouage de Emman Soul Ink,  RH needles, Captain Bricolage et de Fleurs de  Lou ne sont pas en reste et proposent une foule de pièces-éclair pour graver le Culte dans ta peau.

Puis, j’analyse un moment les tableaux et les sculptures de Marie-Michèle Gourde et de Jean Delisle. Ensuite, je plonge tête la première dans la sérigraphie de Joanie Simard, avec qui je tape la jasette. J’y apprends qu’elle est membre de L’assistante riposte et en profite pour glaner quelques infos sur le futur de la formation. T’sais, tant qu’à y être ! Un peu partout, on aperçoit la patte de David Dallaire, fidèle au Culte depuis ses débuts.

LeParc, aussi amusant qu’un carré de sable

Juste à entendre la rumeur durant la journée, on savait que le set de la formation LeParc était des plus attendus. Leurs chansons instrumentales oscillent entre le rock garage et le stoner, et présentent parfois des sonorités plus funk, voire un tantinet psychédéliques. Évidemment, cet intermède musical est délicieux à l’oreille. Les gens se sont massés – et c’est le cas de le dire – devant la scène afin de profiter de chaque note, jusqu’à épuisement du son.

LeParc, quatuor jusqu’alors  inconnu de mes propres tympans, vient de Jonquière et définit sa musique comme étant du “rock prog ludique”. À voir le fun qui fuse du stage, cette affirmation est définitivement juste. Effectivement, les musiciens complices semblent s’amuser énormément lors de cette prestation étonnamment décoiffante. Je vous invite d’ailleurs à écouter leur album, Au Parc, lancé à la fin d’avril. Vous allez voir, ils ont de quoi à dire, même en restant silencieux.

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Les Double Dry Bowes… comme la bière

Durant l’entracte, deuxième apparition des Double Dry Bowes depuis celle de l’après-midi.  En effet, Mat Lévesque et Simon Trottier assurent la transition vers Necronomicon. Ce duo humoristique aux paroles salaces et impromptues, frappe fort et gagne gros, faisant se bidonner toute l’assistance. Dès le premier mot et jusqu’à la fin, ce couple d’impolis partage des tranches de vie et des vieilles tunes de son cru. 

Cet intermède sans censure aux sujets aussi simples que les Prime Time aux raisins ou la bière, suscite beaucoup de rires et de commentaires parmi la foule. En bout de ligne, Les Double Dry Bowes auront tenu leur promesse de “tout donner jusqu’au boutte” en 15 minutes.  Pour un band-pas band qui est parti d’une joke, c’est réussi. Plus sérieusement, allez lire l’histoire de leur genèse (ici), vous allez pisser de rire.

Necronomicon, 35 ans plus tard

Durant la pause et jusqu’au début du show, le public en place évolue pour se colorer du noir des amoureux du métal. Chaque personne présente anticipe avec délectation le moment où Necronomicon apparaîtra sur scène, pour une première à La Baie depuis 1991. De fait, la foule réagit bruyamment à leur présentation et accueille le band à corps et à cris, prête à tout.

Dès lors, les rythmes lourds et rapides de Necronomicon emplissent l’air, chargeant l’atmosphère d’une énergie indescriptible. Et là, il se passe de quoi, tous happés que nous sommes par ce black/death métal aussi dynamique que pesant. Comprenez-moi bien : On savait que ça allait être “métal”, mais là, on a carrément plongé dans le côté sombre et délicieux de la chose.

Quelques tunes passent, et on retourne en 1998 avec Pharaoh Of Gods puissante, rapide, poignante. 

Un retour aux sources

Entre les chansons, Rob The Witch (voix / guitare) se remémore : « nos premières photos en ‘91 c’était en avant cette fucking church là. » C’est fou de constater à quel point la Vie a ce don de tous nous ramener à certains moments précis dans nos existences, un genre de full circle si je puis dire. Je crois bien que, pour Necronomicon, c’était un peu ça à cet instant. C’est émouvant. 

Puis, la musique reprend, et la foule plonge avidement dans l’obscurité décadente de la musique, s’en délecte. Et j’en suis. Les rythmes et la profondeur – dirais-je la noirceur – du son sont tout à fait hypnotiques, combinés à la rapidité du drum, qui vient nous chercher dans le fond des tripes. Plus tard, Rob (voix) s’enquiert :  » Qui c’est ici qui connait pas Necronomicon ?” Peu de mains se lèvent à son grand étonnement. 

Il relate au public les débuts de la formation, le départ pour Montréal, la percée du band… On se sent chanceux d’ouïr ces confidences qui n’en sont pas, on accueille avec compassion sa crainte avouée de rejouer dans son patelin après avoir fait le tour du monde. Quand même, ce gars de La Baie, il en a fait du chemin…

Un peu plus de Necronomicon avant la fin

Une fois la jasette terminée, The Witch lance : “êtes vous prêts pour plus ?” Évidemment qu’on en veut plus : on en prendra jusqu’à ce qu’il n’y en ait plus. Tout de suite, il enchaîne : “la prochaine tune est sur notre dernier album (Unus) […] Paradise Lost« . S’ensuit une quasi-frénésie, le pit se déchaîne encore un peu plus, les têtes bangent, les chevelures volent. 

Peu avant les dernières pièces, le groupe redirige les fans vers sa page Facebook pour l’achat de merch’ et de musique, puisqu’ils ont… malencontreusement omis d’embarquer la boîte. Ce sont des choses qui arrivent. Enfin, Necronomicon tient à préciser que l’ensemble des bénéfices des ventes lui revient, dans une prise de position contre la grosse industrie, qui appauvrit les artistes comme autant de cancers. Personne ne saurait être plus en accord avec ces propos. Le spectacle s’achève sur un rappel ardemment réclamé par le public.

Un peu plus tard, une vidéo partagée par le band promettait un retour sur l’une des scènes de la région dans un futur plus ou moins rapproché.  En attendant, Necronomicon jouera le 12 septembre prochain, à Québec. Tenez-vous le pour dit.

Fred Fortin, un p’tit coup de rock avant de partir

Juste avant l’entrée en scène de Fred Fortin, les cloches sonnent pour la première fois depuis leur restauration. Dans leur résonance, s’élèvent aussi les cris, les bras et les hourras des gens, dans un moment énergique, empreint de solennité.

Il y a belle lurette que j’ai perdu la carrière et la musique de Fred Fortin de vue. Toutefois, le voilà qui nourrit la foule d’un généreux rock’n’roll, aux envolées blues/jazz sur les bords. Le foule, loin d’être fatiguée, se colle un peu plus et forme une bulle d’intimité.  Profitant de la noirceur fraîchement tombée, des projections illuminent la façade en simultané. Mon esprit vagabonde avec les images, au même tempo que la musique. De gammes en solos, la prestation se dirige vers son terme.

Puisqu’il ne pouvait quitter le crowd comme ça, Fred introduit son rappel par un “câline de bine de tabarouette”, avant d’entonner “quelques chansons salaces » et bien assumées, comme T’es grosse pis t’es belle, que la foule chante en chœur. C’était une belle soirée avant l’after. D’ailleurs, surveillez bien la sortie des articles racontant les hauts faits de l’après-midi et de l’après-spectacle.

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Rédaction : Julie Fortin

Photographie : Jerry-Cherry

Correction & révision : Marie-Eve Landry

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Ces montréalais promeuvent leur guépardeau, né en septembre 2025. Il porte comme nom Buzz Cult et sera présenté le 23 mai. Je brûle d’envie d’entendre ces nouveaux tubes live, depuis que je l’ai en vinyle. Mise en marché et en valeur grâce à la magnifique affiche dessinée par Stéphane Côté.

Productions Colimason

Qui de mieux placé pour s’assurer de la réussite de ce tour de force? Productions Colimason, qui était également l’organisateur leur participation saguenéenne précédente. C’était dans le cadre de la deuxième édition du festival Taverne fest, s’écoulant sur une période de deux jours, réunissant une multitude de bons bands judicieusement sélectionnés.

Le big boss c’est Michel Cantin, là pour se dévouer à la scène musicale en effervescence. Permettant à des idées et projets d’ainsi devenir tangibles, réalistes et réalisables. Il est fondateur de son groupe Bauxite, dans lequel il est le chanteur et bassiste.

BaP

Pour ce samedi, le 23 mai, je m’aventure au BaP. Arrivé sur place, je salue et jase avec les amis impatients de voir ou revoir Dirty Cheetah. Visite du bar et notre sélection s’arrête sur une bière faite de Matière rose!

Bauxite

Bauxite s’élance sur le stage suite à la fin de la game des Canadiens de Montréal. La stratégie à adopter en temps de séries éliminatoires afin d’avoir un auditoire à votre spectacle. « On casse la glace. »

Du peuple, pour le peuple

Ce qu’ils jouent, c’est du punk ouvrier bien fort. Michel, l’ogre qui grogne, fait savoir sa manière de penser et ses observations sur notre triste réalité sociale. Cordes vocales graves générant une voix rauque scandant des textes francophones parsemés de vérité et d’exagération.

J’observe attentivement le guitariste Yohan, qui déploie tout son talent, et il en a vraiment énormément à livrer. 22h22 est la prochaine composition enlignée vers nos tronches. « Une fois, on a réussi à la jouer à la bonne heure, c’était malade. »

Une société dépeinte

Voisin Gonflable nous est servi comme dernière envolée musicale. « Last one. » Le trio du Saguenay a du plaisir et il nous le communique aisément. Leur mandat est accompli, les deux autres groupes ont la pression d’accoter ce niveau.

Goth Pop

Goth Pop a même son propre drapeau, c’est dire comment ils sont rendus big. Seconde prestation scénique pour la troupe saguenéenne, après avoir fait la première partie de DVTR à Port-Alfred en mai. Les cinq compatriotes sont alignés à droite du flamboyant synthé rouge, prêt à éjecter ses notes.

Nous y retrouvons Pierrot (basse/vocal), Ghislain (synthé/vocal), Johnny (guitare), Samuel (guitare) et Sébastien (batterie). EP apparu en septembre 2025, intitulé First Fix et construit autour de trois titres renversants.

Fusion proposée

Association réfléchie du rock avec le post-punk dans une ambiance gothique, la résultante en est splendide, un spécimen rare. Le claviériste se joint au public pour chanter la suivante, il est déchaîné. Tout le monde s’en sort avec brio. Facile à constater en voyant la réponse des spectateurs qui dansent, suivant leurs rythmes soutenus. Band à surveiller… Répétez avec moi : Goth Pop.

Dirty Cheetah

Les Dirty Cheetah, vous les connaissiez bien, en tant que lecteur du Bad Crew, qui en a fait entre autres sa tête d’affiche pour le mois d’octobre 2024. Les quatre punk rock n’ rollers arrivent de la savane montréalaise pour étendre leur férocité partout où ils passent, et ce depuis 2017. Territoire marqué parmi chaque environnement hostile visité. Aux aguets!

Une question de subsistance

Se vidant les tripes comme si leur survie en dépendait. Vivre ou mourir, la loi de la jungle où le plus fort l’emporte et triomphe. « Mes cils tombent ». Léger problème technique, contrôle repris en les crissant au bout de ses bras. Un fan s’empare d’un tambourin pour accompagner les félins rugissants.

La guéparde

Lyn se précipite à l’avant-scène pour se dégourdir les tibias et afin d’assurer le chant le temps de l’une de ses chansons. La rockeuse du Québec est en feu. Je l’ai croisée au Pouzza FEST lorsqu’elle s’exécutait pour Taxi Girls. Pat assure son poste pendant cette période. Ils sont versatiles ces artistes, un instrument n’attend pas l’autre.

Dirty Cheetah attaque à l’aide de ses notes, accords, riffs, emportées musicales… Prédateur poursuivant sa proie, la sélection naturelle opère. Ils somment les gagnants, des dominants se hissant encore plus haut dans la chaine alimentaire underground, s’imposant dans le lot. Un son crasseux, garage de qualité, car il est tellement bien servi. Je m’en délecte!

Il ne faut pas vendre la peau du guépard avant de l’avoir tué

Dirty Cheetah, j’en écoute et je le ferai davantage sous les chaleurs de l’été qui est à nos portes. Sans oublier de souligner le travail remarquable des Productions Colimason. Deux bands du Saguenay nous en ont envoyé plein la gueule. Bauxite et Goth Pop, à continuer de suivre leur puissance s’émettre. Je m’en vais au lit, cette chasse animale m’a essoufflé et épuisé. Imagine, ce n’est même pas moi qui jouait.

À l’horizon, je distingue un calendrier de spectacles très mince en juin. Pour ma part, le prochain show auquel j’assisterai sera encore ici au BaP avec Tempête, Fokyoushima et Polonium 309. Ce vendredi 29 mai sera couvert par Jerry Cherry du Bad Crew.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Marie-Joëlle Tremblay

Révision : Marie-Eve Landry

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Une constante depuis 2024 est que le printemps coïncide avec la sortie d’un nouvel EP du groupe PACE. Le 5 avril 2024, nous avons eu droit à Perfect Storm, un premier EP qui a rapidement fait parler de lui dans la scène montréalaise. Ce projet s’est d’ailleurs hissé au premier rang de mon top 10 des EP de l’année 2024. En 2025, le groupe a récidivé le 4 avril avec MAZE, un deuxième EP paru presque jour pour jour un an après Perfect Storm.

Nous sommes maintenant en juin 2026, et la tradition se poursuit. PACE revient avec son punk rock mélodique dans un troisième EP intitulé Sleep Paralysis. Tout comme pour les deux sorties précédentes, on a droit à quatre nouvelles chansons à se mettre dans les oreilles. J’ai eu la chance d’avoir un accès en primeur à Sleep Paralysis, et je peux déjà vous dire que c’est un trois en trois pour PACE.

Sleep Paralysis débute avec What Can I Say, une pièce qui s’inscrit davantage dans un registre punk rock mélodique, avec des paroles empreintes de vulnérabilité. On y explore les tourments d’une relation amoureuse où l’on peine à se sentir à la hauteur malgré un amour sincère et profond. Le narrateur se débat avec ses propres démons, conscient de ses lacunes, mais déterminé à continuer d’essayer de faire fonctionner la relation. On sent bien le combat contre le risque d’auto-sabotage.

Jess démontre ici un excellent contrôle de sa voix. Par moments, elle semble nous parler, puis, à mesure que l’émotion prend le dessus, l’intensité vocale et musicale augmente. L’utilisation des back vocals en réponse à Jess amplifie encore davantage l’émotion transmise. Le morceau construit ainsi un crescendo chargé de tension, qui culmine lorsque Jess lance un déchirant « Trust me, I care », avant de clore doucement avec « What can I say? ».

On enchaîne avec la chanson Sometimes, qui aborde le thème d’une relation toxique. On y parle de perte de contrôle, d’effacement de soi et du moment où rester devient plus destructeur que simplement partir. Le refrain est simple mais efficace, mettant l’accent sur le besoin de partir. Le propos est empreint de noirceur, mais avec une lueur d’espoir qui naît du fait de quitter une situation, et de suivre sa « guiding star« .

Vient ensuite Tribute, le premier extrait de l’EP, paru le 1^er mai dernier. Pour cette chanson, PACE a invité Roxanne Izzo pour un featuring. Tribute est une confession à un ou plusieurs proches, mettant en lumière l’amour et l’importance de ces personnes. C’est probablement la chanson qui a eu le plus gros impact émotionnel sur moi. Elle m’a fait prendre une pause et réfléchir aux personnes qui ont eu ou ont encore un impact positif dans ma vie. On prend souvent pour acquis les personnes qui nous entourent, et même si elles savent qu’elles sont importantes pour nous, il est toujours essentiel de leur faire savoir avant qu’il soit trop tard. Musicalement, Tribute est une chanson accrocheuse qui reste en tête.

Vient ensuite Your Picture, la chanson qui clôt l’EP. À première écoute, elle évoque une certaine fragilité émotionnelle. Toutefois, en s’y attardant, elle met surtout de l’avant la force que peut procurer l’amour dans les moments difficiles. L’image récurrente « Your picture / Is the last thing standing on my wall » devient le symbole de cette présence stable et rassurante, qui permet de garder espoir lorsque tout semble s’écrouler.

PACE est composé de musiciens d’expérience, et cela se reflète dans un résultat à la hauteur de leur talent. Le groupe a su livrer d’excellents EP trois années de suite, tout en terminant en force avec, selon moi, leur meilleur travail jusqu’à maintenant. Pour souligner la sortie de Sleep Paralysis, PACE s’est associé à Rough Time Records pour mettre ses trois premiers EP sur cassette. Pour l’occasion, le groupe a réordonné les chansons des trois EP afin de créer une fluidité et une expérience d’écoute uniquement disponible sur la cassette.

En terminant, je veux prendre le temps de souligner le superbe artwork de Sleep Paralysis, créé par Édith Boucher. Une image qui encapsule bien les thèmes abordés tout au long du EP. Elle prend le relais de Case Huynh, qui avait fait l’artwork pour Perfect Storm, et de Sara Elbourne pour MAZE. Si vous voulez en apprendre plus sur PACE, je vous invite à lire la tête d’affiche d’avril 2025 qui se trouve ici.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Julie Fortin

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Malheureusement, concours de circonstances, je me retrouve seul avec mes deux enfants. J’avais donc mis une croix sur ce plan. Rebondissement ! J’obtiens comme information qu’ils acceptent les kids, et en plus une de mes amies y sera avec ses trois rejetons. Let’s go! Je me crinque pour aller au show en famille. Les Planètes se sont bien entourés avec General Chaos qui était avec eux à Alma la veille avec l’addition de Cosmïc.

Vieux-Théâtre

Agréable et savoureux souper improvisé à la Microbrasserie Pavillon Noir à La Baie avec une tablée pour sept affamés. Les portes du Vieux-Théâtre sont supposées ouvrir à 19 heures 30 et nous sommes effectivement les premiers arrivés. Prêts pour dévaliser les tables de merch !

D’autres enfants se pointent sur place. « Une soirée familiale ! » comme Jacques Rougeau le dirait si bien. Le bruit court qu’on totalise 120 billets vendus plus tous ceux qui se décident à la dernière minute. Je croise de nombreuses connaissances que je n’ai pas vues depuis longue date. Cet édifice évènementiel possède une immense scène à occuper. Ça fourmille justement sur le plancher de celle-ci. Chut, ça commence.

Cosmïc

Pas la première et la dernière fois que je vous jase de Cosmïc. Groupe ska punk rock du Saguenay qui sème la joie sur son passage. Le fiting parfait avec The Planet Smashers qui revendique ce titre. Je vous invite à lire mon autre article sur eux.

20 heures 24 et c’est parti ! Je remarque la présence d’un nouveau drummer. Exécution de solos de guitare en se mettant en valeur en se hissant sur les blocs rehausseurs.

Même une machine à bulles sous forme de pistolet fait son apparition remarquée.

Resplendissante guitare triangulaire d’un vert brillant, que Sam a fermement entre ses mains. Style éclatant, il a. « On est de St-Fulgence, mais ce n’est pas nous Angine. »

Rêve réalisé de jouer pour le label Stomp Records, administré par Matt de Planet Smashers.

General Chaos

General Chaos, ce nom de band vous sonne de quoi ? Le Bad Crew en a fait sa tête d’affiche pour le mois de décembre passé. Vidéo publié par Sam, grand manitou pour le Café du clocher qui m’a jeté à terre lorsqu’ils ont foulé les planches de son stage. Une autre raison qui m’a poussé à être ici ce soir.

Je vous rappelle qu’ils ne sont âgés que de 16 ans et proviennent de la métropole. Nous avons sympathisé avec le papa de la bassiste qui occupe le rôle de roadie et merchman. Ils ont grandi en se faisant bardasser les oreilles par Banlieue Rouge, The Sainte Catherines, etc.

Leur musique transpire positivement une naïeveté et innocence sans prétention. C’est brut, un joyau à polir. Un vocal hargneux à la voix rauque. On dirait Tim Armstrong de Rancid. Effectivement, quand on y pense, ça rappelle leur premier album. On reconnaît même pratiquement les mêmes lignes de basse et guitare familières. Éblouis, je suis. Des clins d’œil juxtaposés à leurs savantes compositions. Du style, ils ont les jeunes.

Deux albums à leur actif plus un démo. « On finit avec notre préférée du premier album. Chu fucking essoufflé, ç’a passé fucking vite. » En fait, leur deuxième album est paru le 8 mai. Allumez vos radars sur le titré Can’t Please ‘Em All.

« General Tao c’est vraiment bon », s’exprimèrent mes enfants. Hehe !

The Planet Smashers

The Planet Smashers mené par le géant maigrichon Matt Collyer. C’est lui qui était là pour gérer leur table de marchandise. S’exprimant autant en français malgré qu’il soit anglophone. Sympathie est son deuxième prénom.

Ça fait un bail que je les suis à la trace. Sans exagération, j’ai dû les voir 25 fois en spectacle. Détail à considérer : c’est le groupe préféré de l’un de mes amis. Ce qui me pousse régulièrement et naturellement vers eux. J’admets que ce sont des retrouvailles après un bon bout de temps, je m’ennuyais ! Surtout après l’écoute de leur dernier album qui passe le test.

C’est injuste pour toutes les autres formations, car leur musique est tellement entrainante que le party lève à coup sûr. Nous avons une envie soudaine de danser, skanker. Ça change des pas et jeux de jambes exécutés dans les trash.

« C’est samedi soir. » avec son accent francophone cassé si charmant. Les Planètes nous servent des hits à profusion composés de vieilles compositions et de nouvelles. Des entre-deux de carrière, ce qui s’est fait de mieux entre leurs débuts et aujourd’hui. Un best of intelligemment bâti.

Il est demandé à un jeune homme dénommé Dominic de se présenter sur la scène. Par la suite, il invite sa petite amie à le rejoindre pour finalement s’agenouiller. Eh oui ! La grande demande orchestrée avec ce scénario grandiose.

Le moustachu au sax, le ténor.

C’est la fête

Le barbu au trombone qui coulisse plus long que ses bras, c’est à n’y rien comprendre.

Soudainement, la guitare blanche du chanteur est imprégnée d’une couleur rouge. Hey! C’est du sang. Ça ne le dérange pas, aucunement incommodé. Il continue de jouer et ça pisse.

Parlons aussi de la touche de clavier qui change tout. L’ingrédient musical supplémentaire qui modifie le goût final. Fait chaud dans le camp. Je danse le ska avec une petite saucette dans le trash.

Fin nocturne

Je connais le tour de passe-passe à exécuter. Au début de la veillée, je l’avais expliqué à mes enfants lorsque nous sommes arrivés et passés à côté de cette fameuse porte arrière par laquelle les artistes circulent pour entrer et sortir leur gear. Mission accomplie, autographes récoltés de Planet Smashers sur mon nouveau tshirt et mon ancien vintage. Mon garçon est impressionné et les portera aussi.

Dernier show de cette tournée du printemps, si ́l’hiver peut enfin finir. La palme revient, sans hésitation, à General Chaos. The Planet Smashers assure toujours, mais un vent de fraîcheur est encourageant.

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Annie Freska

Correction : Camille Charlebois

Révision : Julie Fortin

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Pour l’occasion, l’excellente formation Thick Glasses avait l’honneur d’assurer la première partie lors des deux représentations. En plus de Thick Glasses, le groupe Somet ouvrait la soirée du 12 mars, tandis que Caniche avait cette responsabilité le 13 mars. Comme la soirée affichait complet, nous sommes arrivés tôt afin d’obtenir une bonne place et de voir ce que les différents groupes avaient à offrir du côté de la marchandise.

Caniche

J’aime toujours faire de nouvelles découvertes, et ce fut le cas avec Caniche. Nous avions pris le temps d’écouter quelques chansons dans la voiture en nous rendant au spectacle, et cela nous avait déjà laissé une bonne impression.

À 20 h tapantes, la formation composée de Charles-Éric Lavoie (guitare et voix), Lou Brassard (guitare et voix), Jonathan Franken (basse), également membre de Charogne, et Laurent St-Pierre (batterie, en remplacement de Julien Daoust absent ce soir-là) est montée sur scène pour livrer une performance solide qui donne envie d’en entendre davantage.

Une bonne foule était déjà présente devant la scène. Lors d’une interaction avec le public, le groupe a souligné l’importance de soutenir la relève. Pour illustrer ce propos, ils ont enchaîné avec la chanson La Relève, une pièce qui se veut une satire avec des paroles comme : « J’haïs la relève / Sont toujours défoncés / Sont toujours pisseux ».

Ce fut un très bon début de soirée, et j’ai bien hâte de recroiser Caniche sur scène lors d’un prochain spectacle. Pour ceux qui comptent aller voir Vulgaires Machins durant leur tournée, je vous conseille d’arriver tôt pour attraper le groupe, qui assurera notamment la première partie le 20 mars à Chicoutimi, le 27 mars à Saint-Hyacinthe et le 28 mars à Granby.

Thick Glasses

La formation montréalaise Thick Glasses, qui se fait tranquillement un nom sur la scène punk et alternative de la métropole et de la province, était la suivante à monter sur scène. Si vous ne connaissez pas encore ce groupe, je n’hésite pas à dire qu’il a, selon moi, produit l’un des meilleurs albums de 2025 avec Dans l’abysse. Ce spectacle représentait donc une excellente occasion pour eux de faire découvrir leur musique à un public plus large qui serait peut-être passé à côté autrement.

Le groupe a principalement interprété des chansons tirées de ce plus récent album. Nous avons notamment eu droit à Mon Accalmie et Eliza, en plus de Mydriase et du désormais classique DOGO. Charles De Villiers, chanteur et guitariste du groupe, a pris un moment pour exprimer sa gratitude face à l’opportunité de jouer en première partie d’un groupe phare de la scène québécoise. On ne peut que lui répondre que cette place est amplement méritée.

Nous avons ensuite eu droit à ce que le groupe appelle le moment Fred Durst. Tous ceux qui portaient une casquette étaient invités à la mettre à l’envers et à se préparer à s’amuser comme si nous étions en 1999. Encore une excellente performance pour Thick Glasses, qui sera également présent au Pouzza Fest 14 cette année pour ceux qui y seront. Le groupe assurera aussi la première partie de Vulgaires Machins à Québec, ainsi que celle de Exterio le 24 avril à Drummondville.

Vulgaires Machins

Sans surprise, Vulgaires Machins a débuté son spectacle exactement comme leur plus récent album Contempler l’abîme, avec les pièces Terminé le fun et On Mani Padme Hum, avant d’enchaîner avec Être un comme. Le groupe a ensuite été accueilli par une ovation chaleureuse qui semblait sincèrement les toucher. Tous les membres du groupe paraissaient en grande forme pour cette seconde soirée montréalaise de la tournée. Ils étaient accompagnés de Lisa Iwanycki au clavier, un bel ajout.

Avant de poursuivre, Guillaume a lancé à la foule : « Chère Montréal, c’est à ton tour de te laisser parler d’amour et de chaos. »  Nous avons ensuite eu droit à Asile, OK et Vivre, tirées de l’album Disruption, ainsi qu’à On continue provenant du plus récent opus. On peut dire que ces chansons mettent effectivement en lumière le chaos qui sévit actuellement dans plusieurs secteurs de notre société. Le groupe a ensuite su nous donner des frissons en demandant notre participation à un classique du groupe. Au lieu de vous décrire le moment, je vous laisse l’écouter.

Un peu plus tard, le groupe a fait plaisir aux nostalgiques avec un medley de trois « vieilles, vieilles, vieilles chansons », comme l’a présenté Guillaume.

Les trois pièces tirées de 24.40 étaient La rue Déragon, Trinitrotoluène et Cocaïnomane. Cela faisait longtemps que je n’avais pas entendu ces chansons en spectacle. Il ne nous a manqué qu’une pièce de Regarde le monde pour couvrir l’ensemble de la discographie du groupe. Je me plains la bouche pleine, mais j’aurais volontiers pris Roméo et Yvette ou Fausse route.

Marie-Ève a ensuite pris la parole, disant espérer ne pas nous avoir trop « décrissés » avec leurs chansons qui parlent parfois de fin du monde. Je tiens à la rassurer : oui, les temps sont difficiles et il n’est pas toujours facile de garder le moral devant les inégalités qui se creusent entre les plus riches et la classe moyenne. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons ensemble, j’ose croire qu’il est encore possible de renverser certaines dynamiques injustes. Mais si chacun fait sa part et si nous travaillons tous ensemble, nous arriverons à renverser ou ébranler l’impérialisme en place. Ils se sont ensuite lancés dans une magnifique version acoustique d’Un peu plus fort, un moment particulièrement touchant de la soirée.

Tout au long du spectacle, la participation de la foule a été sollicitée ce qui ajoute à l’expérience.  À titre d’exemple, des « olé! olé! olé! » ont été lancés durant un intermède pendant Puits sans fond. La foule montréalaise, fan de hockey ou non, est toujours partante pour ce genre de moment. Avant d’entamer les dernières chansons, le groupe a pris le temps de remercier les membres de leur équipe. Il est important de souligner le travail de ces artisans de l’ombre qui rendent de telles soirées possibles, et j’ai pris soin d’en capter un extrait.

La performance de Vulgaires Machins avait débuté comme l’album Contempler l’abîme, et s’est terminée de la même façon en enchaînant Libérer la foudre, Faire sécession et Me croire seul à me croire inutile. Ces trois chansons forment un tout, et il aurait été difficile d’imaginer le spectacle se conclure autrement.

Un rappel avant de rentrer à la maison

Au grand plaisir de la foule, Vulgaires Machins est revenu sur scène pour un rappel de trois chansons. Le groupe a entamé ce segment avec L’effondrement qui vient. Nous avons eu droit à une grande surprise lorsque Jenny Salgado s’est jointe à eux sur scène. Voici une vidéo de ce moment :

Jenny Salgado a ensuite quitté la scène, et nous avons eu droit au classique Dieu se pique, durant lequel le groupe s’est permis un clin d’œil è un autre classique de la musique québécoise avec un extrait de Sous le vent de Garou et de la grande Céline.

La soirée s’est finalement conclue avec Et même si, offrant une finale à la hauteur de l’intensité du spectacle. Difficile d’en demander davantage pour un concert de Vulgaires Machins, des premières parties bien choisies, une scénographie simple mais efficace, et une généreuse setlist de 23 chansons qui a su satisfaire les fans de longue date ainsi que les nouveaux venus. Une soirée réussie, fidèle à la réputation du groupe.

Rédaction : Maxime Isabelle

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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Vous avez eu très peu de changement de lineup, (sauf Mathieu, qui a remplacé Yan) si je ne me trompe pas.  Comment expliquez-vous cette relative stabilité ?

On a eu quatre drummers en fait. Mais deux départs étaient déjà prévus. Notre objectif commun est clair. Tout le monde pousse également et on va tous dans la même direction. Et on est un band démocratique dans nos décisions, alors pas de chicane ! Juste un ti peu 🙂

Vous avez maintenant à votre actif quatre EP et un LP. Déjà avec Un peu crust un peu emo, on sentait bien l’énergie. Une sonorité beaucoup plus punk garage qui s’est peaufinée au fil du temps pour adopter une sonorité un peu plus pop punk. Est-ce une progression qui s’est faite naturellement ?

On est tous devenus meilleurs avec le temps, on prend plus le temps de travailler les chansons. C’est sûr que la qualité de l’enregistrement change aussi pas mal la sonorité, comme sur Le Désordre Organisé où nous avons aussi travaillé avec l’avis extérieur d’Hugo Mudie. Les EP ont tous été enregistrés en live, donc on peut sentir une énergie différente et un son moins léché. Pour nos 10 ans, on voulait justement donner une deuxième vie à la chanson Papier Panier Piano qui est parue sur notre premier EP. On a donc réenregistré la chanson qui sortira au mois de mars.

Depuis le dernier album (LP) Le Désordre Organisé, vous êtes signés sur Stomp Records. Qu’est-ce que cela a changé pour vous ?

Un label, c’est comme un outil supplémentaire pour nous. Ça nous apporte beaucoup de nouvelles opportunités de shows et nous donne plus de visibilité. Mais en même temps, on garde la latitude de faire ce que l’on veut. On est vraiment content d’être sur un label sur lequel on “trippait” étant jeune.

Pour lire la critique de l’album Le Désordre Organisé, c’est ici.

En l’espace de 10 ans, vous vous êtes créé une solide fanbase. Comment expliquez-vous cela ?

On pense que la combinaison d’être smatt avec le monde qui vient nous voir, d’avoir tourné un peu partout dans le Québec et de chanter en français des paroles auxquelles les gens peuvent s’identifier a bien contribué à ça.

Vous célébrez votre 10^e année d’existence. 10 ans, ça passe vite, mais il y a des p’tits bouttes plus longs parfois. Vous, il me semble que ces 10 ans là, vous les avez runné à fond. Qu’est-ce que vous retenez de cette première décennie ?

Petit train va loin. À chaque phase du band, nous nous sommes fixés des objectifs ambitieux mais réalisables, toujours en visant plus grand, que ce soit un enregistrement ou jouer avec un band qu’on aime. Lentement mais sûrement, c’est, selon nous, la clé du succès.

Les bands émergents actuels qui impressionnent Capable! ?

Chire, Service Conseil, Conflit Majeur, General Chaos, Somet.

Comment trouvez-vous la scène actuellement ?

La scène est en santé. C’est vraiment cool de voir une vague de bands de jeunes se mobiliser pis faire des shows. On pense aussi que des initiatives comme le Pouzza et le Phoque Off, avec leur grande diversité, aident les gens à s’intéresser à la scène et à vouloir se partir des bands.

Si vous pouviez parler au Capable! de 2015, qu’est-ce que vous leur diriez aujourd’hui ?

Continuez de jammer à chaque semaine. Ça va bien aller, pis investissez en achetant des actions de Zoom en 2019.

Est-ce qu’on peut espérer vous voir virer encore un autre 10 ans ? Commencez-vous à vous essouffler ou la passion et l’inspiration y sont encore ?

On est déjà en train de composer un prochain album. Ce que l’on veut, c’est continuer à faire des spectacles comme on l’a toujours fait, lentement mais sûrement. On veut prochainement tenter de jouer dans des villes où on n’est encore jamais allés. Et si jamais quelqu’un lâche, Za continuera avec de jeunes musiciens fougueux et les gens se diront : on aurait dû aller les voir quand c’était nice en 2026.

On se donne rendez-vous le 11 avril prochain au Cabaret des Foufs pour un party de fête aux côtés de Guilhem & The Bamboo Bones, BONVIVANT et Oh My Snare. Est-ce qu’il y aura autre chose cette année pour célébrer vos noces d’étain, haha ?

On vous l’annonce en primeur : nous avons engagé un crew pour filmer le spectacle et faire des vox-pop dans le pit. On en fera un documentaire. Alors si vous avez des mots d’amour ou des anecdotes à nous raconter, ce sera une occasion en or de les immortaliser.

Rédaction : Claudia Bo et Capable!

Correction : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

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L’Association Longueuil un pays

Je suis arrivée tôt afin de discuter avec LP (à la programmation) et Candide (bar & gestion de la porte), tous deux derrière ces soirées. Et un peu aussi pour pouvoir manger la fameuse pointe de pizz de Longueuil Pizza, tant vantée par nos amis de Thick Glasses. J’ai également pu profiter d’une dégustation de cidres et de vins de chez Coteau Saint-Paul, gracieuseté de La Boîte à Vin.

En attendant que le premier band commence, j’ai jasé avec LP qui m’expliquait, avec des étoiles dans les yeux, que sa programmation va bon train. Même assez pour que les prochaines dates disponibles soient en novembre seulement. Longueuil un pays est une association axée sur la communauté – tous les profits supplémentaires générés par les concerts (porte, alcool, breuvages, nourriture, etc.) vont à la Fondation du Foyer Saint-Antoine, un organisme venant en aide aux personnes handicapées. L’esprit se veut également familial et je l’ai immédiatement constaté en mettant les pieds dans la salle, où plusieurs enfants se couraient après entre les adultes qui eux, bavardaient avec une bière à la main.

La salle, quant à elle, est absolument magnifique. C’est une ancienne chapelle aux allures grandioses – des lustres majestueux, des plafonds très hauts, des vieux planchers de bois qui craquent, un mur de pierre au fond de la scène, et un deuxième étage me rappelant un peu la disposition des (feux) Katacombes. D’ailleurs, LP me mentionnait qu’il aimerait dégager assez de profits pour pouvoir rénover le 2^e étage qui n’était malheureusement pas accessible au public, pour éventuellement devenir le « Mini-Foufs » de Longueuil.

L’ouverture du spectacle avec Perpendicolor

Le show a commencé avec Perpendicolor, un groupe dont je n’avais jamais entendu parler. Dès les premières notes, ils ont donné le ton à la soirée : un son lourd, tantôt stoner rock, tantôt alternatif, et des membres qui savent franchement où ils s’en vont.

Victoria Richardson à la voix passe d’une voix juste et grave, à un growl bien placé, en ne perdant pas une minute entre deux chansons. Benjamin Trudel-Bureau joue de la guit comme s’il n’y avait pas de lendemain et on sent du blues dans ses riffs. Guillaume Datugan Martin slap sur sa basse, on dirait parfois que j’entends du Tool, du Red Hot Chili Peppers ou du KoRn dans les influences. Finalement, Alexis Frechette tient le tempo pour accompagner ses musiciens qui ont offert un set bien exécuté – tous les yeux étaient rivés sur la scène et j’ai vu beaucoup de sourires durant leur performance.

Fragile, directement de la France

Vient ensuite le groupe Fragile, directement de Angers en France. Franchement ça a été un immense coup de cœur pour moi. Là encore, je ne les connaissais pas, et j’ai eu un solide « WOW! ». Pour les fans de Title Fight, Mil-Spec, Militarie Gun, Drug Church – bref si vous aimez la vibe shoegaze & post-hardcore (ou « modern hardcore », comme ils se décrivent sur leur page bandcamp) – vous allez clairement être servis.

Ce que j’ai particulièrement aimé, c’est le fait qu’il y ait quatre vocals, ce qui rend le tout plus dynamique à regarder. Et parlant de dynamisme, que dire de l’énergie de chacun des membres! J’ai eu de la difficulté à prendre des photos qui ne sont pas floues, tellement ils bougeaient tous. Le chanteur, Baptiste Pelletier, a même terminé le set dans la foule, après avoir invité Hugo (au son) à se joindre à lui juste avant.

Si vous ne connaissez pas encore leur musique, accourez vite écouter leur tout dernier album BIG BIG SMILE, paru le 7 novembre 2025.

La tête d’affiche : Thick Glasses

Finalement, c’est Thick Glasses qui embarque comme tête d’affiche. J’ai croisé des gens qui ne les connaissaient pas, et je leur ai vanté la qualité des musiciens : ma parole a clairement été honorée. Maudit (ce n’est pas le mot que j’aurais choisi mais il faut quand même que je demeure professionnelle) qu’ils sont solides! Gab est un sale bon drummer, je n’en reviens pas à chaque fois – sans vouloir rien enlever à Dave (guitare et chant), Charles (chant et guitare) et Julien (basse) bien sûr. C’était la troisième fois que le groupe jouait à Longueuil, et ils étaient unanimes : c’était la meilleure des trois fois!

Le public montrait clairement leur appréciation par des headbangs, des sourires, et plusieurs personnes qui chantaient les paroles à tue-tête. À un certain moment, Charles nous invite à partir un pit et faire du 2 step, mais en rajoutant ceci : « les prochaines tounes sont faites pour se décalisser la face, mais faites attention à vous autres pis faites attention aux autres, c’est important ». Des vraies perles, ces gars-là!

Ils ont terminé le set avec la chanson Doggo où la foule s’est déchaînée (respectueusement). À peine retourné vers leur gear pour se débrancher, qu’on entendait la foule crier « THICK GLASSES! THICK GLASSES! THICK GLASSES! », pour réclamer un rappel. C’est alors qu’ils ont sorti des boulamites la chanson Vedgétarien de leur album En orbite paru en janvier 2018, et que Dave nous a fait un beau hand stand.

Terminer la soirée en beauté

C’était une soirée formidable et j’ai déjà hâte à la prochaine.

Pour conclure, j’avoue que j’adore la formule avec trois bands – ça ne me laisse pas le temps de sentir que mes pieds et mon dos font mal, et ça me laisse assez d’énergie pour aller danser, même sur le dernier groupe. La salle est magnifique, le staff est amical, et je suis certaine qu’ils auront de plus en plus de succès.

D’ailleurs, LP nous annonçait à la fin du spectacle que la tournée 123 Punk qui s’arrête là le 1^er mai prochain a « sold-out » durant le show, ce qui laisse croire que les gens qui y mettent les pieds confirment leur appréciation de la place.

Rédaction : Jess Peach

Crédit-photo : Jess Peach

Révision : Marie-Eve Landry

L’article Vaincre le tunnel pour une soirée dansante, signée Longueuil un pays est apparu en premier sur Le Bad Crew.

Comme à chaque fois, je réponds « présent » avec mes quatre casquettes habituelles : acheteur/vendeur/rédacteur/photographe. De plus, la première édition annuelle a un petit quelque chose de spécial. Question de bien démarrer 2026.

Roco Bar

C’est encore à la même place de prédilection que l’évènement est tenu, étant toujours bien accueilli par le Roco bar. Fait pas froid, à -40… y fait « frette ». Il n’y a rien à faire ou à foutre, à part venir nous rendre visite pour acheter des « cossins » de musique et profiter d’un groupe régional. Recette gagnante !

Mes tables préférées, celles de merch

Je suis arrivé légèrement en retard. J’arrive donc après l’ouverture des portes pour les pisteurs de vinyle. Le stationnement est complètement plein à craquer comme je l’ai rarement vu. Nouveauté avec l’ajout de tables offertes aux groupes de musique pour y étaler leur merch. En plus des Vanupieds, Cosmic et Chevrotine sont installés, prêts à conclure des deals.

Les Vanupieds

Van tour en vue. Ça s’installe, ça soundcheck, complexifiant les négociations entre vendeurs et acheteurs en augmentant le débit de la transaction.

Qui sont ces vagabonds?

Les Vanupieds est un groupe du Saguenay qui roule sa bosse depuis de nombreuses années. Ils sont de retour, de nouveau actifs depuis peu. Leur comeback nous réservait la venue d’un nouvel album : Les Bandes Étoilées. Je ne m’y attendais pas, un joli cadeau.

La distribution va ainsi : Gerbi (Voix), Nic (Guitare), Marco (Basse), Sly (Batterie) et DaP (Guitare). La très grande majorité de l’écriture des textes provient de la main de Gervais, du bout de sa fine plume bien dressée.

Back-to-back

Les boys ont performé la veille à la Brasserie Port-Alfred de La Baie. La nuit a été courte et peut-être arrosée, à voir les cernes autour de leurs orbites.

Les bandes étoilées

Pour renchérir sur ce que j’ai précédemment affirmé à propos du nouveau matériel nommé Les bandes Étoilées, je vais détailler. Selon mon humble avis, leur nouvelle création qui s’est pointée la face en juin 2025.

On se Croise les Bras

Première chanson d’entrée dans leur jeu. Un bon beat qui coule et fit avec les lyrics. La guitare qui ne cesse de s’exprimer, chanter, crier.

Son Look

« Son blouson nous électrochoc ». Tempo plus lent, mais agressif. Guitare très électrique et distorsion saturée. Solo efficacement inséré. Bonne chanson bonbon, savoureuse à l’écoute.

Souvenirs Confus

Départ avec guitare stressée, rapide dictant la suite. Les quatre autres se joignent au trip musical. Batterie omniprésente déterminant la ligne directrice à adopter.

Mon Confort

Interprétation plus sombre, mélancolique. Le son employé est aussi plus noir, lourd. Rythmique habile, ça marche.

La Nouvelle Ère

Duo de « guit » et tambours pour lancer celle-ci. Les baguettes mènent la charge et les autres instruments suivent la parade. « Pour que tu reviennes à moi ». Le guitariste soliste entre en action. On embarque dans leur délire.

Branlebas de Combat

Nous nous enfonçons encore plus profond dans le rock boosté. Refrain accrocheur qui fonctionne à merveille. Une fois de plus, la guitare se donne en spectacle pendant une longue période pour cette chanson.

La Vie est un Défi

Oh, la basse tasse toute autre sonorité et c’est elle le leader. Nous l’entendons plus forte et puissante que jamais. Ses notes résonnent, vibrent à l’avant-plan. Clac, clac ! Toune moralisatrice, mais tellement véridique.

Coup de Gong

Affichant la réalité, notre réalité à tous, en pleine face. Wake up call! La vibe est excellente, notes musicales savamment sélectionnées. Paroles encore une fois ficelées efficacement. Le drum s’énerve, fesse fort accompagné d’une guitare qui ne se laisse pas faire. Duel de musiciens.

Machine à Sous

La composition que j’apprécie le plus sur cet obus. Peut-être à cause de mon côté gambler. Le chanteur déballe son texte avec férocité et analogies, facilitant le passage de son message. La musique pour enrober le tout est gagnante.

En résumé, c’est un cocktail d’épices rock et punk, adéquatement dosé pour un résultat triomphant.

Rock it

13 h 43, ça s’en vient. L’heure d’amorce visée est 14 h. Justement une vague de punks pénètre entre les murs de la salle communautaire du bar. Attirés par du bruit qui leur plait.

Magnifique guitare basse rose pétant, éclatant : une beauté signée Fender.

Guitare électrique de forme peu orthodoxe avec géométrie unique. Des instruments hors normes, originaux ajoutant au visuel vécu.

Gervais bouge aisément, formant des mouvements fluides de toutes sortes. Ses mouvements adressés, suivis à la lettre tel un chef d’orchestre. Respect maniaque des temps, du tempo à livrer adroitement ses paroles.

Sylvain tire passionnément le meilleur de son drum. Flamboyants, ils sont tous !

De la relève

Trash amical, accueillant plus jeunes et moins jeunes, quelques adultes dans la danse. Pour ma part, je suis en séance familiale de virilité, un slam intime avec mon garçon. « Merci d’être venus c’était ben plaisant et apprécié ». Dernière offre avec l’excellente Machine à sous, « Qu’est-ce tu dis… »

Groupie comme son père

Les Vanupieds ont officiellement un fier nouveau fan. Mon gars s’empresse de me demander de l’aide pour faire signer son chandail, nouvellement acquis à leur table de marchandise. Je l’accompagne et j’en profite pour féliciter les cinq musiciens de leur prouesse.

Trois chansons supplémentaires en français n’apparaissant pas sur leur setlist, dont un cover.

Allons préparer le souper

Merci aux organisateurs. C’était, une fois de plus, impeccable.

Je croise le bassiste de Desaxed qui est passé avec une boîte intéressante, renfermant leur nouvel album. J’ai enfin ma « K7 », que je tiens précieusement telle une Triforce à Zelda. Surveillez mon prochain article sur ce fameux mystère. J’en suis plus que curieux…

Rédacteur : Patrice Belley

Crédit-photo : Patrice Belley

Correction : Val Girard

Révision : Marie-Eve Landry

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Dix ans. Dix ans que les Zoo débarquent chaque mois de décembre pour réveiller nos partys de famille, faire danser nos « matantes », rocker nos « mononcles » et nous faire découvrir ou redécouvrir des bands québécois qui n’ont clairement pas peur de réinventer des classiques.

Je suis une fan finie de cette série de compilations. Je les attends chaque année, comme le sapin, le chocolat chaud et les questions passives-agressives de ma tante Monique. Et encore une fois, Slam Disques/Hell for Breakfast livrent la marchandise avec un Zoo 10 festif, punk, nostalgique, actuel, surprenant… et surtout en français.

Voici mes impressions, chanson par chanson.

Attache ta ceinture, on part pour une joyeuse ride de 13 pistes.

1. Francbâtards – B.Y.O.B (System of a Down)

Une entrée en matière explosive, comme Zoo sait si bien le faire. Francbâtards ouvre l’album comme on ouvre une porte pendant un party : à grand coup de pied, sans avertir.

Ça garroche l’énergie, ça explose de partout, les guitares mordent, les voix frappent comme un réveil qui crie.

C’est exactement ce qu’il faut avant d’aller répondre aux 42 questions identiques de tante Monique.

Une entrée en scène qui t’arrache un sourire, même si ton Bailey’s n’a pas encore kické.

https://www.facebook.com/Francbatards

2. Rouge Pompier – Maniaques (Maniac, Flashdance)

Rouge Pompier ramène les années 80 avec sa drive habituelle, son grain sale, son énergie contagieuse. De la nostalgie pure qui fait du bien, qui ramène à la fois Flashdance, l’adolescence… et un peu le désir de faire un solo de danse dans la cuisine.

On dirait que Flashdance a été tourné dans un garage de Saint-Lin, avec plus de disto, plus de sueur, plus de fun.

C’est réconfortant, c’est énergisant : du Rouge Pompier dans toute sa splendeur.

https://www.facebook.com/rougepompier

3. Kamakazi – Briller (VF de « Golden » de Huntrix)

Le film préféré de ma fille et de ses amies… ok, j’avoue, je chantais moi aussi !

Kamakazi offre ici une version punchée, lumineuse, super accessible et qui va probablement tourner dans nos autos plus souvent qu’on veut l’admettre.

Une twist punk sucré-salé.

Un morceau feel-good, impossible à écouter sans sourire.

https://www.facebook.com/Kamakazirock

4. The Matchup – Aimes-tu la vie (Boule Noire)

The Matchup ont ce talent magique : prendre un classique, le secouer, l’envoyer dans le mur et en ressortir quelque chose de meilleur.

Fidèle à eux-mêmes : ils pourraient faire groover un jingle de pub, pis on aimerait ça !

Il fallait The Matchup pour me faire apprécier une chanson de Boule Noire, vieille de 13 ans ! Ils gardent l’âme de Boule Noire, mais lui greffent leur énergie brute, leurs harmonies explosives, et cette finale complètement imprévisible avec « Ta yeul, vis ta vie pis reste en vie » de KC LMNOP.

Du pur Matchup ! Imprévisibles, attachants, efficaces.

https://www.facebook.com/thematchupband

5. Noé Talbot – Va donc te trouver une job (The Offspring)

Imagine The Offspring réinterprété par un musicien folk qui arrive au party avec un banjo, un harmonica et un sourire croche.

Noé Talbot réussit ça, et avec une aisance désarmante.

C’est une version qui sent la cabane, la bière froide et les cuillères en métal qui se tapent sur les genoux.

Du banjo ? De l’harmonica ?

Pourquoi pas !

Noé Talbot nous amène direct dans le coin du salon avec mononcle Gérard et son kit de cuillères.

C’est festif, ça feel « québ’ » en tabarouette.

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6. Fred Booster – Le sergent recruteur / la 153 / St-Tite Express (The Pogues)

Ça sent les bottes poussiéreuses, les routes longues et le vent qui fouette le visage.

Festif comme on le connait, Fred Booster nous donne l’envie de partir à l’aventure, boussole à la main et… pourquoi pas une bouteille de rhum ?

Larguez les amarres ! On déploie les voiles !

Une reprise qui transporte, qui sent la fête, qui donne envie de bouger.

C’est festif, c’est vivant, ça respire la liberté.

On embarque sur le St-Tite Express dès la première seconde.

https://www.facebook.com/FredBoosterMusique

7. Pépé et sa guitare – Heille heille (Hey! Hey! Baby de Broonzy)

Pépé garde tout le charme vintage du morceau original, mais lui donne ce côté bon enfant qu’on lui connaît.

Une petite chanson simple, chaleureuse, presque douce, qui pourrait très bien accompagner un moment familial important…

Ou un malaise total si quelqu’un décide de faire une demande en mariage dans le salon.

Cute, léger, parfait.

Pépé se faufile souvent dans les Zoo avec un naturel désarmant, et cette année ne fait pas exception.

https://www.facebook.com/pepeetsaguitare

8. Mange la Machine – Te retourne pas (Vilain Pingouin) feat Rudy Caya

Cette collaboration, c’est de l’or.

Rudy Caya débarque avec son timbre reconnaissable entre mille, et Mange la Machine lui répond avec puissance.

Les deux voix se complètent comme si c’était écrit d’avance.

La rencontre parfaite.

Deux voix, zéro fausse note, une chimie qu’on sent à travers les speakers.

Une reprise qui frappe fort et qui respecte totalement Vilain Pingouin.

https://www.facebook.com/mangelamachineqc

9. Ripé – J’veux sniffer d’la colle maintenant (Ramones)

Ripé rend hommage aux Ramones avec une énergie brute et adolescente.

Ça sent le chaos, le bricolage qui tourne mal, les neveux surexcités qui courent partout dans le party.

Simple, rapide, efficace, comme les Ramones, mais avec un accent québécois assumé.

https://www.facebook.com/rockdebadass

10. Hate it Too – Rien à faire (Marie-Pierre Arthur)

Un beau moment de respiration dans l’album.

Hate it too livre une reprise douce, enveloppante, un peu mélancolique, mais parfaitement maîtrisée.

Ça berce, ça rappelle des souvenirs, ça donne envie de regarder par la fenêtre pendant qu’il neige.

Une vibe nostalgique magnifique.

Un beau contraste parmi le chaos festif du Zoo.

https://www.facebook.com/hateittoo

11. Slater et fils – Le p’tit monsieur pas d’cou (Bruno Blanchet)

Une reprise qui sent la bière renversée, les fous rires et les classiques québécois qu’on ressort juste pour tester la mémoire du monde.

Slater et fils respectent l’esprit original : c’est absurde, c’est drôle, et ça finit en chorale familiale déchaînée.

Tu vas savoir exactement qui dans ta famille a trop bu.

Un CLASSIQUE.

Une reprise fun, sans prétention, qui va faire rire tout le monde.

https://www.facebook.com/SlaterEtFils

12. Hipshot – Tu dis rien (Louise Attaque)

La voix féminine change complètement le mood.

Hipshot apporte une nouvelle sensibilité, plus fragile, mais plus incisive aussi.

La chanson devient presque intime, avec un feu qui brûle doucement, mais intensément.

Grosse révélation : j’aime cette version.

La voix féminine apporte un relief, une douceur dure, un côté brut qui change toute la dynamique.

Une des plus belles surprises de l’album.

https://www.facebook.com/hipshotrock

13. Oktoplut – Insomniaque, partie 4 (Green Day)

WOW !

6 minutes 49 secondes de pur bonheur.

C’est long, c’est riche, c’est travaillé, et c’est impossible à ignorer.

Oktoplut livre un coup de circuit, une finale grandiose, travaillée, unique.

Mon gros coup de cœur de Zoo 10.

Une claque ! Ça monte, ça explose, ça respire, ça revient, ça frappe.

Un voyage sonore complet, maîtrisé, puissant.

On a clairement gardé le meilleur pour la fin.

https://www.facebook.com/Oktoplut

Bilan : Zoo 10 frappe fort – encore

Comme depuis dix ans, Slam Disques et Hell For Breakfast concoctent une compilation de reprises punk/rock en français juste à temps pour nos partys du Temps des fêtes.

Zoo c’est :

• Parfois nostalgique
• Parfois actuel
• Toujours créatif
• Éclectique, mais cohérent
• Et une vitrine incroyable pour nos artistes d’ici.

Chaque année, je découvre de nouveaux bands grâce à ses compilations.

Et cette année ne fait pas exception.

Zoo 10 arrive à point.

Ça donne envie de chanter, danser, rire, fêter, se rappeler… et d’en redemander.

UN MÉCHANT PARTY!

Une belle manière de célébrer dix ans d’un projet devenu incontournable.

Sortie : 18 décembre 2025

Rédaction : Marie-Lyne Jean

Correction : Val Girard

Révision : Julie Fortin

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La nuit prend de plus en plus de place dans notre quotidien. La saison des cônes oranges, rappel des couleurs d’automne tirant à sa fin, se fait à peine sentir dans le centre-ville. En effet, un labyrinthe en construction nous sépare du stationnement plutôt difficile à repérer au lieu de l’évènement. Après quelques minutes de marche, on a, mon acolyte Quaker et moi, laissé tomber l’idée de rebrousser chemin chercher nos costumes oubliés dans l’auto. Ils étaient pourtant à portée de vue, mais trop loin pour deux gars motivés de se frayer un chemin, vers le Pantoum à travers les travaux publics bordéliques.

Après avoir fait le tour de la bâtisse et être tombés sur deux rassemblement totalement hors contexte, on tourne le coin du dernier espoir, pour enfin souffler devant l’exposition attendue : des punks dressés fièrement dans leurs costumes cauchemardesques aux portes du Pantoum d’où s’extirpait une épaisse brume.

Easy Pain : cri perçant consumant le brouillard

On entre dans le repaire des Enfants de la peur, un smog opaque a envahi les lieux. Clairement, quelqu’un ici abuse de la machine à fumée, laissant l’analyse des alentours dans une confusion consistante. Entre deux nuages, j’entrevois Luigi du jeux vidéo qui me tend une Pilsner mousseuse mais succulente.

J’ai peine à prendre une gorgée qu’une bruine perce le brouillard. Un son de distorsion tremble dans la vapeur, pendant que s’installent à leurs instruments trois druides vêtus de noir. Tandis qu’au micro, Kevin Martel arborait une toge noire avec, sur la tête, une taie d’oreiller en jute avec des trous percés pour les yeux. L’épouvantail dans Batman en habit de bal.

Le Band est un agencement bien choisi pour ouvrir la soirée costumée. Tout comme les deux groupes célébrés ce soir, Easy pain sont dans la catégorie « difficilement étiquettable« . Partagé entre le punk hardcore et le metalcore, avec leurs riffs brutaux, accompagnés par une voix criarde dont la puissance a repoussé le brouillard, on retrouvait enfin la vue. ça m’a permis de reconnaître Nicolas Turcotte au drum, également percussionniste pour Enfants Sauvage.

Le quatuor donne une puissante prestation. Leur titre Church Fight fut selon moi un moment fort de leur setlist. Ce groupe naissant des entrailles des Enfants de la peur représente un bon espoir pour la scène hardcore de la ville de Québec.

SCARE, défoulement pour l’âme

Le premier groupe à l’honneur ce soir prend place sur scène. Le chanteur, Phil NoFun, apparaît en costume de sorcier et sortit de son chapeau ses trois lapins armés de leur instrument, prêts à nous effrayer. SCARE un style musical intense et un son abrasif. Depuis 2015, le band de Québec, s’inspire des douleurs du quotidien pour ses textes, et sa musique corrosive libère la pression accumulée le temps d’un setlist. Phil l’a lui même souligné entre deux chansons : On a commencé à crier notre anxiété avec Enfants Sauvages il y a 10 ans, ça fait dix ans que je vous crie après.

Le band livre la marchandise back à back. Rapide intermède entre les tunes pour laisser le temps à Phil, en sueur, de se délester d’une couche de vêtement, le fil du micro entre les dents. Je me suis demandé s’il allait garder sa salopette jusqu’à la fin ou si on allait avoir un show intégral… mais non. Leur prestation nous garde sous une constante tension, les électrodes branchées sur les tympans jusqu’au point de rupture, SCARE nous tient et ne nous lâche pas.

Le chanteur ramène de Dieu sait où un escabeau pour l’installer au milieu du crowd, flatter un peu la boule disco, et nous donner l’occasion de se délecter de ce moment visuellement épique. Gab, à la guitare, donne une performance magistrale. Ce, en dépit du fait qu’à quelques reprises ses oreilles de lapin tombent devant les yeux. Elle n’a pas manquer une seule note à l’aveugle.

L’esprit doit prendre une pause après un tel acharnement. Pour citer un anonyme entendu à la sortie du Pantoum : Belzébuth, sors de ce bar. Je ne suis probablement pas le seul à avoir vider sa tank de Prestone lors de SCARE qui peut bien me crier dessus dix ans encore sans problème.

Enfants sauvages, la Madone et les ambassadeurs de la peur

Une tension se fait sentir dans la salle alors que les allumeuses cagoulées déploient leur garde pour créer l’ambiance propre à Enfants Sauvages. Le groupe s’installe sur scène, écharpes en bandoulière, tels de véritables ambassadeurs.

L’organisation du setlist est astucieuse et bien réfléchie. Six chansons des trois albums, présentées en trois actes, chacun entrecoupé d’un intermèdes ponctué d’une chanson de Madonna. Des covers de la Madone à la sauce piquante d’Enfants Sauvages.

Acte A : Material Girl crève ton cœur

Rox Arcand arrive sur scène dans une robe de princesse rose sous les airs de Material Girl. Le crowd est conquis par le charme de cette entrée toute en fantaisie. Les Allumeuses se prosternent et dansent autour de la chanteuse avec des masques de tigre en fourrure.

C’est un retour en arrière au son des chansons de leur premier album datant de 2018, Crève ton cœur. Enfants Sauvages présentent les titres Rien, Serpent ou Quoi. Par ailleurs, l’album fut enregistré live au Pantoum, ce qui en fait le meilleur endroit pour célébrer les dix ans d’existence du band.

Acte B : Arythmie like a Virgin

Rox réapparait cette fois au son de Like a Virgin en robe de mariée blanche. Je me suis caché le temps de m’assurer qu’elle ne lance aucun bouquet dans la foule. Enfants sauvages nous gâte vraiment avec ce spectacle monté pour tenir le public en haleine. Cet acte est dominé par les chansons de leur deuxième album, sorti en 2023. L’album Arythmie m’a par ailleurs fait connaitre le groupe et revient fréquemment hanter mon char lors des longues routes.

Acte C : Avant la mort like a prayer

Cette fois, Rox porte la classique petite robe noire lorsqu’elle s’agenouille sur la chanson Like a Prayer. Quand on y pense, il est un peu ironique d’être à genoux lorsqu’on comprend le double sens de la chanson… If you know, you know.

Cet acte met en scène le plus récent album sorti en mai, vingt titres listés à entendre avant la mort. C’est le manifeste d’un groupe de jeunes musiciens s’autoproclamant insolent aillant atteint la pleine maturité de son art. J’imagine que calquer le setlist au rythme de l’évolution du band était peut-être l’effet escompté.

Le rideau de la soirée tombe sur leur chanson Pavillon du ciel. C’est un bon moyen de nous amener au septième ciel avant de nous brûler les ailes. Sous le feu des projecteurs s’éteint un show d’Halloween qui fut du bonbon pour tous ceux qui étaient présents.

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Rédaction & Photo : Jerry Cherry

Correction et révision : Julie Fortin

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